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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 30-9-2020

 

NOTICIAS TEATRALES
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AUTORES Y OBRAS 

 

Esta sección queremos destinarla a informar directamente de los autores: de los que ofrezcan sus obras por medio de Internet, de sitos que permitan la "bajada" de obras teatrales (sean de pago o no) y otras actividades desarrolladas por los autores teatrales en relación con sus textos.

 

Índice de noticias en AUTORES Y OBRAS

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EL ESCÁNDALO SÁNCHEZ

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

CON  LOS ESCLAVOS EN LA  NORIA O EL ENIGMÁTICO “TIO VANIA”  DESCIFRADO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

TEATRO PARA UNA CRISIS

JOSÉ LUIS PANERO, NUEVO MIEMBRO DE LA ACADEMIA DE LAS ARTES ESCÉNICAS DE ESPAÑA

SIN NOMBRE. YO, DE RAQUEL GAROD, PUBLICADA EN AMAZON

TOMÁS AFÁN (JAÉN) Y GENÍS CAMPILLO (BARCELONA), GALARDONADOS CON EL XI CERTAMEN DE TEATRO “DRAMATURGO JOSÉ MORENO ARENAS”

Por Antonio Mansilla

LABERINTO, ANATOMÍA DEL PRESENTE, DE MARINO GONZÁLEZ MONTERO, DE LA LUNA LIBROS. MÉRIDA. 2019

Por Francisco Collado

ENAJENADA, DE LA DRAMATURGA PILAR ZAPATA, OBRA GANADORA DEL XIV PREMIO EL ESPECTÁCULO TEATRAL CONVOCADO POR EDICIONES IRREVERENTES

ESTRENO DE LA OBRA DESCUBRIENDO A SARAH BERNHARDT, DE Mª LUZ CRUZ, EN BUENOS AIRES

SE ESTRENÓ DE LA NOCHE DEL DESERTOR, DEL DRAMATURGO GRANADINO RAFAEL RUIZ PLEGUEZUELOS, EN GRANADA

Paco Gámez Premio "Jesús campos" que concede la Asociación de Autores y Autoras de Teatro por su texto Katana

¡NI MÁS NI MENOS!

Por Antonio Mansilla

ROGELIO SAN LUIS ESTRENA CON ÉXITO EN COLOMBIA, MÉXICO y BIENAL DE  LA ONCE EN EXTREMADURA

LA SOLEDAD DE LOS ANCIANOS Y EL MALTRATO A LA MUJER, TEMAS DE LAS OBRAS PREMIADAS EN EL X CERTAMEN DE TEATRO “DRAMATURGO JOSÉ MORENO ARENAS”

Por Antonio Mansilla

ROGELIO SAN LUIS ESTRENA EN BADAJOZ Y CHILE

XV CERTAMEN INTERNACIONAL DE TEATRO MÍNIMO ANIMAT.SUR

LA OBRA EL ÚLTIMO ACTO DE AMOR TRIUNFADORA DEL PRIMER CERTAMEN DE MICROTEATRO ISLAZULTURA

ESTA CASA ESTÁ OKUPADA, DE Mª LUZ CRUZ, EN MONTEVIDEO

LA COMUNIDAD DE MADRID ADQUIERE EL LEGADO DE BUERO VALLEJO, MAESTRO DE DRAMATURGOS

SE ESTRENA EN BUENOS AIRES LA COMEDIA MEDALLAS SANTOS Y ESCOBAS

DOS ESTRENOS INTERNACIONALES DEL DRAMATURGO ARGENTINO ROGELIO BORRA GARCÍA

LA BNE OFRECE LA OBRA DIGITALIZADA DE LOS AUTORES FALLECIDOS EN 1936, ENTRE ELLOS ALGUNOS AUTORES TEATRALES

Germán Navarro, autor teatral, ofrece obras de Microteatro

GARCÍA LARRONDO CELEBRA TRES DÉCADAS DE TEATRO PRESENTANDO EN SEVILLA UNA ANTOLOGÍA DE SU OBRA DRAMÁTICA

SE ESTRENA “FUEGO EN LA NOCHE”, UN FILM BASADO EN UNA OBRA DE ROGELIO BORRA GARCÍA

HERMANA Y ESCLAVA, DE JAVIER GIL DÍAZ- CONDE SE REPUSO EN BOGOTÁ

José María López ofrece microteatro basado en el Quijote

ESTRENO DE FALSTAFF NO CREE EN LA OTRA VIDA, DE JAVIER GIL DIEZ-CONDE

se representó de obra Juan, Pedro y Andrés, de Raquel Calabuig Ferre

ESTA CASA ESTÁ OKUPADA SE ESTRENÓ EN LA SALA (RUBÍ - BARCELONA)

NUEVAS FUNCIONES DE DUETO, DE ALFONSO VALLEJO,  EN COIMBRA (PORTUGAL)

presentación del libro Memoria de farsa jaranera, de Javier Gil Diez-Conde

ROGELIO SAN LUIS ESTRENA LAS MONJITAS SE VAN A LAS MISIONES EN URUGUAY

Nada nuevo Bajo el sol, de Jerónimo López, teatro de marionetas sobre la corrupción

en el Teatro Josep Carreras de Fuenlabrada (MADRID) Se estrenó la obra ÚLTIMOS DÍAS DE UNA PUTA LIBERTARIA, de César López Llera

LA REVISTA "PYGMALIÓN" PUBLICA AQUEL FERNANDO, DE JERÓNIMO LÓPEZ MOZO

JOSÉ BARBACANA, DE JERÓNIMO LÓPEZ MOZO, EN LA REVISTA “ESTRENO”

LA OBRA MEDALLAS, SANTOS Y ESCOBAS, DE Mª LUZ CRUZ, FUE PUESTA EN ESCENA EN BAÑOS DE RÍO TOBÍA (LA RIOJA – ESPAÑA)

Duetto (Diez asaltos y un desliz, para un actor y una actriz), de Alfonso Vallejo,  ha tenido su estreno mundial en el Teatro Bonifrates de Coimbra (Portugal)

ROGELIO SAN LUIS ESTRENA ROMERÍA CON MILAGRO INCLUIDO EN MADRID

Jean-Pierre Martínez, autor teatral, busca intercambio

EL NÚMERO 150 DE LA REVISTA ADE (ASOCIACIÓN DE DIRECTORES DE ESCENA) PUBLICA UN ARTÍCULO URSZULA ASZYK SOBRE EL TEATRO DE ALFONSO VALLEJO

LA SALA de Rubí, estrenó IRONÍAS EN TIEMPOS DE CRISIS, de Mª Luz Cruz

Gaviotas subterráneas, de Alfonso vallejo, en el Teatro Apóstol Karamitev de Bulgaria

ESTRENARON OBRAS DE  ALFONSO VALLEJO EN POLONIA Y BULGARIA

PUBLICACIÓN DE SIETE OBRAS DE ROGELIO SAN LUIS EN GRECIA

Objeto de Ardiente Deseo nueva obra de Rogelio Borra García

TEATRO PARA ESCOLARES, DE FERNANDO ALMENA, EN LA BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES

Teatro en Internet para niños, en la web de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía

EL HOMBRE QUE NO VIO LA MAR, DE SALVADOR ENRÍQUEZ PUBLICADO EN "REVISTA DE FRONTERAS"

SI ERES AUTOR O EDITOR, ASÓCIATE A CEDRO (CENTRO ESPAÑOL DE DERECHOS REPROGRÁFICOS)

ASOCIACIÓN DE AUTORES DE TEATRO Y BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES

BANCO DE TEXTOS TEATRALES EN LA FUNDACIÓN ROMEA

PÁGINA PERSONAL DE SALVADOR ENRÍQUEZ Y ENLACE PARA BAJAR ALGUNAS DE SUS OBRAS

  

EL ESCÁNDALO SÁNCHEZ

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Al evocar a Florencio Sánchez  (Montevideo, Uruguay, 17 de enero de 1875 - Milán, Italia, 7 de noviembre de 1910), comenzamos a sentir la pena del evangelista: "Vino a lo suyo, y los suyos no lo recibieron". Sería un tono inadecuado, sin embargo; ningún dramaturgo del Río de la Plata tuvo su extraordinario éxito, de público y de crítica: veinte obras estrenadas en siete años (1903 -1909). Ciertamente, tanto como fue admirado, fue denostado, desde sus comienzos: habría sido un mal escritor, que no escribió lo que debió escribir y se empeñó en escribir lo que no debía. El crítico Samuel Blixen, doctor en letras, lo trató de "nuestro ibsencito", quiso orientarlo: “Déjese de tesis…de personajes simbólicos, de socialismo y anarquismo en acción…hágase sainetero, pintor exacto de las costumbres y los tipos de nuestra campaña” (“La Razón”, Montevideo, 15 de octubre de 1903). La posteridad se comportó como si Sánchez hubiera acatado el  rezongo de Blixen y le adhirió la etiqueta de “costumbrismo” que no se le despegó hasta hoy. Roberto Giusti (“Florencio Sánchez, su vida y su obra”, Buenos Aires 1920, pá g.83), escribió: “No busquemos en él condiciones literarias...una prosa deficiente y burda...(en) cuanto a las ideas, no son muchas ni poderosamente originales...” “...sus obras más suyas ...no son sino trozos crudos de verdad humana, sin literatura”; Juan Agustín García fue cortante: "Fue de un mal gusto impecable...carecía de estilo" ("Sobre el  teatro nacional y otros artículos y fragmentos” Buenos Aires, 1921), Carlos Roxlo tuvo piedad: “No sabe escribir, no tuvo tiempo para estudiar, no fue un doctor en letras..." ("Historia crítica de la literatura uruguaya", Montevideo,  1912 – 1917).

Daniel Vidal, en su libro “Florencio Sánchez y el anarquismo”  (Ediciones de la Banda Oriental, Montevideo, 2010), muestra la militancia revolucionaria de Sánchez; no analiza, caso por caso, las ideas anarquistas que contienen y sostienen todas sus obras. No obstante, era un examen necesario, porque tanto las puestas en escena que hemos visto, como los comentarios críticos leídos, cortan las raíces intelectuales que las apuntalaron, y así lucen invertebradas y cojitrancas, cuando no castradas; aún son, en ese estado y pese a la claridad del autor, difíciles de entender, cuando no  incomprensibles.

Si tenemos en cuenta la atareada vida de Sánchez como  bibliotecario del anarquista "Centro Internacional de Estudios Sociales" de Montevideo, como periodista, conferencista, agitador social buscado y apaleado por las policías de Uruguay y de Argentina y director de un diario clandestino, resulta aún más erróneo  prescindir de las ideas que, sin falta, incluyó en todas sus obras. Fue fiel en sus obras dramáticas a los principios del anarquismo; pero también fue fiel al buen gusto y al  arte dramático, y no trató de adoctrinar desde el teatro, que para eso tenía los diarios y las conferencias. Desde las tablas quiso mostrar, sugerir, hacer pensar; su escenario fue una ventana abierta al mundo de par en par.

Las normas éticas del anarquismo que aparecen en sus obras son las clásicas: “deshacerse de prejuicios”, “actuar para impedir el mal, la injuria, la injusticia”... la desigualdad”, promover "...la solidaridad...lanzar por la borda la Ley, la Religión y la Autoridad”, “no ...gobernar a nadie ni que nos gobiernen”, “decir siempre la verdad, toda la verdad y nada  más que la verdad”, “lucha, arriesga, sé uno con las masas” (Kropotkin, “La morale anarchiste”, pags.27, 36,39, etc. Editions Mille et une nuits,  Fayard, 2004). Más allá de Kropotkin y Bakunin, Sánchez expresó un feminismo radical: como observó Domingo Luis Bordoli, “En las obras de Sánchez, las mujeres siempre tienen razón”.

Un frecuentes error de comprensión por omitir el fundamento de ideas, es “Barranca abajo” (1907) que Giusti encuentra “una vulgar historia de despojo y deshonra”, de “cómo se había desmoronado una familia campera” (pag.102). Años más adelante se presentó este drama como “la derrota del pequeño propietario rural a manos del gran latifundio”, lo que no  es; se dijo que describe el “...enfrentamiento... de los grandes  latifundistas que apoyan su riqueza en el fraude legal y en el avasallamiento del pequeño propietario, cuya legitimidad se apoya en el trabajo y resulta despojado” (citado por Roger Mirza, “La escena bajo vigilancia” Montevideo, 2007), pero no hay grandes latifundistas, ni fraude legal, ni pequeño propietario. Aun se sostuvo, en pleno sarpullido “antiimperialista”, que representa “el enfrentamiento entre los países dependientes y subdesarrollados y el imperialismo”. (Gerardo Fernández, “Marcha”, 19 de octubre de 1973).

“Barranca abajo” es, y solo puede ser, el drama del definitivo fracaso de la reforma agraria de José  Artigas; y el abuelo de don Zoilo, en la ficción de esta pieza, fue uno de sus beneficiarios. Ni él ni su nieto fueron pequeños propietarios, sino hacendados; no se perdió el campo por añagazas sino por sentencia judicial,  luego de un  pleito con las garantías del proceso legal.

El detallado "Reglamento Provisorio para fomento de la Campaña y Seguridad de sus Haciendas", promulgado por Artigas en  Purificación, el 10  de septiembre de 1815, continuó las ideas del militar, geógrafo, ingeniero y naturalista español Félix de Azara (Barbuñales, Huesca, 1744 – 1811), a cuyas órdenes trabajó Artigas y cuya “Memoria sobre el estado rural del Río de la Plata”, dirigida al rey de España, aconseja  “dar libertad y tierras a los indios cristianos, repartir las tierras en moderadas estancias, de balde... y anular las compras de grandes extensiones”. Siguieron masivas expropiaciones de tierras sin pago; "Barranca abajo" es la obra de un anarquista que encontró en la historia de su país un tema a la medida de    sus sueños.

Esa redistribución forzada de tierras y ganados fracasó en el Uruguay independiente: triunfaron todas las acciones reivindicatorias contra los beneficiarios de la reforma agraria. La acción es mencionada por su nombre jurídico por don Zoilo en la escena XXI del primer acto, y fue promovida por un propietario, Juan Luis, con títulos otorgados por la corona española.

Aquella redistribución de tierras de 1815 tuvo gran impacto en la sociedad uruguaya, y las acciones de reivindicación, por su volumen, cobraron estado público. Se promulgaron leyes que prorrogaron los lanzamientos, hubo mediaciones del  gobierno y aún resistencia a mano armada de los colonos contra los desalojos. Todo esto y mucho más puede leerse en el libro de Nelson de la Torre, Julio Carlos Rodríguez y Lucía Sala de Touron “Artigas, tierra y revolución”, Montevideo, Arca, 1967.

Artigas es el único personaje histórico que se nombra en la pieza, en boca de Martiniana, que dice, en tanto don Zoilo se apresta a evacuar la estancia con su gente y pertenencias, "¡En marcha! como dijo el finao Artigas", clara alusión al "Éxodo del pueblo Oriental" (1811- 1812), cuando buena parte de los habitantes de la "Banda Oriental", hoy el  Uruguay, emigró con Artigas al campamento de Ayui, hoy la provincia argentina de  Entre Ríos. “Barranca abajo” articula, en forma natural y lógica, una tragedia individual con una tragedia histórica. Don Zoilo fracasa y se suicida; con él muere el proyecto libertario de Artigas. En este cuadro “Barranca abajo” es, además, un Requiem por uno de los pocos líderes de la independencia latinoamericana dotado de un claro sentido social; sin este marco, queda sólo una historia triste.

Hay en “Barranca abajo”, además, dos tesis libertarias. La primera es la crítica a la autoridad  patriarcal: Don Zoilo abusó de su autoridad como pater familiae y malgastó la parte que, en la herencia paterna, correspondía  a su hermana Rudecinda, yerro que confiesa y es uno de  los motivos de su suicidio. La segunda es la tesis del derecho a morir, cuando Aniceto intenta disuadir a don Zoilo de su  propósito de suicidarse y luego acepta la voluntad  de su patrón.

