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En Albolote (Granada) se entregaron los premios de la cuarta edición del certamen de teatro “José Moreno Arenas” Por Antonio Mansilla
Albolote celebró en la noche del sábado [6 de abril 2013] el acto de entrega de premios de la cuarta edición del certamen de teatro dramaturgo José Moreno Arenas, que fue presentado en un acto público en la sala octogonal del Centro Sociocultural “Fernando de los Ríos” de Albolote (Granada - España). Después de la apertura, intervino Antonio Sánchez Trigueros, catedrático de Teoría de la Literatura de la Universidad de Granada y patrono de la Fundación Carvajal, como entidad que patrocina el premio. También se presentó el libro conmemorativo de la cuarta edición del premio a cargo de su prologuista, María Jesús Orozco Vera, profesora de la Universidad de Sevilla, para continuar con la intervención del dramaturgo José Moreno Arenas. Un acto muy emotivo fue la entrega de los premios, y las lecturas dramatizadas, que animaron a la gran cantidad de espectadores que acudieron al evento cultural de Albolote. Las lecturas dramatizadas, embelesaron a los asistentes, en concreto cuando se puso en escena la obra, Amina, de Carmen Pombero, ganadora del premio en la modalidad de teatro breve; a cargo del grupo Zarzamora de teatro de Albolote, con reparto de Milagros Estepa, Rosi Torrealba, Belén García, Juan Antonio Carrillo, Irena García, y Patricia Cantero, bajo la dirección de Antonio Morell. También gustó mucho al público, la lectura dramatizada de “Conversación 24”, de Roger Simeón, premio modalidad teatro mínimo, a cargo de Amefa Teatro, de Albolote, con reparto de Francisco zarza, y Antonia Díaz Torres, y la dirección de Francisco Zarza. Pero especial expectación provocó en el público la lectura dramatizada de “El Zombi”, de José Moreno Arenas, con la intervención del actor alboloteño, Juan Vinuesa, en colaboración de Genoveva Jiménez, Chelo Araque y Pablo Ramírez, dirigida por Carmen Ruiz-Mingorance. Como colofón del acto, la concejala de cultura de Albolote y diputada provincial, anunció la convocatoria del quinto certamen de teatro 2013, “Dramaturgo José Moreno Arenas”, que quedó anunciado y convocado el sábado.
Premios y premiados El premio ha recaído, en la cuarta edición, en la modalidad de Teatro Breve, en la obra “Amina”, de la sevillana Carmen Pombero, y en la modalidad de Teatro Mínimo, en la obra “Conversación 24”, del barcelonés Roger Simeon. A esta cuarta edición se han presentado cerca de 40 obras procedentes de España y varios países del centro y sur de América. Carmen Pombero (Sevilla, 1973), con la obra “Amina” se ha visto recompensada con el primer premio de la IV Edición del Certamen de Teatro “Dramaturgo José Moreno Arenas”, en su modalidad de Teatro Breve. Es junto a Gracia Morales, Damaris Matos, Mercedes León… una de las representantes de la nueva dramaturgia femenina andaluza. Su teatro, caracterizado por una mezcla de fantasía y realidad, una fuerte crítica social, un marcado simbolismo y un toque de humos ácido, persigue la búsqueda de la identidad. Además de dramaturga, es guionista de televisión, habiendo participado en series como “Sin tetas no hay paraíso” u “Hospital Central”. El premio en la modalidad de Teatro Mínimo ha sido para el periodista y dramaturgo Roger Simeon (Tordera, 1978) por la obra “Conversación 24”. Autor muy laureado en los últimos años, tras subir a los escenarios catalanes su pieza “Tú y yo”, decidió estrenarla en Londres, obteniendo un meritorio reconocimiento hacia sus personajes. Su teatro, que ha sido definido como “empirismo escénico”, nos desvela hasta qué punto utiliza el autor su formación filosófica para plantear cuestiones universales. Como así lo exigen las bases del certamen, la cuarta edición cuenta con dos accésits por cada una de las modalidades: “La bañera”, de la autora argentina Yanina Edith Labollita; y “La vida loca”, del conocido autor madrileño César López Llera, en Teatro Breve. Y en la especialidad de Teatro Mínimo, los accésits han sido para las obras “Madame Ho Lee”, del alicantino Orland Verdú, y “El móvil del muerto”, de la valenciana Antonia Bueno. Los miembros del jurado de la cuarta edición fueron, Marta Nievas Ballesteros, Concejala de Cultura del Ayuntamiento de Albolote; Antonio Sánchez Trigueros, Catedrático de Teoría de la Literatura de la Universidad de Granada; María Jesús Orozco Vera, profesora de Literatura de la Universidad de Sevilla; Alfonso Alcalá Moreno, responsable de Cultura de la Diputación Provincial de Granada; Carmen Ruiz-Mingorance, directora de Teatro; José Membrive Membrive, director de Ediciones Carena; y José Moreno Arenas, dramaturgo.
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NUEVOS ESTRENOS DE OBRA DE RAIMUNDO FRANCÉS MI SUEGRA DE SE HA PERDIDO, de Raimundo Francés, se estrenó el pasado 14 de marzo por Torrezabal Kultur Etxea en Galdakao, con Adaptación de Yolanda Arzamendi y Dirección de Pablo Allende. Interpretes: Lourdes Yurrebaso, Kontxi Altuna, Aurori de la Varga, Montse Sánchez, Nekane Txarterina y Yolanda Arzamendi Los diamantes de Marbella, de Raimundo Francés, se representó en el Auditorio de León el miércoles, 27 de marzo de 2013 por la La Escuela de Música para celebrar en el Día Mundial del Teatro. La obra contó con la dirección de Fidelina Ceballo y fue interpretada por los alumnos del segundo curso del Taller de Artes Escénicas de la Escuela Municipal de Música, Danza y Artes Escénicas de León.
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ROGELIO SAN LUIS, TRADUCIDO AL GRIEGO Y CONFERENCIA SOBRE SUS OBRAS EN ATENAS A Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, Styl Rodarelis, catedrático de universidad e investigador de teatro, le ha traducido al griego unas cuantas obras, de sus sesenta y nueve registradas, para su trabajo, estudio y posible estreno y publicación. El 16 de mayo de 2013, de 19 a 21 horas en la Universidad Popular de Atenas, este investigador pronunciará una conferencia, titulada: “EL TEATRO DE ROGELIO SAN LUIS. SUS OBRAS Y SU VISIÓN DEL TEATRO.
