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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 31-3-2020

 

NOTICIAS TEATRALES
Elaboradas por Salvador Enríquez
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ENTREVISTAS

 

Índice de ENTREVISTAS

Para leerlas, pulsa en el periódico de la izquierda

HAMLET CHARLA CON JESÚS MUÑOZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

FLOTANT FESTEJA, JUEGA, IMAGINA, EMOCIONA, RÍE, REFLEXIONA

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON MARÍA SAN MIGUEL SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

WASTED, UN MUNDO DE EMOCIONES, POESÍA Y MÚSICA, CONTADO POR MUJERES

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON PACO GÁMEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A CONOCER, COMPARTIR SUS DESVENTURAS DE DESHEREDADO

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON JOSÉ MARÍA ESBEC SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

PONE EL PRISMA SOBRE EL PLANETA, NUESTRAS CRISIS PERSONALES Y POLÍTICAS

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON JOSE PADILLA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

CONSTRUYE UN SHYLOCK CARGADO DE PREGUNTAS QUE CUESTIONAN NUESTRAS CONTRADICCIONES

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON VANESSA MARTÍNEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIAJAR AL PASADO CON ORLANDO, A REFLEXIONAR SOBRE ROLES, EN EL PRESENTE

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON LAURA ORTEGA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

OTRA MIRADA A LAS PINTURAS NEGRAS, LOS PERSONAJES Y SUS FANTASMAS

(Una entrevista de Titania)

TEODORO GRACIA, DIRECTOR DEL FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO VEGAS BAJAS

 (Una entrevista de Francisco Collado)

HAMLET CHARLA CON JUAN CARLOS RUBIO SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIVIR JUNTOS NUESTRA ANORMALIDAD, CON TERNURA, CON EMPATÍA

(Una entrevista de Titania)

ENTREVISTA A JOSÉ VICENTE MOIRÓN

Por Francisco Collado

 

HAMLET CHARLA CON JESÚS MUÑOZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

FLOTANT FESTEJA, JUEGA, IMAGINA, EMOCIONA, RÍE, REFLEXIONA

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Hamlet es un PERSONAJE CON MAYÚSCULAS que me enamoró en mi etapa de estudiante de arte dramático por sus grandes conflictos, visceralidad, amor, vehemencia, necesidad de justicia, entre otras muchas cosas.

  • Reflexionamos acerca de la presencia o ausencia del amor en nuestras vidas… de la necesidad de querer y de ser queridos (Hamlet seguro que sabe muy bien de lo que hablo…) Así que decidimos empezar a ejercitar nuestro amor y celebrar nuestra relación como amigos y compañeros y compartirlo con los espectadores.

  • Ejercicios de amor es una obra muy dinámica. El espectador va desplazándose por diferentes espacios del teatro donde tienen lugar las escenas, siempre guiados y acompañados por los intérpretes. Este tránsito no le deja acomodarse y facilita que sus pensamientos y sus emociones puedan fluir.

  • Tener hijos implica grandes cambios y grandes preguntas y pensamos que en este trabajo están reflejadas, al menos, las más esenciales que tienen que ver con los miedos, las dudas, los conflictos y anhelos, las incoherencias a la hora de educar y la dificultad para comprender a las otras generaciones

  • Si queríamos hablar de la inmigración y de las diferencias entre culturas debíamos intentar ponernos a su altura y abordar el tema desde la absoluta naturalidad con la que estas niñas y niños de hoy viven la diferencia. Sin prejuicios. Debíamos confiar plenamente en ellos, en su sensibilidad,

  • El humor es fundamental como herramienta dramatúrgica. El sentido del humor es una actitud, un posicionamiento ante la vida. A nosotros nos ha abierto caminos, nos ha ayudado a reírnos de nosotros mismos, nos ha permitido darle la vuelta a los discursos para provocar la reflexión.

  • Intentamos hacer un teatro honesto, sin máscaras, que nos haga disfrutar, que nos emocione y que nos haga reflexionar... Y si nos pasa a nosotros, estamos seguros de que también le ocurrirá al público… Uff, menudas expectativas acabo de crear…

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Señor Jesús Muñoz…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  ¿cómo veis a este príncipe danés, creéis que su fama es merecida? 

 

JESÚS MUÑOZ– (Risas)… Por supuesto, Hamlet es un PERSONAJE CON MAYÚSCULAS que me enamoró en mi etapa de estudiante de arte dramático por sus grandes conflictos, visceralidad, amor, vehemencia, necesidad de justicia, entre otras muchas cosas. Sin embargo, he de reconocer que, hoy en día, me atraen más las personas que los personajes, aunque probablemente no haya ninguna diferencia. Quizás es sólo el punto de partida. En nuestros últimos trabajos el tema que queríamos abordar nos ha llevado a unas personas determinadas y entre todas estas personas hemos creado una historia común.

 

H- Para lograr éxito en cualquier asunto se necesita una cierta dosis de locura.

 

Risas a dúo

 

HAMLET- En estos días en los que el reino huele a podrido… Os inquiero...  creéis mi señor, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias… Y decidme, cómo lo llevaríais sobre las tablas de 2020 al estilo Pont Flotant...

 

JM – (Risas)… No sé si una tragedia mayúscula como Hamlet podría ser asumida por una compañía como la nuestra. Nuestras obras se asientan siempre sobre una base pedagógica muy concreta que utiliza la autocrítica, la ironía, el sentido del humor, la emoción, siempre desde un posicionamiento bastante optimista. Un desenlace así de trágico no sé si podría llegar a ser compatible con este tipo de pedagogía. Pero si se diera el caso, supongo que intentaríamos reconocer en qué lugar de nuestra vida y de nuestro entorno social más próximo se hallan estas incertidumbres y qué es lo que nos provoca una furia real, visceral, como la de Hamlet. También podría ser que le diésemos un uso metateatral al propio texto. Su análisis, el planteamiento dramatúrgico, contextualización y construcción de los personajes podrían ser una parte importante del espectáculo para que el espectador pudiese reflexionar y detectar en su vida y en su entorno esas relaciones de poder, de traición, de amor…

 

H- Nos agrada vuestra conclusión optimista… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra reputación sube como la espuma, pero con los pies bien asentados… aun así, perdonadme la osadía, os cuestiono… ¿no habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos?

 

  JM- (Risas)… ¿A quién no le gustaría tener una milésima parte de su talento expresivo y destreza con las palabras? Pero nosotros hemos aprendido a hacer de la carencia una virtud, a potenciar aquello en lo que nos movemos con facilidad, que es la escritura a partir del trabajo con los intérpretes, investigando en el espacio de laboratorio y también viviendo experiencias extra teatrales paralelamente a los procesos creativos para luego verterlas en las sesiones. Ese es el trabajo que hemos ido desarrollando estos años y en el que nos movemos con cierta confianza hoy en día. Por supuesto, siempre con incertidumbre, con muchas dudas y auto cuestionamiento continuo, pero con la creencia firme en que la sencillez también es una opción muy válida para llegar a la esencia del ser humano.

 

H- Ningún legado es tan rico como la honestidad.

 

Risas a dúo

 

H- Persiguiendo ese empeño, nos acercáis a los Teatros del Canal Ejercicios de Amor… un canto al disfrute… teatral...vital...  Os lo ruego que ya nos corroe la curiosidad... Contadnos cómo surgió este montaje…

 

JM– (Sonrisas)… Llevábamos 9 años como grupo de trabajo estable. Nuestra relación de amistad había desarrollado también una relación profesional y empezamos a preguntarnos qué era lo realmente importante en nuestras vidas. Y surgió el tema del amor. Reflexionamos acerca de la presencia o ausencia del amor en nuestras vidas y los valores de la sociedad, donde la velocidad, la masificación, el individualismo, el anonimato, el miedo a los compromisos, la vergüenza, los prejuicios, etc, a menudo, nos alejan de aquello que realmente nos importa… de la necesidad de querer y de ser queridos (Hamlet seguro que sabe muy bien de lo que hablo…) Así que decidimos empezar a ejercitar nuestro amor y celebrar nuestra relación como amigos y compañeros y compartirlo con los espectadores. Han pasado 11 años desde el estreno de Ejercicios de amor… y 20 de compañía. Quizás esta celebración fue mucho más importante de lo que pensábamos en aquel momento.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntarán con el tono del relato… confesamos que nos puede la impaciencia… ¿Podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

JM- (Sonrisas)… Se trata de una puesta en escena sencilla, austera, casi invisible por momentos, mágica en algunos instantes. Intentamos que la línea entre realidad y ficción quede continuamente difuminada para que el espectador se sienta un invitado a esta celebración del amor. No hay pues grandes elementos escenográficos. Muchos de ellos son funcionales (sillas, mesas, una paella…) y otros, como una pérgola para la ceremonia final, son los que nos ayudan a alejarnos de esa cotidianeidad extrema que se crea en algunas escenas y que llevan al espectador a un lugar más poético, más estilizado y más emocional. Además, Ejercicios de amor es una obra muy dinámica. El espectador va desplazándose por diferentes espacios del teatro donde tienen lugar las escenas, siempre guiados y acompañados por los intérpretes. Este tránsito no le deja acomodarse y facilita que sus pensamientos y sus emociones puedan fluir.

 

H- Ya dijo el clásico, que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir, y algo debe ocurrir…

 

Risas a dúo

 

H- El segundo espectáculo que presentáis en el Canal es El hijo que quiero tener… nos suenan familiares los dilemas… Mas contadme que ya nos asfixia el ansia… ¿qué se van a encontrar los espectadores…?

 

JM – (Risas)… Se van a encontrar con bastantes preguntas (¿eso también te suena, no Hamlet?), como en todos nuestros trabajos. Muchas de ellas surgieron cuando empezamos a tener hijos y empezamos a cuestionarnos los patrones y el paradigma en el que habíamos sido educados nosotros mismos. Tener hijos implica grandes cambios y grandes preguntas y pensamos que en este trabajo están reflejadas, al menos, las más esenciales, que tienen que ver con los miedos, las dudas, los conflictos y anhelos, las incoherencias a la hora de educar y la dificultad para comprender a las otras generaciones: la de aquel niño que fuimos y que vagamente recordamos y la del abuelo que algún día seremos, pero del que todavía estamos demasiado lejos.

 

H- Cada secreto del alma de un escritor, cada experiencia de su vida, se hallan escritos en sus obras

 

Risas a dúo

 

H- Os felicito por sembrar el amor al Teatro entre los nuevos y más jóvenes espectadores… con Las 7 diferencias… Esta obra es además un canto a la convivencia… Cómo os comunicáis con el público de este espectáculo, los niños, y niñas de hoy día...

 

JM- (Sonrisas)… Partíamos con una gran incógnita: ¿sería posible mantener nuestra identidad creativa, nuestro lenguaje en un espectáculo dirigido a un público familiar que fuese divertido, reflexivo y emotivo a la vez? Al final, nos dimos cuenta de que era posible, pues la clave residía en algo muy básico: en frente de nosotros íbamos a tener personas que ya habían nacido en una sociedad culturalmente muy diversa. Así que si queríamos hablar de la inmigración y de las diferencias entre culturas debíamos intentar ponernos a su altura y abordar el tema desde la absoluta naturalidad con la que estas niñas y niños de hoy viven la diferencia. Sin prejuicios. Debíamos confiar plenamente en ellos, en su sensibilidad, en su capacidad de comprensión a muchos otros niveles, en su sentido del humor, en su capacidad crítica y participativa, en su capacidad para emocionarse... lo que nos dio mucha seguridad para mantener, sin duda, nuestro lenguaje e identidad creativa.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra forma de construir cada obra es colectiva… Me planteo (ya conocéis nuestras tendencias)… si para lograrlo habéis recurrido al látigo, puños, o ponéis sentido común con mano izquierda…

 

JM- (Risas)… Somos más de mano izquierda y de poco látigo. En los procesos hay debate, hay diferencia de opiniones, hay, en contadas ocasiones, momentos más tensos, de incertidumbre, pero, sobre todo, hay mucho diálogo, consenso y respeto por las ideas de los demás.