La incomprensión de Sánchez por su posteridad es mucho más flagrante en “Los muertos” (1907), pieza más explícita que “Barranca abajo”. Se la considera una obra sobre el alcoholismo: “...un dramón que explota todos los recursos de la sensiblería para  mostrar  la ruina de un hombre y su familia a causa del alcohol” (Giusti, pág. 84), "Lisandro, víctima de  su vicio alcohólico irrefrenable, ha  perdido poco a poco todas  las partes nobles y respetables de su yo. Le queda solamente su sentimentalismo enfermizo de borracho" (Dora Corti, "Florencio Sánchez", Buenos Aires 1937). Zum Felde, en "Proceso intelectual del Uruguay” escribió: “...la abulia, que ha llevado a Lisandro por el despeñadero del alcoholismo... “Los muertos” es una de sus más hondas manifestaciones de piedad fraternal hacia los vencidos- de la vida”.

Sólo con esa clasificación se calumnia a Sánchez, adjudicándole el   propósito parroquial de mostrar los peligros del alcohol; y notamos que, tal  vez para no enfrentarse con la obra, ningún comentarista enuncia su argumento. Helo aquí.

Amelia se ha separado de su marido Lisandro, un alcohólico con quien tiene un niño, Lalo; no se ha decretado el divorcio. Decidida a disfrutar de su juventud y de su vida, emprende amores con Julián, rico y buen mozo, a quien dice querer; también en el mismo párrafo, dice que lo ha aceptado “antes que seguir pasando miseria”. Lisandro conoce la relación extraconyugal de su esposa y la admite.

Julián, que fuma cigarros de hoja, interioriza a  Amelia ordenándole "porque se me antoja” que se muestre a medio vestir y alude groseramente a sus relaciones sexuales: ”Jesús!”... “Te alcancé a ver un poquito y...Bueno vos tenés  la culpa. ¡Nunca te habré visto los brazos!". Aun la  reprende: ” ...¿te pensás que inútilmente se tienta la curiosidad de un hombre?”

Amelia supo enrostrar a Lisandro este discurso: “¡Matame! Sería lo único que te quedara por hacer... estarías en tu derecho, desde que sos el marido...A ustedes les permite todo la Ley la sociedad, y qué sé yo, hasta la religión... ¡Encima el marido se arroga el derecho, amparado por la ley y la sociedad, de matar a la infeliz mujer que ha tenido el coraje de emanciparse...y reclamar su parte de dicha en esta vida!”.

 No obstante esta vibrante Declaración de Derechos del Erotismo Femenino, Amelia se deja dominar por Julián, que la  induce a concurrir  a un bar aristocrático donde, en vez del encuentro de enamorados que ella supone, será presentada a Ricardo, Luis, Antonio y Jorge, jóvenes y  bullangueros amigos de Julián, afectos a provocaciones y desmanes en lugares públicos; borrachos y pendencieros, fueron detenidos el día anterior por la policía y liberados mediante un soborno. Al comenzar el acto segundo provocan sin motivo a una familia alemana que se retiraba del bar, tirándoles un platillo de estopa; hacia el fin, Agustín incorpora al grupo una prostituta, María Julia. Lisandro llega al bar y fraterniza con el  grupo; más tarde Julián deberá aplaca con dinero a un policía que acude por un incidente insensato entre Lisandro, un camarero y el supervisor. Amelia, que va “a iniciarse” con Julián (Ricardo), es examinada y sopesada por el grupo de señoritos, que la llaman “la nueva”, comentan que “Es regular” (Agustín), “No ..muy turra”(Ricardo) y “Bastante competente” (Jorge). Se prometen domesticarla: “Ya la amansaremos”  (Ricardo).

En el tercer acto el grupo de juerguistas, guiado por Julián y provisto de tres botellas de champagne “Cordon Rouge”, asalta el hogar donde viven Amelia, su hijo Lalo y su madre, Doña Liberata. Amelia intenta inútilmente expulsarlos, Julián quiere trasladar la juerga allí y aún subirla de tono, sacando de escena a doña Liberata, a quien intenta sobornar;  irrumpe Lalo, el hijo de Lisandro y Amelia; para sacarlo de escena Julián le hace beber whisky.

Durante toda la obra Lisandro, que se ha unido a los  juerguistas  y los acompaña en su invasión a lo que fue su hogar, ha tenido fantasías de muerte; matarse él, matar a Amelia, a un mozo del bar y al supervisor. Al ver el estado de su hijo, degüella a Julián;  se propone, además, matar a Ricardo, a Jorge, a Luis, a Amelia y aun a su hijo;  al razonar que ya están todos muertos, desiste y deja  caer el cuchillo.

El primer propósito de Sánchez en “Los muertos” es declarar el derecho a la libertad sexual de la mujer separada del marido, aunque no haya comenzado el juicio de divorcio, con tal de que, fiel al principio del respeto por la verdad, no medie engaño. Un segundo tema es el abuso de poder de la clase alta, el señoritismo en acción. María Julia dice que ni Julián ni uno cualquiera de sus amigos es malo; son portadores de un espíritu de clase depredador, ya retratado por Sánchez en una de sus primeras obras, “Los curdas”. No son depravados, abúlicos, desechos humanos; son la juventud dorada, los “pitucos”, para emplear un argentino - uruguayismo hoy fuera de moda; son caprichosos y derrochones, disfrutan con corromper y ven en la mujer un juguete: el destino de Amelia, una vez disciplinada, será circular de uno a otro niño bien y, al fin, acompañar a María Julia en la  prostitución. En cuanto a Lisandro, no es, contra lo que cree Zum Felde, el destinatario de una “piedad fraternal hacia los vencidos de la vida”. La escena del primer acto en que Lisandro se acerca a Amelia con el  pretexto de regalarle unos botincitos a su hijo Lalo, lo muestra mucho más rastrero que paternal; y la pieza toda dice que Lisandro es tan autoritario como Julián y que, con dinero, actuaría como los demás juerguistas. Es un borracho, pero en el último cuadro se transforma en el  vengador de su familia.

Cuando leemos que “En familia” “...corresponde a otra expresión costumbrista, el envilecimiento del padre, que atrapado por la pasión del juego acaba en  un estafador *común, la frivolidad de las hijas siempre atentas a la “figuración social” la abulia de Eduardo, la ineficacia de la madre... se suman en una firme lucha descendente contra la que lucha y fracasa en sus propósitos generadores el ingenuo Damián” y que “El hijo” (Damián) “trae al volver un tesoro de bienestar y optimismo... Seguro, amoroso, paciente” (Eduardo Dieste, en “Teseo”), no podemos dar crédito a nuestros ojos.

Damian trata de inmovilizar el tiempo. Se hace jefe de una familia en ruinas. Exige que se cumplan sus órdenes, que crearán un mundo sin fisuras;  cree  que reformará  a su padre, cuyo cinismo está a la vista. Sus hermanos ociosos ignoran o resisten sus decretos, pero Damián se siente todopoderoso. Es el gran redentor, que emancipará a los que carecen de fuerzas. En  una escena donde roza la demencia, Damián obliga a su progenitor a presentarse preso por el delito que ha cometido.

El vocero de Sánchez en “En familia” es Delfina, la esposa de  Damián, que al comienzo del segundo acto, le hace ver que no puede esperar nada bueno de su familia “...quizás no pase mucho tiempo sin que tengamos que arrepentirnos de esta quijotada..”. y nos cuenta que Damián ha perdido dinero por “haberse encaprichado en hacer ese negocio de las Malvinas” (Acto I, escena VIII).  Damián, impertérrito, cree que puede lo imposible. Su voluntad regenerará a toda su familia, padre, madre y tres hermanos.

De ese acceso de omnipotencia a confiarle dinero a su padre, un jugador, no hubo más que un paso. En sus palabras de la última escena del último acto, Delfina es Sánchez: “Si, llora...¡Llora, llora mucho, mi pobre Quijote!”. Don Quijote  padece la locura redentora, liberar princesas, combatir gigantes, enderezar entuertos.

Argumento y desenlace de “En familia” dicen la actitud anarquista de cuestionar toda autoridad. El detestado gobernante es aquí Damián, es don Zoillo  en "Barranca abajo", es  Carlos en “Mano Santa”, es Pichín, el  padrastro explotador a quien “Canillita”, está a punto de matar, es el hermano autoritario, padre subrogado, al que mata “Marta Gruni”, es el Comisario de “El desalojo” que se arroga el derecho de decidir el destino de los hijos de Indalecia; es  Felipe, el padre de “La pobre gente” que explota el trabajo de toda su familia mientras se alcoholiza en el café y  vende a su hija.

“Los derechos de la salud” no ha tenido mejor suerte. Juan Pablo Echagüe juzgó que “Proclama la soberanía del instinto sobre el Deber  y la Misericordia... La mujer no es para él sino un animal reproductor cuyos derechos al amor y la felicidad caducan con la salud” Giusti ve la“...exaltación de los derechos de la salud y el sexo sobre el dolor y la muerte” (pág. 112) y Corti destaca “...la actitud brutal de Roberto, el marido, y Renata, la hermana, que en virtud de los “derechos de la salud” quieren justificar la atracción sensual que sienten uno por otro...”  (pag.253).

En esta obra Sánchez plantea como primer tema uno de los principios del anarquismo, el deber de decir la verdad. Luisa tiene tuberculosis, su vida peligra; vive con Roberto, su marido, con quien tiene dos hijos y con su hermana Renata. Su marido y su hermana, ¿deben decirle de su muerte  próxima? Luisa se apoya en Renata para el cuidado de la casa y de sus hijos, pero teme que Renata la sustituya también en el amor de Roberto; ¿debe declarar la verdad de sus celos a Renata? Roberto y Renata mienten a Luisa por piedad; Luisa, en cambio, revela a Renata sus celos; Renata, herida, abandona la casa; enterado Roberto, se indigna con Luisa en términos tan apasionados que confirman sus sospechas; Luisa intenta suicidarse.

Es notorio que el largo cuidado de enfermos graves trae a los  familiares penosas consecuencias físicas y psíquicas; se agotan luchando contra la enfermedad y más de una vez sueñan con la única liberación definitiva. La mentira paraliza el pensamiento, coloca al que miente contra sí mismo, lo hace un espejo de sus mentiras; esta escisión es dolorosa y se añade a las demás penas. La obra termina ambiguamente, prolongando ansiedad e incertidumbre, porque no se sabe si Luisa ha muerto o está dormida.

La conducta de Roberto y Renata y hasta los pensamientos de Renata son intachables. Roberto agota sus esfuerzos y sus ahorros en la enfermedad de Luisa: una estadía en las sierras, frustrada y humillada por la escasez de dinero, otra estadía en el Paraguay; vive con toda la familia la esperanza de un suero providencial que curaría la tuberculosis, se ocupa de dar a Luisa sus medicamentos y pagar las consultas médicas.

La tesis  condenatoria de Renata  y Roberto, que propugnan Echagüe, Giusti y Corti, es la de Mijita, la doméstica; testimonio dudoso, porque  ella, víctima también de la enfermedad de Luisa, quiere absorber todo su cuidado y todo su amor, como se revela en el  último acto cuando llega  a decir "Demasiado saben que yo soy quien la atiendo, quien le da los remedios, única persona que puede cuidarla. La única que tiene derecho a cuidarla, la única, la única, la única...". La fuerza dramática de la obra está en que los tres protagonistas luchan valientemente contra las circunstancias, que afectan sus vidas y sus caracteres; y los espectadores se identifican fácilmente con los tres.

Hay en  "Los derechos de la salud” un segundo tema, la influencia de las circunstancias en el carácter. La vida de la familia ha sido sacudida por la enfermedad de Luisa. Roberto tiende a refugiarse en sus creaciones literarias; Renata ha roto un vínculo sentimental, porque la enfermedad de Luisa, la inminencia de su muerte, operó como un reactivo que mostró que aquella relación, ya próxima al matrimonio, era débil. El tema del influjo  de la enfermedad en el carácter aparece, también en "M'hijo el dotor",  cuando se explica la conducta agresiva de Olegario hacia Julio por la dolencia  del  corazón que padece.

Sánchez añade un detalle que hace más sutil la trama: Roberto, un escritor, ha estado trabajando en una novela corta, inconclusa, titulada “Los derechos de la salud”, donde un enfermo incurable descubre la infidelidad de su esposa y acepta su conducta, porque no se siente con derecho a encadenar una persona sana a su destino malogrado.

Es la tesis libertaria de “Los  muertos”, la validez del amor libre,  donde Lisandro no pone objeciones al romance de su esposa con Julián, idea que aparece también en “Mano Santa” y "M´hijo el dotor”. Roberto no es Sánchez ni su representante, y con toda razón dice Echagüe que “sus jeremiadas nos dejan fríos”, justa observación a  la que sigue el absurdo de suponer que Roberto encarna las ideas del autor. Roberto es tan ampuloso como Sánchez es conciso; Roberto es apasionado, variable y colérico,  su autor era calmo, estable y ecuánime.

 Podríamos señalar que “Mano santa” no es un “sainete colorido” (Giusti) sino la única pieza antimarxista que conozcamos en nuestra literatura. Carlos, un joven socialista, marido de María Luisa, se burla  abiertamente de una vecina que dice haber sido sanada por un curandero, Salvador Rodríguez, el “Mano Santa”, a quien desea consultar su suegra, Lina; en algún momento Carlos se muestra autoritario; su esposa le  enrostra dos veces: “¿Eso te enseñaron los socialistas?”. El solemne retrato de Marx, que preside en sitio de honor la pieza del conventillo, nos alerta contra el culto de la personalidad; nos dice que el autor de "El Capital" no es un  “Mano Santa” de las luchas sociales.

La hipocresía del “matrimonio por honor” y la emancipación de la mujer contra viento y marea aparece en “Nuestros hijos”, donde también encontramos la crítica de las instituciones de "caridad"  como insultante ocio de señoras elegantes: "...institutos del Patronato y ... la constatación de que la mayoría de los niños delincuentes se ha educado y ha recibido la  protección de  aquellos  asilos"; también se trata del culto de la verdad y de la libertad sexual. 

No son solo “ideas”, lo que encontramos en sus piezas, sino ideas que tienen rostro. Sánchez declaró sus propósitos más de una vez: Díaz, el  protagonista de “Nuestros hijos” dice: “Quiero ofrecerle a la humanidad un espejo en  que vea reflejadas sus pasiones, sus miserias, sus vicios”.  Mostró la vida como es, con los rincones que  nos  cuestionan.

Queda por intentar una valoración de Florencio Sánchez como artista. Aún sus detractores reconocen su destreza para dar siempre la progresión dramática; pero Sánchez conoció también la felicidad de expresión, como la cama de hierro bajo el alero que aparece al levantarse el telón para el tercer acto de “Barranca abajo”, que nos dirá la muerte de Robustiana; en “Los muertos” la siniestra frase de Lisandro a Lalo, disfrazada de silabeada media lengua, cuando ha resuelto matar a Julián “...Escuche un secreto 'pa...pi..to los va a poner en pe...ni...ten...cia...'...”.

En la literatura dramática encontramos, para relacionar con Sánchez, tres escritores con ideas políticas: Gorki, Chéjov y Brecht. Admiramos a  Gorki y su arte de escritor; cuando muestra la sociedad y se estremece, nos estremece; después del segundo acto ya prevemos lo que puede ocurrir y los personajes pierden peso.  Con una carga de ideas no menor, nada de eso le ocurre a Sánchez, que, por ejemplo, en "M'hijo el dotor" remata con un desenlace tan inesperado como coherente.

Con Chéjov, un artista casi inalcanzable, hay varias semejanzas. Ambos quisieron mostrar el mundo como es; ambos creyeron que la visión de la realidad indicaría lo que debe ser; ambos fueron claros y transparentes, hasta enigmáticos a fuerza de claridad. Ambos deben figurar entre los escritores menos confesionales: leemos a cualquiera de los dos y nada podemos adivinar de sus vidas. Comparado con Chéjov, Sánchez no es menor en autenticidad, en la captación inmediata de la verdad de las almas, en la gracia de expresión y en poder de comunicación;  no tiene la riqueza de composición y variedad  de personajes  y de  temas de Chejov.        Brecht, un autor muy reservado y a menudo elíptico, tiene en común con Sánchez ir resueltamente a lo que importa. "Soy un autor dramático. Muestro / lo que he visto. En el mercado de hombres /he visto cómo se comercia con el hombre" ("Canción del autor dramático"). Sánchez no tiene ese universo casi ilimitado de Brecht, que recorre la geografía y la historia del mundo como si fueran sus objetos cotidianos; Brecht  muestra una ironía ácida, apreta los dientes; para Sánchez, en cambio, casi no hay malvados y comprendemos  a Felipe (“La pobre gente”) como víctima de un concepto de la familia que lo consuela  porque  la hija, a quien  prostituye,  le  pidio perdón  antes de  irse.