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sobre Annete y La corrida de Rafael Granizo “Annete” de Rafael Granizo. Una obra dura, difícil, donde los malos tratos y la violencia de género dan vida a una mujer que enamorada sucumbe a un enfermizo amor que va a ir convirtiendo su vida en un infierno. Estrenada en el Certamen de teatro Ana María Vidal el 25 de febrero de 2012, repuesta en Villanueva de la Cañada el 3 de marzo de éste mismo año y estrenada en Madrid el 16 de Junio en el Centro Cultural Julio Cortázar. Actualmente tenemos concertadas actuaciones en Sevilla la Nueva, Toledo, Getafe, Madrid, seleccionada para el XX Certamen de teatro aficionado de El Álamo, así como en Institutos por su carácter social y educativo. Próximas actuaciones funciones de "Annete" 10 de Noviembre en Getafe (Madrid) en el Teatro Centro Cívico la Alhóndiga. 24 de Noviembre en el XX Certamen de Teatro aficionado Villa de El Álamo (Madrid 25 de Noviembre, En el día Internacional contra la Violencia de Género en Brunete (Madrid) “La corrida” de Rafael Granizo hace su primera puesta en escena con dicha obra, inaugurando el Certamen de Teatro Ana María Vidal del 2009 y siendo repuesta el 9 de abril de 2010 en Villanueva de la Cañada. Ambas obras están subidas en textos teatrales. Para ir, pulsa en las mascaritas de abajo
- ANNETE
- LA CORRIDA
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Enriqueta la maltratá, de RAIMUNDO FRANCÉS, estrenada en Campanario (Badajoz) Un grupo de aficionadas al teatro, de Campanario (provincia de Badajoz) estrenó el pasado 2 de marzo de 2013 la obra ‘Enriqueta la Maltratá’ en el Teatro Olimpia de la localidad. Son ocho mujeres de Campanario, amas de casa y trabajadoras, han encontrado en el teatro una forma de expandirse, divertirse y pasarlo bien. Ya pusieron en escena la conocida obra de ‘La casa de Bernarda Alba’, de Federico García Lorca. La función resultó todo un éxito, ya que lograron colgar el cartel de 'no hay entradas'. De hecho, hubo gran cantidad de público que se quedó sin poder entrar a ver la función, por lo que este grupo teatral aficionado ha decidido que en abril la volverá a repetir.
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CARMEN RESINO Y XABI PUERTA, ÚLTIMOS AUTORES DE LA COLECCIÓN “El Teatro Puede”
La sala Manuel de Falla, de la SGAE, acogió el pasado 16 de enero de 2013 el acto de presentación de los dos últimos libros de la colección “El Teatro Puede”, correspondientes a los autores Carmen Resino y Xabi Puerta, de los que se publicaban sus textos inéditos Reparación y Las migas del tiempo. El veterano dramaturgo Fermín Cabal, también vicepresidente del colegio de Gran Derecho de la SGAE, presidió el acto, ejerciendo como maestro de ceremonias de una mesa en la que estuvieron presentes los dos autores junto a los prologuistas de sus obras: Javier Villán en el caso de Xabi Puerta y Rafael Fuentes en el de Carmen Resino, junto al editor Antonio Huerga (en representación de Huerga y Fierro Editores). Fermín Cabal destacó en todo momento el valor que posee el libro teatral en sí como soporte que fija los textos y permite que las obras transiten de un lugar a otro para conseguir que se conozcan y difundan, y así multiplicar las posibilidades de una puesta en escena de las mismas. En ese sentido, también resaltó el valor añadido que posee la colección “El teatro puede”, que no se limita a realizar un simple trabajo de edición, sino que está englobada en un proyecto internacional de promoción de los dramaturgos españoles vivos en todo el planeta. Reparación, de Carmen Resino, aborda la corrupción en la justicia. Las migas del tiempo, de Xabi Puerta, dramatiza la odisea que vivió el cosmonauta soviético que se vió atrapado en la plataforma espacial MIR cuando se derrumbó la ya extinta URSS. Ambas obras aportan una reflexión de fondo sobre los males congénitos de la sociedad actual y la necesidad de alcanzar un mundo mejor, preocupación que destacaron los prologuistas Javier Villán y Rafael Fuentes al mismo tiempo que repasaban los valores literarios de los textos. La colección “El Teatro Puede” es proyecto desarrollado por UNESCO Comunidad de Madrid y coordinado por la dramaturga Juana Escabias que cuenta con el apoyo del Ministerio de Asuntos Exteriores de España a través de sus redes culturales. El acto de presentación de los dos últimos títulos de la colección congregó a un abundante público relacionado con todos los ámbitos del sector teatral.
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NUEVO ESTRENO DE RAIMUNDO FRANCÉS
El pasado 7 de diciembre de 2012, en San Fernando (Cádiz), se representó la obra de Raimundo Francés ¡BIENVENIDO MR. MORGAN! en el Salón de actos del Club Naval de Oficiales, por el Grupo: Simpatía. La función estaba organizada por el Club Naval de Oficiales. Esta obra se puede leer / bajar desde:
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COSAS DE GEMELOS, DE RAIMUNDO FRANCÉS, EN ZÚJAR (GRANADA)
“COSAS DE GEMELOS”, de Raimundo Francés, se representó el pasado 10 de noviembre, en el salón de actos del colegio de Zújar, en la provincia de Granada (España) a cargo del Grupo de Teatro Amateur de la Asociación de Mujeres y Hombres por la Igualdad de Cuevas del Campo. La función tuvo carácter de Teatro para público invidente. Esta obra se puede leer / bajar desde:
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ESTRENAN OBRAS DE RAIMUNDO FRANCÉS “BIENVENIDO MR. MORGAN”, se representó el 20 septiembre de 2012 en San Fernando (Cádiz) en la Sala de la Casa de la Cultura, por el Grupo Simpatía, Teatro. La organización corrió a cargo de la Asociación 24 de septiembre de 1810. Asimismo se representó "¿Dónde está el fiambre?" por la Asociación Clara Campoamor,
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El profesor John P. Gabriele analiza la obra El escuchador de hielo, de Alfonso Vallejo John P. Gabriele (The College of Wooster) ha publicado en la revista SIGLO XXI (número 8) un artículo titulado EL TEATRO COMO ARTE FENÓMENOLÓGICO Y EXPERIENCIA INTELECTUAL: EL ESCUCHADOR DE HIELO, DE ALFONSO VALLEJO.
El teatro de Alfonso Vallejo (Santander, 1943) -escribe John P. Gabriele- se centra en lo incierto, lo fugaz y lo efímero de la vida, en esas situaciones transitorias que muy a menudo se pasan por alto o se rechazan categóricamente por su aparente insignificancia trascendental. Vallejo no es partidario de la representación mimética directa, clara y concisa. Repudia especificar el tiempo y el espacio, construir mundos estables, crear personajes fijos y optar por conflictos bien trazados. Sus textos evolucionan fragmentariamente, las tramas son fracturadas y la narración es imprevisible. La acción da la impresión de ser improvisada e inconsciente. Sus obras enganchan emocional, intelectual y estéticamente. Decidido a superar lo real y celebrar el teatro como espectáculo público participativo, Vallejo se propone a encandilar a sus espectadores con escenas que mueven el ánimo, crean afectos emocionales y psicológicos e invitan a la participación en un ejercicio cerebral. Vallejo percibe el escenario teatral como espacio virgen, como foro desnudo y despojado, carente de argumento a priori que contar y desprovisto de un conocimiento codificado de lo que es el acto teatral, Su misión como dramaturgo, como él mismo sugiere, es confeccionar un fenómeno provocador y estimulante. "El presente trabajo tiene como objeto mostrar cómo Alfonso Vallejo se sirve de tres recursos, concretamente el metateatro, la metalepsis y la intertextualidad, en El escuchador de hielo (2007) para asentar su teoría particular de la experiencia teatral. Mi intención es mostrar cómo la creación de un mundo más bien sentido e intuido en El escuchador de hielo refleja la orientación fenomenológica e intelectual de la dramaturgia de Vallejo y cómo esto le permite al autor plantear dos cuestiones de importancia global: ¿por qué y para qué es el arte? y ¿por qué y para que es la vida?" El articulo de Gabriele concluye: "La realidad en el teatro de Alfonso Vallejo es el principio, el medio y el fin pero no es evidente que es así. Para Vallejo, el teatro no es un espejo para reflejar la realidad sino un foro para redescubrirla y recuperarla y una fragua para refundirla. Su mensaje está claro. Antes de conocer la realidad, hay que sondarla utilizando el acto teatral como instrumento de la indagación. El teatro de Vallejo es un acto enunciativo que obliga a que el espectador no se quede al lado del acto que presencia en el escenario sino que se inmiscuya y que se enrede con el fin de examinarse más de cerca a sí mismo y la realidad que le rodea. El dramaturgo no quiere que sus espectadores permanezcan pasivamente sentados en sus butacas. Quiere elevarlos a partícipes activos. Quiere dislocarlos para que se inquieten y acepten el envite de verse sacudidos por lo que el autor presenta en el escenario. Quiere despertar en ellos su curiosidad mediante el teatro como fenómeno artístico y ejercicio intelectual para que se enfrenten con y se conozcan a sí mismos.". El trabajo de competa con una amplia bibliografía de Alfonso Vallejo
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Estreno de MI SUEGRA SE HA PERDIDO, de Raimundo francés
El pasado 10 de junio de 2012 se estrenó la comedia “MI SUEGRA SE HA PERDIDO”, de Raimundo Francés. La representación corrió a cargo de “Alborada” Grup de Teatre de Cunit, en la Sala Municipal de Cunit (Tarragona) Esta obra se puede leer / bajar desde el Catálogo de Textos de NOTICIAS TEATRALES
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José Moreno Arenas y Julio Martínez Velasco obtienen el Premio «Andalucía» de la Crítica 2011 y 2012, respectivamente, en la modalidad de Teatro
El 15 de junio de 2012, en el Palacio de los Condes de Gabia (Granada, España), se anunció el fallo del Jurado del I y II PREMIO «ANDALUCÍA» DE LA CRÍTICA 2011 y 2012 en la modalidad de TEATRO. Ambos Jurados han estado constituidos por miembros de la “Asociación”, profesores de Universidad, dramaturgos, investigadores, críticos teatrales, periodistas y otras personas de reconocidos prestigio y trayectoria en el panorama teatral andaluz.
