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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 31-1-2021

 

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Avance del mes de febrero en el Centro Dramático Nacional

La Panadera abre el debate sobre nuestra vulnerabilidad en las redes sociales o la libre sexualidad femenina

El Grito se estrena en el teatro Fernán Gómez - Centro Cultural de la Villa

Pedro Ruiz regresa con Loc@s. Reír nos cura al teatro marquina

Histeria del Arte, música y humor en Las Noches del Canal

La comedia de maravillas, dirigida por  Lluís Homar, en elTeatro de la Comedia. Sala Tirso de Molina Y exposición Ramón de la Cruz y los umbrales de la nación moderna

EL ASTROTRANSPORTADO EN LA SALA LA ESCALERA DE JACOB

ESCENA 17, UN NUEVO ESPACIO TEATRAL EN EL DISTRITO DE VILLAVERDE (MADRID)

 

Avance del mes de febrero en el Centro Dramático Nacional

En febrero, el Centro Dramático Nacional sigue haciendo gala de su apuesta por impulsar la nueva dramaturgia. Así, este mes sus salas acogerán el estreno de dos piezas firmadas por tres nombres que, a pesar de su juventud, resuenan ya con fuerza en la escena española: Eva Mir y el dúo creativo integrado por Nao Albet y Marcel Borràs. Además, el dramaturgo y director del #Dramático Alfredo Sanzol estrenará su nueva obra.

La joven dramaturga y directora Eva Mir, que ya debutó en esta casa escribiendo un texto para la trilogía La Pira (dentro de La conmoción, dirigida por Alfredo Sanzol), estrena el 3 de febrero en la sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán su obra Héroes en diciembre, galardonada con el Premio de Teatro para Autores Noveles «Calderón de la Barca» 2019. La pieza, que será dirigida por la propia autora, cuenta una historia de superación personal con el tema del suicidio como trasfondo, donde los personajes luchan, como dice Eva Mir, “por recuperar la vida con mayúsculas, y no un sucedáneo de la misma”.

A partir del 5 de febrero podremos ver en el Teatro María Guerrero el último proyecto de Nao Albet y Marcel Borràs, Atraco, paliza y muerte en Agbanäspach. Los llamados ‘enfants terribles’ del teatro catalán, que dieron el salto a la escena nacional con su aclamada pieza Mammón, proponen una obra que cuestiona los límites del teatro como experimento de ficción. Un encargo de un magnate ruso para que escriban una obra sobre un atraco a un banco es el punto de partida para uno de los sorprendentes viajes que caracterizan las puestas en escena de esta pareja de jóvenes creadores.

El Teatro Valle-Inclán acogerá el 12 de febrero el estreno absoluto de El bar que se tragó a todos los españoles, de Alfredo Sanzol. Su nuevo trabajo es una road movie teatral inspirada en la figura de su padre que cuenta las aventuras de un cura navarro que en los años 60 decide cambiar de vida, dejar el sacerdocio, y viajar a Estados Unidos para aprender inglés y marketing. “La historia de Jorge Arizmendi es una historia de crecimiento y transformación personal que simboliza la historia de crecimiento y transformación personal de toda una sociedad”, afirma Sanzol, quien rinde tributo con esta pieza “a todos aquellos hombres y mujeres que se arriesgaron a cambiar de vida en un momento en que salirse de cura en España suponía un seísmo personal, familiar, y político”.

Además de estos tres estrenos, el 27 y 28 de febrero podremos disfrutar, dentro del ciclo de teatro familiar Titerescena, de lo nuevo de Pablo Vergne y su compañía La Canica: Orfeo y Eurídice es una revisión para niños del mito griego a través del juego con títeres, objetos y música que en la última edición de FETEN se alzó con el Premio “Mejor propuesta de un clásico”.

Acción Dramática

El Dramático continúa con las actividades transversales de su nueva temporada. El próximo 2 de febrero comienzan la actividad Carta Blanca del #Dramático, sesiones especiales en las que invitamos a creadoras y creadores de nuestra programación a que organicen una mesa de debate o un acto con el formato que deseen, a través del que profundizar en el proceso creativo de su pieza antes de estrenarse, invitando al público a que participe en el mismo. Con motivo de la exhibición de El bar que se tragó a todos los españoles, Alfredo Sanzol conversará, en “La libertad de decidir”, con hijos e hijas nacidos de las dispensas que la Iglesia concedió a principios de los años sesenta a aquellos sacerdotes que querían dejar de serlo.