Para finalizar, diremos la percepción que tenemos de la  persona de Florencio Sánchez a través de sus obras, que nos hablan mucho más que las anécdotas. Vemos un hombre firme, seguro, reservado y  estable, con gran fuerza de voluntad; un carácter muy visible y muy dulce, con  notorio amor a la vida, con simpatía y gracia de expresión; eso sí, un alma salvaje  bajo una impecable urbanidad,  el traje de tres piezas y la corbata.

Qué habría podido hacer Sánchez, con la madurez que siempre tuvo, si no hubiera muerto a los treinta y cinco años, es una conjetura y, esto sí, un legítimo dolor.

 

 Jorge Arias -  (Uruguay) 

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CON  LOS ESCLAVOS EN LA  NORIA O EL ENIGMÁTICO “TIO VANIA”  DESCIFRADO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

La posteridad no ha sido benigna con Chejov como dramaturgo. Sus méritos están a la vista, pero directores de escena, críticos y actores parecen empeñados en desfigurar sus obras. El mismo Chejov, en parte y sin quererlo, ha contribuido a su fracaso. Su estilo es muy claro; su  transparencia  desorienta; no muestra las cartas. Escribió obras capaces de atravesar la censura zarista; por ello trató algunos temas en forma elíptica, entienda quien pueda. Por ejemplo, presenta “Tío Vania” bajo el marbete erróneo de “Escenas de la vida rural”; ofrece una enmarañada relación de personajes, creemos que con el propósito de desorientar a ese burócrata apresurado que suele ser el censor y remata mintiendo descaradamente que la acción transcurre “en la hacienda de Serebriakov”, personaje que nunca tuvo el más mínimo derecho al establecimiento.

Escribiremos el verdadero argumento de “Tío Vania”, una sorpresa para todos los lectores: no conocemos, hasta ahora, ninguna apreciación crítica, recensión o estudio que relate la trama tal cual es y confesamos que, para entenderla, debimos recurrir a cinco o seis perplejas lecturas, un diagrama con el parentesco de los personajes y una indagación del derecho civil ruso vigente en la  época de  Chejov.  El  argumento se hace difícil de entender, además, porque cuando se encienden las luces para el primer acto ya ha transcurrido buena parte de la historia, que es contada mediante diálogos casuales: no es sencillo, aun para un espectador o lector atento, reunir en una primera lectura o en una primera función teatral todas sus puntas y cabos. Creemos que la esperanza de Chejov estaba en los directores de teatro, que, con los gestos de los actores y aun con giros y énfasis agregados, descifrarían para el  público su lenguaje claro y secreto.

Aleksandr Serebriakov, un arribista hijo de un sacristán, educado en un colegio religioso, emprendió y culminó con éxito una carrera académica; atractivo y seductor con las mujeres, se casó con Vera Petrovna, hija de un senador y alto funcionario del imperio ruso, Piotr Voinitzski, y de su esposa Maria Vasilievna.  

Piotr Voinitzki, para dar una dote a su hija Vera Petrovna en ocasión  de su matrimonio con Serebriakov, compró la propiedad donde se desarrollará la obra mediante el pago al contado de una parte del precio y la garantía, por el saldo, de un contrato de hipoteca. El bien dotal es propiedad inalienable de la mujer y sólo es administrado por el marido, en este caso Serebriakov. Como Voinitzki no tenía otros bienes, para que la constitución de la dote fuese válida, su hijo Piotr Voinitzki, a quien su sobrina Sonia llamará “Vania”, debió renunciar a su “legítima”, o asignación forzosa, la parte del patrimonio acordada necesariamente a los hijos en caso de muerte y de la que no puede disponerse por testamento.

 Vera Petrovna y Serebriakov tuvieron una hija, Sonia, que al comenzar la obra tiene 20 años; en un momento que no puede determinarse exactamente, quizás diez años antes de comenzar el primer acto, Vera Petrovna muere; a partir de entonces la hacienda, un bien productor de trigo, lino, aceite de linaza, arvejas y queso y que dispone de un molino, es propiedad exclusiva de Sonia y está administrada, como desde su adquisición, por Serebriakov, que contrató para ello a Vania por un sueldo muy bajo. Sonia colabora gratuitamente en la gestión del establecimiento, donde también trabaja Teleguin.

La hacienda soporta una hipoteca que, pagada por Vania de su peculio, lo transformó por subrogación en acreedor del dueño, con derecho de persecución sobre el bien sea quien fuere el propietario. Por lo general los saldos de precio garantizados con hipoteca representan un 30% del  valor de la  propiedad; en el caso de la hacienda de Sonia, sabemos, por la anterior obra de Chejov “El  genio del bosque” donde ya aparecen Serebriakov, Vania, Sonia y la hacienda, que la suma que pagó Vania fue el 26,31 % del precio de venta. Por lo tanto, al comenzar la pieza Vania tiene derecho a que se  le pague su crédito, de ser preciso con la venta forzada del establecimiento; en una partición deberían dividirse la propiedad en un 73,69% para Sonia y un 26,31% para  Vania. Sonia no es sólo la única dueña; tiene además derecho a reclamar judicialmente de su padre una rendición de cuentas de la administración de su propiedad a partir de la muerte de su madre, Vera Petrovna.

Serebriakov, a quien por sus méritos académicos se le llama “Su Excelencia”, unió a sus éxitos la admiración del público, de su cuñado Vania y, más aún, de su suegra, María Vasilievna. Cuando comienza el primer acto, ya en situación de retiro y un tanto menguada su reputación como escritor, está casado con la hermosa Elena, de 27 años.  El prestigio de su obra literaria ha declinado: Vania ha abierto los ojos y abomina de las disertaciones de su cuñado sobre “…realismo, naturalismo y otras sandeces”.

A poco de comenzar el primer acto. Serebriakov se traslada con su esposa Elena a la finca de su hija Sonia para mejor disfrutar de su pensión de retiro y también con el propósito de que Sonia venda la  propiedad, para comprar con su producto acciones cotizadas en bolsa, que luego convertiría en dinero con el que compraría, para él solo y a su nombre exclusivo, una casa de veraneo en Finlandia; es evidente que, de realizarse la venta, Vania y Sonia serían echados a la calle por el nuevo dueño, lo que provoca la reacción de Vania.

 Celos y lujuria suscitan deseos por Elena en Vania y en el médico Michael Astrov. Como en “La gaviota” con la llegada de Trigorin, como en “Las tres hermanas” con la llegada del regimiento, los durmientes despiertan. Vania, que tiene 47 años, que nunca se casó ni  se comprometió con mujer alguna y cuya cobardía y espíritu subalterno se evidenciaron, primero, cuando renunció a su legítima, segundo, cuando pagó de su peculio la deuda ajena del saldo del precio de compra de la hacienda y tercero cuando, doblegado por la sabiduría convencional, admiró a Serebriakov, pretende ahora amar a Elena, a quien conoció diez años atrás sin que le llamara la atención y le ofrece un patético ramo de flores, al tiempo que se desacredita como pretendiente; Sonia, anuncia a Elena su oculto amor por Astrov, que a su vez emprende, y pronto abandona, la  seducción de Elena.

Vania no se resuelve a lo más simple, mostrarle a Sonia su derecho exclusivo a la hacienda y sus frutos, hasta entonces percibidos por Serebriakov, padre y amo, de cuyo yugo la joven podría liberarse con un tinguiñazo. Aturdido, Vania adopta la vía, más por cansancio que por valentía, de la agresión física y dispara tres tiros de revólver sobre Serebriakov; erra los tres, sin duda por inconsciente voluntad de fracaso; amaga suicidarse con morfina pero no lo intenta.

El final es una marcha fúnebre con ribetes cómicos, que debe tener en el público un efecto de congoja y ridículo muy  similar al que produce el último cuadro de “Las tres hermanas”. Vania traiciona a su sobrina y a sí mismo y  asegura a Serebriakov que “Recibirás de mí con toda puntualidad la misma cantidad que antes. Todo seguirá siendo lo mismo”. Hay un contrapunto sombrío en la conducta de Astrov, que comprende todo pero se ocupa de las herraduras de su caballo y ve con indiferencia cómo Vania y Sonia vuelven a su rutina de siervos: “Factura al señor… y de su deuda previa…”

Para interpretar las últimas frases de la pieza, a cargo de Sonia, hay que recordar la censura zarista y oír, a contrapelo, un feroz alegato contra la religión, la existencia de Dios y la creencia en el más allá. Sonia recita, una vez más, el humillante  evangelio de la resignación, ese “…es la voluntad de Dios”, que hace sonreír a los explotadores porque han grabado su dominio en el alma de sus víctimas. Llegamos al clímax de la horrenda autoinmolación de Sonia cuando se encomienda a Dios, que “…se compadecerá de nosotros… veremos una vida clara, delicada y hermosa…Oiremos a los ángeles, veremos el cielo entero cubierto de estrellas como diamantes… ¡Descansaremos!”. Es la muerte en vida; y es siniestramente cómico que María Vasilievna se pase perorando sobre la emancipación de la mujer mientras su nieta es esclavizada ante sus ojos. Las palabras de Sonia tienen un eco en las de Anya, al final de “El jardín de los cerezos”, cuando dice a su madre, no menos explotadora que Serebriakov “…Madre, confío en que pronto estarás de regreso ¿verdad?  Yo entretanto daré mis exámenes en el colegio, después trabajaré, te ayudaré…Cultivaremos un nuevo jardín de los cerezos, será mucho más hermoso que el otro. Una nueva felicidad  descenderá sobre tu alma…”

La sorprendente frase “Un cielo de diamantes” en una joven tan gris como Sonia sería, si el  argumento no fuera suficientemente explícito, una clave. La frase no es de Chejov, sino de  “Les Chouans” de Balzac, un autor que Chejov leyó y al que homenajea en “Las tres hermanas”, obra que es una secuela de “Eugénie Grandet”.

En “Les Chouans” Marie de Verneuil, agente secreto de la policía de Paris de la Francia revolucionaria (1793) es encargada de seducir y  entregar al marqués Alphonse de Montauran, “Le Gars” (“El Muchacho”), jefe de los contrarrevolucionarios terroristas de la Vendée. Lo consigue, pero la seductora cae en su trampa y se enamora; ambos, Alphonse y Marie, unidos por un amor tan intenso como imposible, desafiarán la muerte; cerca de Fougères, Bretagne, les acontece la extática noche cuyo cielo es de diamantes. Los enamorados saben que están condenados a muerte, por ambos bandos; fieles al sentimiento que los une, luego de un matrimonio clandestino y una sola noche de amor, morirán  bajo el fuego de fusilería de los soldados republicanos del comandante Hulot. ¡Eso es coraje!.

Se pueden ver ya, con la sola relación del argumento, los varios significados de “Tío Vania”. El abuelo de Chejov era siervo y compró su libertad y la de su familia por  tres mil  quinientos rublos. Las desigualdades sociales, las luchas por la emancipación, la  independencia, la autonomía, la resistencia a las compulsiones sociales, el espanto ante las abdicaciones del alma, son temas claros en “Tío Vania”, como lo son también en “El jardín de los cerezos”, donde Lopajin, un hijo de siervos que ha hecho fortuna, muestra, en medio de sus fanfarronadas la impronta servil. Cuando llegan los Ranevski se apresura a recibirlos, pese a que no trabaja para ellos; Duniascha compara su conducta con la del perro que sale a festejar al amo: “Los perros, sin embargo, no se duermen jamás cuando esperan a sus amos”. Más adelante, Lopajin ve el negocio de la venta en fracciones del jardín de los  cerezos; la persistencia en su alma de la servidumbre lo lleva, sin razón alguna, a entregar a los Ranesvki, por nada, la idea del buen negocio que ha concebido y que, al fin, realizará en su provecho. Chejov conocía perfectamente la alienación del trabajo, idea que aparece en su cuento “Somnolencia” donde Varka, una niñera exhausta, mata al niño que cuida porque no la deja dormir. Chejov suscribiría la frase de Nietzsche de que “la dignidad del  trabajo humano es un sueño de esclavo”.

Además de la alienación, está presente en “Tío Vania” el tema de la explotación de los hijos por su padres, tema prohibido por la censura  zarista, que aparece también, como hemos visto, en “El jardín de los cerezos”. Está presente, además,  la crítica de la  idea de la inmortalidad del alma como una ilusión más, tema que aparece en “La  gaviota” y en el cuento ”La sala número seis”.  Chejov, que había leído  a Nietzsche y debió conocer su idea de la ilusión sobre sí mismo, reprueba la ilusión de todo reconocimiento futuro, así sea en la memoria de los hombres, como los sueños de Astrov de que sus inquietudes ecológicas serán reconocidas, ilusión muy similar al sueño de validez póstuma de Olga al  final de “Las tres hermanas”.

En la pieza de Chejov “El genio del bosque”, estrenada en Moscú en 1889, hay un claro argumento a favor de nuestra interpretación. Allí aparecen los cuatro personajes principales de “Tio Vania”: Voinitzki, el  futuro Vania, Serebriakov, Elena su esposa, Sonia y Astrov, que se llama Khruschev y es “el genio del bosque”. Diálogos enteros de esta pieza han pasado tal cual son a “Tío Vania”, como el ataque de Vania a Serebriakov, sus fatuas afirmaciones de que él podría haber sido un Dostoievski o un Schopenhauer y  las  preocupaciones  feministas de María Vasilievna.

Las modificaciones permiten ver, con más claridad aun, el  sentido de “Tío Vania”. Voinitzki, que tiene en “El genio del bosque” 37 años y tendrá  47 en “Tío Vania”, toma consciencia de su fracaso y se suicida.  Sonia no es una jovencita fea sino una animosa muchacha que sabe cantar y cuyo amor por Khruschev – Astrov es correspondido. Elena, la esposa de Serebriakov, a quien se supone erróneamente la amante de Voinitzki, tiene una alegre aventura con Fyodor, un don Juan lugareño; Khruschev – Astrov permanece similar a sí mismo, pero en el “El genio del bosque” además de médico  es  artista, ama a Sonia y es menos cínico y menos alcohólico que en “Tío Vania”. Todos los personajes se han marchitado al pasar de “El genio del bosque” a “Tio Vania”: Voinitzki tiene en “El  genio del bosque” el  coraje de suicidarse, consciente de su fracaso, pero en “Tío Vania” sólo aparenta querer suicidarse con morfina; Sonia pasa de enamorada y atractiva en “El genio del bosque” a fea y despechada en “Tío Vania”. El  efecto general de “El  genio del bosque” es, pese al suicidio de Voinitzki, alegre y  festivo.

Un tema inexplorado que permite comprender mejor la pieza es la sexualidad de Vania, que el actor Ian McKellen, que  lo interpretó, percibe frustrada (“The Cambridge companion to Chekhov”, pág. 126) En este punto enunciaremos, como sugestión para ulteriores reflexiones, una hipótesis que no tiene posibilidades de verificación: Vania es un homosexual frustrado y su amor fue, y quizás es, Serebriakov.

La homosexualidad, un tema prohibido por la censura zarista, aparecía a las claras en conocidas novelas francesas del siglo XIX, como “El viejo Goriot”, “La muchacha de los ojos de oro”, “Ilusiones perdidas”, Esplendores y miserias de las cortesanas”, “La  duquesa de Langeais” y “Sarrazine” de Balzac y “El conde de Montecristo” de Alexandre Dumas. Se recordará que el francés y su cultura, a partir del siglo XVIII y hasta el  siglo XX era el idioma de la  corte imperial rusa y que “La guerra y la  paz”  de Tolstoi casi comienza con una declaración de amor en francés,

Vania ha sentido por su hermana Vera un amor que se siente excesivo. “… una persona excelente y pura como el cielo azul,… la amaba  como  solo pueden amar  los ángeles inocentes… (la) “quería con delirio”. Vania tiene 47  años,  es soltero, no  se le  conoce esposa ni amante.  A  la muerte de su hermana transfiere su amor a Serebriakov, un amor que nubla su espíritu crítico y le hace admirar las ineptas obras de “Su Excelencia”. Cuando vuelve a encontrarse con Elena, a quien conoció diez años atrás y que le fue indiferente, ella está casada con Serebriakov; la llegada del matrimonio, sin  razón visible, lo perturba, está ansioso y deprimido; súbita y torpemente se declara enamorado de ella, cuando todo su actuar está referido a Serebriakov: “todas nuestras personas  y sentimientos fueron para ti”, le dice  Voinitzki en el tercer acto de “El genio del bosque”. Vania persigue a Serebriakov a través de Elena, amor ilícito también, pero  que  socialmente puede decir su nombre.