 

H- Es más fácil obtener lo que se desea con una sonrisa que con la punta de la espada.

 

Risas a dúo

 

H- Nos place y aplaudimos un teatro que agita, emociona y divierte… Moliere defendía la comedía… Vos mi señor creéis que los dardos del humor, la ironía, calan mejor en las cabezas...

 

JM- En Flotant hemos abordado grandes temas como son el amor, el paso del tiempo, el trabajo, la educación, la inmigración, la diversidad funcional… La mayoría de estos temas están trilladísimos en la literatura y en las artes en general y son demasiado transcendentes como para ponerse muy serio. El humor es fundamental como herramienta dramatúrgica, pero es algo más. El sentido del humor es una actitud, un posicionamiento ante la vida. A nosotros nos ha abierto caminos, nos ha ayudado a reírnos de nosotros mismos y a desnudarnos metafóricamente en escena, nos ha permitido darles la vuelta a los discursos y a cambiar de perspectiva para provocar la reflexión.

 

H- Esperemos que esta noche alguien vuelva a su casa con la cabeza clavada.

 

Risas a dúo

 

H- El teatro Flotant es festivo, jovial, gozoso, hedonista... Inferimos que la música, las canciones, y el sonido juegan un papel protagonista en vuestras obras...

 

 JM- Depende de cada trabajo, pero en general es algo muy importante. La música o ambientación sonora tiene esa capacidad especial de trasladarte a algún lugar físico y/o emocional. En nuestro último trabajo (Acampada y Las 7 diferencias), la ambientación sonora ha adquirido mucha importancia para a la creación de espacios. En Ejercicios de amor, por ejemplo, es muy importante la música y el canto en directo porque acentúa y refuerza esa sensación de celebración real. Y en El hijo que quiero tener la música es un acompañante indispensable en la acción de los intérpretes. Por un lado, refuerza el componente lúdico del espectáculo y por otro lado nos lleva a un lugar emocional muy sensible.

 

H- Ya dijo el clásico… La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro encendido entusiasmo por el teatro… Mas decidme, qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en Flotant, en estos momentos de vuestra carrera...

 

JM- (Sonrisas)… El teatro es un lugar de encuentro, un espacio comunicativo físico, no virtual. Es un espacio donde pueden fluir las ideas y las emociones. Es un lugar donde se crean relaciones entre las diferentes personas que pasan por allí: desde sus técnicos y equipos artísticos, pasando por el personal de sala, la dirección artística y los espectadores. A veces estas relaciones son efímeras y se evaporan pocas horas o días después de la función. Otras veces perduran toda la vida. Algunas veces percibo claramente el teatro como un lugar con infinitas posibilidades, un espacio donde se puede escribir en el aire, donde se puede parar el tiempo, materializar un recuerdo, una emoción… El teatro puede ser una gran lupa, un gran espejo, un pozo sin fondo… el teatro puede ser cualquier cosa, puede tener cualquier forma: una conferencia, una fiesta, un puñado de anécdotas bien ordenadas, una lectura, un concierto… el teatro puede ser cualquier cosa que pase en un tiempo y espacio compartido donde seguramente pasarán muchas más cosas de las que podamos imaginar jamás.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

 

H- Celebramos vuestra llegada al Canal… en este escenario os requiero qué rol representan o deben representar los teatros públicos en la divulgación de este arte...

 

JM – En los teatros públicos tiene que haber espacios para todo tipo de propuestas escénicas. Como profesionales debemos tener el derecho y asumir la responsabilidad de trabajar en ellos. Y como espectadores, deseamos una programación diversa, ecléctica y rica donde poder elegir y seguir nutriéndonos.

 

H- Deseamos que vuestros sueños se hagan realidad...

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Los recortes que están desmontando nuestra sociedad del bien-ser-estar, llegan como hachazos a la cultura… Son muchos los proyectos que mueren en el intento... por eso se piden subvenciones… mecenazgos... otros dicen no.... Os sugiero terciar en la polémica... por si alguien toma nota...

 

JM- (Sonrisas)… Si concebimos el teatro y la cultura en general como cualquier otro producto producido para ser económicamente rentable entonces estaremos abocados a un teatro que se genere siguiendo unos parámetros basados en estudios de mercado. El teatro y la cultura en general son parte de la identidad de una comunidad, de un pueblo, de un país. Y eso no puede quedar jamás en manos del mercado. Hay sectores en los que la inversión no se puede medir según los beneficios económicos. La cultura es rentable porque es necesaria para una sociedad sana, reflexiva, crítica, sensible, como lo es la educación y la sanidad, entre otras muchas cosas. 

 

H- El teatro es un instrumento para la educación del país… que dijo el clásico…

 

Risas a dúo

 

H- Nos duele la precariedad… nos preguntamos si será que los políticos odian el teatro…

 

JM – (Risas)… Ya te estás poniendo dramático, Hamlet… No creo que las mujeres y los hombres que se dedican a la política en este país odien el teatro. Seguramente a muchos les guste. A otros les resultará indiferente, seguro. Y otros preferirán la caza… Supongo que no depende del gusto de los políticos, sino de la rentabilidad política que aporte.

 

H- Ya dijo el clásico...  que siempre merece hacer una pregunta

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido a los ya entregados…Para los que se resisten al teatro… Podríais mi Señor, contagiar un poco de vuestro fervor, frenesí por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir vuestra Fiesta Teatral…

 

JM – (Sonrisas)… Cuando empezamos a hablar sobre un futuro proyecto NUNCA sabemos cómo será. Ni siquiera quiénes serán todos sus intérpretes, ni la implicación del espectador, ni el tipo de espacio, de formato… Esto provoca grandes incertidumbres, pero también grandes sorpresas. Tenemos una ley no escrita: TODO VALE. Con esta libertad siempre acabamos sorprendiéndonos a nosotros mismos de los resultados. Intentamos hacer un teatro honesto, sin máscaras, que nos haga disfrutar, que nos emocione y que nos haga reflexionar a lo largo de todo el proceso creativo y, por supuesto, en el resultado final. Y si nos pasa a nosotros, estamos seguros de que también le ocurrirá al público. (Risas)… Uff, menudas expectativas acabo de crear…

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- Mi Señor, ha sido un placer, esta charla humana y teatral… Espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

JM- (Sonrisas)… El placer es mío y de mis compañeros. Ellos son una especie de espectro que me acompaña allá donde voy. Ojalá, que nos encontremos pronto sobre las tablas. Señal será de que seguimos vivos.

 

SE FUNDEN EN UN AMOROSO ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE

 

EJERCICIOS DE AMOR

Pont Flotant

 

Creación e interpretación:
Àlex Cantó
Jesús Muñoz
Joan Collado
Pau Pons

Iluminación:
Àlex Cantó

Marc Gonzalo

Escenografía:
Santi Montón

 

https://pontflotant.es - https://www.teatroscanal.com

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON MARÍA SAN MIGUEL SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

WASTED, UN MUNDO DE EMOCIONES, POESÍA Y MÚSICA, CONTADO POR MUJERES

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Si Hamlet resiste en nuestras cabezas y corazones, es porque sus dudas también son las nuestras. Si tuviera que llevarlo a escena ahora, lo haría tratando de profundizar en las contradicciones que muestran todos los personajes.

  • La única voz clásica, el único relato que conocemos es el de los hombres y, sin embargo, ha habido muchísimas mujeres que han escrito y aportado otros puntos de vista que se merecen ser conocidos desde que el mundo es mundo.

  • Wasted es un espectáculo diferente a todo lo que se puede ver ahora en la escena madrileña. Es una dramaturgia llena de poesía y belleza en sus palabras. Los ritmos de escritura de Kate Tempest determinan la atmósfera, el momento del viaje emocional del personaje y también la conexión crítica con la realidad que describe.

  • Un espectáculo que ha sido creado y construido en su mayoría por mujeres. Y eso, aún hoy, es un milagro.  Así que espero que se encuentren con un espectáculo diferente que se suma al relato y a la creación de nuevos referentes que muchas mujeres estamos luchando por llevar adelante.

  • Creo que el público va a verse reflejado en muchas de las palabras que llenarán el escenario y, ojalá, haya otras, que les provoquen un despertar que modifique, aunque sea un poquito, su relación con el mundo de los afectos y también con su posición respecto al sistema neoliberal.

  • Quienes apuestan por recortar en educación y cultura están interesados en crear una ciudadanía que no piense, que no se cuestione nada y que no reivindique una sociedad más justa y con más derechos sociales.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Señora María San Miguel…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  ¿Cómo veis a este príncipe danés, creéis que su fama es merecida?  

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Claro que su fama es merecida, si no lo fuera, no hubiera aguantado el paso de los años. Si Hamlet resiste en nuestras cabezas y corazones, es porque sus dudas también son las nuestras.

 

H- Mi cerebro tararea con retazos de poesía y locura.

 

Risas a dúo

 

H- En estos días en los que el reino huele a podrido…  ¿no creéis mi señora, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias?

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas). Sí. Hamlet tiene muchas reflexiones sobre todas las grietas del sistema y la complejidad del ser humano que siguen estando en el centro.

Si tuviera que llevarlo a escena ahora, lo haría como siempre, teniendo muy en cuenta el presente sociopolítico y tratando de profundizar en las contradicciones que muestran todos los personajes.

 

H- Como espectador nos agrada… Celebramos un teatro que nos turbe y agite…

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra reputación sube como la espuma, pero con los pies bien asentados… aun así, perdonadme la osadía, pero os planteo… no habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos...

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Risas)… No siento envidia por nadie. Admiración, sí.

Para mí, supongo que prácticamente para cualquier creadora o creador de cualquier disciplina artística, Shakespeare es un referente de complejidad, musicalidad, brillo, universalidad… Tuvo la capacidad de analizar y plasmar el comportamiento del ser humano en diferentes terrenos de la vida: la política, los afectos, el poder… Hay que leerlo y revisitarlo de vez en cuando.

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de las mujeres.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. ¿Creéis mi Señora qué en estos momentos, es bueno que volvamos la vista hacia atrás, para aprender de nuestros clásicos?

 

MARÍA SAN MIGUEL- Creo que siempre hay que tener presentes los clásicos, porque por algo se han mantenido vivos tantísimos años. Pero hay que ejercer una revisión crítica. La única voz clásica, el único relato que conocemos es el de los hombres y, sin embargo, ha habido muchísimas mujeres que han escrito y aportado otros puntos de vista que se merecen ser conocidos desde que el mundo es mundo.

 

H- Como dijo nuestra gran clásica y feminista… Si nos dieran libros y preceptores, fuéramos tan aptas para los puestos y para las cátedras como los hombres y quizá más agudas...

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos descubrís Wasted, el universo de Kate Tempest... Una poeta-rapera que confiesa su amor por William...  Contadnos cómo surgió este montaje… y por qué caísteis en la tentación… aunque no hagan falta excusas…

 

MARÍA SAN MIGUEL- El proyecto nace de una idea de Javier Amman y Nakarey, que además de productores, forman parte del elenco.

Establecen un diálogo con estudiantes de 1º de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid. Esa conversación, mantenida durante todo el curso 2018/2019 por el carácter y empeño de la profesora Atxu Ammán, que apuesta por el diálogo constante entre la arquitectura y otras disciplinas artísticas, dio como fruto cinco propuestas de espacios arquitecto-escenográficos creados al servicio de una futura puesta en escena.

Javier y Nakarey, asesorados por Atxu, escogieron uno de ellos y es en ese momento cuando me proponen el encargo de dirección.

A mí me parecía muy interesante el punto de partida, el cruce con otras disciplinas.

Me pareció una oportunidad enorme de aprendizaje el tener esta excusa maravillosa para adentrarme en el universo musical y estético de Kate Tempest.