El primer Jurado, constituido por Francisco Morales Lomas, María Jesús Bajo Martínez, José Membrive Membrive, Milagros Rivas Fondevila, Antonio Sánchez Trigueros y Remedios Sánchez García (Secretaria) ha decidido conceder el I PREMIO «ANDALUCÍA» DE LA CRÍTICA DE TEATRO 2011 al libro Dramatic Snippets / Pulgas dramáticas, de José Moreno Arenas (Ediciones de Gestos), debido a que “variedad formal, espíritu crítico, actualidad y modernidad concurren en estas minipiezas que son un género dramático en sí mismo creado por Moreno Arenas, que apuesta por un diálogo teatral silencioso con el espectador, lleno de sugerencias y simbolizaciones, para las que se complace con el minimalismo formal de los gestos y la tenue línea de la imperceptible palabra junto a la agudeza del espectador. Teatro de la conciencia, teatro del momento para gente con prisas, pero también de la reflexión de lo que somos y el lugar adonde vamos” y a que “las veinte minipiezas reunidas en el libro son una interesante muestra de la autoridad creadora que José Moreno Arenas manifiesta sobre el teatro mínimo.
El segundo Jurado, constituido por Francisco Morales Lomas, José Membrive Membrive, Andrés Molinari, José Antonio Sedeño López, Juan Luis Tapia Martín y Remedios Sánchez García (Secretaria) ha decidido conceder el II PREMIO «ANDALUCÍA» DE LA CRÍTICA DE TEATRO 2012 al libro Teatro de la libertad: sofocado en el franquismo, de Julio Martínez Velasco (Diputación Provincial de Sevilla), debido a que se trata de un “libro de gran variedad formal y enorme riqueza de situaciones y propuestas escénicas que conforman perfectamente el espíritu de una época desde una actitud crítica y comprometida. Sus múltiples registros y su sabiduría en la construcción de personajes y situaciones que van desde la comedia a la tragedia y desde el ámbito jergal al más literaturizado permiten hablarnos de un escritor versátil y rico en los detalles y en los matices a la hora de profundizar en el ser humano, ofreciendo siempre una impronta personal y una creación original y propia que nos permite hablar de uno de los referentes del teatro sevillano actual” y a “su importante labor de recuperación de un teatro que padeció la represión de la censura franquista, con la consiguiente labor de rescate de un espacio de la memoria cultural y social.
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¡Es que no me entiendes! , de RAIMUNDO FRANCÉS, se representó en tomelloso (ciudad real)
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“Extraño anuncio” en Adolfo Marsillach, Teatro completo Por Magda Ruggeri “Extraño anuncio” en Adolfo Marsillach, Teatro completo, edición e introducción de Pedro M.Víllora prólogos de Luis María Ansón y Mercedes Lezcano, ed. AAT, Madrid, 2003, pp.451-504.
Con ocasión del estreno de Extraño anuncio, dirigido por Mercedes Lezcano en el Teatro Valle Inclán, hemos revisitado el interesante texto, escrito en 1992 pero todavía actual. Se trata de una pieza inquietante, singular, donde realidad y sueño se confunden y en ese sentido bebe de Calderón, Pirandello y Buero Vallejo. El suspense se mezcla con el absurdo, y el humor, como en Jardiel Poncela, surge como reacción a unos personajes y situaciones desconcertantes. El mismo autor lo definía «un juego» en el que se investiga sobre la extraña naturaleza de la realidad y del tiempo, donde Marsillach, sin duda enterado de las lecciones de la física moderna, mezcla los planos temporales y los ámbitos de percepción. La acción comienza cuando un hombre anciano recibe la visita inesperada de una chica que trae un periódico en que se anuncia la disponibilidad del piso, e incluso la dueña de la casa le había especificado por teléfono que se ponía en alquiler, porque su marido había muerto hacía un mes. A partir de ahí se suceden situaciones sorprendentes y extrañas con final abierto a la imaginación del espectador. Pronto se percibe que se trata de una pesadilla del protagonista. La mujer vive su propio sueño, pero el lector repara en que ambos comparten elementos comunes de presunta realidad objetiva, tales como el anuncio del periódico y la llegada de los mozos de la mudanza. El novedoso planteamiento va más allá de los tradicionales juegos del relativismo temporal, de referencia einsteniana, y alude a conceptos de la teoría cuántica: así se concede sustantividad a la coexistencia de estados clásicamente incompatibles como los de vivo y muerto (paradoja del “gato de Schrödinger”), o bien espacios oníricos personales en principio independientes, como los del marido y la mujer, cada uno dotado de su peculiar e irreal coherencia interna, aparecen ligados a través de hechos comunes que también observa el espectador. No en vano el «entrelazamiento» (entanglement) «es el rasgo característico de la mecánica cuántica, aquel que impone su total separación de las líneas clásicas de pensamiento» (Erwin Schrödinger, 1935), en palabras de uno de los fundadores de la teoría. Se trasciende el clásico dualismo o contraposición vida (sinónimo de “realidad objetiva”) – sueño, tradicionalmente adscrito a la esfera individual, para involucrar ahora simultáneamente a más de un sujeto. Aquí ya ni siquiera el espectador es referente de una presunta realidad objetiva externa. Como hombre de teatro que siempre ha sido, Marsillach resuelve buena parte de de la puesta en escena con las detalladas acotaciones que describen a los personajes, sus estados de ánimo y sensaciones, así como la escenografía. Tampoco descuida el espacio sonoro, y para los momentos más significativos precisa: «Concierto para piano n.21 en Do mayor». La obra demanda al lector un importante esfuerzo de concentración para intentar extraer del entrecruzamiento de planos temporales y causales un hilo lógico de los eventos, pero la tarea se ve amenizada por los diálogos y las situaciones inteligentes e hilarantes.