En “En busca del tiempo perdido” de Marcel Proust sucede una transferencia similar. El protagonista, Marcel, conoce durante su voluntariado militar a Robert de Saint Loup; se hacen amigos. Al tiempo, Robert se casa con Gilberte Swann, el primer amor de Marcel; el matrimonio es endeble, Robert es infiel a Gilberte con Rachel, una actriz que no lo vale y muere como un héroe en la guerra 1914-1918. Luego Marcel descubre que Robert era homosexual y se pregunta, lo que deteriora el recuerdo del amigo, si Robert fundaba su hermosa amistad en el reconocimiento de las cualidades morales e intelectuales de Marcel o si se apoyaba en la atracción física; y aún dudó de si Robert se casó con Gilberte para acercársele y seguirle las huellas.

Es imposible ver el final de “Tío Vania” como un triunfo, como la realización plena de dos vidas. Vania se parece demasiado a otros fracasados de Chejov, notoriamente a Ivanov, que en circunstancias muy similares se suicida, como Voinitzki en “El  demonio del bosque”. En el cuento “La sala número seis”, de 1892, el protagonista, el patético Dr. Andrei Yefimych Ragin, quiere al fin rebelarse contra su creciente dependencia y “..comenzar a gritar muy fuerte y matar a Nikita, a Khobotov, al superintendente, al asistente y luego a él mismo,  pero ningún sonido salió de su pecho y sus piernas ya no le obedecieron”. Es  un estado de ánimo y una reacción apenas un poco más impotente que los tres disparos de Vania sobre Serebriakov.

Esto no obstante, David Magarshack en su libro “Chejov, the dramatist” sostiene que el desenlace es que Sonia y Vania “deben trabajar para otros, de modo que cuando mueran, lo harán sin una palabra de queja, con plena consciencia de haber cumplido su deber hacia su familia, y que serán recompensados en su vida después de la muerte”; el  tema de “Tío Vania” es “…coraje y  esperanza” (pags.224/225, Eyre Methuen Ltd., Londres, 1980). Y agrega que Sonia, ahora que “...su sueño de una vida matrimonial feliz ha sido destruido, puede consagrarse a una vida de servicio para su familia”.

En otras palabras, que Sonia y Vania deben seguir siendo esclavos de quien no tiene ningún derecho a explotar sus personas y patrimonios.

El director de teatro Leonid Heifetz, en “The Cambridge companion to Chekhov”, Cambridge University Press, 1960, pág. 91, dice que leyendo las  líneas finales de Sonia “... no sintió tristeza, sino furia. ‘Descansaremos’ no son palabras de consuelo sino de intransigencia...” y que otras veces las sintió como palabras de consuelo y agrega que el desenlace de “Tio Vania” debe conducirnos a “dejar sentir a los demás que no están  solos y que son atendidos, a abrigar sus corazones, amándolos más que a nosotros mismos”; y concluye que "toda la pieza de  Chejov reposa en el amor".

Creemos que Heifetz intuye, más que comprende, la  ambigüedad de las palabras de Sonia, que revelan, en su retórica, una sorda irritación. Ian McKellen, en “The Cambridge companion to Chekhov”,  pag. 126, entrevé la verdad y dice: ”Yo me sentí desesperadamente apenado por él” (Vania) “ pero al mismo tiempo pensé que necesitaba un buen  sacudón y que debía  crecer; ¡no  estás tan atrapado como crees!”.

 Ni él ni Sonia estaban atrapados, ni poco ni mucho. La solemne tragedia de Sonia y Vania es una comedia cómica, porque no hubo tal tragedia.

 

 Jorge Arias -  (Uruguay) 

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TEATRO PARA UNA CRISIS

El Centro de Investigación y Recursos de las Artes Escénicas de Andalucía convocó a los autores andaluces a participar en el proyecto “Teatro para una crisis”.

Se trataba de publicar obras breves, de tema libre, de no más de 500 palabras, y ha concurrido un numeroso grupo de autores.

En el enlace de abajo se puede entrar en el catálogo con detalle de títulos y autores y acceder a los textos pulsando en el título.

https://www.juntadeandalucia.es/cultura/redportales/cdaea/content/teatroparaunacrisis#navbar

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JOSÉ LUIS PANERO, NUEVO MIEMBRO DE LA ACADEMIA DE LAS ARTES ESCÉNICAS DE ESPAÑA

El pasado jueves, 23 de abril de 2020, Día del Libro, el periodista, crítico de teatro, de cine y actor, José Luis Panero, ingresaba en la Academia de las Artes Escénicas de España en las especialidades de interpretación, y estudios y divulgación, tras la reunión mantenida por la Junta Directiva de la referida Institución, presidida por don Jesús Cimarro.

 Fundada en 2014, La Academia es una asociación de carácter civil y sin ánimo de lucro, formada por profesionales acreditados, cuyo objetivo es actuar como un núcleo de reflexión sobre las Artes Escénicas y los creadores que trabajan en su campo, ser un generador de opinión y un centro de estudio e investigación, y de difusión y fomento de las mismas, así como de canalizar su relación con los fenómenos sociales, culturales e históricos que incidan entre ella y la sociedad.

La actividades José Luis Panero en Teatro destacan la siguientes:

- Es actor del grupo Ateneo de Pozuelo y de Tassili Teatro.

- Es crítico de teatro de la revista Hoy en la city. (http://hoyenlacity.com/)

- Ha recibido el Premio a la Mejor Escenografía en el XX Certamen de Teatro Villa de El Álamo, por su versión de Tres sombreros de copa.

- Ha recibido el Premio a la Mejor Interpretación Masculina Protagonista en el I Festival Nacional de Teatro (UNIR), por su dramatización en Tres sombreros de copa.

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SIN NOMBRE. YO, DE RAQUEL GAROD, PUBLICADA EN AMAZON

"En “SIN NOMBRE. YO”, -explica la autora, Raquel Garod- una mujer pone voz a un espacio omitido desde el que se evidencia el negocio de gratificaciones a cambio del uso sexual de un cuerpo, expresando qué subyace tras la prostitución.

En su monólogo, esta fémina desliza sus palabras por una superficie que va deshojando sus capas hasta llegar a la oscura profundidad de esta experiencia, donde los tópicos van desapareciendo, tambaleándose ante la única verdad que queda.

 Para acceder al enlace a través del cual se puede disponer del libro, editado por Luciérnagas 24 Producciones; y que se encuentra disponible en formato Ebook y en Tapa Blanda, pulsa en la imagen (portada del libro)

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TOMÁS AFÁN (JAÉN) Y GENÍS CAMPILLO (BARCELONA), GALARDONADOS CON EL XI CERTAMEN DE TEATRO “DRAMATURGO JOSÉ MORENO ARENAS”

 Por Antonio Mansilla

 

Las obras Pequeña historia de números y de palabras, del jienense Tomás Afán, y Ñaque a ninguna parte, del barcelonés Genís Campillo, han sido merecedoras de la undécima edición del Certamen de Teatro “Dramaturgo José Moreno Arenas”, respectivamente, en las modalidades de Teatro Breve y Teatro Mínimo. El premio, que, como es sabido, es convocado desde 2009 por el Ayuntamiento de Albolote y patrocinado por la Fundación Francisco Carvajal, debe su organización al buen hacer de Karma Teatro a través de su Aula de Artes Escénicas.

En opinión de los miembros del jurado, Pequeña historia de números y de palabras «se articula a partir de la técnica del dato escondido, invitando al lector/espectador a seguir con interés las pistas que le revela la ficción. A dicha técnica se suma una estructura tripartita en la que se desgrana con ingenio el conflicto, donde los diálogos absurdos que conforman las dos primeras partes dan paso al dramático monólogo final» y “escrita con un discurso teatral coherente, nos cuenta entre líneas una escalofriante historia sobre el maltrato infantil. Está conducida con un gran pulso dramático y con un lenguaje fluido y sugerente». De Ñaque a ninguna parte han manifestado que «la nueva aventura de Don Quijote y Sancho Panza ofrece la posibilidad de profundizar en los difusos límites que separan la realidad de la ficción, la cordura de la locura. Sin duda la reescritura de la obra cervantina constituye todo un acierto, al introducir diálogos ingeniosos que se nutren de sutiles tintes metateatrales», así como que «supone una reflexión sobre el teatro y la relación entre los actores y el público, al tiempo que sobre la representación y la propia vida, jugando a la vez con el tópico de la dualidad Quijote-Sancho, idealismo-pragmatismo, a través de un humor de gran personalidad».

Tanto Tomás Afán como Genís Campillo hunden sus raíces en el teatro: el andaluz, desde la autoría, la dirección y la interpretación; el catalán, desde la condición actoral. Aquel, dramaturgo prolífico, con numerosos textos publicados, estrenados y premiados; este, profesional de las tablas, con proyectos en Escena Nacional de Andorra, Fira de Teatre de Tàrrega y Liceo de Barcelona. El primero, con clara apuesta por lo cotidiano, con tintes surrealistas y absurdos, con trasfondo crítico y de claras influencias de los clásicos del Siglo de Oro y de la Comedia del Arte; el segundo, formando parte de la Muestra de Intérpretes Emergentes de Eolia e integrado en la Joven Compañía de Verso de Barcelona. A este respecto, José Moreno Arenas ha hecho hincapié en la importante trayectoria de ambos en el mundo del teatro: Tomás Afán como reconocido dramaturgo y director de la compañía ‘La Paca’, y Genís Campillo como destacado actor.

Además, el Jurado ha tenido a bien conceder dos accésits por cada una de las modalidades. En teatro breve, para Roulette russe, del madrileño Pedro Catalán, porque «tanto el ritmo como el lenguaje la dotan de gran fuerza e interés. Refleja con intensidad y emoción el drama de un sector de la juventud actual que se debate entre el vacío existencial y una falta de horizontes que la abocan al abismo y la autodestrucción»; y para Subasta, del también madrileño Víctor Almazán, «de contenido crítico y actual, aborda, de manera original, el problema de la precariedad económica de los ancianos. Su trágico final, de gran fuerza dramática». Y en teatro mínimo, para El consultor, de la malagueña Aurora Mateos, «texto de interés sobre asuntos internacionales de relevancia, elaborado con pericia, y no exento de una rara mezcla de cinismo y encanto»; y para Hijos de la Tierra, de la jienense Nati Villar Caño, obra de la que cabe destacar «el movimiento coral de personajes y la escenografía, así como la riqueza de las acotaciones, hasta tal punto que apenas sin diálogos logra transmitir el drama de la emigración por mar».

Presidió la Ceremonia del Fallo del Jurado la responsable municipal del Área Cultura, Antonia Guerrero, que, tras apostar «por la continuidad del Certamen» y pronunciarse sobre este como «un referente dentro y fuera de España», felicitó «a José Moreno Arenas por su trayectoria». Mario Soria, miembro del Jurado y representante de Karma Teatro, agradeció al Ayuntamiento de Albolote y a la Fundación Francisco Carvajal la apuesta por el Certamen y destacó «la gran calidad de las obras recibidas tanto de España como de otros países sudamericanos».

Edición tras edición, el Certamen cuenta con un prestigioso Jurado. Presidido este año por la concejal Antonia Guerrero, ha estado integrado por los siguientes vocales: el editor José Membrive; los profesores Antonio Sánchez Trigueros, Francisco Morales Lomas y María Jesús Orozco Vera; los dramaturgos Adelardo Méndez Moya, Felisa Moreno Ortega y Emilio Balleste­ros; el director José Manuel Motos; y el actor Mario Soria. Las funciones de secretario correspondieron –así viene siendo desde su convocatoria– al dramaturgo José Moreno Arenas.

La Ceremonia de Entrega de Premios, de acuerdo con las bases del Certamen, incluye en su programación el estreno de las dos obras ganadoras, así como la presentación del libro, editado por Carena, con los seis textos finalistas. El acto tendrá lugar el próximo día 17 de abril de 2020 en el Auditorio del Centro Sociocultural Fernando de los Ríos, de Albolote.

 

Antono MansillaAntonio Mansilla

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LABERINTO, ANATOMÍA DEL PRESENTE, DE MARINO GONZÁLEZ MONTERO, DE LA LUNA LIBROS. MÉRIDA. 2019

Aunque todavía puede uno enzarzarse en alguna de esas polémicas inanes sobre si el teatro es, o no es, un género literario, una única verdad prevalece: el teatro también se lee. Aunque el modo de abordar una obra dramática requiere una visualización más activa que en otros géneros, la cual suele residir; paralelamente; junto al número de obras que haya visionado el lector. Ayudan (y mucho) las acotaciones-descriptivas, que el autor sitúa, con notable clarividencia, para ayudar a describir personajes y situaciones. Y es que nada es liviano en el intramundo teatral de Marino González Moreno. En “Laberinto, anatomía del presente” vuelvan a aparecer sus estilemas, obsesiones y remembranzas. Porque un laberinto de estas características tan sólo puede tener su génesis en la propia esencia vital, en el leve parpadeo del instante breve que huye, en el somnoliento guiño de lo ya vivido. Una vez más vuelve a aparecer el autor que no agradará al consumidor de inmediatez mediática (porque no comprenderá ninguna de las interrogaciones que como dardos se le lanzan), ni al devorador de postmodernidades y postverdades (que de todo hay), encerrado en su cápsula de tecnologías y estímulos guiados por la apariencia (y/o) la ignorancia en estado latente. El autor alquimiza la palabra como arma, contra esa invasión de oscurantismo, de querencia por la tiniebla que se esconde detrás del postureo actual, detrás de la liviandad de las relaciones y actitudes vitales. “Pá tinieblas, las mías”, parece decir (en castizo), desde la profundidad de este texto, rico en metáfora vital, en existencialismo cotidiano, en riqueza matriz. Porque bebe del mito ancestral, primigenio, atávico, para presentarnos una tragedia helénica desaforada en lo conceptual, pero contenida con la introducción de un humor que; como en su anterior obra; está situado en el momento y el lugar exacto. Casi hemos dado la definición de literatura: Situar la palabra más exacta en el lugar más correcto. Retornan  obsesiones y personajes de “Muerte por  Ausencia” ¿Quizás el boceto de un trilogía sobre el abismo y la orfandad humana frente a la muerte y lo desconocido? Ahí lo dejo. Retornan los espacios inquietantes. Si allí lo fueran un catafalco y unas velas; donde la soledad acompañada de sus criaturas, desarrollaba su ceremonia de ausencias; aquí es un extraño laberinto, unas cabezas de alambre. Si allí el personaje elíptico era la base de todo el diálogo y las inquietudes de los personajes, aquí toma forma como diosa políglota, envuelta en poncho. Dispuesta a llenar de inquietudes las vidas de “Hombre” y “Mujer”, y también de enseñarles a caminar entre el absurdo que denominamos vida y extraer la esencia de las cosas, como ese Juan Ramón que declamaba:

¡Oh pasión de mi vida, poesía

desnuda, mía para siempre!

La esencia de las cosas. Ese desprendernos de la túnica de la inocencia antigua hasta aparecer desnudos. Pero la desnudez que nos muestra Marino González, es un viaje en barca para el que nunca estamos preparados. Porque Caronte conoce todas nuestras miserias. Un Laberinto donde el Minotauro borgiano tan sólo desea la espada de Teseo en su corazón.

-Lo creerás, Ariadna. El Minotauro apenas se defendió…

Como el mítico animal antropomorfo, Hombre y Mujer, desconocen el sentido de su presencia en el laberinto y anhelan escapar a la soledad de sí mismos. Para ello deberán aprender a escuchar. A escucharse. Como en la poesía de Juan Ramón, el anhelo que subyace en la obra de dramaturgo cacereño tiene una triple vertiente (o una triple sed).

Sed de belleza (lo cual queda patente en el respeto por el verbo, por las referencias culturales y la forma, por el homenaje a la cadencia del riesgo, por el disfraz de la palabra.