 

H- Ya dijo la clásica… valga la experiencia de nuestras historias y veremos, por ellas, lo que hicieron las mujeres que trataron de buenas letras.

 

Risas a dúo

 

H- Kate Tempest nos habla de la angustia, las dudas ante la vida, el amor, la locura… Nos suenan familiares la desilusión, los dilemas… Mas contadme… que ya nos asfixia el ansia… ¿qué se van a encontrar los espectadores…?

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Van a encontrarse con un espectáculo que ha sido creado y construido en su mayoría por mujeres. El equipo artístico y técnico está liderado por mujeres. Y eso, aún hoy, es un milagro.

Las mujeres feministas tenemos otras formas de contar, de mostrar las vulnerabilidades, los afectos, los cuerpos… Así que espero que se encuentren con un espectáculo diferente que se suma al relato y a la creación de nuevos referentes que muchas mujeres estamos luchando por llevar adelante.

 

H- Como dijo la clásica… Una feminista es cualquier mujer que dice la verdad sobre su vida.

 

Risas a dúo

 

H- Dirigís a todo un elenco de actores que han encarnado la poesía, las reflexiones de los personajes… Me cuestiono (ya conocéis nuestras tendencias) … si para lograrlo habéis recurrido al látigo, o ponéis sentido común con mano izquierda…

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Risas)… Me considero una persona dialogante que crea en equipo. Para mí no tiene sentido llegar y decir al elenco lo que tiene que hacer. El teatro que me interesa es el que los componentes de la compañía experimentan juntos y aportan diversidad y puntos de vista. Obviamente, como directora tienes que liderar el proceso y tratar de marcar un camino claro que seguir. El objetivo es lograr compartir ese camino y que el elenco (y el resto del equipo artístico) pueda construirlo conjuntamente. Estoy muy bien acompañada por Alba Muñoz, mi ayudante de dirección, que siempre me aporta un nuevo punto de vista ante cualquier propuesta y cuestión que pueda surgir.

Obviamente, en un proceso de ensayos siempre hay momentos tensos. Es inevitable porque jugamos con un material muy delicado, que son nuestros cuerpos y, sobre todo, nuestras emociones. Pero siempre se superan con diálogo, empatía y escucha.

 

H- Sea como fuere lo que pienses, es mejor decirlo con buenas palabras

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que, como directora, habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia… Mas nos corroe la curiosidad, os lo ruego, ¿podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Es un proyecto especial porque, como os comentaba, nace de una conversación muy potente y que se alarga un curso entero con la Escuela de Arquitectura. Nuestra escenografía es una instalación artística que por sí sola provocará ideas y emociones al público.

Quienes vengan a la sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez se va a encontrar, además, con tres personajes que muestran sus contradicciones, que podrían ser las de cualquiera. Que se relacionan con el espacio, la música y las palabras constantemente.

Creo que el público va a verse reflejado en muchas de las palabras que llenarán el escenario y, ojalá, haya otras, que les provoquen un despertar que modifique, aunque sea un poquito, su relación con el mundo de los afectos y también con su posición respecto al sistema neoliberal.

 

H- Cuanto más verdaderos sean los hechos, mejor será la ficción.

 

Risas a dúo

 

H- Hablamos de un proyecto nacido, acunado en la Facultad de Arquitectura… Deducimos... imaginamos que escenografía y vestuario conjuntarán con el relato… 

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Para mí no tendría sentido un espectáculo si no es así.

Almudena Vello, arquitecta y escenógrafa, ha llevado a la realidad la propuesta que las y los estudiantes de Arquitectura pensaron. Además, se encarga del vestuario. Está siendo una oportunidad muy hermosa compartir con ella todas las posibilidades infinitas que ofrece la escenografía.

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.


Risas a dúo

 

H- La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre los protagonistas…

 

MARÍA SAN MIGUEL- La iluminación va a ser muy especial, no solo por el viaje que realizan los personajes, lleno de luces y sombras, sino también por lo complejo que resulta iluminar una escenografía como la nuestra. Libe Aramburuzabala está al mando y estoy feliz y tranquila porque a Libe le fascinan las dificultades.

 

H- Cuanto más grande es la prueba, más glorioso es el triunfo.

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que Kate Tempest se recrea en el ritmo de la música, de sus palabras, de su poesia…   Por eso presumimos, que la música y el sonido juegan un papel protagonista, en esta obra...

 

 MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Un papel muy protagonista por dos cuestiones centrales. La dramaturgia pertenece a una poeta que trabaja desde la musicalidad de las palabras. Los ritmos de escritura de Kate Tempest en Wasted no son casuales: determinan la atmósfera, el momento del viaje emocional del personaje y también la conexión crítica con la realidad que describe. Además, hay cinco momentos de coro que están pensados por la autora para ser trabajados desde la spoken word, algo que ella domina increíblemente.

Además, el espacio sonoro lo está creando Zeltia Montes, una excelente compositora que trabaja con los elementos del espacio que configura el espectáculo y con las voces de los actores y la actriz. La música de Zeltia será un personaje muy especial de nuestro espectáculo que removerá al público y generará ambientes muy especiales.

 

H- Ya dijo el clásico… La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía.

 

Risas a dúo

 

H- ¿Cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público?

 

MARÍA SAN MIGUEL- Libre.

 

H- Las sentencias cortas se derivan de una gran experiencia.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro entusiasmo por el teatro…Mas os inquiero ¿qué es para vos este Arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera?

 

MARÍA SAN MIGUEL- Para mí el arte está estrechamente ligado a la libertad. En nuestro país, normalmente creamos en un contexto de precariedad brutal. La precariedad limita nuestra libertad creativa, ideológica, vital…

Ahora estoy en un momento de mi carrera en el que he asumido lo que supone el ejercicio de esa libertad deliberada, en la que creo y por la que lucho desde la escena y también desde las opciones de vida que elijo llevar (marcada poderosamente por la precariedad).

Me ha costado convivir con todas las contradicciones y miedos que me genera la asunción de esa verdadera libertad, pero me siento mucho más feliz que hace unos años.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

 

H- Coincidimos mi señora… No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Los recortes que están desmontando nuestra sociedad del bien-ser-estar, llegan como hachazos a la cultura… Son muchos los proyectos que mueren en el intento... por eso se piden subvenciones… mecenazgos... otros dicen no.... Os sugiero terciar en la polémica… por si alguien toma nota...

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… La cultura es la base de un país. La cultura genera una ciudadanía libre, diversa y plural.

Quienes apuestan por recortar en educación y cultura y quienes mantienen después esos recortes están interesados en crear una ciudadanía que no piense, que no se cuestione nada y que no reivindique una sociedad más justa y con más derechos sociales.

Todo este discurso contra los de las subvenciones demuestra quienes se quieren mover a través del autoritarismo a sus anchas, quienes tienen intereses en construir una sociedad cada vez más pobre y menos libre.

 

H- No he de callar… por más que amenaces miedo…

 

Risas a dúo

 

H- Como a vos mi señora, nos duele la precariedad… a veces nos preguntamos si será que los políticos odian el Teatro…

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Generalizar es un error. No creo que los políticos odien el teatro. Habrá políticos más incultos, otros más perversos y otros que amen el teatro.

De hecho, hay muchas personas que se dedican a la política que creen en una sociedad diversa, solidaria y justa y que creen en la cultura (y por supuesto el teatro) como una de las bases generadoras de ese tipo de sociedad.

 

H- Nos agrada vuestra conclusión optimista… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…

 

Risas a dúo

 

H- Festejamos vuestra llegada al Fernán Gómez… En este escenario os requiero, qué rol representan o deben representar los teatros públicos en la divulgación de este Arte...

 

MARÍA SAN MIGUEL- Los teatros públicos deberían albergar a todo tipo de creadoras y creadores. Deberían hacer una apuesta por la libertad que no estuviera marcada por la ideología de quien gobierna en ese momento.

 

H- Ya dijo la clásica… No hay barrera, cerradura ni cerrojo que puedas imponer a la libertad de mi mente

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro…. Podríais mi Señora, contagiar un poco de vuestro fervor, frenesí por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir WASTED…

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Wasted es un espectáculo complejo y diferente a todo lo que se puede ver ahora en la escena madrileña. Es una dramaturgia llena de poesía y belleza en sus palabras y el viaje que realizan los personajes tiene un montón de capas. Realiza una crítica brutal al sistema neoliberalista y a la violencia estructural que este genera. La música de Kate Tempest, sus poemas, su novela, autores como Italo Calvino, Zygmunt Bauman, Jorge Moruno y Remedios Zafra nos acompañan en la sala de ensayos.

Es un proyecto liderado por mujeres que apuesta de manera decidida por el diálogo y las posibilidades que generan los afectos, la escucha y el diálogo, que son revolucionarios.

Todo esto enmarcado en una instalación artística que evolucionará con los personajes, lo sonoro y la luz.

 

H- Brava, por la elocuencia… Con tales ingredientes ya se nos hace la boca agua…

 

Risas a dúo

 

H- Mi Señora, ha sido un placer, esta charla teatral… Espero que nos encontremos pronto sobre las Tablas... con el príncipe danés...

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Con o sin el príncipe, espero que nos sigamos encontrando. Muchas gracias, nos vemos en los teatros.

 

SE DESPIDEN CON UN VEHEMENTE ABRAZO. RESUENAN LAS RISAS DE WILLIAM Y KATE

 

 

WASTED

Autor de la obra: Kate Tempest

Dirección: María San Miguel  

Reparto: Mariano Estudillo, Javier Amann, Nakarey

Escenografía: Almudena Vello

Idea original escenografía: DAI2 - Facultad de Arquitectura Universidad Politécnica de Madrid.

Espacio sonoro: Zeltia Montes

Iluminación: Libe Aramburuzabala (La Cía de la Luz). 

Vestuario: Almudena Vello

Ayudante de dirección: Alba Muñoz 

Con la colaboración especial de BLACKPANDA.

Dirección de producción: Nakarey Fernández Sornes

Una producción de Abre Tu Mente Producciones Producciones en Crudo

https://www.teatrofernangomez.es

 

Titania  

 

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HAMLET CHARLA CON PACO GÁMEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A CONOCER, COMPARTIR SUS DESVENTURAS DE DESHEREDADO

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Inquilino que trata sobre las incertidumbres de hoy en día tiene muchas referencias a usted, querido Hamlet, por ese motivo. De hecho, un personaje se llama Ofelia como homenaje.

  • Van a encontrarse una comedia existencial, quizá…  La obra está llena de humor porque el personaje sigue luchando aun cuando todo está perdido, y de esa ingenuidad frente al absurdo surge algo tierno e irrisorio.

  • Llevo viendo teatro desde niño, desde el patio de butacas y desde el escenario… Para mí el teatro es una forma de vida y creo que estoy más cerca de los cómicos de la legua que de los autores que escriben en bibliotecas. Para mí el teatro es una forma de vida.

  • El teatro no es un divertimento sin más, si no que es un vehículo de aprendizaje y de cultura que coloca al hombre/mujer frente a sus grandes dudas, problemas y miedos. Es importante que se apoye a los creadores y que podamos vivir de esto.

  • Van a pasar un buen rato, van a reflexionar, se van a reír y les va a tocar la fibra sensible, van a identificarse con la historia o van a recordar a alguien en situaciones similares, van a hacerme feliz acompañándome.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sr. Paco Gámez…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… creéis, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias hoy en día...

 

PACO GÁMEZ- Totalmente. Inquilino, que trata sobre las incertidumbres de hoy en día, tiene muchas referencias a usted, querido Hamlet, por ese motivo. De hecho, un personaje se llama Ofelia como homenaje.

 

H- Nos agrada, y agradecemos el homenaje…

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra reputación sube como la espuma, pero con los pies bien asentados… aun así, perdonadme la osadía, ¿no habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos?

 

PG- (Risas)… No soy envidioso, pero soy admirador ardoroso. Estudié Filología Inglesa y lo leí en inglés; y en interpretación, he trabajado varias escenas suyas. Es un maestro.