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ROGELIO SAN LUIS GANADOR, CON DOS OBRAS, EN LA REPÚBLICA DOMINICANA
Rogelio San Luis, autor teatral y humorista, resultó ganador en el VI Festival Teatral de Santiago (República Dominicana), reconocido por la O.E.I. como una de las Experiencias Educativas y Artísticas más sobresalientes en Latinoamérica, con su tragedia poética en un acto “OLAS, PALABRAS DEL MAR” y su farsa breve de humor crítico “UNA CAMA EN EL JARDÍN”. La primera es el mar entre dos continentes. En una playa está un viejo pianista desolado y en la otra una joven frustrada. El Coro de Olas de chicas es monólogo, diálogo con los personajes, expresión corporal y silencio. Nace el amor. Envío de alianzas, bailan, pescan carne y otros alimentos, ballet sobre las aguas en un sueño, moisés con un niño. Muere. Entierro en cada playa. Van a buscarse y perecen. La segunda es una pareja de marginados. Dejaron la ciudad y viven en el jardín. Traen una cama para dormir en él. Un poderoso lo compra y expulsa a todos. Voces de una gran manifestación. Juegan al golf y cada uno hace de caddie. Se rebelan. Sus palos, en un cruel juego de golf, lo matarán en el último hoyo. Traen la cama. Duermen. Despiertan. Nadie podrá privatizar la primavera. Trino de pájaros. “Olas, palabras del mar”, que se la solicitaron al autor por ser el tema de este año Hombre y Naturaleza, se estrenó en el teatro del Instituto Politécnico Femenino de Nuestra Señora de la Esperanza y “Una cama en el jardín” en el teatro del Colegio La Salle dentro del primer Concurso Internacional de Dramaturgia Breve. Al ser ambas ganadoras, se representaron en el Gran Teatro del Cibao con un gran éxito. El creador de “Una cama en el jardín” es considerado el mejor Autor Original y sus protagonistas la mejor actriz y actor. El texto se publicará en una Antología Internacional de Teatro Breve en el que figurarán autores dominicanos, cubanos, brasileños, argentinos y españoles. Finalmente, las obras harán la Ruta de los Municipios de la ciudad de Santiago y otros lugares.
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Laura Dolfi, Luis de Góngora. Cómo escribir teatro Editorial Renacimiento, Sevilla, 2011, 330 pp. Por Magda Ruggeri Marchetti
En este 2011, cuando se cumplen los cuatrocientos cincuenta años del nacimiento de Luis de Góngora, la Editorial Renacimiento publica un libro muy novedoso que llena por fin lo que podría considerarse un inexplicable vacío en las investigaciones críticas sobre el poeta cordobés. Se trata de un estudio amplio y exhaustivo que, analizando la producción dramática de Góngora desde diferentes puntos de vista, consigue destacar de manera muy clara sus características y su fundamental objetivo, o sea su intento de proponer un “arte nuevo de hacer comedias” muy diferente del de Lope de Vega. La autora de este importante análisis es Laura Dolfi, una destacada hispanista italiana, a quien se le debe la bella edición comentada del Teatro completo de Góngora publicada por Cátedra, hace ya años, en la conocida colección de “Letras Hispánicas” y también una edición con amplio estudio de las Las firmezas de Isabela, aparecida en Italia en 1983. Dolfi guía al lector en un recorrido sugerente que liga el teatro gongorino a la biografía del autor (viajes, vida cotidiana, costumbres cortesanas, etc.) y a sus lecturas, españolas e italianas: desde Gaspar de Aguilar al mismo Lope de Vega, desde Ludovico Ariosto a Torquato Tasso. De la misma manera, analiza su estilo y aisla las frecuentes referencias mitológicas o bíblicas demostrando su constante coherencia (por analogía o por contraste) con el tema tratado. Igualmente interesante nos parece el enfoque que Dolfi ofrece de la personalidad insólita de los protagonistas (unas cazadoras desdeñosas, unos mercaderes, y un médico embustero que actúa de alcahuete) así como su énfasis en subrayar que Góngora nunca se olvidó de su público, y esto a pesar de que quisiera escribir y escribiera, un teatro ‘sublime’: por su estilo más complejo y por su contenido a menudo extremado. Si en efecto el breve fragmento de la juvenil Comedia venatoria (1582-86) o los dos actos de El doctor Carlino (1613), y precisamente por haber quedado interrumpidos, son textos inevitablemente condenados a la simple lectura, el de Las firmezas de Isabela (1610) se ajusta bien a las exigencias del escenario, siendo una típica comedia de enredo, con sus ficciones, disfraces, mentiras y celos, y con un divertido y dinámico desenlace donde los equívocos se multiplican hasta lo inverosímil. Difícil, pero también divertido, el teatro de Góngora nos proporciona unas inolvidables descripciones de la caza, del paisaje abrupto de Toledo, y de la belleza femenina. El tema del honor, central tanto en El doctor Carlino como en Las firmezas de Isabela llega a sus extremos de descarada profanación y de injustificada obsesión. Éstas y otras muchas observaciones resaltan en este libro, que no dudamos en considerar imprescindible, no sólo para los admiradores de la obra de Góngora, sino incluso para todo aficionado al teatro del Siglo de Oro. Además, esta monografía, que destaca por el rigor de la investigación, la inteligencia de los comentarios, y la claridad de la exposición, la completan dos importantes apéndices. En el primero encontramos unos análisis comparativos que enlazan una escena del teatro de Góngora con la pintura de El Greco, o que estudian la refundición de El doctor Carlino escrita por Antonio de Solís y Rivadeneyra; en el segundo un útil panorama sobre la difusión manuscrita e impresa de las tres comedias analizadas.