Sed de conocimiento: Porque la belleza de lo externo es un modo de conocimiento. Porque el antifaz del léxico es como una nota escrita en la partitura. Inerte, expectante, pero palpitante, llena de vida cuando surge de los labios del intérprete.

Sed de eternidad. De búsqueda, de anhelo de lo inmarcesible. La búsqueda de la belleza absoluta pasa necesariamente por los estratos del dolor y la angustia existencial.

Laberinto es un texto difícil, arriesgado, alejado de lo común. En él, el autor sienta sus claves a caballo entre el teatro del absurdo, sazonado (con un humor cínico y existencialista), la helénica y genésica tragedia, el abismo nietzcheano; al cual se asoman para que el abismo mire dentro de ellos; y una certera reivindicación de pensamiento sobre superstición, de lo atávico sobre lo acomodaticio del instante histórico. Las dudas primordiales de la humanidad, los dolores más acerados y punzantes. Como esa muerte “que había ido a vivir a mi casa”. Una muerte que está en casa de todos, ya que es la única certeza que tiene el hombre.

Marino González Montero conjuga con maestría y sabiduría dramática (más sabe el diablo) un verbo, ora teñido de lirismo, ora de existencialismo. Ora de un humor amargo y lacerante, ora de un filosófico beber del instante. Prima la desnudez escénica (otro de sus atributos), pero la desnudez emocional es la marca de la casa. Y es que nada más se necesita cuando el sendero trazado nos conduce a los sentimientos más intensos del hombre/mujer en este paraíso perdido. Cuando el jardín de senderos que se bifurcan no ofrece sino redención (el dolor no es opcional) frente a la derrota. Las canciones ofertan un lirismo intenso, juguetean con el khoros helénico o la modernidad, con referencias a Pablo Milanés. Toda la obra está teñida de la fatal predestinación de ese “animal que camina  con un féretro”. Ese animal que es capaz de escribir y emitir palabras que son “deidades momentáneas”. Las palabras de esta obra también ejercen de demiurgos para guiarnos hacia más allá del velo. Hacia el laberinto. Origen y fin de todas las cosas.

 

Francisco ColladoFrancisco Collado 

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ENAJENADA, DE LA DRAMATURGA PILAR ZAPATA, OBRA GANADORA DEL XIV PREMIO EL ESPECTÁCULO TEATRAL CONVOCADO POR EDICIONES IRREVERENTES

La obra “ENAJENADA”, de la dramaturga Pilar Zapata, ha resultado ganadora del XIV Premio El Espectáculo Teatral entre 131 textos procedentes de 16 países. Las obras finalistas del premio han sido: “Bob Dylan desnudo frente al espejo de la conciencia” del chileno Antonio Landauro y “Almacenes Europa” de la coruñesa Lola González Roel.

La obra ganadora: “Enajenada” es la historia de una profesora que se encuentra metida en el cuerpo de una compañera a la que odia. Ante todo el mundo insiste en ser ella misma, no la compañera odiada, pero nadie la cree y deberá llevar la vida de esa otra mujer, vivir con su marido y cargar con las consecuencias de su vida ficticia. Es una historia obsesiva sobre nuestra personalidad: ¿Somos quienes creemos ser? ¿Llevamos una vida que no es la nuestra? ¿Nos sentimos suplantadores de una vida que no nos corresponde? ¿Somos en realidad actores interpretando un papel y no nuestra verdadera vida?

La obra ganadora se publicará próximamente en la Colección de Teatro de Ediciones Irreverentes, editorial que ha recibido el Premio a la Mejor Labor Editorial de la Asociación de Autores de Teatro.

Todo sobre el premio en la web de Ediciones Irreverentes http://www.edicionesirreverentes.com/premios/EspecTeatral14.html

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ESTRENO DE LA OBRA DESCUBRIENDO A SARAH BERNHARDT, DE Mª LUZ CRUZ, EN BUENOS AIRES

Se ha estrenado la obra de Mª Luz Cruz  “DESCUBRIENDO A SARAH BERNHARDT” en el Teatro de La Comedia de Buenos Aires, producida por Gerardo Dispeza y con el siguiente reparto: Naanim Timoyko, Fiorella Muzzo, Mónica Stricker,  Dirección, Roman Caracciolo.  

Estará en cartel los sábados a las 21 h. Al mismo tiempo ha salido a la venta en Amazon

Se trata de una comedia con 3 personajes femeninos, en el cual se rompe la cuarta pared y el espectador puede sentirse muy cerca de las actrices que la interpretan.

Sinopsis:

En el silencio de un teatro vacío, Carmen  limpia mientras su sobrina Susana  intenta prepararse para un casting que tendrá lugar dentro de dos días, para representar el papel de Marguerite Goutier  en “La Dama de las Camelias”. Pero  entre la sorpresa y la incredulidad, como en una ensoñación se le presenta  Sarah Bernhardt, la actriz francesa que dio vida a Marguerite durante años. Susana no da crédito a lo que está sucediendo y llama a Carmen para que le confirme la presencia de Sarah, pero a diferencia de ella, Carmen no puede verla. La misión de Sarah es contagiar a Susana su pasión por el teatro, hacerle que descubra los valores y la profundidad de él, el trabajo del actor frente al personaje, y Susana  entre críticas y  comentarios  irónicos irá valorando los consejos de Sarah Bernhardt, además de ir descubriendo la apasionante vida. 

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SE ESTRENÓ DE LA NOCHE DEL DESERTOR, DEL DRAMATURGO GRANADINO RAFAEL RUIZ PLEGUEZUELOS, EN GRANADA

El viernes 29 de noviembre de 2019, a las 17:30 en el salón de actos de la ETS de Ingeniería de Caminos, en Granada, se estrenó “LA NOCHE DEL DESERTOR”, obra dramática con la que el autor granadino ganó el I Certamen de Textos Dramáticos Sanchis Sinisterra entregado en Atenas. Los responsables de su estreno son la compañía madrileña Ángeles de la Ciudad, liderada por el actor Antonio Carrera.

La obra se desarrolla en un país en guerra. En un lóbrego sótano, un escritor vive recluido, convencido de que está escribiendo una novela tan importante que incluso puede cambiar el curso de las terribles circunstancias que tienen lugar en el exterior. La paz que el escritor disfruta gracias a su enclaustramiento voluntario, se ve alterada un día con la molesta visita de un desertor que ha elegido el mismo sótano para esconderse. Con las conversaciones que ambos mantendrán durante su indeseada convivencia, el espectador recorre la historia de la Europa contemporánea y asiste a reflexiones sobre el origen de la paz y la violencia en el mundo, en una pieza de gran intensidad y compromiso con la realidad social de nuestro tiempo.

Esta representación se encuentra enmarcada en las actividades culturales que programa La Cátedra Hidralia+UGR, en el marco del Programa 17 Retos: Una oportunidad para cambiar el mundo, propone la realización de un teatro dirigido a toda la sociedad y con el objetivo de representar las realidades sociales mediante el arte.

Su autor, Rafael Ruiz Pleguezuelos (Granada, 1974) es columnista en publicaciones como Jot Down, The Citizen o  Qué Leer. Académico de la Academia de las Artes Escénicas de España. En 2019 publica la obra teatral Saturno en Agosto, en Ediciones Invasoras. En 2016 publica en la editorial Tempestas su novela La Botella de Bukowski. En 2017 se edita la obra dramática galardonada Trenes que pasan, en edición bilingüe español-portugués. Algunos de los premios y menciones que ha recibido en su trayectoria son: Ganador del I Certamen de Textos Dramáticos Sanchis Sinisterra (2018). Ganador del premio Francisco Nieva de textos breves teatrales 2016, finalista del I Premio Internacional Dramaturgia Invasora en 2018. Ganador del premio de textos teatrales FATEX 2015, ganador del premio de Teatro Dramaturgo José Moreno Arenas (2013)

 Para más información sobre el autor, pueden consultar en: http://ruizpleguezuelos.wix.com/ruizpleguezuelos

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Paco Gámez Premio "Jesús campos" que concede la Asociación de Autores y Autoras de Teatro por su texto Katana

La obra Katana, de Paco Gámez, ha obtenido el premio “Jesús Campos” que concede la Asociación de Autores y Autoras de Teatro y se otorga cada año dentro de la programación del Salón del Libro Teatral; la obra se estrenará, tras un periodo de residencia artística, en enero de 2020 en el Teatro Pavón Kamikaze, en Madrid.

En los últimos cinco años, el jienense ha recibido cinco premios por su labor como dramaturgo y es uno de los nombres que más suenan en este arranque de temporada teatral.

Además del premio de la AAT, su texto 'Inquilino (Numancia 9, 2º A)' y merecedor en la pasada edición del Premio Calderón de la Barca 2018, se estrenará como producción propia del Centro Dramático Nacional en diciembre de este mismo año y será publicado.

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¡NI MÁS NI MENOS!

 Por Antonio Mansilla

 

En un mundo en el que prima la imagen, posiblemente no sea una decisión acertada comenzar este artículo afirmando que gozo de la amistad de José Moreno Arenas. Quizás sea una inconveniencia airear estos trapos en una sociedad que vive de las apariencias, sí; y hasta un arrojar piedras sobre el propio tejado. Porque con ello cualquier elogio que haga de él será tachado de parcial, subjetivo o interesado por más de uno. Sé que a Pepe, a quien conozco desde hace tantos años que he perdido la cuenta, esta cuestión se la trae al pairo. Y reconozco que a mí también. Por eso hoy, que me apetece hacer confesión pública de la buena amistad que nos profesamos, no voy a silenciarlo. Y hablaré bien de él porque sí y porque incluso sus enemigos (dejémoslo en “menos amigos”) hablan bien de él (que no sé yo si esto último sea bueno).

Como ya he dejado caer en alguno de mis artículos, tengo la enorme suerte de reunirme con José Moreno Arenas siempre que necesito de su concurso para una publicación; otras veces, con la excusa de un café, simplemente para disfrutar de su compañía, de su palabra, de su experiencia, de su conocimiento. Abrirse a su sabiduría es abandonarse a las historias de la historia del teatro, es izar velas ante el empuje y la fuerza de un viento que lleva de escenario en escenario, de dramaturgo en dramaturgo, de obra en obra.

Por eso, cuando el pasado once de marzo acudí al Gabinete de Teatro del Palacio de la Madraza para escuchar a Pepe Moreno, ya sabía lo que iba a decir. Había tenido el privilegio de haberlo escuchado en privado, y en más de una conversación. Pero no quise perdérmelo: sentí la necesidad de saber cómo expresaba ante un auditorio las palabras que me había dedicado con una taza de café de por medio, y además qué opinaban del impacto de su obra fuera de España personas de tanto relieve en el mundo de la escena como Antonio Sánchez Trigueros y Manuel Delgado, catedráticos de literatura en las universidades de Granada y Bucknell (Pensilvania, USA), respectivamente.

Y allí nos vimos, en tan emblemático lugar, convocados por la Academia de Buenas Letras de Granada, un puñado de amantes del teatro para asistir a la quinta sesión de “Conversaciones del teatro en Granada”, ciclo coordinado por el ya citado Antonio Sánchez Trigueros. El título de la actividad, revelador –muy revelador– y que dice mucho de la Academia en la apuesta de uno de sus miembros: Un autor granadino de proyección internacional: José Moreno Arenas.

No fue necesario que Antonio Sánchez Trigueros se esforzara en el porqué del título; bastó, sin más, con el franco goteo de sus argumentos, con una sencilla y honesta presentación del dramaturgo alboloteño, con la “puesta en escena” de un currículum cuya ascensión en lo que va de siglo produce auténtico vértigo. Una década hace que Sánchez Trigueros, con motivo de la intervención de la profesora Eileen J. Doll (Loyola University New Orleans) en un congreso organizado por la Universidad de Ottawa (Canadá) con la ponencia Cruzando fronteras teatrales: la visión postmoderna de José Moreno Arenas en su Microteatro indigesto, publicó un artículo en el diario Ideal con otro sugerente titular: El teatro de Moreno Arenas traspasa el Atlántico. Está todo dicho.

Estados Unidos, México, Portugal, Francia, Suiza, Polonia, Egipto, Marruecos, China, Japón… Pepe Moreno fue cruzando fronteras con el pasaporte de la imaginación y reviviendo los viajes de sus personajes; yo reviví todas esas tardes en las que, embobado y con la boca abierta, escuchaba de sus labios esas mismas historias. John P. Gabriele, Juan Villegas, Polly J. Hodge, José Boavida, Pedro Alpiarça, Lourdes Bueno, Khaled Salem, David Hitchcock… Pepe Moreno fue enriqueciendo su intervención con relatos de envidiables encuentros teatreros por tierras tan remotas como diferentes; mi imaginación quiso emular sus correrías, pero mi maleta estaba y continúa estando vacía de contenido.

Parecía que todo estaba dicho, pero nada más lejos de ello. Faltaba la aportación de Manuel Delgado, edificada sobre los pilares de la experiencia, la sabiduría y el buen hacer. Madurez para calibrar la valía de un dramaturgo, erudición para dedicar las palabras justas a su obra y praxis adecuada para ponerlo en camino. Lección magistral del profesor Delgado en su relato de cómo conoció a Pepe Moreno y los hechos que acontecieron en los años venideros: desde el “desembarco” de sus textos en Estreno y Gestos hasta la primera visita de Pepe al Tío Sam, pasando por la Muralla China camino de Pekín. Un privilegio escuchar desde la autorizada tribuna de Manuel Delgado los logros de un dramaturgo granadino de proyección internacional: José Moreno Arenas.

Lástima que la técnica jugara una mala pasada y no pudiéramos escuchar los testimonios del profesor egipcio Khaled Salem y de la estudiosa californiana Polly J. Hodge, grandes conocedores del teatro de Pepe, a los que recientemente rindió visita. No obstante, entre el público se encontraban importantes colaboradores de nuestro autor, como Alice J. Poust, traductora de las “pulgas dramáticas” al inglés, que nos hizo sonreír con divertidas anécdotas, y las directoras y actrices Carmen Ruiz-Mingorance y Cristina Carrascosa Vega, que nos hicieron disfrutar contando sus vivencias acompañando a Pepe por Suiza, Grecia o Francia.

Y cayó el telón. ¡Cuántos aplausos y qué merecidos!

No me va a costar esfuerzo desvestir de ironía la frase lapidaria de Salvador Dalí: «Que hablen de mí aunque sea bien». Seguiré hablando bien de José Moreno Arenas; no sabría hacer otra cosa. Porque no hay más opción para quien hace un seguimiento a su carrera y porque soy su amigo. ¡Ni más ni menos!

 

Antono MansillaAntonio Mansilla

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ROGELIO SAN LUIS ESTRENA CON ÉXITO EN COLOMBIA, MÉXICO y BIENAL DE  LA ONCE EN EXTREMADURA

El estreno en Colombia fue el 27 de marzo de 2019, Día Mundial del Teatro. Tras la lectura del mensaje, subió a escena su farsa trágica de humor crítico en un acto, titulada: “HOY JUGAMOS A LA GUERRA” en el Teatro La Sala de la ciudad de Barranquilla (Colombia). La representación fue por Baúl Polisémico, Agrupación Artística y la dirección de Eduardo Lora Cueto. Como está autorizada por tiempo indefinido, la próxima interpretación será en mayo.

En la misma fecha, fue la puesta en escena de su farsa de humor en dos actos, titulada: “EL PRESIDIARIO ES UN SER MUY DECENTE” en el Teatro de la Universidad Obrera de Ciudad de México (México) por la Compañía Toputshi Teatro y dirigida por Noe Nolasco.  Después de unos días de representaciones, hará su gira por ciudades y lugares mexicanos, extranjero, Festivales internacionales y peticiones durante más de un año y medio, formando parte de su repertorio.

El 29 de marzo de 2019, después de haberse estrenado en varias localidades extremeñas y en el Teatro López de Ayala de Badajoz, se escenificó su farsa trágica de humor negro en un acto, titulada: “MATEMOS A LOS VIEJOS UN POQUITO”, dentro de la Bienal de la ONCE en Extremadura, y en el Teatro de Olivenza por La Porciúcula de FATEX (Federación de Asociaciones de Teatro Extremeño) bajo la dirección de María José Mangas Durán. En octubre, habrá dos funciones y después muchas más por lograr perfeccionarla.