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de los hombres.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. ¿Creéis mi Señor qué, en estos momentos, es bueno que volvamos la vista hacia atrás, para aprender de nuestros clásicos?

 

PG- Los clásicos siempre están presentes, sí. Yo vuelvo a los clásicos una y otra vez y mis textos siempre dialogan con otros anteriores que resuenan como ecos. En Inquilino dialogo con Hamlet y con la Numancia de Cervantes; en El suelo que sostiene, a Hande con Antígona, con Müller, con Valle; en Chapman con Macbeth… y así sin parar.

 

H- A riesgo de sonar zalamero, admito que volvemos a coincidir… Todo está en los clásicos…

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente en estos días en los que el reino huele a podrido… nos traéis al CDN [Centro Dramático Nacional] Inquilino (Numancia 9, 2º A) Donde rememoráis vuestra experiencia como   expulsado, desterrado… Contadnos cómo ha surgido este proyecto…  aunque no hagan falta excusas para hablar de los problemas que afectan a toda una generación de jóvenes…

 

PG- (Sonrisas)… Vivía en un piso diminuto en Chamberí y me subieron el alquiler un 75%. Mientras hacía cajas y buscaba en Idealista sin mucho éxito empecé a imaginar esta historia.

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…  

 

Risas a dúo

 

H- Nos invitáis a conocer de cerca vuestra vivencia como desheredado de esta sociedad cada vez más desigual… Nos suenan familiares esas dudas, esas zozobras… Todos soñábamos con una sociedad mejor… Más decidme, que nos corroe la curiosidad… ¿qué se van a encontrar los espectadores?

 

PG- Van a encontrarse una comedia existencial, quizá… (Risas)…  La obra está llena de humor porque el personaje sigue luchando aun cuando todo está perdido, y de esa ingenuidad frente al absurdo surge algo tierno e irrisorio. También van a encontrarse una puesta en escena muy sugerente y no ilustrativa, un montaje muy cuidado y hermoso, ya que he contado con la ayuda de dos directoras brillantes (Eva Redondo y Judith Pujol), un iluminador increíble (Picazo), una escenógrafa que ha hecho un espacio instalativo lleno de posibilidades (Xesca Salvà), y un espacio sonoro (Fernando Epelde) y una vídeocreación (M.A. Raió) genuinas y muy gamberras. Van a encontrarme a mí contando mi historia en primera persona. Creo va a valer la pena.

 

H- Cuanto más grande es la prueba, más glorioso es el triunfo.

 

Risas a dúo

 

H- Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, ¿creéis que es más fácil que los mensajes… lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

PG- Creemos que el humor es una herramienta muy útil, y la gente que está visitando la sala ríe, pero no pierde de vista la dureza del asunto. Molière sabía lo que decía.

 

H- Esperemos que vuelvan a casa con la cabeza clavada...

 

Risas a dúo

 

H- Sois autor, director, actor protagonista… perdonadme la impertinencia, pero os planteo si lo hacéis para no discutir con nadie en los ensayos…

 

PG- (Risas)… Codirijo con dos grandes directoras y discutimos a veces. No estoy solo en la sala de ensayo, estoy acompañado del equipo artístico del que te he hablado y de mucho personal del CDN que están haciendo que el viaje sea gozoso y que están enriqueciendo mucho la propuesta.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que, como director, habréis buscado la mejor forma de narrarnos esta experiencia personal… como ya nos ahoga el ansia, os lo ruego… ¿podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

PG- (Risas)… No es ilustrativa de lo que se narra diré. Es muy sugerente y plástica. Hay un componente audiovisual importante que nunca tapa lo teatral, pero sí que aporta dinamismo. Estoy muy acompañado de sonidos y voces. Qué ganas de que lo veáis.

 

H- Tales ingredientes, despiertan nuestro apetito...

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntan, arropan el relato…

 

PG- De las dos se encarga Xesca Salvá y mientras el vestuario es cotidiano, el espacio es abstracto. Es una sala pequeña y con una arquitectura muy concreta y hemos optado por dejar la sala muy desnuda. La escenografía de Xesca es aparentemente sencilla, pero va desplegando opciones. Estoy muy contento con el espacio y no tiene nada que ver con la casa de la que hablo en el texto.

 

H- La Iluminación suponemos que también arrojará luz sobre los dilemas de los protagonistas…

 

PG- La iluminación es una joya. Picazo tiene una sensibilidad increíble y hace que todo resalte de una manera especial. Desde lo más frío a lo más mágico.

 

H- Como dijo el clásico, la música compone los ánimos descompuestos… Por eso os demando, decidme… ¿qué papel juega la música en esta obra?

 

PG- (Risas)… Hay música, hay temazos y hay espacio sonoro. Fernando Epelde ha estado en casi todos los ensayos generando material. Yo admiraba la dramaturgia de Fernando desde hace años. Había visto sus trabajos como autor y músico con la compañía Voadora. Sabía que era un acierto, pero no imaginaba lo currante que es. Para quitarse el sombrero.

 

H- Nos sumamos al saludo… Larga y próspera vida a estos artistas...

 

Risas a dúo

 

H- Ha quedado probada vuestra facilidad para conectar con los jóvenes espectadores… Puesto que parecéis conocer el secreto del éxito… contadme... ¿cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público?

 

PG- (Risas)… Creo que hay tantas opciones como espectadores y creadores. Me interesa el mundo de la infancia y de la juventud. Ahora estoy trabajando con LaJoven y me encanta.

 

H- Os felicito y aplaudo por sembrar la semilla del amor teatral, entre los nuevos espectadores...

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro entusiasmo por el teatro… Mas os inquiero… ¿qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera?

 

PG- Llevo viendo teatro desde niño, desde el patio de butacas y desde el escenario porque mi hermana mayor tiene y tenía su propia compañía. Para mí el teatro es una forma de vida y creo que estoy más cerca de los cómicos de la legua que de los autores que escriben en bibliotecas... Para mí el teatro es una forma de vida.

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Los recortes que están desmontando nuestra sociedad del bien-ser-estar, llegan como hachazos a la cultura...

Son muchos los proyectos que mueren en el intento... por eso se piden subvenciones… mecenazgos... otros dicen no....  Os sugiero terciar en la polémica… por si alguien toma nota....

 

PG-(Risas)…  Justo ahora estoy en un momento dulce porque tengo varios proyectos entre manos. Pero he pasado mucho tiempo trabajando en otras cosas para poder subsistir. El país debe comprender que el teatro no es un divertimento sin más, si no que es un vehículo de aprendizaje y de cultura que coloca al hombre/mujer frente a sus grandes dudas, problemas y miedos. Es importante que se apoye a los creadores y que podamos vivir de esto.

 

H- Nos alegra vuestra conclusión optimista… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…

 

Risas a dúo

 

H- Nos duele ver el desprecio, la falta de interés, la precariedad que sufren los teatreros… Me cuestiono si será que los que nos gobiernan odian la cultura….

 

PG- (Sonrisas)… Un país sin cultura es un país dormido, tonto, sin perspectiva. Para muchos que el país sea así es beneficioso.

 

H- Lee y conducirás, no leas y serás conducido…

 

Risas a dúo

 

H- Presentáis a vuestro Inquilino en el Teatro María Guerrero, en este escenario, os requiero, qué rol representan, o deben representar los Teatros Públicos…

 

PG- Si no hubiera contado con esta producción, con este apoyo este montaje no existiría, yo no podría haber pagado al equipo como cuento. Para mí es una gran oportunidad y no puedo estar más agradecido. También tiene mucha visibilidad. Estoy muy feliz. Espero que con la nueva dirección se apoyen a muchos directores, autores, intérpretes y creadores nuevos que intentan abrirse camino.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro… Podríais mi Señor contagiar un poco de vuestro fervor, frenesí, para que los lectores se animen a asistir a la fiesta teatral de Inquilino (Numancia 9, 2º A)

 

PG- (Risas)… Van a pasar un buen rato, van a reflexionar, se van a reír y les va a tocar la fibra sensible, van a identificarse con la historia o van a recordar a alguien en situaciones similares, van a hacerme feliz acompañándome….

 

H- Os doy mi palabra… Nos satisface un teatro que nos turbe y agite...

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sr. Paco Gámez, tengo que declarar que ha sido un honor esta charla humana y teatral…

 

PG- El honor es mío, estimado Hamlet. Puede usted firmarme un autógrafo, por favor.

 

 

SE FUNDEN EN UN FOGOSO ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE

 

INQUILINO (NUMANCIA 9, 2º A)

De Paco Gámez

Dirección Paco Gámez, Judith Pujol y Eva Redondo

 

Reparto: Paco Gámez.

Voces en off: Trinidad Blánquez, Fernando Epelde, Lucía Menéndez Iglesias, Judith Pujol, Miquel Àngel Raió, Eva Redondo y Mikele Urroz.

 

Equipo artístico:

Paco Gámez (Texto); Paco Gámez, Judith Pujol y Eva Redondo (Dirección); Xesca Salvá (Escenografía y Vestuario); David Picazo (Iluminación); Fernando Epelde (Espacio Sonoro); Miguel Àngel Raió (Videocreación).

 

Producción Centro Dramático Nacional.

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON JOSÉ MARÍA ESBEC SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

PONE EL PRISMA SOBRE EL PLANETA, NUESTRAS CRISIS PERSONALES Y POLÍTICAS

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Vivimos en un mundo adocenado que parece no permitirnos pensar ni generar incertidumbres. Creo que Hamlet, no obstante, goza del privilegio de ser un personaje universal, que forma parte de un vasto imaginario colectivo, por lo que caben numerosas propuestas.

  • Macmillan arroja luz sobre la crisis existencial de toda una generación y que esta está asida a una crisis planetaria. A su vez esta crisis del planeta es el resultado o el impacto de una serie de nefastas políticas que poco o nada nos favorecen…

  • Pulmones es la historia de una pareja que se desestabiliza por la inquietud que les genera tener un bebé al plantearse el impacto medioambiental que puede suponer.  El texto nos viene a decir cómo se puede ser coherente con nuestras propias ideas en un mundo que no lo permite, pues todo está marcado o preestablecido.

  • Se trata de un texto complejo con una temporalidad vertiginosa pues como el propio autor dice “es una conversación que dura toda una vida”. Por lo que los vértices temporales transcurren a toda velocidad y llenos de elipsis, lo que despista bastante a los actores. Pero hemos conversado mucho, y seguimos trabajando para mejorar cada día.

  • Creo que la asistencia al teatro debe partir de una suspicacia que se genere en el público. Y Pulmones las tiene todas. Es un texto de tremenda actualidad, en el que el espectador de hoy en día, seguro, se ve reflejado.

 

 HAMLET- Cuánto nos complace este reencuentro mi Sr. José María Esbec…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  ¿creéis mi señor, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias hoy en día?

 

JOSÉ MARÍA ESBEC- A mí también me complace este encuentro, querido… En cuanto a tu pregunta, me parece que las puede presentar, además de representarlas. Vivimos en un mundo adocenado que parece no permitirnos pensar ni generar incertidumbres. La verdad es que he pensado en montarla tantas veces y tan distintas… (Risas)… Depende del momento en que me encuentre, lo pienso de un modo diferente. Creo que, no obstante, goza del privilegio de ser un personaje universal, que forma parte de un vasto imaginario colectivo, por lo que caben numerosas propuestas.

 

H- Ya dijo el clásico, que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir, y algo debe ocurrir…

 

Risas a dúo

 

HAMLET- Vuestra reputación sube como la espuma, pero con los pies bien asentados… Aun así, perdonadme la osadía, ¿no habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos?

 

JME- ¡Y en su cabeza y en su pluma! 

 

H- Aplaudo el homenaje...

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. ¿Creéis mi Señor qué en estos momentos, es bueno que volvamos la vista hacia atrás, para aprender de nuestros clásicos?