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Jerónimo López Mozo, La verdad de los sueños
Por Magda Ruggeri Marchetti
La verdad de los sueños es la primera obra para jóvenes de Jerónimo López Mozo, que afirma no haberse atrevido a aventurarse antes en el género creyendo no estar capacitado para dirigirse a ese público con un lenguaje adecuado. Con esta pieza ha demostrado con creces lo contrario, habiendo sido galardonado con el premio del «V Concurso iberoamericano de dramaturgia infantil y juvenil». En efecto la obra resulta muy atractiva para el gusto juvenil tanto por su estructura fantástica, con saltos espaciales y temporales y movimientos frenéticos de la protagonista a través del patio de butacas, como por el lenguaje rico en apodos y expresiones típicas de los jóvenes. Aunque trate un tema serio, está concebida como una vivencia onírica, con su ambivalencia de ensoñación o pesadilla, que podría recordar a Alicia en el país de las maravillas. Sin embargo es patente la influencia, al menos subliminal, de Calderón y Buero Vallejo, autores muy estimados por López Mozo. Así el título de esta obra recuerda una frase de Aventura en lo gris: «en el sueño es donde tocamos nuestro fondo más verdadero». Como en Buero, aquí el sueño es parte esencial de la realidad profunda del individuo. El autor en la Nota previa expresa su agradecimiento a Rosa Montero (El negro en “El país” del 17 de mayo de 2005) por haberle inspirado la primera escena, pero se puede afirmar que toda la obra trata del problema de la inmigración y del racismo, de los que ya había hablado en otra obra suya, Ahlán, escrita en 1997. En efecto López Mozo siempre se ha opuesto a las fronteras, entendidas como barreras que impiden la libre circulación de las personas, porque considera al ser humano como nómada por naturaleza. Está convencido de que el caso de España, país en el que han convivido varias culturas, el inmigrante por razones económicas siempre ha sido marginado. Hay un racismo que en el pasado ha permanecido latente, pero que se ha hecho muy visible con ocasión de las grandes crisis actuales. Este racismo lo expresa en un primer momento la protagonista, Laura, una joven colegiala que en la primera escena acusa al joven negro de aprovechar su comida, mientras es ella quien por confusión come en el plato del joven. Es racismo el del Profesor que considera peligrosa («territorio comanche») la zona de su escuela porque pulula en ella una creciente población juvenil multirracial que está llegando a ser dominante y teme que acabe imprimiendo su cultura y religión. En cuanto termina sus clases se va a su casa que «afortunadamente» está lejos de aquel lugar. En el fantástico viaje de Laura a la búsqueda de Tamba, el joven al que ha robado la comida, emergen todos los problemas de la inmigración que contemplamos muy frecuentemente en nuestras ciudades. La chica ve a Tamba «vendiendo discos » en la acera y también escapar a la vista de la policía, le encuentra magullado tras sufrir la agresión de un grupo de skinheads y no consigue convencerle para que acuda a un hospital porque sabe que le detendrán para expulsarle del país por estar sin papeles. Para tenerlos tiene que dirigirse a un individuo que se define Gestor y que inmediatamente le pregunta «¿Cuánto estás dispuesto a pagar por los papeles que precisas?» para concluir que «sin trabajo no hay papeles y sin papeles no hay trabajo». En su sueño Laura conversa con varios personajes, con el público y con los tramoyistas que continuamente cambian la escena poniendo comedores, calles, plazas, parques y otras elementos urbanos. Ella misma confiesa tener «un sueño la mar de extraño», pero al final su mensaje no puede ser más claro. No ha conseguido hallar al joven negro a quien quitó la comida, pero en todas partes encuentra a otros como él, se acerca a ellos y les dice «¡hola!» y dirigiéndose al público pregunta «¿Habéis probado a hacerlo?, ¿A qué esperáis?». Nos parece capital esta intervención que cierra la obra y muy adecuada para enseñar a los jóvenes un comportamiento humano y civil. López Mozo es consciente de que el problema de la inmigración es complejo y muy delicado y percibe que muchas veces la mayoría ve al extranjero como a alguien que viene a competir por los pocos puestos de trabajo disponibles. Pero su posición ante el problema está clara: le apena que en España se rechace al inmigrante a pesar de que en el pasado muchos españoles fueron bien acogidos en Latinoamérica, tanto por motivos económicos como políticos, en especial tras la Guerra Civil.
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LA VERDAD SOBRE FLORENCIO SÁNCHEZ Por Jorge Arias
En ocasión del centenario de la muerte de Florencio Sánchez nuestras autoridades culturales organizaron una serie de homenajes, con puestas en escena que revelaron un desconocimiento general de lo que el autor intentó realizar. Quizás el comienzo de esta incomprensión estuvo en unas palabras del crítico Samuel Blixen, que recomendó a Sánchez “Déjese de tesis…de personajes simbólicos, de socialismo y anarquismo en acción… hágase sainetero, pintor exacto de los tipos y costumbres…”. La posteridad recogió y adhirió la etiqueta de “costumbrismo” que no se despegó hasta hoy. Sucedió con Sánchez un fenómeno que explicó Schopenhauer (“El arte de la controversia”): “…la llamada opinión universal es la opinión de dos o tres personas…la gente…supone que… han llegado cuidadosamente a esa convicción. Otras personas, convencidas de que los primeros tenían la capacidad requerida, la aceptan... otros, cuya pereza les sugiere que es mejor creer sin más que… verificar…El resto… es compelido a aceptar lo que ya ha sido universalmente establecido… En este punto, la adhesión es un deber…” Para el examen de la verdadera obra dramática de Florencio Sánchez debió tenerse presente la impar coherencia entre su pensamiento y su obra. Sánchez era anarquista militante, y Daniel Vidal, en su libro “Florencio Sánchez y el anarquismo”, demuestra su fervor revolucionario; pero no le interesó la obra dramática de Sánchez como exposición de tesis anarquistas. Esta consideración, sin embargo, es imprescindible, porque todas las escenificaciones de las piezas de Sánchez que vimos las presentan invertebradas y cojitrancas, si no castradas, y por ello hasta difíciles de entender. Creemos que más de un director se limitó a hacer hablar a los actores, en la esperanza de que Sánchez hablara por sí mismo. Esto es posible, en teoría; pero es imposible en un autor tan discretamente sutil como Sánchez. Nunca muestra sus cartas: tenía como norma no adoctrinar ni catequizar. Su propósito era sugerir, incitar, hacer pensar. Las tesis y normas éticas del anarquismo que aparecen escenificadas en las obras de Florencio Sánchez son las clásicas. Defensa de la vida y de la libertad; necesidad, para alcanzar la libertad, de la autoemancipación, individual y colectiva; negación de toda libertad que provenga del exterior del hombre, con la consecuencia de la necesaria gestión popular y autónoma de la tierra, el comercio y la industria; negación de toda autoridad del Estado y la religión; por ello menosprecio de la ley, jueces, funcionarios y sacerdotes; negación de la autoridad dentro de la familia y por tanto defensa de la mujer, maltratada, inferiorizada y explotada; culto de la educación como medio de desarrollo personal; culto de la verdad y de la coherencia entre conducta e ideas. Los errores que siguen pertenecen a ensayistas, tratadistas, profesores de literatura, críticos de teatro e investigadores. Silenciaremos, por piedad, el nombre de los autores. ________________________________________________________ Uno de los casos de error menos conocidos, pese a la gran difusión de la obra, es “Barranca abajo”, que no es la “…lucha… del hombre acosado por la injusticia, por el egoísmo y por la maldad…” ni trata de “ …la corruptela… de los caudillos lugareños, cuyos manipuleos y sobornos traban a autoridades judiciales y representantes del orden”; no existe el “…desmesurado orgullo” del protagonista, ni la pieza ejemplifica “…el enfrentamiento entre países dependientes y subdesarrollados y el imperialismo” (¡en 1905!). “Barranca abajo” es el canto del cisne de la reforma agraria de Artigas (1815), uno de cuyos donatarios debió ser el abuelo de don Zoilo. La distribución de tierras de Artigas fracasó en el Uruguay independiente: triunfaron todas las acciones reivindicatorias promovidas por los propietarios con títulos otorgados por la corona española, acciones que menciona por su nombre don Zoilo en la escena XXI del acto I. Como anarquista, Sánchez no podía sino admirar aquella reforma