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LA SOLEDAD DE LOS ANCIANOS Y EL MALTRATO A LA MUJER, TEMAS DE LAS OBRAS PREMIADAS EN EL X CERTAMEN DE TEATRO “DRAMATURGO JOSÉ MORENO ARENAS”

Por Antonio Mansilla

 

Juan Manuel Sainz Peña y Felisa Moreno Ortega han sido los ganadores de la décima edición del Certamen de Teatro “Dramaturgo José Moreno Arenas”, premio que, como en años anteriores, convoca el Ayuntamiento de Albolote, patrocina la Fundación Francisco Carvajal y organiza Karma Teatro a través de su Aula de Artes Escénicas. El autor jerezano ha merecido el galardón en la modalidad de Teatro Breve gracias a su obra La caja azul, que, en declaraciones de miembros del jurado, «recoge con gran empatía un tema especialmente delicado, como es el de la soledad de un anciano en una residencia, con un lenguaje cercano, y utilizando el humor y el reproche de manera casi natural, todo durante el desarrollo de un monólogo que atrapa desde su inicio». En cuanto a la escritora jienense (nacida en Noguerones - Alcaudete), que el pasado año obtuvo un accésit en esta misma modalidad, en esta ocasión se ha hecho acreedora a la máxima distinción en la modalidad de Teatro Mínimo por su obra El premio, de la que se ha destacado «el correcto desarrollo de la trama, sustentada en un diálogo progresivo, que deja entrever con sutileza los hechos; la originalidad de la temática en un asunto tan actual como el maltrato a la mujer; y su proximidad a lo “indigesto”, concepto aplicado por los estudiosos a gran parte de la dramaturgia de Moreno Arenas».

Se da la circunstancia de que ambos han llegado al teatro desde el mundo de la narrativa: Sainz Peña, muy laureado a lo largo de su carrera, obtuvo en 2010 el Premio Nacional de Novela María Zayas por La edad de los héroes, en 2013 el Premio Internacional de Novela Ciudad de Almería por El criado de Velázquez y en 2014 el Premio Internacional Casino de Mieres con El caso de Anne Brizard; por su parte, Moreno Ortega, en posesión del certamen de Escritores Noveles de la Diputación de Jaén por La asesina de los ojos bondadosos, ya ha hecho incursiones de mucho interés en el teatro, como lo atestiguan la obtención del premio del Certamen del Ayuntamiento de Bailén por su obra Ni siquiera sabía su nombre y del accésit al que se ha hecho mención, así como la participación en numerosas antologías, en el Salón Internacional del Libro Teatral y en el Festival de Teatro Español de Atenas.

Precisamente, José Moreno Arenas se ha referido a ellos destacando esas raíces en el relato al afirmar que los dos son escritores «importantes, con premios importantes, aunque no en el mundo del teatro; eso viene a demostrar que hay unos vasos comunicantes entre todos los géneros literarios porque sin ser teatreros de pro dominan el teatro». El dramaturgo alboloteño aprovechó su intervención ante los medios de comunicación para hacer hincapié, por un lado, en que «es el segundo año consecutivo que los dos premios se quedan en Andalucía y es así porque en Andalucía se escribe y se escribe bien»; por otro, que «todas las obras han tenido un alto nivel y es que el teatro mínimo empieza a calar entre los dramaturgos».

Además de los primeros premios, el Jurado ha decidido otorgar dos accésits por cada una de las modalidades: en teatro breve, para Al fondo, a la derecha, del navarro Antonio Castro Jiménez, y Al cielo con ella, del asturiano Néstor Villazón; y en teatro mínimo, para Un pecado: la vanidad, del madrileño Juan Setién del Valle, y Cara a cara, de la aragonesa Ana Perea García.

Como en ediciones pasadas, la ceremonia del fallo del Jurado estuvo presidida por Concepción Ramírez Marín, alcaldesa de Albolote, quien, de nuevo, tras elogiar la figura de Pepe Moreno y apostar por la convocatoria de la undécima edición, señaló que ya «no podemos hablar de consolidación porque después de diez años está más que consolidado». Por su parte, Montserrat Bailón Carrasco, responsable del Área Cultura, “hizo responsable” al dramaturgo local de que «Albolote se conozca en el mundo gracias al éxito de la obra de Moreno Arenas». Cerró el turno de agradecimientos Mario Soria, miembro del Jurado y representante de Karma Teatro, que resaltó el momento dulce que está viviendo el Certamen, para el que auguró un futuro extraordinario.

Como siempre, el Certamen ha contado con un prestigioso Jurado. Presidido por la concejal Montserrat Bailón Carrasco, ha estado integrado por los siguientes vocales: el editor José Membrive, los catedráticos Antonio Sánchez Trigueros y Francisco Morales Lomas, el actor Mario Soria, y los dramaturgos Adelardo Méndez Moya, Miguel Ángel Jiménez Aguilar, Rafael Ruiz Pleguezuelos y Emilio Balleste­ros; hizo las funciones de secretario, como viene siendo habitual, el propio José Moreno Arenas.

La Ceremonia de Entrega de Premios, que incluye en su programación el estreno de las dos obras ganadoras y la presentación del libro con los seis textos finalistas, tendrá lugar el próximo día 12 de abril de 2019.

 

Antono MansillaAntonio Mansilla

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ROGELIO SAN LUIS ESTRENA EN BADAJOZ Y CHILE

Rogelio San Luis, después de subir a las tablas en varios escenarios de Extremadura, el 13 de diciembre estrenó, en el Teatro López de Ayala de Badajoz, su farsa trágica de humor negro en un acto, titulada: "MATEMOS A LOS VIEJOS UN POQUITO" por "La Porciúcula" de Federación de Asociaciones de Teatro Extremeño FATEX. Dirección: María José Mangas Durán. En marzo, se representará en Mérida.

Este autor el 15 y 22 de diciembre, también estrenó, en el teatro de la Universidad de Curicó (Chile), su farsa de humor crítico en dos actos, titulada: "JUICIO CONTRA UN DICTADOR QUE MURIÓ EN LA CAMA" por Escuela Experimental de Teatro. Dirección: Mauricio Vergara

Ambas farsas, que llegaron al público, merecieron su favorable respuesta.

Actualmente, se están ensayando dos obras de este autor para estrenar en marzo.

Contacto: rogeliosanluis@yahoo.es

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XV CERTAMEN INTERNACIONAL DE TEATRO MÍNIMO ANIMAT.SUR

Carlos Zamarriego con su obra "23 MOVIMIENTOS" y Pilar Zapata con "EL APERITIVO" han sido los premiados ex aequo del XV CERTAMEN INTERNACIONAL DE TEATRO MÍNIMO ANIMAT.SUR. La dramaturga Argentina Anabel Ares ha obtenido el accésit con su obra "ELLAS NO RECIBEN FLORES"

El 23 de noviembre de 2018 tendrá lugar la entrega del premio y el estreno de las obras premiadas, así como la presentación del libro editado con los textos ganadores cuyo prólogo escrito por el autor y director Juan Carlos Rubio resalta "el ingenio de estas historias donde los conflictos son expuestos con maestría y talento"

El  volumen editado por Ediciones Invasoras, contiene además la obra !SALUD! de Miguel Ángel González ganador de la edición anterior.

Éste certamen creado para impulsar la labor de los dramaturgos en habla hispana cumple ya su decimoquinto año; en su larga trayectoria dramaturgos como Manuel Villa-Mabela; Antonio Tabares, Alberto de Casso, Juan Pablo Heras, Santy Portela o Miguel Ángel Martínez, entre otros, se han sumado a su larga lista de galardonados. Las obras son estrenadas por Teatro Estable bajo la dirección de Concha Gómez quien, además,  coordina el premio.

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LA OBRA EL ÚLTIMO ACTO DE AMOR TRIUNFADORA DEL PRIMER CERTAMEN DE MICROTEATRO ISLAZULTURA

La Gala de Entrega de Premios del Primer Certamen de Microteatro Islazultura (concurso organizado por el centro comercial en el que han participado más de 100 compañías profesionales y aficionadas) ha sido celebrada en los Cines Yelmo Islazul y fue presentada por la actriz Nathalie Seseña, popularmente conocida por su interpretación en la serie de televisión “La que se avecina”.

La gran triunfadora de la Gala ha sido la obra EL ÚLTIMO ACTO DE AMOR”, protagonizada por Clara Chapelet y Raquel Sastre. Con una puesta en escena sencilla y a la vez sorprendente, esta original y emotiva pieza ha logrado ganarse el favor popular obteniendo el Premio del Público  y a la vez cautivar al jurado profesional, consiguiendo ganar también otro de los grandes galardones: Premio al Mejor Espectáculo. Por tanto, público y Jurado han coincidido en esta ocasión.

Durante la ceremonia también se hizo entrega de los siguientes galardones: Premio Mejor Actriz para Paola Pozzo, por su interpretación en la obra “Donde quedan los recuerdos” y Premio Mejor Actor para Paco Lindón, por su papel en “Venturas y desventuras de Rincón y Berganza”.

El Primer Certamen de Microteatro Islazultura ha convertido al Centro Comercial en todo un escenario teatral con las representaciones de las 5 compañías seleccionadas, de géneros variados tales como el pantomime, la mímica-drama, los títeres y la comedia. ‘Isla Paraíso’, ‘¿Dónde quedan los recuerdos?’, ‘El último acto de amor’, ‘Venturas y desventuras de Rincón y de Berganza’ y ‘Alta Frivolidad’ son las obras que, junto a sus actores y actrices, han optado a los diferentes galardones dotados con un total de 5.000 euros en premios.

El jurado de este certamen ha estado compuesto por los siguientes profesionales: Denise Despeyroux (autora y directora de escena), Rey Montesinos (profesor en el Instituto de Danza “Alicia Alonso” de la URJC, director y actor), Agustina Aragón (profesora titular de Dirección Escénica en la RESAD), Roberto Cerdá (director y profesor de interpretación) y Juan Pedro Enrile (doctor en Estudios Teatrales y profesor de Dirección Escénica).

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ESTA CASA ESTÁ OKUPADA, DE Mª LUZ CRUZ, EN MONTEVIDEO

Paralelo Teatro puso en escena todos los sábados del mes de octubre de 2017 en el Teatro La Gringa de Montevideo “ESTA CASA ESTÁ OKUPADA” de Mª Luz Cruz.

Su estreno fue el sábado día 7 bajo la dirección de Marcos `Zurdo´ Charrute, con un teatro lleno de público que pudo disfrutar de la interpretación de estos cinco actores que dan vida a  los cinco personajes tan peculiares que componen esta comedia.

La protagonista de esta historia, verá su pisito ocupado por su ex, del que no se acaba de desprender nunca y tres individuos de los que habitan en cualquier gran ciudad. Cuatro vividores que en su afán por sobrevivir son capaces de pasar del patetismo a la picaresca con la mayor naturalidad.

Son cinco personajes divertidos, que crean escenas y situaciones disparatadas con un gran sentido humor, y que Paralelo Teatro consiguió arrancar las carcajadas y los aplausos del público en esta alocada e hilarante comedia.

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LA COMUNIDAD DE MADRID ADQUIERE EL LEGADO DE BUERO VALLEJO, MAESTRO DE DRAMATURGOS

Primer manuscrito de "Historia de una escalera"

La Comunidad de Madrid ha adquirido el legado de Antonio Buero Vallejo, uno de los dramaturgos españoles más destacados del siglo XX. Nacido en Guadalajara, Vallejo se mudó pronto a Madrid, región que ha sido escenario de muchas de sus creaciones. Por todo ello, el Gobierno autonómico ha querido que la obra del autor pase a formar parte de los fondos de la Biblioteca Regional, poniéndola así a disposición de todos los madrileños.

El consejero de Presidencia, Justicia y Portavoz del Gobierno de la Comunidad, Ángel Garrido, junto con el director de la Oficina de Cultura y Turismo, Jaime de los Santos, han recibido los manuscritos en un acto que ha tenido lugar en el complejo El Águila, sede de la Biblioteca Regional, y en el que han estado presentes la viuda y el hijo del autor. Garrido ha valorado la figura de Buero Vallejo, “el maestro de dramaturgos que mejor llevó a escena los problemas e inquietudes del hombre y su sociedad”, y ha mencionado el compromiso con el teatro social del autor y su tenaz actitud.

La Biblioteca Regional se convierte en el centro mundial del legado de Buero Vallejo y da un paso más en su objetivo de ampliar sus colecciones con archivos personales de grandes creadores cuya obra o influencia cultural tenga en Madrid su escenario preferente.

El conjunto está formado por 29 manuscritos de las obras de Vallejo, además de otros 12 manuscritos de artículos periodísticos y discursos. Se trata de los manuscritos originales de las primeras ediciones de obras como ‘Historia de una escalera’, ‘La Fundación’, ‘El tragaluz’, ‘Hoy es fiesta’ y ‘En la ardiente oscuridad’, entre otros títulos. Además, toda la obra cuenta con el valor añadido de incorporar las notas y dibujos del autor sobre diversos aspectos de la escenografía, la puesta en escena y comentarios sobre el proceso creativo.

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SE ESTRENA EN BUENOS AIRES LA COMEDIA MEDALLAS SANTOS Y ESCOBAS

El día 4 de junio de 2017 el  grupo de teatro City Bell volvió a poner en escena la comedia “MEDALLAS  SANTOS Y ESCOBAS” de Mª Luz Cruz, que fue estrenada el pasado 6 de mayo en el teatro de Cámara City Bell de Buenos Aires, bajo la dirección de Ariel Perera.

El trabajo de los actores se vio recompensado con una sala llena de público que  aplaudía sin parar las hilarantes escenas que iban sucediendo entre subidas y bajadas de escaleras y ascensor.

Esta comedia cuenta de forma muy divertida, casi como si se tratase de las viñetas de un comic, las aventuras y desventuras de una comunidad de vecinos de clase media. 

Las representaciones fueron a beneficio de dos asociaciones  de niños.

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 DOS ESTRENOS INTERNACIONALES DEL DRAMATURGO ARGENTINO ROGELIO BORRA GARCÍA

El pasao16 de junio, dentro del III Festival de Teatro Social Con-Vivencias, organizado por Órbita Diversa, la agrupación Crealse presenta “LAS SOMBRAS CAMINAN MUY LENTO”, obra del dramaturgo argentino Rogelio Borra García, en versión adaptada a la lengua de signos española (LSE), para público sordo.

“Las Sombras Caminan muy Lento” está dirigida por Pepe Pérez e interpretada por Raquel Márquez, Virginia González y Cerrana Mallo.

La presentación será en la sala El Umbral de Primavera, teatro de arte dramático, en el tradicional barrio Lavapiés de Madrid.

También el viernes 30 de junio, en la sala Main Stage de Puerto Vallarta, México, el grupo de teatro Dionisio pondrá en escena “EL ESTIGMA ARDIENTE”, obra de Rogelio Borra García, que fuera premiada en el certamen Attori in Cerca D’autore (Roma, Italia).

Esta versión está dirigida por Juan Carlos Ramírez Ruiz, con un elenco conformado por Juan Pablo Hernández, César Daniel Bravo Ramírez, Oliver Michelena y Christian Velasco. Asistente de dirección: Samantha Dueñas y diseño de iluminación: Roberto García.

Mas información: www.rogelioborra.com

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LA BNE OFRECE LA OBRA DIGITALIZADA DE LOS AUTORES FALLECIDOS EN 1936, ENTRE ELLOS ALGUNOS AUTORES TEATRALES

A partir de hoy, 2-1-2017, la obra de autores como García Lorca, Valle-Inclán, Ramiro de Maeztu, Muñoz Seca o Miguel de Unamuno se encuentra digitalizada y puesta a disposición pública en la web de la Biblioteca Nacional de España.

Con la llegada del año 2017 pasan a dominio público las obras de los autores fallecidos en 1936, año del estallido de la guerra civil. La BNE, al igual que ha hecho en los últimos años, ha estado trabajando en la selección y digitalización de la obra de los autores que fallecieron durante este trágico año y que ahora puede ser difundida libremente, en virtud de la Ley de Propiedad Intelectual.

Para ello ha contado con el asesoramiento de José Carlos Mainer, catedrático de la Universidad de Zaragoza, que ha señalado que  “el recuerdo de la guerra civil debe hacer presente lo que la contienda tuvo de catástrofe cultural, al margen de identificaciones retrospectivas con sus actores. En el crispado clima internacional de los años treinta, la guerra civil española fue, entre otras cosas, una sangrienta confrontación de simbologías culturales antagónicas que preconizaba su mutua destrucción”.