 

JME- Creo que los clásicos siempre tienen una lectura para tu nuestro contexto, de ahí que sigan formando parte de nuestro patrimonio. Yo recurro con frecuencia a ellos, y dan buena cuenta de que el hombre, ese gran misterio por resolver, no cambia tanto…

 

H- El que lee mucho y anda mucho, ve mucho y sabe mucho.  

 

Risas a dúo

 

H- En estos días en los que el reino (y el planeta) huele a podrido… nos traéis al CDN Pulmones de Duncan Macmillan Contadnos que nos corroe la curiosidad… por qué habéis caído en la tentación de hablar de la crisis del planeta… aunque no os faltan excusas…

 

JME- (Sonrisas)… Creo que Macmillan arroja luz sobre la crisis existencial de toda una generación y que esta está asida a una crisis planetaria. A su vez esta crisis del planeta es el resultado o el impacto de una serie de nefastas políticas que poco o nada nos favorecen… Algo huele a podrido en Dinamarca, ya nos lo adelantaste…

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Nos invitáis a conocer los entresijos de una pareja que intenta construir su amor, su vínculo, superar sus contradicciones, sus conflictos, sus crisis... en un mundo en crisis, que parece condenado… nos suenan familiares esos dilemas, esas zozobras… Más decidme, que nos corroe la curiosidad… ¿qué se van a encontrar los espectadores?

 

JME- Pulmones es la historia de una pareja que se desestabiliza por la inquietud que les genera tener un bebé al plantearse el impacto medioambiental que puede suponer.  Asimismo, es un reflejo de todas las contradicciones que tiene cada una de las decisiones que toman. El texto nos viene a decir cómo se puede ser coherente con nuestras propias ideas en un mundo que no lo permite, pues todo está marcado o preestablecido.

 

 H- Vale más hacer y arrepentirse, que no hacer y arrepentirse…

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que Macmillan dibuja sus diálogos con toques de humor… Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, ¿creéis que es más fácil que los mensajes lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

JME- Podemos encontrar en la pieza de Macmillan algunas dosis de humor, en efecto. Esto hace que el espectador se identifique a través de la simpatía y no a través de la empatía –aunque también– y reconozca situaciones del texto como propias. El humor es una virtud muy sana.

 

H- Ya dijo el clásico que para reírse hace falta inteligencia.

 

Risas a dúo

 

H- Este viaje vital, existencial, está narrado a través de la conversación de un hombre y una mujer que se cuestionan su relación, sus decisiones… por lo que todo el peso de la función recae sobre los dos actores que prestan su sangre y carne a la pareja protagonista… Os interpelo (ya conocéis nuestras tendencias) … si para lograrlo habéis recurrido al látigo, o ponéis sentido común con mano izquierda…

 

JME- Bueno, el proceso ha sido duro… (Risas)... Se trata de un texto complejo con una temporalidad vertiginosa pues como el propio autor dice “es una conversación que dura toda una vida”. Por lo que los vértices temporales transcurren a toda velocidad y llenos de elipsis, lo que despista bastante a los actores. Pero hemos conversado mucho, y hemos –y seguimos– trabajando para mejorar cada día. Siempre, siempre, sentido común…

 

H- Sea como fuere lo que pienses, creo que es mejor decirlo con buenas palabras.

 

Risas a dúo

 

H- Como director, habréis buscado la mejor forma de acercarnos el periplo de este hombre y esta mujer…  para representar la rápida y rítmica sucesión de diálogos, situaciones, escenas… Como ya nos asfixia ansia, os lo suplico...  avanzadnos detalles de la puesta en escena...

 

JME- La puesta en escena está orientada a las convenciones y al juego y procuro que sea lo menos ilustrativa posible para no desmerecer nunca el gran dispositivo dramatúrgico que propone nuestro autor. Trato de dar sentido a las vertiginosas vidas con los elementos escénicos y, a su vez, procuro amparar de forma poética toda la crisis planetaria. Pero ya lo veréis, Hamlet, espero veros por ahí que juzguéis vos mismo.

 

H- Os doy mi palabra… nos puede la impaciencia...

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntan, y arropan el relato… con guiños a la filosofía de vida de la pareja protagonista.

 

JME- Así es… La forma de presentar a los personajes se acerca bastante a la de los jóvenes que los presentan. Y digo presentan porque, aunque exista personaje teatral, hemos intentado acercar las circunstancias y los contextos de los mismos a las de los actores. De hecho, se llaman por las iniciales de los propios actores: Z y A. Creo que hay un intento, también por parte del autor, de incidir en la universalidad de la obra.

 

H- Ya nos ahoga el desasosiego...  La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre los dilemas de los protagonistas…

 

JME- La iluminación está fundamentada más en la variación de los estados psicofísicos de los personajes que en la ilustración de los vértices espacio-temporales. Seguimos el criterio de no ilustrar puesto que desde el texto se entiende todo…

 

H- Deducimos que la música envuelve los ánimos y ánimas de los personajes...

 

JME- (Sonrisas)… También está vinculada a los estados emocionales… Hemos pensado, puesto que el personaje masculino es músico, que podía ser una playlist suya…

 

H- La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía...

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra debilidad por los clásicos ha quedado probada… Y vuestra facilidad para conectar con el público, también… Por eso os planteo… ¿cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público?

 

JME- (Risas)… ¡Qué difícil pregunta! La verdad es que no lo sé… Ni siquiera estoy seguro de lo que hago muchas veces… Ni quiero estarlo. Desde luego, sé que el teatro no debe de ser el lugar de la certidumbre ni de las certezas. Eso es para otros…

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro fervor, frenesí por el teatro…Más os inquiero… ¿qué es para vos este Arte, y cómo lo vivís en estos momentos de vuestra carrera?

 

JME- (Risas)… Llevo tantos años haciendo teatro que he conseguido poner en almoneda todas las verdades que creía que encerraba. Pero he decidido quedarme aquí. Para mí es tan misterioso como el hombre y al ser este partícipe de forma directa en muchas –no todas– formas teatrales lo potencia aún más.

 

H- Para lograr éxito en cualquier asunto se necesita una cierta dosis de locura…

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Los recortes que están desmontando nuestra sociedad del bien-ser-estar, llegan como hachazos a la cultura...

Son muchos los proyectos que mueren en el intento... por eso se piden subvenciones… mecenazgos... otros dicen no....  Os sugiero terciar en la polémica… por si alguien toma nota...

 

JME- (Sonrisas)… Yo mismo he tenido que pagar por hacer teatro. El teatro es un arte holístico y para ello necesita el amparo del Estado. Se ha hecho mucho esfuerzo, en nuestro país desde los años 80, pero en Francia con Malraux mucho antes, que sirvió de modelo para que las políticas culturales llegasen a forman parte del Estado de Bienestar. Y decía recientemente en una entrevista un gran director europeo que sin el amparo público hoy no sería el artista que es, sino que formaría parte de otra profesión. El teatro necesita investigación, antes del proceso de explotación del producto, y en ese periodo que podemos llamar de pre-producción, el artista ha de ser amparado. Y hay que entender de una vez en este país que el teatro trasforma activos económicos en activos sociales, y que es necesario.

H- El teatro es un instrumento necesario para la educación del país, como dijo el clásico...

 

Risas a dúo

 

H- Nos duele ver el desprecio, la falta de interés, la precariedad que sufren los teatreros… Me cuestiono si será que los que nos gobiernan odian la cultura….

 

JME- Como dice el filósofo, la ignorancia del pueblo vale mucho dinero… En este caso, mucho “recorte” en la cultura…

 

H- Ningún legado es tan rico como la honestidad...

 

Risas a dúo

 

H- Estrenáis Pulmones en el Valle-Inclán, en este escenario, os requiero, qué rol representan, o deben representar los teatros públicos…

 

JME- El de amparar una cultura de calidad libre (en la producción y en la exhibición) y el de ser un lugar de diálogo para todos.

 

H- Lástima que los políticos no escuchen...

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro… Podríais mi Señor, contagiar un poco de vuestra pasión, para que los lectores se animen a descubrir Pulmones

 

JME- Creo que la asistencia al teatro debe partir de una suspicacia que se genere en el público. Y Pulmones las tiene todas. Es un texto de tremenda actualidad, en el que el espectador de hoy en día, seguro, se ve reflejado.

 

H- Aplaudo el presente…Nos agrada el teatro que agita y conmueve...

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sr. José María Esbec, ha sido un placer, esta charla humana y teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

JME- ¡Ojalá así sea! ¡Gracias, querido Hamlet!

 

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE

 

PULMONES

De: Duncan Macmillan

Traducción: María Caudevilla

Dirección: José María Esbec

 

Reparto (por orden alfabético)

Z: Zaida Alonso

A: Alberto Amarilla

 

Equipo artístico

Escenografía y vestuario: José María Esbec, Petros Lappas

Iluminación: Tomás Ezquerra

Diseño de vídeo: Miguel Álvarez G.

Ayudante de dirección: María Caudevilla

Fotografía: marcosGpunto

Diseño de cartel: Javier Jaén

Producción Centro Dramático Nacional.

 

https://cdn.mcu.es/temporada-actual/valle-inclan/

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON JOSE PADILLA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

CONSTRUYE UN SHYLOCK CARGADO DE PREGUNTAS QUE CUESTIONAN NUESTRAS CONTRADICCIONES

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Shakespeare ha vencido… Lo hemos puesto (a sabiendas) en tela de juicio y él ha salido vencedor. En un mundo eminentemente tecnológico, donde la información vuela, los clásicos nos siguen definiendo. Podrá cambiar la cáscara, pero lo de dentro... ¿Qué aprender de ellos? Lo falibles que somos, para empezar. Se nos olvida fácil.

  • Los espectadores se encontrarán un thriller judicial, una obra urdida en torno a un juicio en donde está en juego la vida de un hombre. Shakespeare te habilita para cuestionarte en muchos planos. La convivencia posible o no entre religiones, la convivencia de los afectos...  Preguntas de mucho calado.

  • Yo no puedo vivir sin la comedia, creo que es el género más redondo… Al Mercader se la consideró una comedia en sus inicios, de hecho, casi una parodia que señalaba precisamente a Shylock, al judío. Esto lo abordamos sin pudor en nuestra propuesta, y las respuestas, claro, quizá no son cómodas.

  • Hay un equipo fabuloso que invitan al público a una función quizá peculiar y seguro de su interés. Y, por supuesto, Shakespeare. Siempre Shakespeare.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sr. Jose Padilla...  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… ¿no creéis, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias hoy en día?

 

JOSE PADILLA- Buf, Hamlet... (risas)… Ese es un sueño al que, creo, todo director debe aspirar. No puedo responder a esa pregunta de inmediato porque no tiene fácil respuesta. Lo que sí haré es apuntármela en la agenda de mis retos como director.

 

H- Hacemos votos para que vuestros sueños se hagan realidad...

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos de vuestro intenso interés por nuestro padre… Aun así, perdonadme la osadía, os inquiero si ante un folio en blanco habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos...

 

JP- (Risas)… ¿Qué dramaturgo no ha sentido algo así? Es que da igual tu estilo o preferencias, uno sabe que Shakespeare lo hizo antes y, casi con total seguridad, mejor.

 

H- El que lee mucho y anda mucho, ve mucho y sabe mucho

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, turbulentos, tormentosos, de crisis financieras y humanas... Por eso os cuestiono, en estos momentos, qué podemos aprender de nuestros clásicos...

 

JP- Todo y más, nuestro montaje es prueba de ello. Carlos, nuestro director, lo dice mucho: Shakespeare ha vencido. Y así es, lo hemos puesto (a sabiendas) en tela de juicio y él ha salido vencedor. En un mundo eminentemente tecnológico, donde la información vuela, los clásicos nos siguen definiendo. Podrá cambiar la cáscara, pero lo de dentro... ¿Qué aprender de ellos? Lo falibles que somos, para empezar. Se nos olvida fácil.