Entre el 9 y el 25 de febrero, la Sala El Mirlo Blanco del Teatro Valle-Inclán albergará “Una invitación a la catástrofe”, una instalación inmersiva mediante la que Eva Mir propone al espectador un viaje interactivo en torno a las preguntas y reflexiones de las que parte su obra Héroes en diciembre: ¿Cómo se habla de lo que nadie quiere hablar, de lo que nadie quiere escuchar?

Otra actividad dirigida al público son los talleres especializados cuyas primeras sesiones comenzarán a lo largo de este mes de febrero y se desarrollarán hasta junio. Estos primeros talleres, cuyo plazo de inscripción está cerrado, están dedicados a la escritura dramática, a la comunicación y crítica teatral, y a la lectura de autores contemporáneos. Han recibido una afluencia de solicitudes extraordinaria y están destinados a formar y a involucrar de manera más activa a los públicos del #Dramático en su programación.

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La Panadera abre el debate sobre nuestra vulnerabilidad en las redes sociales o la libre sexualidad femenina

La Panadera es el nuevo proyecto de la dramaturga, directora y actriz Sandra Ferrús, una obra que abre el debate a cuestiones como la viralización sin control de contenidos en las redes sociales, cómo es la culpa social, cómo nos afecta el juicio ajeno, o los prejuicios en torno a la libre sexualidad femenina. La obra, escrita, dirigida y protagonizada por Sandra Ferrús, se estrena el próximo 27 de enero en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero, donde estará hasta el 7 de marzo.

La Panadera cuenta la historia de Concha, una mujer de cuarenta años, encargada de una panadería, casada, con dos hijos. Una mujer con una vida tranquila y feliz que un día se despierta con la noticia de que en las redes sociales corre un vídeo íntimo suyo manteniendo relaciones sexuales con una pareja que tuvo hace quince años. El vídeo sale ahora a la luz y se extiende de manera incontrolada porque ese hombre se ha hecho famoso en Italia gracias a un reality televisivo.

Según su autora, “es una historia de resiliencia, de vulnerabilidad, de amor, de miedo” que parte de una anécdota que podría sucederle a cualquiera. Ferrús afirma que le tiembla el cuerpo cada vez que lee una noticia de esas características. Por eso, afirma, “La Panadera pretende ser un abrazo para esa mujer, una mujer que podría ser mi hermana, mi vecina, mi amiga o yo misma”.

Coproducida por el Centro Dramático Nacional con El Silencio Teatro e Iria Producciones, La Panadera está interpretada por la propia Sandra Ferrús junto con César Cambeiro, Elías González, Susana Hernándezy Martxelo Rubio integrando el resto del reparto.

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El Grito se estrena en el teatro Fernán Gómez - Centro Cultural de la Villa

El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, espacio del Área de Cultura del Ayuntamiento de Madrid, coproduce con la veterana y prestigiosa productora Pilar de Yzaguirre este texto de Itziar Pascual y Amaranta Osorio, cumpliendo así parte de los objetivos de la nueva dirección: apoyo la dramaturgia española contemporánea y búsqueda de equilibrio y paridad en los equipos de creación y dirección. El Grito es un texto comprometido con la realidad que nos rodea, actual, emocionante y valiente. Un texto que no deja indiferente a nadie. Las representaciones se acompañarán de mesas redondas y debates en torno a los temas que se tocan en el espectáculo.

Escrito por Itziar Pascual (Premio Nacional de Artes Escénicas para la Infancia y la Juventud 2019) y Amaranta Osorio, y dirigido por Adriana Roffi. El elenco está compuesto por Ana Fernández, Nuria García, Óscar Codesido, Lucía Barrado, Alberto Iglesias, José Luis Alcobendas, Carlota Ferrer, Elsa Cháves y Pablo Turégano (estos dos últimos como sustitutos en algunas de las funciones).

 El Grito está basada en una historia real que ocurrió hace algunos años en España: es la historia de cómo una serie de acontecimientos pueden cambiar el rumbo de la vida de una mujer que aguanta uno tras otro los embates de su nuevo destino hasta que la verdad se abre camino. Para Pilar de Yzaguirre, coproductora de El Grito, este montaje ha sido su manera de poner su sello con el feminismo, la lucha por la igualdad que ha llenado su vida, encima de un escenario. La obra, basada en una sentencia que se reprodujo en la prensa nacional, fue encargada por la productora a las escritoras, Itziar Pascual y Amaranta Osorio, para que dieran a la historia del caso una forma dramática, relatando los ocho años de juicio que sufrió la víctima, por culpa de la visión sesgada de la sociedad hacia la mujer, para descubrir la causa de esta tragedia.