Según Mainer, “recordar el elenco de los muertos de los primeros seis meses de la guerra civil nos acerca a los términos de una tragedia que se prolongó por dos años y medio más y que, en la España dominada por Franco, no cesó de incrementar después de 1939 el censo de condenas a muerte, persecuciones, depuraciones y encarcelamientos por motivos ideológicos”.

La BNE lleva varios años digitalizando la obra de los autores que cada año entran en dominio público. Este año, el número de autores aumenta considerablemente debido a las numerosas muertes violentas que se produjeron durante el primer año de la guerra. Entre ellos encontramos autores cuya obra es hoy muy conocida como Lorca, Unamuno, Valle-Inclán, Ramiro de Maeztu o Muñoz Seca y otros que, por diferentes motivos, han caído en un relativo olvido como Ramón Acín, Ciges Aparicio, Cotarelo y Mori, Torres Quevedo, Eugenio Noel y muchos otros. La BNE ha digitalizado la obra de gran parte de estos autores más desconocidos pero cuya aportación es clave para obtener un panorama completo del ambiente cultural del momento.

Además de ofrecer la obra de estos autores digitalizada, a lo largo de 2017 la BNE presentará un portal dedicado a escritores relacionados con la literatura española en el que habrá un espacio dedicado a los autores fallecidos en 1936 y en el que se ofrecerá una breve semblanza de la vida y obra de los mismos con el fin de poner de relieve las singularidades de cada uno de ellos.

 Sitio sobre autores en dominio público:

http://www.bne.es/es/Servicios/InformacionBibliografica/AutoresDominioPublico/

Autores que pasan a domino público en 2017 (fallecidos en 1936).

http://www.bne.es/webdocs/Servicios/Informacion_bibliografica/autores-dominio-publico-2017.pdf

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Germán Navarro, autor teatral, ofrece obras de Microteatro

Germán Navarro nos escribe explicando que  tiene escritas algunas obras de microteatro, y, en concreto, hay una que ya está lista para ser estrenada por cualquier compañía. Se titula "DESCONOCIDOS", y está escrita para dos personajes, un hombre y una mujer.

También tiene compuesta la música para la representación.

Cualquier compañía que quiera representarla, solo tiene que abonar el porcentaje establecido por la SGAE.

Argumento:

Un hombre y una mujer despiertan en la misma cama. Ninguno de los dos recuerda como ha llegado hasta allí.

Escenografía: Una cama, y mobiliario típico de dormitorio. Fotografía de un balcón

Contacto: german.navarro.martinez@gmail.com

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GARCÍA LARRONDO CELEBRA TRES DÉCADAS DE TEATRO PRESENTANDO EN SEVILLA UNA ANTOLOGÍA DE SU OBRA DRAMÁTICA

DIÁLOGOS, FRAGMENTOS Y OTRAS LEVANTERAS (TEATRO Y PERVERSOS INCOMPLETOS) es el título del noveno y último libro del dramaturgo gaditano Juan García Larrondo en el que, por vez primera, recopila gran parte de su obra dramática escrita desde mediados de los ochenta hasta nuestros días. La edición, publicada en colaboración con la Fundación SGAE por Ediciones El Boletín, reúne una selección de textos breves (algunos ya editados o estrenados anteriormente y otros aún inéditos) junto a fragmentos de varias de sus creaciones más célebres como “Mariquita aparece ahogada en una cesta”, “Celeste Flora”, “Agosto en Buenos Aires”, “AlMutamid, poeta y rey de Sevilla” o “El último Dios”.

Diálogos, Fragmentos y otras Levanteras se presentó “de forma melodramática” el 17 de mayo, en la sede del CDAEA (Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Andalucía) de Sevilla (c/ Santa Lucía, nº 10), dentro del programa #elcentroAescena y del ciclo #tumomento, en un acto que fue una celebración y un encuentro entre destacadas personalidades del panorama escénico andaluz que fueron testigos, maestros y compañeros del dramaturgo desde sus inicios en el mundo del Teatro, como las famosas actrices María Alfonsa Rosso y Montse Torrent o el conocido intérprete Alberto Ávila, que leerían de manera dramatizada algunos pasajes y escenas de varias piezas contenidas en el libro. En el evento, que cuenta asimismo con la colaboración de la Asociación “Amigos de Quiñones”, actuaría de maestro de ceremonias el popular actor Juanjo Macías y también participó la doctora, escritora y actriz Désirée Ortega Cerpa, autora del divertido prologo que abre el volumen a modo de prospecto medicinal.

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SE ESTRENA “FUEGO EN LA NOCHE”, UN FILM BASADO EN UNA OBRA DE ROGELIO BORRA GARCÍA

El realizador cinematográfico Guido Bovina eligió la obra “Brasas (Fuego de Noche)” del autor y dramaturgo galvense Rogelio Borra García, para filmar su ópera prima: “Fuego en la Noche”.

Inspirado en la multipremiada obra teatral, que tuvo infinidad de representaciones en el país, Argentina, y en el extranjero, el director Guido Bovina construyó un guión cinematográfico, narrando con  dramáticas imágenes la historia de cuatro hermanas envueltas en una atmósfera asfixiante.

“Fuego en la Noche” está protagonizado por Alicia Garmendia, Gisela Biscardi, Myriam Roman y Carla Gentile, con la producción de Camila González Grenat, Agostina González y Guido Bovina.

El Avant Premiere de “Fuego en la Noche” ha sido el lunes 23 de mayo, en el Cine Avenida, en Bolívar (Buenos Aires), de donde es oriundo su director, Guido Bovina.

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HERMANA Y ESCLAVA, DE JAVIER GIL DÍAZ- CONDE SE REPUSO EN BOGOTÁ

Se ha repuesto la obra "HERMANA Y ESCLAVA" bajo el título de "YO NO SÉ GANAR DINERO",  de Javier Gil Díaz-Conde,  por la Corporación Teatral Minuto dirigida por Raúl Wiesner (director de la Escuela de Artes Escénicas de Colombia) en Bogotá.

Hermana y Esclava, está incluida en el volumen "Cinco derrotas de Comedia Cruel" (también en Escena cruel, publicado por la Asociación de Autores Teatro en España).

En estos enlaces tienes información del espectáculo:

www.youtube.com/watch?v=abK65WPT0Dg    y en l web del autor www.javiergildc.net

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José María López ofrece microteatro basado en el Quijote

Titulo: En  un Lugar de....
Autor: José María López
Personajes: 3 masculinos
Genero: Microteatro humor
Sinopsis:
Quijote y Sancho van recorriendo las llanuras de la Mancha a pie debido a que su caballo y burro ha muerto de inanición y detrás de ellos va Cervantes relatando todas sus hazañas.

Contacto: jlopeztortola3@gmail.com

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ESTRENO DE FALSTAFF NO CREE EN LA OTRA VIDA, DE JAVIER GIL DIEZ-CONDE

Se ha repuesto la obra  de Javier Gil Diez-Conde “Falstaff no cree en la otra vida" (Premio Euskadi de Teatro 1989) por la compañía "Tarima Beltza" de Alsasua (Navarra).

Se estrenó el 30 de enero en el Centro Cultural Iortia de la citada localidad.

Actualmente (fabrero de 2016) se gira por la Comunidad Autónoma Vasca y por Navarra.

 Para más información de la obra se puede consultar  en www.javiergildc.net

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se representó de obra Juan, Pedro y Andrés, de Raquel Calabuig Ferre

La obra "JUAN, PEDRO Y ANDRÉS", de  Raquel Calabuig Ferre, fue representada recientemente por la Asociación Cultural Som Teatre de Almenara (Castellón), una Asociación que hemos creado nosotros –nos dice la autora- para disfrutar del teatro.

También nos  pasó el enlace del primer acto de la obra mencionada, dado que la segunda parte la harán en septiembre en fiestas patronales: https://youtu.be/Wg2Avms-iVQ

Esta obra de Raquel Calabuig está publicada en nuestro CATÁLOGO DE TEXTOS TEATRALES.

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ESTA CASA ESTÁ OKUPADA SE ESTRENÓ EN LA SALA (RUBÍ - BARCELONA)

La Compañía de teatro “El Desván” estrenó el pasado día 5 de diciembre la comedia “ESTA CASA ESTÁ OKUPADA” escrita y dirigida por Mª Luz Cruz, en el teatro municipal La Sala (Rubí – Barcelona).

La protagonista de esta comedia con su aire irónico y su fobia a las dietas se refugia en el dulce para hacer su pequeño desquite a la vida. Tras su separación de Valerio tomó la decisión de vivir sola, pero de pronto verá su pisito, (como ella lo define) okupado: Okupado por su ex, del que no se acaba de desprender nunca, un taxista hipocondríaco y dos okupas instalados en la vivienda de al lado que cumplen con todos los requisitos para aprobar con sobresaliente en la desconcertante filosofía de Okupar. Cuatro individuos comunes en cualquier ciudad. A estos cuatro vividores en su afán por sobrevivir, no les importa pasar del patetismo a la picaresca para seguir viviendo del cuento.

En esta comedia urbana, llena de desconciertos y confusiones, donde la crítica social, y las situaciones más cotidianas están tratadas con mucho humor, las carcajadas del público fueron constantes con los continuos enredos y sobresaltos que originan estos cinco personajes.

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presentación del libro Memoria de farsa jaranera, de Javier Gil Diez-Conde

Tabula Rasa Ediciones  comunica que el 30 de octubre, a las 19'30h. en el salón de actos del IES Pío Baroja de Irún (Guipúzcoa), tendría lugar la presentación de "Memoria de farsa jaranera" (de Javier Gil Diez-Conde), trilogía de farsas que en su día estrenara la compañía Katamitus (incluida la que girara por el estado de Nueva York en 1992), con motivo del cincuentenario del centro donde naciera dicho grupo.

La presentación correría a cargo de Xabi Puerta (dramaturgo y guionista) y Xabi Soret (actor). El volumen saldrá al mercado a mediado de octubre.

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ROGELIO SAN LUIS ESTRENA LAS MONJITAS SE VAN A LAS MISIONES EN URUGUAY

Rogelio San Luis estrena su farsa de humor en dos actos y seis personajes, titulada: “Las monjitas se van a las misiones” en Colonia (Uruguay).

Esta obra será interpretada por el grupo Biblioteca Varela y dirigida por Óscar Ceschiat, docente en artes escénicas por el Ministerio de Educación y Cultura.

Después de las oportunas representaciones, esta creación teatral subirá a varios escenarios del departamento de Colonia.

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Nada nuevo Bajo el sol, de Jerónimo López, teatro de marionetas sobre la corrupción

Aunque algunas aparezcan en anteriores obras mías, Nada nuevo bajo el sol es mi primera incursión en el teatro de marionetas –nos explica el autor, Jerónimo López Mozo-. Debo añadir que se trata de un texto de encargo. También, que es una obra menor. Sin embargo, he puesto en su escritura el mismo interés y rigor que en trabajos de mayor envergadura. Dicho esto, me parece oportuno explicar qué me ha animado a llevar adelante este proyecto y, para ello, he de hacer un poco de historia.

En 1972, un grupo de teatro obrero, que luego adoptaría el nombre de Teloncillo representó de forma clandestina en fábricas, centros sociales y locales de barrio de Valladolid algunas escenas de mi obra Collage occidental. En 2014, treinta y dos años después, recibí una llamada de Juanjo Mato, el responsable de aquellas funciones, quién me puso al día de su actividad como titiritero y de su vinculación, desde el ámbito del teatro, con los movimientos ciudadanos y su lucha política y social. Acto seguido, solicitó mi permiso para volver a representar varias escenas de Collage occidental, ahora interpretadas por marionetas. Se lo di de inmediato y, en los meses siguientes, fui recibiendo noticias del buen resultado de las funciones que iba haciendo. A las últimas, añadió alguna escena de José Barbacana, obra reciente y entonces todavía inédita que ha sido publicada en la revista Estreno.

A principios de 2015, me pidió que nos reuniéramos para hablarme de una idea que le rondaba la cabeza. Quería llevar al tabladillo de las marionetas la historia del Duque de Lerma, valido de Felipe III, quien trasladó la Corte española de Madrid a Valladolid, primero, y de Valladolid a Madrid, después, operación de la que obtuvo pingües beneficios gracias a la especulación inmobiliaria. Ese y otros negocios ilícitos le convertían en un precursor de buena parte de la actual clase política española. Lo que Juanjo pretendía es que yo le escribiera el texto. Me comprometí a ello sin dudarlo. Primero y sobre todo por la vieja amistad que nos unía. También porque el tema me interesaba. Por último, trabajar con muñecos era, para mí, una experiencia nueva y consideré interesante acometerla.

Nada nuevo bajo el sol se representó por primera vez el 18 de junio en el Prado de la Magdalena, de Valladolid, al aire libre, a escasos metros de la Facultad de Humanidades. Otros escenarios la acogerán en los próximos meses.  

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en el Teatro Josep Carreras de Fuenlabrada (MADRID) Se estrenó la obra ÚLTIMOS DÍAS DE UNA PUTA LIBERTARIA, de César López Llera

El pasado 17 de mayo de 2015, en el Teatro Josep Carreras de Fuenlabrada (Madrid), se estrenó la obra ÚLTIMOS DÍAS DE UNA PUTA LIBERTARIA, de César López Llera, Premio Tirso de Molina 2006 y obra que, cosa rara en una obra teatral, ha sido reeditada en forma de libro. La obra, que ha sido montada por Tirabeke Teatro, con dirección de Roberto Nistal e interpretación de él mismo y Susana González y Laura Pérez,

La obra trata de Remi, una ex prostituta, libertaria, medio loca, alcoholizada, fumadora empedernida que tiene el síndrome de Diógenes y que de forma casual se encuentra en las primeras horas del 2006 con Leticia, una joven abogada lesbiana, que está a punto de cometer una locura debido al disgusto que le ha dado su pareja. Con humor ácido y crítico, los personajes despotrican contra esta sociedad injusta, donde ser libre se convierte en un acto de resistencia.

(César López Llera. "Últimos días de una puta libertaria, Bilbao, Artezblai, 2011)

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LA REVISTA "PYGMALIÓN" PUBLICA AQUEL FERNANDO, DE JERÓNIMO LÓPEZ MOZO

Desde El Fernando (1972) hasta Aquel Fernando (2012)

En 1972 se estrenó El Fernando, obra colectiva en cuya escritura intervinieron ocho autores y que dirigió Cesar Oliva, director del TEU de Murcia. 

El argumento giraba en torno a la Constitución de Cádiz de 1812 y a la figura del rey Fernando VII. Con motivo del segundo centenario de su promulgación, uno de sus autores, Jerónimo López Mozo,  hizo una nueva versión titulada Aquel Fernando, que recuperaba buena parte del texto original para recrearlo a la luz de la España actual, la de la crisis económica, la de los indignados y la de la relatividad ideológica. Tras recorrer buena parte de la geografía española en el marco del proyecto Las Huellas de la Barraca, la obra ha sido publicada en el nº 6 (2014) de la revista Pygmalión acompañada de una introducción de Manuela Fox.  

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JOSÉ BARBACANA, DE JERÓNIMO LÓPEZ MOZO, EN LA REVISTA “ESTRENO”

Con motivo del 40 aniversario de la creación de la revista estadounidense ESTRENO, dedicada a la difusión del teatro español contemporáneo, ha sido publicada en el número de primavera de 2015 la obra José Barbacana, de Jerónimo López Mozo, quien es autor de Guernica, la pieza incluida, en 1975, en su primer número.

Estas palabras resumen lo que el profesor John P. Gabriele ha escrito sobre el texto:

“Desde la perspectiva temática, José Barbacana es una crónica de nuestro tiempo. Desde la formal, es un compendio de la dramaturgia lopezmoziana. Leer José Barbacana es ser invitado a contemplar una foto caustica y penetrante de la ominosa situación socioeconómica actual. Las acciones del protagonista, en el que se desdoblan reconocibles figuras políticas, son sintomáticas de la deshumanización que resulta cuando uno se entrega a un orden social que anula el elemento humano, actúa conforme a los edictos del desinterés y se obsesiona con promocionar lo social a costa del sufrimiento de los individuos, esos millones de ciudadanos que sufren la dura realidad económica actual”.