 

H- A riesgo de sonar zalamero, admito que volvemos a coincidir… Todo está en los clásicos…

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos acercáis Mercaderes de Babel... Contadnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación de esta obra… aunque no hagan falta excusas para releer el original, Mercader de Venecia…

 

JP- Nace de la unión de dos creadores como Carlos Aladro y Javier Lara, a ellos se les une un auténtico portador del legado de la tradición inglesa teatral: Greg Hicks y, después, me invitan a mí.  Empezamos una labor de investigación a partir de diversos talleres, yo tuve la suerte de observar su trabajo y de dirigir también mis propuestas, la libertad era absoluta, responde mucho al espíritu de Carlos como director de escena y director de una institución como la Abadía: esto es una reunión de creadores escénicos, muchos más de los cuatro mencionados, que asumen riesgos y que se alejan del teatro como pieza de museo. Conecto mucho con esa propuesta de Carlos y les estoy muy agradecido a Javier y a él.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito

 

Risas a dúo

 

H- Vuestro Shylock está cargado con dilemas, cuestiones… bien sabéis lo mucho que nos ahogan la incertidumbre, la desazón… Contadme… ¿qué habéis descubierto de los personajes de Shakespeare al llevarlos a las tablas?…  ¿qué se van a encontrar en Babel… los espectadores de este siglo XXI…? 

 

JP- Los espectadores se encontrarán un thriller judicial, una obra urdida en torno a un juicio en donde está en juego la vida de un hombre. En este juicio se plantean dudas que apelan a nuestra tradición cultural, nos atañen a todos como sociedad más allá del hecho cultural. Shakespeare te habilita para cuestionarte en muchos planos. La convivencia posible o no entre religiones, la convivencia de los afectos...  Preguntas de mucho calado.

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones… 

 

Risas a dúo

 

H- El Mercader es en teoría, una comedia…. Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, ¿creéis que es más fácil que los dardos de la crítica, la ironía, lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

JP- Yo no puedo vivir sin la comedia, creo que es el género más redondo, el que los incluye a todos, pero no hemos incidido en este aspecto en nuestra propuesta (aunque, inevitablemente, la haya). Se la consideró una comedia en sus inicios, de hecho, casi una parodia que señalaba precisamente a Shylock, al judío. Esto lo abordamos sin pudor en nuestra propuesta, y las respuestas, claro, quizá no son cómodas.

 

H- Aplaudo el teatro que nos turba y agita

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

JP- Preciso y directo. Nada nuevo, por otra parte.

 

H- Nos agrada el presente

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestra pasión por el teatro… Mas os requiero...   cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera...

 

JP- (Risas)… No será gratuito que nos hayamos juntado los que nos hemos juntado en Mercaderes. Estamos en proceso de búsqueda, de replantear lo aprendido.

 

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Vos qué pediríais a los políticos… por si alguien toma nota…

 

JP- Sensatez. Con eso daría.

 

H- Lástima que no escuchen…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla … Para los que se resisten al teatro… Podríais contagiar un poco de vuestro entusiasmo, para que los lectores se animen a descubrir estos Mercaderes…

 

JP- Hay un equipo fabuloso que invitan al público a una función quizá peculiar y seguro de su interés. Y, por supuesto, Shakespeare. Siempre Shakespeare.

 

H- Acepto el consejo, y lo paso…

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sr. Padilla, ha sido un honor esta charla teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés…

 

JP- Ojalá sea pronto, sí

 

SE DESPIDEN CON UN APASIONADO ABRAZO. ENTRE BAMBLINAS RESUENAN LAS RISAS DE   SHAKESPERE

 

MERCADERES DE BABEL

Una creación a partir de El Mercader de Venecia, de William Shakespeare

Dirección: Carlos Aladro

Texto: Jose Padilla

 

Elenco

Greg Hicks

Javier Lara

Alba Enríquez

Natalia Huarte

Juan Blanco

Ramón Pujol

 

Espacio sonoro: Manu Solís

Iluminación: Pablo R. Seoane (Cía. de la Luz)

Espacio escénico y vestuario: Paula Castellano

 

https://www.teatroabadia.com

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON VANESSA MARTÍNEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIAJAR AL PASADO CON ORLANDO, A REFLEXIONAR SOBRE ROLES, EN EL PRESENTE

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

 

  • Lo más interesante de Hamlet es el dilema moral… Es una “rara avis” entre los gobernantes, porque ni en la época de Shakespeare ni en la actual suelen tener dilemas morales de ningún tipo, venden su alma al diablo al primer golpe de escaño…

  • Los abusos de poder, la hipocresía, la indolencia de los tiranos, el sufrimiento de muchos para el beneficio de pocos… todo eso se repite. Representar a los clásicos es hacer una pequeña contribución a la ley de memoria histórica; ya se sabe que el pueblo que olvida su historia está condenado a repetirla.

  • El teatro es parte de nuestra identidad cultural, e identidad cultural es aquello que nos define como sociedad. El teatro es patrimonio, no es cuestionable. El teatro no es un producto, no puede serlo, si queremos que sea nutritivo, sorprendente, valiente y, sobre todo, libre.

  • Se van a encontrar con una trepidante historia de cuatrocientos años llena de viajes, duelos, romances… Orlando es también una reflexión sobre la identidad de género. Creo sin duda que esta es la reflexión que más se conecta con nuestra contemporaneidad, la de los roles masculinos y femeninos en lo social y en lo interpersonal. 

  • Que se dejen estimular por el teatro, que se permitan sentarse en una butaca y dejar trabajar al músculo de la imaginación de la mano de un espectáculo alegre, inteligente y pensado para el disfrute y la reflexión.

 

HAMLET: Cuánto nos complace este encuentro mi Sra. Vanessa Martínez... Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…    ¿no creéis, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias, sobre las tablas de 2019?

 

VM- (Risas)… Yo creo que esa es la pregunta que se hacen toooodos los directores de escena, ¿no? Parece que hay dos tipos de directores: los que han dirigido Hamlet, y los que lo van a dirigir, pero nadie se escapa. Es como una especie de DNI teatral, tu signo distintivo, “dime qué Hamlet diriges y te diré quién eres”. Para mí, lo más interesante de Hamlet es el dilema moral: debe hacer cosas que están mal, desde el punto de vista ético, para restaurar la justicia y vengar a su padre. Y a Hamlet, que tonto no era, no le gusta la idea; por eso se resiste, por eso inventa mil y una excusas para no matar a su tío hasta el quinto acto. No creo que dude, sino que lucha, creo que hay una procrastinación de lo inevitable: cumplir con su deber será su condena. Por eso Hamlet es una “rara avis” entre los gobernantes, porque ni en la época de Shakespeare ni en la actual suelen tener dilemas morales de ningún tipo, venden su alma al diablo al primer golpe de escaño. Y por eso es incomprensible para los demás y es tildado de pasivo, porque busca desesperadamente la compatibilidad entre su deber y su salvación.

 

H- Os agradezco el retrato… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…     

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos de vuestro intenso interés por nuestro padre… Aun así, perdonadme la osadía, os interrogo si ante un folio en blanco habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos...

 

VM- (Risas)… No sé si la palabra es envidia. Creo que lo que he sentido es vergüenza. Siempre me he sentido desautorizada como dramaturga, fraudulenta. Me ha costado muchísimo confiar en que lo que estaba escribiendo estaba bien y tenía sentido escribirlo. Pero a medida que me fui atreviendo a hacerlo, me di cuenta de que sabía más de lo que me imaginaba, y en gran parte es gracias a nuestro bardo amigo; traducir sus textos y versionarlos ha sido como abrir un reloj suizo de gran precisión y ver los mecanismos que lo mueven. Hay algo matemático/divino en la manera de abordar los conflictos de Shakespeare que hipnotiza y envuelve. Traducirlo es como poder ver Matrix.

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de las mujeres.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas.… Por eso os cuestiono… decidme mi señora en estos momentos, ¿qué podemos aprender de nuestros clásicos?

 

VM- Básicamente que cualquier tiempo pasado no fue mejor. Que los abusos de poder, la hipocresía, la indolencia de los tiranos, el sufrimiento de muchos para el beneficio de pocos… todo eso se repite. Representar a los clásicos es hacer una pequeña contribución a la ley de memoria histórica; ya se sabe que el pueblo que olvida su historia está condenado a repetirla.

 

H- Ya dijo el clásico… el teatro es uno de los más útiles instrumentos para la educación de un país, el barómetro que marca su grandeza o su descenso.

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos acercáis, presentáis a Orlando... Decidnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación de esta obra… aunque no hagan falta excusas para releer el original, de Virginia Woolf…

 

VM- El proyecto surge por la necesidad que teníamos como compañía de seguir explorando las líneas de creación colectiva que habíamos concretado en nuestro espectáculo anterior, “Los Atroces”, esta vez aplicadas a un texto ya escrito que despertara nuestro entusiasmo, como es el caso de Orlando. La tentación me la puso en bandeja Gemma Solé, actriz de la compañía, que fue quien primero me habló del texto y de la posibilidad de convertirlo en espectáculo. Si bien la idea original era transformarlo en monólogo, a medida que profundicé en la novela me di cuenta de que necesitaba de un esquema vertebrador distinto, más complejo y versátil, para mostrar todo el universo que Orlando encierra. Y así empezamos a investigar.

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…  

 

Risas a dúo

 

H- Perdonadme la impaciencia, pero nos corroe la curiosidad…. Contadme más sobre ese universo Orlando… ¿qué habéis descubierto de los personajes de Virginia Woolf al llevarlos a las tablas? ¿qué se van a encontrar en vuestro Orlando… los espectadores de este siglo XXI…?

 

VM- Se van a encontrar con una trepidante historia de cuatrocientos años llena de viajes, duelos, romances… todos los ingredientes de una novela de aventuras. Es una biografía que se cuestiona a sí misma mientras es escrita, una reflexión sobre el propio acto de escribir, una reflexión sobre la identidad. Orlando llega a la conclusión de que no somos una sola cosa, sino la superposición de los distintos yoes que habitan en nosotros. Yo he sentido eso de una manera profunda e íntima; al mirar hacia el pasado, al verme a mí misma en determinadas situaciones o con determinadas personas, me ha parecido que aquello había pasado en otra vida, que yo era otra persona. Orlando desarrolla este tema, así como el de la identidad del artista, a través de cuatrocientos años, y no sólo eso; es también una reflexión sobre la identidad de género. En mitad de esa vida, Orlando pasa de ser hombre a ser mujer. Creo sin duda que esta es la reflexión que más se conecta con nuestra contemporaneidad, la de los roles masculinos y femeninos en lo social y en lo interpersonal.

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que vuestro Orlando tiene mucho humor…. Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señora, ¿creéis que es más fácil que los dardos de la crítica, la ironía llegue a nuestro cerebro a través del humor?

 

VM- Sin duda alguna. Tengo una natural inclinación hacia la comedia… (risas)…  Todo se resume en el famoso principio de “tomar lo serio en broma y lo gracioso en serio”. La comedia en realidad lleva en sí el germen de una tragedia incomprendida. El personaje vive una tragedia, es el público el que ve una comedia. Es una manera de apelar a la inteligencia crítica del espectador, pero también a su empatía.

 

H- Esperemos que esta noche alguien vuelva a su casa con la cabeza clavada.

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un equipo, trabajáis en compañía, con Teatro de Fondo… Mas me planteo (ya conocéis nuestras tendencias) … cómo ha sido esta labor de construcción colectiva… los ensayos para dar vida, carne, en un mismo actor-actriz… a esos personajes heterogéneos, dispares... Y os interpelo si para conseguirlo habéis usado guante de seda, o puño de acero...

 

VM- (Risas)… No he necesitado hacer demasiado esfuerzo, he contado con un elenco maravilloso y creativo, actores que se saben artistas. Yo les proponía unas reglas del juego y ellos, al jugar, iban configurando las escenas y los personajes. De todo el material que improvisaban yo iba descartando aquello que se alejaba del discurso principal y dando forma a los hallazgos que ellos realizaban. Así iba escribiendo escenas, las probábamos, las corregíamos…  y así durante los ocho meses que duró el proceso de creación. Ha sido muy intenso y gratificante.