agraria, fundada en una expropiación sin pago. El problema social resultante fue de relieve. Hubo en el siglo XIX leyes de prórroga de los lanzamientos de los colonos, mediaciones del Estado uruguayo entre las partes y hasta resistencia a mano armada. Todo esto puede leerse en el libro de De la Torre, Rodríguez y Sala de Tourón “Artigas, tierra y revolución”, Ed. Arca, 1967. Hay en “Barranca abajo” dos tesis libertarias más. Don Zoilo abusó de su autoridad como pater familiae y malgastó la parte que le correspondía en la herencia paterna a su hermana Rudecinda, lo que confiesa y es una de los motivos de su suicidio. Pero la pieza incluye también la tesis del derecho a morir, que aparece en la escena final, cuando Aniceto pretende disuadir a don Zoilo de su propósito de suicidarse y luego acepta la decisión de su patrón, porque todo hombre tiene un derecho inalienable a disponer de su vida. _______________________________________________________ La incomprensión de Sánchez por la posteridad es más flagrante en “Los muertos”, pieza cuya tesis es mucho más explícita que la de “Barranca abajo”. Se la ha considerado una obra sobre el alcoholismo “… un dramón que explota todos los recursos de la sensiblería para mostrar la ruina de un hombre y su familia a causa del alcohol”. En realidad el propósito de la obra es ejemplificar dos tesis libertarias: una es el derecho a la libertad sexual de la mujer separada del marido, aunque no haya tramitado la “separación de cuerpos”; la otra, que aparece también en “En familia”, es el peligro de toda liberación por agentes externos. Julián, el amante de Amelia, es más autoritario machista y destructor que, Lisandro, el marido borracho. La protagonista de la obra es Amelia, que si logra liberarse del marido no supera la idea de la subordinación de la mujer al hombre. Al comienzo de la obra, Sánchez le confía la enunciación de sus ideas de libertad: “AMELIA. (a Lisandro) ¡Mátame!... Sería lo único que te quedara por hacer; completar la obra... ¡Estarías en tu derecho, desde que sos el marido!... A ustedes les permite todo la ley, la sociedad y… hasta la religión... ¡Mátame!... ¡Mátame! ¡y mátate!... Tal vez sea mejor!”.. Cuesta creer que se haya escrito que Sánchez se propuso en “Los muertos”, una obra sobre las consecuencias del abuso del alcohol, y no un manifiesto feminista, que es su verdadero propósito, una especie de “Declaración de Derechos” del erotismo femenino. A Sánchez no le interesan ni Lisandro ni su alcoholismo. Le interesa la tesis, inaceptable en su época, del derecho al sexo no matrimonial, inmediatamente después de la separación y siempre que hayan mediado verdad y sinceramiento, ¡ derecho que el Uruguay sólo concedió a los cónyuges el 27 de diciembre de 2007, por el artículo 22° de la ley 18.246! Pero Sánchez persiguió en “Los muertos” un segundo y más refinado propósito: denunciar a los siempre temibles redentores. Julián, el amante, no es para Amelia el amor, aunque tal vez sea el placer; y es evidente que Julián extrae más placer de pavonearse con una mujer hermosa y casada, que de su intimidad sexual con Amelia. En la primera escena Julián la inferioriza aludiendo groseramente a sus relaciones sexuales y aún haciéndola culpable de su seducción: “¡Jesús!... ¡Nunca te habré visto los brazos!...Vamos... ¡no seas pava!... Abrime pues... Se me ha antojado. Te alcancé a ver un poquito y... Bueno, vos tenés la culpa...Te pensás que impunemente se tienta la curiosidad de un hombre…” Más tarde Julián fuerza a Amelia a exhibirse con él en un café y llega al colmo cuando la obliga a llevarlo hasta la casa en que ella vive con su hijo. La frase final de Lisandro, que están todos muertos, es literal: Julián ha sido ultimado por Lisandro; la vida de Lisandro está perdida; Amelia murió también, porque no supo sobreponerse a la prepotencia masculina. ________________________________________________________ Cuando leemos que “En familia” “…corresponde a otra expresión costumbrista…. el envilecimiento del padre, que atrapado por la pasión del juego acaba en un estafador común, la frivolidad de las hijas siempre atentas a la ‘figuración social’, la abulia de Eduardo… la ineficacia de la madre, se suman en una firme línea descendente contra la que lucha y fracasa en sus propósitos generadores el ingenuo Damián”, o que “…El hijo” (Damián) “trae, al volver, un tesoro de bienestar y optimismo… Seguro, amoroso, paciente…” no podemos dar crédito a nuestros ojos. Una vez más el portaestandarte de Sánchez en la pieza es una mujer, Delfina, la esposa de Damián, que dice las únicas palabras sensatas: nada tiene que hacer Damián con aquella familia crapulosa. Pero Damián, que tiene algo del Grégers Werle de “El pato salvaje” de Ibsen, personaje cuyos ecos también resuenan en “El pasado”, es un autodesignado redentor. Quiere reformar a su imagen y semejanza a toda su familia. Quiere que trabajen sus hermanos ociosos; ellos le muestran el rostro en un espejo cuando lo rechazan; Damián aún quiere devolverle al padre la dignidad perdida. De ese ataque de omnipotencia megalomaníaca al minuto fatal de confiarle dinero a su progenitor no hubo más que un paso. Las palabras finales de Delfina son de Sánchez: “Sí, llora…¡Llora mucho, mi pobre Quijote!”. Don Quijote es un loco que también tiene la locura redentora: quiere liberar princesas y combatir gigantes. De paso, Sánchez ataca frontalmente la autoridad paterna, cosa que también sucede en “Canillita”, cuando, en una de las escenas más estremecedoras que haya escrito, el hijo derroca al padre y lo fuerza a presentarse preso en la comisaría, confesar su delito, ir a la cárcel. ___________________________________________________ Este ataque a las autoridades en general y en particular a la familia jurídica se manifiesta con su mayor intensidad en la lorquiana “Marta Gruni”, donde, como en “Yerma”, se justifica un crimen. Marcos, el hermano de Marta, se ha arrogado el papel del pater familiae soberano y con él la potestad de impedir el romance de Marta con un hombre casado, de otra clase social, que nunca se casará con ella. Por eso cuando Marcos mata al amante de Marta; ella mata a su hermano: Su última frase es “¡El mató a mi hombre y no tenía derecho! ________________________________________________________ Lo que se ha calificado de “...sainete colorido”, “Mano santa”, es, no diremos un panfleto, pero sí una cuchufleta antimarxista. Carlos tiene en su hogar “…en sitio de honor, un gran retrato de Carlos Marx y diversos cromos y alegorías socialistas” .La mujer de Carlos, María Luisa, quiere llevar a su madre enferma a un “Mano Santa”; Carlos se opone: “…impedir que se explote la ignorancia y la credulidad de la pobre gente también es socialismo…”; riñen, él, siermpre en nombre de la razón y el socialismo, le pega; la pareja, amaga separarse; se reconcilian. Carlos no sólo no debió golpear a su mujer: tampoco debió intentar imponerle sus ideas, ni siquiera en el caso en que es razonable su lucha contra la superstición y el engaño. Debió dejarla emanciparse por sí misma. La obra nos previene contra los “Mano Santa” sociales y políticos, contra la idolatría de maestros que se siguen sin crítica, como ha sucedido con Marx, que en la primera escena aparece como objeto de un culto no menos supersticioso que la fe en el “Mano santa”, tan al otro extremo del espectro. ________________________________________________________ “Nuestros hijos” ejemplifica una de las tesis preferidas del anarquismo: la inmoralidad del casamiento por “honor”, para adecentar una madre soltera: “La maternidad nunca es un delito. Si se infringe unas ley social, se ha cumplido la ley humana, que es la ley de las leyes”. Mecha suplica y se humilla ante Enrique, el padre del hijo que lleva en su seno; le ofrece un matrimonio formal, donde él no tendrá obligaciones; él se niega; andando el tiempo, Enrique la pide en matrimonio: Mecha lo rechaza. Ya. no lo ama; es inmoral una unión sin amor, como el matrimonio que le ofrece don Eloy a Jesusa, a la que sabe embarazada de Julio, en “M’hijo el dotor”.. ________________________________________________________ Florencio Sánchez concibió sus obras a partir de ideas que encarnó en personajes no sólo bien diseñados y verosímiles sino, sobre todo, portavoces de conflictos sociales y de consciencia. La imagen de un Sánchez improvisador que, intoxicado por una mezcla de alcohol y tabaco, escribe al dorso de formularios de telégrafo, es falsa y ha hecho demasiado daño. Ha dañado la memoria de Sánchez y el conocimiento de su obra, que merecían algo mejor, ha dañado al público, que lo desconoce, lo que es todavía peor. Hay que descartarla definitivamente.