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LA OBRA MEDALLAS, SANTOS Y ESCOBAS, DE Mª LUZ CRUZ, FUE PUESTA EN ESCENA EN BAÑOS DE RÍO TOBÍA (LA RIOJA – ESPAÑA)

La obra “MEDALLAS, SANTOS Y ESCOBAS” de Mª Luz Cruz, fue puesta en escena el pasado 21 y 22 de marzo 2015 por la compañía “La Carraca” de Baños de Rio Tobía (La Rioja – España), con una numerosa asistencia de público, más de 1200 personas asistieron a las tres representaciones que realizaron, el público disfrutó con las situaciones creadas en esta comedia, riendo y aplaudiendo la interpretación de los actores.

En esta comedia se cuenta con mucha ironía y un gran sentido del humor los problemas en una comunidad de vecinos de clase media. El coronel y su esposa personajes con muchas aspiraciones y poca paciencia, tendrá en jaque a toda la escalera. Argumentando que la modernidad se impone, han decidido convocar una reunión de vecinos para prescindir de los servicios de la portera. Este es el punto de partida de esta divertida comedia en la que hay todo: amenazas, huelga de basureros, beatas que lo enredan todo, inquilinos ruidosos, un médico dietista algo amanerado, escapes de agua y mucho más.

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Duetto (Diez asaltos y un desliz, para un actor y una actriz), de Alfonso Vallejo,  ha tenido su estreno mundial en el Teatro Bonifrates de Coimbra (Portugal)

NUEVAS FUNCIONES DE DUETO, DE ALFONSO VALLEJO,  EN COIMBRA (PORTUGAL)

En el Teatro Bonifrates, Casa Municipal da Cultura de Coimbra (Portugal), se representa nuevamente la obra al Alonso Vallejo DUETTO (DIEZ ASALTOS Y UN DESLIZ, PARA UN ACTOR Y UNA ACTRIZ). Las representaciones se anuncian para los días 25 y 30 de septiembre; 2, 7, 9, 14 de 16 de octubre de 2015.

La obra se puede consultar o descargar de las obras completas del autor en: www.obrascompletasalfonsovallejo.com

"Duetto (Diez asaltos y un desliz, para un actor y una actriz), de Alfonso Vallejo,  ha tenido su estreno mundial, con gran éxito, en el Teatro Bonifrates de Coimbra (Portugal).

El estreno fue el 11 de marzo de 2015.

La obra, que interpretan un actor y una actriz, en un escenario con mínimos elementos, consta de diez cuadros donde, en un tono desenfadado, trágico y cómico, se representan escenas relacionadas con el paro, la crisis, los desahucios, la soledad, el amor y la esperanza.

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ROGELIO SAN LUIS ESTRENA ROMERÍA CON MILAGRO INCLUIDO EN MADRID

Rogelio San Luis estrena, en lectura dramatizada y seleccionada por la Asociación de Autores de Teatro, su farsa breve, titulada: “ROMERÍA CON MILAGRO INCLUIDO” en el Salón Internacional del Libro Teatral de Madrid.

Esta pieza, de dos personajes, fue interpretada por Alba Alonso y Julián López Montero. Dirección: Elena Cánovas.

Durante la representación, fue grabada para Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=PHa2_jYYX-Y

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Jean-Pierre Martínez, autor teatral, busca intercambio

Soy autor teatral francés (comedias), -nos escribe Jean-Pierre Martínez- e intento traducir mis obras en español, siendo el francés mi lengua materna. Busco a un autor español (o latinoamericano) que entienda bien el francés escrito, y que esté interesado en un intercambio de traducciones, si intenta traducir sus propias obras en francés.

Mi Web : www.comediatheque.com

Si alguien esta interesado (o conoce a alguien a quien pudiera interesar esa propuesta), que me contacte: martinezjp@free.fr

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EL NÚMERO 150 DE LA REVISTA ADE (ASOCIACIÓN DE DIRECTORES DE ESCENA) PUBLICA UN ARTÍCULO URSZULA ASZYK SOBRE EL TEATRO DE ALFONSO VALLEJO

En varias ocasiones –escribe Urszula Aszyk- se ha destacado que el verdadero reconocimiento del teatro de Alfonso Vallejo se había producido tras el estreno madrileño de El cero transparente, llevado a cabo en 1980 en el Círculo de Bellas Artes, por la compañía del Teatro Estable Castellano bajo la dirección de William Layton. La obra ha sido publicada, sin embargo, antes (1978) y enseguida ha sido traducida al inglés y escenificada (S979) por el teatro Orange Tree, uno de los teatros experimentales localizados fuera del centro de Londres, conocidos como Fringe Theatre. Por las mismas fechas han llamado la atención y han sido premiadas otras obras de Alfonso Vallejo: El desguace (Premio Lope de Vega 1977) y A tumba abierta (Premio Tirso de Molina 1978).

Tras el éxito del montaje del TEC, Vallejo recibe también un premio por El cero transparente (Premio Fastenrath de la Real Academia, 1980) y en poco la obra se transforma en libreto de la ópera Kiu, a partir del cual fue compuesta la música (…)

El artículo competo se puede leer en PDF en la Web del autor: http://www.alfonsovallejo.com/espanol/publicaciones.html#id91 

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LA SALA de Rubí, estrenó IRONÍAS EN TIEMPOS DE CRISIS, de Mª Luz Cruz

El pasado 7 de junio de 2014 Mª Luz Cruz  estrenó con la compañía El Desván en el  teatro municipal La Sala de Rubí (Barcelona), “IRONÍAS EN TIEMPOS DE CRISIS”  dirigidas por la propia autora.

“IRONIAS EN TIEMPOS DE CRISIS” es un viaje crítico e irónico, en el que se analiza en clave de humor nuestra sociedad y el comportamiento del ser humano ante las situaciones de crisis a las que nos vemos sometidos constantemente los seres humanos. En estas crisis irónicas hay cabida para cualquier situación, las hay  económicas, familiares, de fe, de trabajo, hasta la rutina del ama de casa.

Seis escenas, bocados de realidad escondida en cualquier ámbito de nuestra vida, un viaje lleno de ironía que con notas de humor  nos dejan ver el abuso de poder, la rutina, la doble moral,  el acoso y la xenofobia en el puesto de trabajo, la desconfianza de los hijos después de experiencias traumáticas, la falta de generosidad,  y hasta las insólitas situaciones  que se dan en el en el clero.  Seis temas  que están a la orden del día.

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Gaviotas subterráneas, de Alfonso vallejo, en el Teatro Apóstol Karamitev de Bulgaria

El día 28 de abril de 2014 se ha estrenado en Dimitrovgrad, Bulgaria, en el Teatro Apostol Karamitev “GAVIOTAS SUBTERRÁNEAS” de Alfonso Vallejo, con dirección de Todor Boyanov.

Sinopsis:

Dos amigos, Mario y Nino, se encuentran después de largo tiempo. Se citan en una casa abandonada desde la que Mario ha planeado utilizar el cadáver de un hombre a punto de fallecer para simular un accidente y cobrar un seguro de vida. El enfrentamiento entre los dos viejos amigos provoca un desenlace inesperado.

También se han publicado las obra de Alfoso Vallejo en: www.obrascompletasalfonsovallejo.com

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ESTRENARON OBRAS DE  ALFONSO VALLEJO EN POLONIA Y BULGARIA

La obra de Alfonso Vallejo "El Cero transparente" o PRZEZROCYSTE ZERO" se representó en Polonia, donde es considerada, como dice Urzula Aszyck, una "obra de culto". Es la cuarta vez que se representa en la ciudad de Zakopane, en el sur del país, en el teatro Witkacy. Este obra obtuvo el Premio Fastenrath de la Real Academia en 1980).

Sinopsis:

Un grupo de personas inician un viaje en tren hacia Kiu, una ciudad de la que todo el mundo tiene una idea a base de referencias Todos creen que se trata de su primer día de libertad Han estado sometidos a extrañas presiones que han estado a punto de destruirlos Los acontecimientos que se van produciendo a lo largo del viaje, les demuestran que el sentido de Kiu es muy distinto al que pensaban. La libertad, sin embargo, es posible. Aunque tenga un alto precio.

También la obra "Gaviotas Subterráneas" se representó en Sofía, Bulgaria, en el Teatro Plovdiv.

Sinopsis:

Dos amigos, Mario y Nino, se encuentran después de largo tiempo. Se citan en una casa abandonada desde la que Mario ha planeado utilizar el cadáver de un hombre a punto de fallecer para simular un accidente y cobrar un seguro de vida. El enfrentamiento entre los dos viejos amigos provoca un desenlace inesperado.

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PUBLICACIÓN DE SIETE OBRAS DE ROGELIO SAN LUIS EN GRECIA

Después de la muy buena acogida de la conferencia del catedrático Styl Rodarelis sobre las obras y visión del teatro de Rogelio San Luis en la Universidad Popular de Atenas, este profesor e investigador teatral procederá a la traducción al griego moderno para la publicación de un volumen, en la Editorial Iaspis, titulado: “EL TEATRO DE ROGELIO SAN LUIS” con sus obras:

La crisis según San Rogelio, Despedida de casada, Verbena en el hospital, Vodevil en blanco y negro y las breves El magnetófono, Una muela sin juicio y Chat-Chat-Chat.

Irán precedidas de un texto del editor y “Hablando con Rogelio San Luis” de Styl Rodarelis.

A continuación de ver la luz estas siete creaciones, se irán estrenando oportunamente en Grecia.  

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Objeto de Ardiente Deseo nueva obra de Rogelio Borra García

“Objeto de Ardiente Deseo”, Comedia dramática sobre el complejo mecanismo de los sentimientos.

Autor: Rogelio Borra García

Cuatro amigos entrañables, que rondan los cuarenta, vuelven a encontrarse con la excusa de inaugurar una casa quinta. Rememoran las gloriosas épocas del secundario, hablan obsesivamente de sexo y se hacen trampas para no exteriorizar sus verdaderas emociones. Porque el encuentro tendrá otras aristas, ásperas y oscuras, que los enfrentará sin remedio a viejos fantasmas y miedos recientes.

Personajes: 3 Femeninos, 4 Masculinos

Disponible para su representación en Argentina, España y Latinoamérica.

Solicite el libreto original: rborragarcia@yahoo.com.ar

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TEATRO PARA ESCOLARES, DE FERNANDO ALMENA, EN LA BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES

Como respuesta a numerosas personas que se han interesado en encontrar el libro TEATRO PARA ESCOLARES, de Fernando Almena, publicado por Editorial Everest y recientemente descatalogado, damos noticia de que este libro ha sido incorporado a las publicaciones por Internet de la Biblioteca Virtual Cervantes.

Este libro, que fue incluido en 1988 por el Banco del Libro de Venezuela entre los mejores libros publicados en lengua española, ha servido durante años de guía para numerosos profesores, monitores y realizadores de teatro de niños. Lo componen 11 obras de teatro muy breves y abiertas para que sean representadas por niños a lo largo de la etapa escolar, y se adaptan progresivamente a las diferentes edades de dicha etapa. Dichas obras pretenden un doble objetivo: ser representadas directamente por los niños o servir de modelo al educador para escribir con ellos sus propias obras en clase.

Asimismo, este libro estuvo incluido como material didáctico complementario en el curso El teatro como recurso educativo, de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, UNED, dentro de sus cursos para Formación del Profesorado.

Se puede descargar o consultar gratuitamente el libro en: http://www.cervantesvirtual.com/FichaObra.html?Ref=29790 

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Teatro en Internet para niños, en la web de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía

En el X Salón Internacional del Libro Teatral, celebrado en Madrid del 25 al 28 de noviembre de 2009, dentro de las presentaciones de novedades editoriales, el Centro de Documentación de las Artes Escénicas de Andalucía, dependiente de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, dio a conocer su nueva Colección Teatro en Internet para niños. Asimismo, en este acto se hizo la presentación del nº 3, último publicado, titulado El rey del mundo lirundo, de Fernando Almena, cuya edición se realizó con ocasión de este  X Salón.

Con esta colección, de autores andaluces, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía pretende aportar textos teatrales a todos los interesados por el teatro para niños: compañías, grupos, directores, profesores, centros escolares, etc. de todo el mundo, a través de Internet.

Las obras se pueden descargar gratuitamente en:

http://www.juntadeandalucia.es/cultura/cdaea/php/puTeatroInternetNinyos.php

O bien:

http://www.juntadeandalucia.es/cultura/cdaea  y entrar en Publicaciones y, luego, a Teatro en Internet para niños.

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EL HOMBRE QUE NO VIO LA MAR, DE SALVADOR ENRÍQUEZ PUBLICADO EN "REVISTA DE FRONTERAS"

El monólogo breve EL HOMBRE QUE NO VIO LA MAR, de Salvador Enríquez, ha sido publicado en "Revista de Fronteras" número 7. "Revista de Fronteras" es una publicación trimestral del Instituto de Ciencias Sociales y Administración (ICSA) de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez (México).

Resumen: Un hombre viejo, sentado en el malecón de un puerto de mar, habla con un imaginario acompañante. Momentos de dramatismo y a un tiempo de esperanza.

El 28 de marzo de 2003 se hizo una lectura dramatizada de este monólogo, por el actor Francisco Merino, en el II Maratón de Monólogos organizado por la Asociación de Autores de Teatro en el Círculo de Bellas Artes de Madrid con motivo del Día Mundial del Teatro

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SI ERES AUTOR O EDITOR ASÓCIATE A CEDRO

 

 

 

 

 

 

SI ERES AUTOR O EDITOR, asóciate a CEDRO, la entidad que gestiona colectivamente los derechos reprográficos de escritores, traductores, periodistas y editores. Todos los años recibirás los derechos económicos por la fotocopia de tus obras y podrás beneficiarte de los servicios que CEDRO pone a tu disposición. La adhesión a CEDRO no requiere el pago de cuotas ni desembolso alguno.

Teléfono Madrid: 91-7021939 -  e-mail: asociados@cedro.org

Teléfono Barcelona: 93-2720445 -  e-mail: cedrocat@cedro.org

Web: www.cedro.org

Centro Español de Derechos Reprográficos

ASOCIACIÓN DE AUTORES DE TEATRO y BIBLIOTECA VIRTUAL CERVANTES

Pulsa en cualquiera de las imágenes para entrar en el portal de la Asociación de Autores de Teatro en la Biblioteca Virtual Cervantes

BANCO DE TEXTOS TEATRALES EN LA FUNDACIÓN ROMEA

La Fundaciò Romea hizo pública una convocatoria para seleccionar textos teatrales con vistas a una futura producción. Hecha la selección y ante el gran número de originales recibidos, consideraron oportuno darlos a conocer por medio de Internet, lo que supone un medio de difusión y contacto importante para quienes desean dar a conocer sus textos y para quienes los buscan con el fin de poderlos producir.

     En lo que respecta al programa de soporte a nuestros autores -explican los responsables del proyecto- la Fundación Romea quisiera destacar la respuesta que tuvo la convocatoria realizada para constituir el Banco de Textos Teatrales. Recibimos, de todo el estado español, 370 textos de 192 escritores. Actualmente los textos se están revisando con la intención de que algunos de ellos puedan ser llevados a escena en el Teatro Villarroel. 

     La buena acogida de esta propuesta ha motivado la puesta en marcha del Banco Virtual de Textos Teatrales a través de la página web de la Fundación Romea www.fundacioromea.com para que estos fondos puedan ser consultados por el público y los profesionales. Siguiendo en esta línea, hemos introducido en nuestra Web información sobre los autores y hemos puesto a disposición los textos de aquellos autores que así lo han autorizado.

PÁGINA PERSONAL DE SALVADOR ENRÍQUEZ

En mi Web personal puedes encontrar información sobre mis obras teatrales, currículo, fotos, estrenos, premios (algunos hay) y sobre todo una sección con enlaces a diversos sitios relacionados con el teatro:

http://salvadorenriquez.es

Asimismo están disponibles en el CATÁLOGO de Textos teatrales en esta revista: catalogotextos.html

También puedes bajarlas de la Biblioteca Virtual Cervantes: http://bib.cervantesvirtual.com/portal/AAT/Enriquez/ 

Fin  AUTORES Y OBRAS (SUBIR)

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