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.

 

Risas a dúo

 

H- Vuestras palabras despiertan nuestro apetito teatral… Os lo suplico mi señora, que ya nos asfixia el ansia… ¿Podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

VM- (Risas)… No quiero desvelar demasiado para no aguar la sorpresa, pero la idea es que asistimos al proceso por el cual cuatro biógrafos, cada uno con estilos literarios distintos, intentan ponerse de acuerdo para escribir la biografía de Orlando, al tiempo que van interpretando los distintos personajes que van surgiendo, algo que por momentos se complica extremadamente. Todo tiene que ver con libros y plumas. Y es el vestuario y especialmente la música quienes nos sirven para viajar en el tiempo con Orlando a través de los cuatro siglos que abarca su aventura. Hasta ahí puedo leer.

 

H- Para lograr éxito en cualquier asunto se necesita una cierta dosis de locura...

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme, mi señora… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

VM- Debe ser claro, juguetón, sorprendente y, sobre todo, empático. Siento que hay gran cantidad de propuestas escénicas hoy en día que adolecen de esto último. Yo no olvido nunca que el teatro es un acto comunicativo, que me implica tanto a mi (emisor) como al público(receptor), tanto al significado como al significante. Si el código en el que yo me muevo no traslada un significado concreto y comprensible, mi intención se queda en un significante hueco, más o menos estético o elaborado, pero siempre críptico. No me gusta el teatro inaccesible, me produce una profunda pereza y me parece egoísta.

 

H- El teatro como juego... Aplaudo el presente…

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro fervor, frenesí por el teatro… Mas os inquiero decidme, mi señora ¿qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera?

 

VM- El teatro es parte de quién soy, como lo es mi brazo derecho o mi páncreas. Incluso cuando no estoy en un teatro o en una sala de ensayo, el teatro sigue estando en mi cabeza y en los poros de mi piel. No ha sido una opción dedicarme a él; si hubiera podido elegir, me habría decantado por algo menos doloroso y más rentable, desde luego. Pero, honestamente, no hay ningún lugar donde me sienta tan feliz como en un teatro.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

H- Celebramos vuestra llegada a los Teatros del Canal… En este escenario os requiero  ¿qué rol representan, o deben representar los teatros públicos en la divulgación de este arte?

 

VM- No tengo muy claro qué papel desempeñan, pero sí cuál deberían desempeñar. Deberían ser foro de exposición de la diversidad, un sustento de las iniciativas que arriesgan y se decantan por espectáculos con una apuesta artística clara y pertinente, y no de aquellas de corte comercial, que enmascaran su ausencia de interés con cabezas de cartel y directores de moda. Ese teatro ya tiene su espacio, y no es el público. Las compañías, y en especial las compañías de Madrid, nos sentimos completamente desamparadas por parte de las instituciones. Para nosotros, poder estrenar en los Teatros del Canal es una victoria, la mayoría de las compañías madrileñas de características similares a las nuestras no tienen esa oportunidad. Y esto no debería ser así.

 

H- Ser honrada tal como anda el mundo, equivale a ser una mujer escogida entre diez mil.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Nos duele la precariedad, nos apena que sean tantos los proyectos que perecen en el intento… Unos piden subvenciones, otros mecenazgos… Vos lo vivís desde Teatro de Fondo… Como estamos en época de promesas… Os sugiero tomar la palabra… por si algún político toma nota…

 

VM- (Risas)… Para que los políticos pudieran adoptar medidas que ayuden a que el teatro no muera por inanición, (porque eso es lo que está pasando), primero hay dos conceptos que tendrían que estar muy claros:

El primero es que el teatro es parte de nuestra identidad cultural, e identidad cultural es aquello que nos define como sociedad. El teatro es patrimonio, no es cuestionable. Invisibilizarlo es es algo así como decir “soy una sociedad sin identidad”. Los ingleses lo tienen clarísimo: beben té a las 5, comen pescado rebozado con patatas fritas y van al teatro, esa es su identidad. La nuestra tiene más que ver con salir de cañas y jugar al mus. Debemos preguntarnos qué tipo de sociedad queremos ser.

El segundo concepto es que el teatro no puede ser un negocio, y muchísimo menos el teatro público. La cultura ha de ser forzosamente deficitaria. De otro modo estaremos sometiendo al teatro a las mismas leyes de la oferta y la demanda por las que se rige cualquier producto comercial. El teatro no es un producto, no puede serlo, si queremos que sea nutritivo, sorprendente, valiente y, sobre todo, libre.

Teniendo estos dos conceptos presentes, estoy segura de que nuestros gobernantes sabrían perfectamente qué hacer. Lo que hay que cambiar no son las políticas, sino las mentes.

 

H- Ya dijo el clásico que siempre merece la pena hacer una pregunta… aunque añadió, que los políticos no escuchan…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… para los que se resisten al teatro…. Podríais contagiar un poco de vuestro entusiasmo por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir este Orlando…

 

VM- Que se dejen estimular por el teatro, que se permitan sentarse en una butaca y dejar trabajar al músculo de la imaginación de la mano de un espectáculo alegre, inteligente y pensado para el disfrute y la reflexión.

 

H- Como espectador nos satisface… Festejamos un teatro que nos deleite y agite...

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sra. Vanessa Martínez, ha sido un honor esta charla teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés…

 

VM- A sus pies.

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE VIRGINIA Y WILLIAM

ORLANDO

De Virginia Woolf

Dirección escénica: Vanessa Martínez

Teatros del Canal

Reparto 

Gustavo Galindo: Biógrafo Poeta, Archiduquesa, Shelmerdine, Swift…

Pablo Huetos: Biógrafo Crítico, Greene, Lady R., Sra. Bartholomew…

Rebeca Sala: Orlando

Pedro Santos: Biógrafo Experto, Isabel I, Scrope, Sra. Grimsditch, Addison…

Gemma Solé: Biógrafo Aprendiz, Sasha, Penelope, Pope…

 

Equipo artístico y técnico 

Escenografía: Alessio Meloni (AAPEE)

Construcción: Miseria y Hambre SL

Vestuario: Paola de Diego

Ayudante de vestuario: Íñigo Álvarez de Lara Moreno

Ilustraciones: Luis Frutos

Animación: Chicken Assemble

Iluminación: David Martínez

Coordinación técnica: Miseria y Hambre SL

Ensemble grabación

Laura Salinas: Viola de gamba

Ramiro Morales: Guitarra barroca y archilaúd

Iván Mellén: Percusiones 

Roberto Terrón: Contrabajo 

Joan Espina: Violín

Antonio Toledo: Guitarra española y Bouzuki 

Daniel del Pino: Piano

Andreas Prittwitz: Director musical, flautas, clarinete y saxos

 

Asesoría de movimiento: Arnold Taraborrelli

Lucha escénica: Mon Ceballos

Una Producción de la Compañía Teatro Defondo (Comunidad de Madrid)
 
 

https://www.teatroscanal.com

 

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON LAURA ORTEGA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

OTRA MIRADA A LAS PINTURAS NEGRAS, LOS PERSONAJES Y SUS FANTASMAS

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Dinamarca, en las tablas, debe siempre oler a podrido. El teatro es ficción que, a pesar de serlo, nos sitúa frente a la necesidad de hacer algo con lo que sabemos, tomar cartas en lo que sucede a nuestro alrededor. Su tragedia, joven príncipe, es que no hace nada, solo sufre... Así que ¿por qué no convertirle en un hikikomori contemporáneo?

  • Se cumplen doscientos años de la adquisición de la Quinta del Sordo, donde Goya comienza a pintar los murales que hoy llamamos las Pinturas negras. Lo que me interesa es que, mientras las pintaba, como dice uno de los personajes en la función, lo que sucedía fuera de la casa las convierte en “Los desastres de la paz”.

  • Cuando Goya satiriza el comportamiento y la vida social de su época, con esa mirada bifocal, lo que busca es probablemente obligarnos a mirar una realidad alterna, subalterna y simultánea a la nuestra, como si lleváramos puestas unas gafas para desengañarnos. Lo fantástico es que Goya apunta también a eso, a lo que media entre nosotros y el mundo, en cómo nos comprendemos a través de las imágenes y cómo estas nos cuentan.

  • Aunque en la obra de Sanchis Sinisterra hay apariciones y fantasmas, a estos se les puede mirar a la cara. ¿Hasta qué punto somos parte de una pintura negra? Dar respuesta a eso es tomar cartas en el asunto de aquello que no vemos y deberíamos ver para entonces medirnos con la superstición, la violencia y los otros temas de las Pinturas negras.

  • La puesta en escena remite a la mecánica de la linterna mágica y los espectáculos de fantasmagoría, que eran proyecciones sobre humo de calaveras y monstruos, un antecedente del cine. Lo interesante de la fantasmagoría es que el público, por primera vez casi a oscuras en el teatro, practica la simultaneidad de creencia e incredulidad… No hay brujas volando por los aires. Ahora bien, si las ves, no puedes negar que las ves…

  • Descubrir el coloso de Goya a partir de los “figurantes”, de sus cuadros, los personajes secundarios de su historia, huyendo así del ilusionismo típico de los biopics. Convertirse en voyeurs de los últimos años del pintor, sordo y enfermo, en un tiempo convulso y dialogar con su tiempo (y nuestro tiempo) desde la incertidumbre de quien no tiene todas las respuestas.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sra. Laura Ortega…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  si creéis mi señora, que en estos momentos en que el reino huele a podrido… este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias… Y decidme cómo lo llevaríais sobre las Tablas de 2019...

 

LAURA ORTEGA- (Risas)… Dinamarca, en las tablas, debe siempre oler a podrido. El teatro es ficción que, a pesar de serlo, nos sitúa frente a la necesidad de hacer algo con lo que sabemos, tomar cartas en lo que sucede a nuestro alrededor. Su tragedia, joven príncipe, es que no hace nada, solo sufre. Después de hablar con el fantasma de su padre y de que este le cuente cosas terribles, como, por ejemplo, que el reino se ha convertido en una fantasmagoría de la que asoma un estado policial, de vigilancia y control, se pierde usted. Así que ¿por qué no convertirle en un hikikomori contemporáneo?

 

HAMLET- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…

 

Risas a dúo

 

LO- Por cierto... La primera traducción española de Hamlet, de 1794, se la debemos a Moratín. Ahí es nada… (risas)... Leandro Fernández Moratín, que pasó muchos años exiliado, dando tumbos por Europa, aparece en la función. Goya y él eran amigos y se reencuentran en Burdeos, en un exilio compartido.

 

H- Nos agrada el detalle y aplaudo el presente…

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. Bien conocemos vuestra querencia por los Clásicos… Mas nos carcome la curiosidad, y os consulto…  en estos momentos, qué podemos aprender de nuestros clásicos...

 

LO- (Risas)… Los clásicos, siempre con minúsculas, son esos libros que en realidad nadie lee, porque a lo sumo, como decía Italo Calvino, se pueden releer. Si no los reinterpretas, es difícil tratar con ellos, porque se acomodan bien a lo que ya sabemos ver y decir sobre ellos. Hablaba antes de Moratín, que es un ejemplo paradigmático. El sí de las niñas, o La comedia nueva, son clásicos, de una radicalidad incombustible. Cuando Goya satiriza el comportamiento y la vida social de su época, con esa mirada bifocal, lo que busca es probablemente obligarnos a mirar una realidad alterna, subalterna y simultánea a la nuestra, como si lleváramos puestas unas gafas para desengañarnos. Lo fantástico es que Goya apunta también a eso, a lo que media entre nosotros y el mundo, en cómo nos comprendemos a través de las imágenes y cómo estas nos cuentan. Hasta las representaciones del dolor o la miseria, frecuentes en su obra, conllevaban el riesgo de que los personajes, deformados, no parecieran tener autonomía, es decir, ser verdaderos personajes, que es uno de los temas de Monsieur Goya, pero su “aparato” óptico apunta a sí mismo y sacude nuestra percepción. Gracias a la ilusión, no solo a pesar de ella.