El Grito, en su estreno absoluto, se podrá ver del 26 de febrero al 4 de abril en la Sala Guirau del CCV.

Sinopsis

La historia parte del amor entre nuestra protagonista y su jefe, y su deseo de formar una familia. Pero había un primer escollo: por una mala relación anterior, él tenía hecha la vasectomía. Aún, así, con toda la ilusión de empezar una vida juntos, se propusieron encontrar una solución. Y, con el tiempo, encontraron una clínica que les garantizó que podía efectuarse una fecundación “in vitro”. Ante la feliz expectativa, él le pidió que dejara el trabajo y se preparase para su maternidad. Ella lo aceptó feliz, se sometió a los sucesivos tratamientos y finalmente se quedó embarazada. Fue un periodo de felicidad en pareja que culminó con el nacimiento de dos bebés.

A partir de ese momento, sin motivo aparente, él cambió radicalmente de actitud y se fue distanciando de forma patente, hasta el punto de desentenderse completamente de los hijos y de toda relación con ella. La mujer sufrió durante un largo periodo de tiempo esta indiferencia que se tornó en una clara situación de abandono sin entender los motivos, porque él nunca aclaró nada y ella, sintiendo una angustia y abatimiento indescriptibles, acabó resignándose e intentó seguir adelante con sus pequeños, con la compañía y ayuda extraordinaria de su madre, enferma de Alzheimer. Pero su situación se volvió extrema, pues sin trabajo, se quedó sin dinero para mantener a sus hijos, por lo que no tuvo más remedio que reclamar una ayuda económica al padre. Sin embargo, él no sólo no reaccionó favorablemente ante su petición, sino que se negó a prestarle cualquier tipo de ayuda. Desesperada, ella tuvo que acudir a una abogada de oficio, ya que no podía pagar esos servicios y llevó el caso a juicio.

Las revelaciones del juicio cayeron como una losa sobre ella. Pasó a ser considerada como una estafadora y adúltera. No entendía cómo era posible que le estuviera pasando todo esto. Ante la situación generada, la abogada de oficio le indicó el único camino posible si no quería abandonar. Y de la extraordinaria ayuda de esta abogada, que fue su gran apoyo hasta el final. 

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 Pedro Ruiz regresa con Loc@s. Reír nos cura al teatro marquina

Del 21 de enero al 27 de febrero de  2021 se representará `Loc@s. Reír nos cura ́ en el Teatro Marquina de Madrid protagonizado por Pedro Ruiz. El actor, autor y showman vuelve a los escenarios con un espectáculo, lleno de humor y talento escénico en el que se sumerge en más de 20 personajes en esta propuesta de humor no exenta de profundidad que configuran un conjunto de locuras de nuestra disparatada vida.

`Loc@as. Reír nos cura ́: es un retablo de personajes que, sumados, dan un perfil variadísimo y profundamente divertido de nuestra loca vida. No se trata de imitaciones, sino de invenciones, de tipos y textos, encarnados a veces por insignes figuras de nuestro imaginario interpretativo. Con música en vivo para algunas de las “invenciones”.

Con el apoyo y el carisma de Joanna Gonzalez al piano y teclados. Con un sencillo pero cuidado montaje de imágenes y apariciones. Y, sobre todo, con la libertad y el deseo de divertir que siempre ha caracterizado a Pedro Ruiz. No faltan guiños a lo actual. Pero esta vez se instala el esperpento de un puñado de “locuras nuestras”. Muy de hoy.

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Histeria del Arte, música y humor en Las Noches del Canal

El 8 y 9 de enero, y el 5 y 6 de febrero de 2021, en la Sala Negra de los Teatros del Canal, tendrá lugar el estreno absoluto de HISTERIA DEL ARTE, una creación de Gaby Goldman (West Side Story / Billy Elliot) y Zenón Recalde (El Rey León). 

Con el nuevo año nos llega una nueva entrega de Las Noches del Canal, las sesiones de conciertos, baile, performance y teatro musical que vienen a refrescar la cartelera de los Teatros del Canal ofreciendo, en su Sala Negra, una propuesta undeground, diferente y hasta gamberra.