Jorge Arias es crítico de teatro en exclusividad para el diario "La República", que ha autorizado esta publicación.
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Publicación de Perspectivas para un cuadro de Cremades y Montalbán-Kroebel
Perspectivas para un cuadro”, obra ganadora de la IX Edición del Premio “Alejandro Casona” que concede el Principado de Asturias, ha sido publicada por La Ratonera, publicación asturiana de teatro, en el número 32 de su colección. En el texto de Antonio Cremades y Pedro Montalbán-Kroebel, confluyen las historias de dos mujeres luchadoras. Por una parte, la del personaje bíblico Judit y la lucha de su pueblo contra el ejército invasor de Holofernes; por otra, la de la pintora italiana del siglo XVII Artemisia Gentileschi, y su lucha personal, contra la sociedad de su tiempo, tras haber sido violada. Ambas historias, que se acaban encontrando en el cuadro de Artemisia titulado "Judit decapitando a Holofernes", hablan de temas tan actuales como la guerra, la toma de conciencia, los límites de la libertad... Guillermo Heras, Director de la Muestra de Teatro de Autor Contemporáneo de Alicante, que ha prologado la edición lo ha calificado como “un texto dramático polémico y complejo (…) que no dejará indiferente a nadie en su lectura y un material para la escena lleno de sugerencias de todo tipo. Nos encontramos ante una dramaturgia a contracorriente, escrita con gran valentía y alejado de cualquier moda, (…) un buen texto literario, con un laberinto estructural seductor y un buen material para una puesta en escena.” Por su parte, el jurado que concedió el Premio Alejandro Casona destacó “la dramaturgia y los continuos guiños literarios y teatrales, la actualización y recuperación de una figura de las artes plásticas así como la fuerza dramática del personaje femenino de la obra” y “la multiplicidad de posibilidades escenográficas e interpretativas” de la obra premiada. “Perspectivas para un cuadro” es la segunda obra escrita conjuntamente entre Cremades y Montalbán-Kroebel, tras “Cuenta Atrás” que fue también fue galardonada –con el Premio Amiba de Teatro–. Ambos autores mantienen sus trayectorias individuales por separado pero no rehusan la escritura en colaboración pues consideran que es “una forma de llegar a puertos en los que nunca, por voluntad propia, nos hubiéramos detenido individualmente y comprobamos, con satisfacción, que el viaje, sin duda, merece la pena.” Pedidos: info@la-ratonera.net
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COSAS DE LA EDAD Obra original de JUAN SANTAMARÍA
COSAS DE LA EDAD, obra original de Juan Santamaría - Intérprete Juan Santamaría Sinopsis Obra de un ÚNICO personaje de 80 minutos de duración, sin descanso. El objetivo de la obra no es otro que positivar la visión que los “mayores” tienen de sí mismos. La dignidad es lo fundamental y esta obra quiere contribuir a ello. Que el personaje represente en el escenario las mismas problemáticas de “los mayores” (pensiones, salud, nietos, recuerdos, soledad e incluso la posibilidad de aparición del amor) puede alentar fácilmente el principio de “otra forma de ver las cosas”, o, al menos, la posibilidad de ello. El personaje RUSTICO LAFONTE, un jubilado de 65/70 años, ante una importante determinación que acaba de tomar, realiza un profundo repaso, principalmente divertido, a toda su vida pasada y analiza los principales y actuales aspectos sentimentales, familiares, profesionales, sociales, etc. Desde su inicio se crea una verdadera corriente de complicidad entre el público y el protagonista aparte de una fuerte intriga sobre su estado de salud. El desenlace es absolutamente sorpresivo. Sobre la obra: “COSAS DE LA EDAD” fue estrenada en el Teatro Municipal de Tres Cantos (Madrid), el 17 de abril del 2009. Posteriormente se ha representado en: Alba de Tormes y Peñaranda de Bracamonte (Salamanca), Arévalo (Ávila), Cercedilla (Madrid), durante 6 días en el Auditorium de Palma de Mallorca, en el Centro de Recuperación de disminuidos físicos de Salamanca y en el Teatro de La Alberca (Salamanca). Sobre el autor: Juan Santamaría nace en Palma de Mallorca (Islas Baleares) y pasados los treinta, en 1976, traslada su residencia a Madrid, donde acude a cursos de teatro en la Escuela de Pepe Franco y José Tamayo. También en ese año inicia sus actividades artísticas en Radio Nacional de España, Cadena SER, Estudios de doblaje (películas comerciales), RTVE (Presentación de programas y sonorizaciones de documentales). Es un hombre polifacético y multidisciplinar en su carrera artística y en su propia trayectoria personal. Su vida y su pasión por la interpretación se han hermanado durante casi veinte años con su labor de Empresario. Después de una larga trayectoria en teatro, cine y televisión, Juan Santamaría, se ha afincado ahora en Salamanca y ha decidido regresar a los escenarios como promotor de El Andamio Producciones Teatrales, S.L. Contacto / Más información: www.elandamioteatro.com
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ENRIQUE MANUEL LÓPEZ GÓMEZ OFRECE SU OBRA AL DESPERTAR DE UN SUEÑO Enrique Manuel López ha publicado en Internet su obra AL DESPERTAR DE UN SUEÑO. Conflicto: La existencia del amor. La trascendencia del alma humana, Contexto: Toda la obra transcurre en el universo. En un plano de existencia diferente al conocido El estilo literario de la obra se compone de dos partes; una escrita en prosa y otra escrita en verso libre. En algunos actos se dan las dos formas a la vez, téngase esto en cuenta. Aquellas escritas en verso guardan la estructura típica de estrofa, sin estar sujetas a métrica alguna pero deben ser recitadas de tal forma lírica. No incluyo referencias de ningún tipo sobre vestuario o atrezos de escena. Sinopsis La obra cuenta el final de la vida de Henry Cot, un anciano soñador de ochenta y cuatro años que al morir pasa a un plano de existencia espiritual (inmaterial), en el que deja su estado de hombre y pasa a ser un “alma” que ha olvidado momentáneamente todos sus recuerdos, y su sueño más preciado. Al comienzo de la historia una voz cuenta brevemente un hecho acontecido hace mucho tiempo, y que será el motivo central de la obra. Esta, continua con la aparición de Henry Cot, que viaja a través de la inmensidad del universo sin un rumbo aparente, con una memoria imprecisa, producto de la separación del cuerpo físico y el astral. En su camino se encontrará con Luz, un alma que acude a su encuentro y que le ayuda a recordar el motivo de su existencia. Para ello viajan juntos hasta la memoria universal, el lugar donde el cosmos conserva mediante sueños el principio y fin de todo, en su esencia más pura. En ella contemplarán la visión del sueño de un hombre, mostrando el final de su vida y de cómo vivió el conflicto que presenta la finitud mortal que hace mella en el ser humano, cuando este siente que por ella expira. La visión inspira en Henry una reflexión que le hace remembrar la verdadera esencia que compone su ser y que es sentido universal de un anhelo casi siempre incomprendido, el amor. Finalmente las almas descubren quiénes son y que las une. Se puede bajar libremente de: http://www.safecreative.org/work/1101258334769
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textos escénicos con bajada gratis de Ramón Griffero El dramaturgo y director chileno Ramón Griffero tiene disponibles en su Web textos escénicos con bajada gratis: Se puede acceder desde la siguiente dirección www.griffero.cl
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Soñadores y Estrellas, de PEPA SARSA, PUBLICADO EN LA BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES
La Biblioteca Cervantes ha colgado en
Internet
Lo escribí -explica la autora- hace un tiempo y se puede descargar y leer gratuitamente. Es un ensayo con muchos toques de humor que abarca las diferentes etapas que atraviesa un texto teatral desde que se concibe en la mente del autor/a hasta que se realiza su última representación sobre el escenario, recorriendo así los diferentes procesos de creación; todo ello aderezado con más de 100 anécdotas desconocidas del mundo escénico que ilustran ese recorrido. También hay otros apartados dedicados al mundo del cine. Para ello realicé entrevistas con actores conocidos y menos conocidos con los que, a lo largo de mis treinta años de experiencia, he trabajado; consulté miles de páginas entre fotocopias, revistas descatalogadas y libros de otras épocas a lo largo de siete años. Y así surge “Soñadores y Estrellas” que quiere servir de homenaje al mundo del teatro presente y pasado y a todos los soñadores que han pertenecido a él. Se puede bajar desde la siguiente dirección: http://www.cervantesvirtual.com/FichaObra.html?Ref=35958&portal=177
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Objeto de Ardiente Deseo nueva obra de Rogelio Borra García “Objeto de Ardiente Deseo”, Comedia dramática sobre el complejo mecanismo de los sentimientos. Autor: Rogelio Borra García Cuatro amigos entrañables, que rondan los cuarenta, vuelven a encontrarse con la excusa de inaugurar una casa quinta. Rememoran las gloriosas épocas del secundario, hablan obsesivamente de sexo y se hacen trampas para no exteriorizar sus verdaderas emociones. Porque el encuentro tendrá otras aristas, ásperas y oscuras, que los enfrentará sin remedio a viejos fantasmas y miedos recientes. Personajes: 3 Femeninos, 4 Masculinos Disponible para su representación en Argentina, España y Latinoamérica. Solicite el libreto original: rborragarcia@yahoo.com.ar
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TEATRO PARA ESCOLARES, DE FERNANDO ALMENA, EN LA BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES Como respuesta a numerosas personas que se han interesado en encontrar el libro TEATRO PARA ESCOLARES, de Fernando Almena, publicado por Editorial Everest y recientemente descatalogado, damos noticia de que este libro ha sido incorporado a las publicaciones por Internet de la Biblioteca Virtual Cervantes. Este libro, que fue incluido en 1988 por el Banco del Libro de Venezuela entre los mejores libros publicados en lengua española, ha servido durante años de guía para numerosos profesores, monitores y realizadores de teatro de niños. Lo componen 11 obras de teatro muy breves y abiertas para que sean representadas por niños a lo largo de la etapa escolar, y se adaptan progresivamente a las diferentes edades de dicha etapa. Dichas obras pretenden un doble objetivo: ser representadas directamente por los niños o servir de modelo al educador para escribir con ellos sus propias obras en clase. Asimismo, este libro estuvo incluido como material didáctico complementario en el curso El teatro como recurso educativo, de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, UNED, dentro de sus cursos para Formación del Profesorado. Se puede descargar o consultar gratuitamente el libro en: http://www.cervantesvirtual.com/FichaObra.html?Ref=29790
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Teatro en Internet para niños, en la web de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía
En el X Salón Internacional del Libro Teatral, celebrado en Madrid del 25 al 28 de noviembre de 2009, dentro de las presentaciones de novedades editoriales, el Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Andalucía, dependiente de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, dio a conocer su nueva Colección Teatro en Internet para niños. Asimismo, en este acto se hizo la presentación del nº 3, último publicado, titulado El rey del mundo lirundo, de Fernando Almena, cuya edición se realizó con ocasión de este X Salón. Con esta colección, de autores andaluces, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía pretende aportar textos teatrales a todos los interesados por el teatro para niños: compañías, grupos, directores, profesores, centros escolares, etc. de todo el mundo, a través de Internet. Las obras se pueden descargar gratuitamente en: http://www.juntadeandalucia.es/cultura/cdaea/php/puTeatroInternetNinyos.php O bien: http://www.juntadeandalucia.es/cultura/cdaea y entrar en Publicaciones y, luego, a Teatro en Internet para niños.
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EL HOMBRE QUE NO VIO LA MAR, DE SALVADOR ENRÍQUEZ PUBLICADO EN "REVISTA DE FRONTERAS"
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SI ERES AUTOR O EDITOR ASÓCIATE A CEDRO
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ASOCIACIÓN DE AUTORES DE TEATRO y BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES
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BANCO DE TEXTOS TEATRALES EN LA FUNDACIÓN ROMEA
La Fundaciò Romea hizo pública una convocatoria para seleccionar textos teatrales con vistas a una futura producción. Hecha la selección y ante el gran número de originales recibidos, consideraron oportuno darlos a conocer por medio de Internet, lo que supone un medio de difusión y contacto importante para quienes desean dar a conocer sus textos y para quienes los buscan con el fin de poderlos producir. En lo que respecta al programa de soporte a nuestros autores -explican los responsables del proyecto- la Fundación Romea quisiera destacar la respuesta que tuvo la convocatoria realizada para constituir el Banco de Textos Teatrales. Recibimos, de todo el estado español, 370 textos de 192 escritores. Actualmente los textos se están revisando con la intención de que algunos de ellos puedan ser llevados a escena en el Teatro Villarroel. La buena acogida de esta propuesta ha motivado la puesta en marcha del Banco Virtual de Textos Teatrales a través de la página web de la Fundación Romea www.fundacioromea.com para que estos fondos puedan ser consultados por el público y los profesionales. Siguiendo en esta línea, hemos introducido en nuestra Web información sobre los autores y hemos puesto a disposición los textos de aquellos autores que así lo han autorizado.
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PÁGINA PERSONAL DE SALVADOR ENRÍQUEZ
En mi Web personal puedes encontrar información sobre mis obras teatrales, currículo, fotos, estrenos, premios (algunos hay) y sobre todo una sección con enlaces a diversos sitios relacionados con el teatro: http://salvadorenriquez.galeon.com Sin no tienes tiempo o gana de navegar, puedes ir directamente al sitio en el que tienen la colección más competa de mis obras: Teatro en Miami www.teatroenmiami.com e ir a BIBLIOTECA. Asimismo están disponibles en el CATÁLOGO de Textos teatrales es esta revista: catalogotextos.html También puedes bajarlas de la Biblioteca Virtual Cervantes: http://bib.cervantesvirtual.com/portal/AAT/Enriquez/
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Esta
sección queremos destinarla a informar directamente de los autores: de
los que ofrezcan sus obras por medio de Internet, de sitos que permitan
la "bajada" de obras teatrales (sean de pago o no) y otras
actividades desarrolladas por los autores teatrales en relación con sus
textos.
Magda
Ruggeri Marchetti
Jorge
Arias - Crítico de La República (Uruguay)
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