De vuelta de los llenazos de taquilla de los artistas Lekuona y Ojo Último, esta vez es el turno de Histeria del Arte, un espectáculo de teatro musical y cómico que han escrito y dirige Zenón Recalde, director del longevo El rey león, con regiduría musical de Gaby Goldman, director de montajes como Billy Elliot, el musical y West Side History.

La obra nos presenta una visión hilarante de grandes eventos de la historia, en un viaje filosófico sobre las Artes y los Medios de Comunicación que plantea disparatadas situaciones en las que el público tendrá que reflexionar sobre cuestiones de este tipo: ¿cómo explicaría la Biblia la creación del Teatro Musical en siete días? ¿Qué oscuros personajes nos podemos encontrar haciendo un casting para cine? ¿Veríamos un programa de televisión donde el único mérito de los invitados fuera vivir cerca de un famoso? ¿Cómo serían las fiestas del pueblo si la orquesta contratada fueran monjes de clausura?

Con coreografías de Alberto Sánchez y Alberto Velasco, y escenografía de Alessio Meloni, los intérpretes Pepa Lucas, Verónica Ronda, Hugo Ruiz y Ángel Saavedra serán quienes escenifiquen esas situaciones surrealistas.

Sobre Zenón Recalde y Gaby Goldman

Zenón Recalde es un actor, cantante y director de teatro argentino afincado en Madrid. Entre sus éxitos escénicos figuran ¿Hacemos un trío?, Póker de voces, Pasen y beban o la adaptación de High School Musical. Por su parte, Gaby Goldman es un compositor también argentino que ha participado en la dirección musical de más de 60 obras de teatro, entre ellas El cabaret de los hombres perdidos, La sirenita, Frankestein o Forever Young.

Duración: 1 hora y 30 minutos (sin intermedio)  - Edad recomendada: a partir de 14 años

Intérpretes: Pepa Lucas, Verónica Ronda, Ángel Saavedra y Hugo Ruiz

Dirección musical: Gaby Goldman  - Guion y dirección: Zenón Recalde - Coreografías: Alberto Sánchez y Alberto Velasco.

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La comedia de maravillas, dirigida por  Lluís Homar, en elTeatro de la Comedia. Sala Tirso de Molina

LA COMEDIA DE MARAVILLAS, de Ramón de la Cruz y Lluïsa Cunillé, se representa en el Teatro de la Comedia. Sala Tirso de Molina (C/Príncipe, 14),  del 26 de noviembre al 14 de febrero.

Lluïsa Cunillé ha escogido unos pocos de los sainetes que Don Ramón de la Cruz escribió alrededor del mundo del teatro y los ha unido sin costuras. Dándole a La comedia de maravillas palabras y estructuras provenientes de esas otras piezas breves pero que conservan en muchos casos los mismos personajes, que suelen llevar el nombre de las actrices y actores reales que los interpretaban, y elementos de evolución de la misma situación teatral.

Nos gusta imaginar que si el autor no se hubiese visto constreñido por las convenciones teatrales del siglo XVIII y por el lugar y duración que ocuparon los sainetes en las representaciones teatrales, él mismo hubiese elaborado comedias de mayor complejidad sobre uno de los temas que más le sedujeron: el teatro por dentro.

El siglo de las luces se ocupó ampliamente de analizar desde la filosofía y la crítica literaria la función del teatro en una sociedad en compleja evolución, pero fueron pocos los que se atrevieron a levantarle la piel y describir el mundo cotidiano, las grandezas y miserias que afectaron a sus profesionales.

Los sainetes metateatrales de Ramón de la Cruz nos ofrecen una posibilidad única para conocer cuán profunda es la raíz de una pregunta que nos seguimos formulando como sociedad hoy en día: ¿Tiene realmente el teatro una capacidad real de transformación de la sociedad?

Horarios de funciones: Lunes, descanso - Martes a domingo 17:30 hrs

EXPOSICIÓN

Coincidiendo con este estreno tendrá lugar la inauguración de Ramón de la Cruz y los umbrales de la nación moderna una exposición en el nuevo vestíbulo del teatro comisariada por el dramaturgista Albert Arribas con el objetivo de profundizar en la trascendencia del teatro "menor" de Ramón de la Cruz en relación a nuestro s. XXI.

 La exposición analiza cómo los sainetes de Ramón de la Cruz supieron capturar en complejidad, y a veces de un modo casi subversivo, las tensiones nacidas a raíz de las profundas transformaciones del Madrid del último tercio del s. XVIII. Partiendo del impacto que supuso el Motín de Esquilache en la incipiente sociedad moderna, y el oportuno cambio de rumbo de las políticas públicas borbónicas en relación a la apertura de espacios de ocio para agradar a las nuevas "clases medias.

Una obra-reflejo, la de Ramón de la Cruz, que desde su verso ágil y sus situaciones vertiginosas no solo fue capaz de retratar una época fundamental para entender nuestro presente, sino que además tuvo una influencia enorme sobre la creación de imaginarios colectivos a través del majismo y el pintoresquismo con que fue leída su obra en el siglo XIX y buena parte del XX.

La exposición permanecerá hasta el final de las representaciones de “La comedia de maravillas” (14 de febrero) y estará abierta al público de manera gratuita de 11 h. a 14 h. y de 16:30 h. a 19:30 h. En dicho horario se  podrá adquirir la edición de “La comedia de maravillas” al precio de 3 €.

Foto: Sergio Parra.

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EL ASTROTRANSPORTADO EN LA SALA LA ESCALERA DE JACOB

 

'EL ASTROTRANSPORTADOR', una aventura espacial cargada de rock and roll, con canciones en directo, que será representada todos los fines de semana en su nueva casa; La Escalera de Jacob.

Marti y Lol son inseparables. Más de lo que ellos se piensan. Dos amigos muy parecidos y muy diferentes a la vez. Ambos se embarcarán en un viaje que no esperaban hacia el espacio exterior, y aparecerán en un planeta hasta ahora extraño para ellos. Tan solo la ilusión, el trabajo en equipo y las ganas de volver, les llevarán de nuevo a casa tras esta divertida aventura.

El Astrotransportador es una divertidísima obra de aventuras para niños, que hará que todos los espectadores sean un pasajero más en este viaje al espacio exterior.

La obra escrita y dirigida por Miguel Rascón, promete seguir sacando sonrisas a niños y mayores. Las referencias pop y al cine de aventuras de los 80s, recuerdos de infancia del autor, te transportarán sin querer a clásicos como Los Goonies o Regreso al futuro.

Un texto sencillo y ágil, dirigido principalmente a los pequeños de la casa y trabajado desde la empatía. Reto que parece haberse conseguido con creces tras su recorrido en teatros desde 2016.

La ambientación musical es otro de los puntos fuertes. Del swing instrumental más divertido, a versiones infantiles de los 'Guns‘n Roses' o de los míticos 'Teen Tops'

Desde el 3 de octubre de 2020 en el Teatro La Escalera de Jacob - Calle Lavapiés, 9 – Madrid -(metros Tirso de Molina/Antón Martín)  -

La Compañía comunica con fecha 1 de octubre que "debido a las nuevas restricciones comunicadas por el gobierno, toda la programación de La Escalera de Jacob se ve alterada. Esto lamentablemente moverá nuestro espectáculo, El Astrotransportador, a los

Funciones desde el sábado 9 de enero (hasta el 31 de enero de 2021).

Información y entradas:  https://www.atrapalo.com/entradas/el-astrotransportador_e4848124/

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ESCENA 17, UN NUEVO ESPACIO TEATRAL EN EL DISTRITO DE VILLAVERDE (MADRID)

Después de cinco años dinamizando el barrio de Los Ángeles con una variada oferta teatral en LocaL2,  la compañía La Mordaza Teatro inaugura el próximo mes de septiembre una sala de teatro, Escena 17 situada en la calle La del Manojo de Rosas, 102. Es el momento de dar un pasito más -comenta Maijo Pazos, responsable de la sala-  y apostar por un proyecto cultural y teatral a largo plazo en nuestro barrio.

Cuando a finales de 2014 La Mordaza Teatro decide acondicionar su lugar de ensayo, una antigua oficina situada en la calle La Dolorosa del barrio Los Ángeles en espacio escénico, no se podían ni imaginar la estupenda respuesta de todos los vecinos y vecinas. Arrancar una iniciativa cultural en una zona con tan poco movimiento fue difícil inicialmente,  pero poco a poco, el boca a boca hizo que se despertara un gran interés por lo que se cocía todos los fines de semana en LocaL2.

En Escena 17 la programación será variada; comedia, drama, teatro infantil, magia, conciertos y una serie de talleres para niños, jóvenes y adultos.

Nos hace especial ilusión pensar que nos vamos a ubicar en una antigua casa de apuestas ya que Villaverde es uno de los distritos más afectados por la proliferación de este tipo de locales. Así pues, “apostamos” por la cultura y el teatro.

Más información:  info@escena17.com www.escena17.com

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