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Nos traéis a la villa y corte, al Teatro Fernán Gómez, a Monsieur Goya… una indagaciónde José Sanchis Sinisterra... (by the way… nuestros respetos al maestro)… Perdonadme la impaciencia, pero ya nos asfixia el ansia… Contadnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación de este autor, esta obra que rememora el génesis de las Pinturas Negras… aunque no hagan falta excusas…

 

LO- (Risas)… Eso es, no hace falta explicar el privilegio de embarcarse en una producción como esta. El texto de José Sanchis Sinisterra es prodigioso y ha permitido que investiguemos con todo el equipo artístico sobre aspectos muy diversos de la época y sobre la relación de los personajes con la historia que cuentan. Se cumplen doscientos años de la adquisición de la Quinta del Sordo, donde Goya comienza a pintar los murales que hoy llamamos las Pinturas negras. Difícilmente pudo ser un remanso de paz, eso es una versión probablemente sentimental de su retiro, centrada en el alcance de las intenciones de un genio.

Lo que me interesa es que, mientras las pintaba, como dice uno de los personajes en la función, lo que sucedía fuera de la casa las convierte en “Los desastres de la paz”. Goya, Leocadia Zorrilla y sus dos hijos, Rosario y Guillermo, huyen a Francia en 1824, como Leandro Fernández de Moratín o Antonio de Brugada. Y es esta familia “bastarda” la que tiene el protagonismo de contar “Monsieur Goya”.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Hace 200 años… vuestro protagonista M. Goya se enfrentaba a sus monstruos en Las pinturas negras… Nos resultan familiares las dudas, la desazón, ante la disyuntiva de decidir… Mas contadme… que ya nos corroen las cuestiones… ¿qué habéis descubierto al llevarlo a las tablas? ¿qué se van a encontrar bajo esa bruma… los espectadores de este siglo XXI…? ¿van a sentirse identificados con esos espectros, esas apariciones?

 

LO- Hamlet se lleva a su terreno la pregunta...  (risas)... Las dudas, la angustia existencial no se oponen a la acción. No, desde luego, en la obra de un artista que se expresa de manera enigmática, pero rotunda. Goya habla de cosas muy concretas, de la deriva de la sociedad en la que vive, las tensiones están siendo sometidos los cuerpos y las cabezas de los españoles: mujeres, niños, soldados. Hablar de sus intenciones, o de su biografía, buscar ahí la explicación de su contemporaneidad, es engañoso.

Aunque en la obra de Sanchis Sinisterra hay apariciones y fantasmas, a estos se les puede mirar a la cara. ¿Hasta qué punto somos parte de una pintura negra? Dar respuesta a eso es tomar cartas en el asunto de aquello que no vemos y deberíamos ver para entonces medirnos con la superstición, la violencia y los otros temas de las Pinturas negras.

 

H- Ya dijo el clásico que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir…

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un elenco de actores que han encarnado a los personajes dibujados por Sanchis Sinisterra… Me planteo… (ya conocéis nuestras tendencias)… cómo han sido los ensayos… para dar vida a esos personajes...

 

LO- El dibujo de los personajes en el texto ha servido para lanzar desde ahí infinidad de preguntas. Ha sido necesario mucho trabajo de investigación y de capas, en la creación. Hay un historiador cultural en el equipo artístico, Juan Menchero, y el trabajo de todos, tanto de los actores como del resto del equipo artístico, ha consistido en tomar decisiones arriesgadas para devolverles a los personajes históricos una razón para querer comparecer ante el público de hoy. Inma Cuevas, Alfonso Torregrosa, Andrea Trepat, Alfonso Delgado, Font García, Fernando Sainz de la Maza y María Mota, son los actores que encarnan esta “última familia” de Goya.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito.

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que como directora habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia de teatro, escrita dentro del teatro…  Mas os lo ruego, que con la demora se desata la desazón...  ¿Podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

LO- Habla de muchas cosas, recogidas en momentos puntuales por un autor de hoy que intenta escribir una obra sobre Goya y las Pinturas negras. La puesta en escena remite a la mecánica de la linterna mágica y los espectáculos de fantasmagoría, que eran proyecciones sobre humo de calaveras y monstruos, un antecedente del cine. Lo interesante de la fantasmagoría es que el público, por primera vez casi a oscuras en el teatro, practica la simultaneidad de creencia e incredulidad. Los sentidos contradicen lo que se sabía que era verdad, como que los fantasmas no existen o que no hay brujas volando por los aires. Ahora bien, si las ves, no puedes negar que las ves… (risas)...

Todos razonamos un poco así cuando sentimos y pensamos algo en nuestro teatrillo y nos lo imaginamos y lo hacemos presente. A este autor contemporáneo le sucede justamente esto. Mientras intenta escribir una obra sobre Goya, se enfrenta al resultado de su trabajo. Le cuesta reconocerlo, porque aparecen estos personajes del pasado que, aun siendo suyos, se le resisten, no los puede controlar. Quiere contar algo que sea verdad, pero la verdad sobre eso que busca es la desilusión que forma parte de la fantasmagoría.

 

H- La diferencia entre el pasado, el presente y el futuro es solo una ilusión persistente… dijo el clásico...

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que Daniel Canogar ha creado su primera videoescena para teatro... La expectación nos provoca el apetito… os lo pido, decidnos qué papel juega en la representación…

 

LO- No puedo decir mucho… (risas)... hay que verlo. Daniel Canogar ha realizado una serie de piezas impecable que habla de las imágenes y nuestra relación con ellas y con la tecnología que las produce y las hace circular. Es una mirada, no solo sobre Goya y su mundo, sino sobre el presente.

 

H- Cuanto más grande es la prueba, más glorioso es el triunfo...  Suso Saiz ha ideado la música y el espacio sonoro… deducimos que envuelven a los personajes y su historia...

 

LO- (Sonrisas)... El trabajo de Suso es igualmente brillante, tiene capas alucinantes que recorren esa bruma de tiempo en que se desarrolla parte de la obra, que nos aleja de estos fantasmas y nos agrupa con ellos, todo a la vez.  Es una caverna sonora.

 

H- Una mujer que no se alimenta de sus sueños envejece pronto...  Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntarán con el relato… 

 

LO- (Sonrisas)… El vestuario y la escenografía juegan con lo contemporáneo. El espacio es una máquina óptica, una especie de zootropo, como una lente, atravesada por una grieta que sirve como río y estanque, a orillas del Manzanares y del Garona, en Burdeos. El vestuario, de Almudena Bautista, tiene esa misma función, de corte, por el que aparece la contemporaneidad de los personajes creados por este autor.

 

H- Al bien hacer jamás le falta premio... La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre el protagonista…

 

LO- (Sonrisas)… La iluminación de Sarri es otro de los aspectos que más va a sorprender. La luz, dice uno de los personajes, es la condición de las imágenes.

 

H- Ante los artistas nos quitamos el sombrero...

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme, mi señora… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

LO- (Risas)… Difícil saberlo. Lo que se echa de menos en el teatro siempre es la verdad, que como decía antes, puede ser precisamente el desengaño o la desilusión respecto de lo que vemos, sentimos, cómo nos pensamos a nosotros mismos.

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de las mujeres…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro… podríais mi Señora contagiar un poco de vuestra pasión por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir a M. Goya…

 

LO- El mejor argumento es que es una gran oportunidad descubrir el coloso de Goya a partir de los “figurantes”, de sus cuadros, los personajes secundarios de su historia, huyendo así del ilusionismo típico de los biopics. Convertirse en voyeurs de los últimos años del pintor, sordo y enfermo, en un tiempo convulso y dialogar con su tiempo (y nuestro tiempo) desde la incertidumbre de quien no tiene todas las respuestas.

 

H- Os tomo el consejo, y prometo seguirlo…

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sra. Ortega, ha sido un placer esta charla… espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

LO- Así lo espero.

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO.  RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE Y SANCHIS SINISTERRA

 

MONSIEUR GOYA, UNA INDAGACIÓN

Autor: José Sanchis Sinisterra

ElencoAlfonso Delgado, Inma Cuevas, Alfonso Torregrosa, María Mota, Andrea Trepat, Fernando Sainz de la Maza Font García

DirecciónLaura Ortega

VideoescenaDaniel Canogar

Música y espacio sonoro: Suso Saiz

Una producción del teatro Fernán Gómez. CC de la Villa

 

https://www.teatrofernangomez.es/actividades/monsieur-goya-una-indagacion

 

Titania  

 

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TEODORO GRACIA, DIRECTOR DEL FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO VEGAS BAJAS

 (Una entrevista de Francisco Collado)

Teodoro Gracia es director del Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas que cumple su 38 edición. El teatro le viene de genética, pero también conoce de cerca otros terrenos como la música o la fotografía. Esta experiencia le ha servido para gestionar cultura con gran acierto.

 

- Con usted se cumple aquel dicho de “Cocinero antes que fraile”. Ha recorrido diversos senderos literarios (poesía narrativa), antes de arribar a su labor, cercana a la cultura y la política o a la dirección del Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas. Me refiero a obras como “La Herencia de Sixto” o “Trastos Viejos”. Está claro que el amor al teatro le viene de lejos…

- A los 8 años me subí por primera vez a un escenario siendo alumno del Colegio Salesiano de Puebla de la Calzada y así comenzó todo. Recuerdo que la obra era en latín, me aprendí el texto y por supuesto, no sabía lo que estaba diciendo… ¡como para saberlo interpretar!

 

- Tuvo también ocasión de vivir una época en que florecían los grupos de Neo-Folk, con un carácter netamente extremeño. Agrupaciones que creaban sus propias canciones, basadas en el terruño, o rescataban lo popular y lo transmutaban. Algunas de aquellas, aún continúan sobre los escenarios como Acetre o Manantial Folk. Otros han desaparecido como Adarve, Siembra, Pueblo, Alba ¿Que recuerdos tiene de aquellos días con el grupo Verbum, cuando se realizaban festivales como “Voces Nuevas” y muchos otros por nuestra geografía?

- En cultura he tocado casi todos los palos y por eso, también formé parte durante muchos años del Grupo de Folk Verbum. Recuerdo que en el festival de “Voces Nuevas”, cuya final se llevó a cabo en Almendralejo, conseguimos el segundo premio. En los años 70, nuestro grupo ofreció muchos conciertos y dentro de nuestro repertorio estaban nuestras propias creaciones.

 

- Existe una corriente que propugna que los políticos que ocupan determinados cargos deberían ser técnicos o profesionales de aquello que coordinan. El caso de la cultura es uno de los más diáfanos en este sentido. Usted se encuentra en una situación híbrida, ya que es de los pocos que tiene conocimiento del mundo en que se mueve ¿Piensa que los encargados de la cultura deberían ser gestores culturales y que estos cargos deberían ser ocupados por concurso de méritos u oposición, y no estar al libre albedrío de los distintos ejecutivos? Esto facilita que personas válidas sean sustituidas por el afiliado de turno

- Sin duda alguna, conocer el proyecto desde la base es primordial y necesario; conoces la materia de propia mano y eso hace que estés mucho más sensibilizado con el desarrollo del mismo. El conocer y trabajar un proyecto desde sus inicios te hace gozar de cierta respetabilidad ante los demás. Personalmente, yo jamás aceptaría un cargo o un puesto de trabajo sino estoy seguro que puedo desarrollarlo perfectamente. Siempre me ha gustado vivir para mi trabajo y no de mi trabajo.

 

- Nos mojamos un poco. En el año 83, en declaraciones a la publicación teatral Pipirijaina, se lamentaba de que no existía un teatro que se pudiera denominar netamente extremeño, excepción hecha de Chamizo ¿Cree que hemos avanzado algo en el hecho diferencial? ¿Actualmente existen unos rasgos identificativos o un lenguaje netamente extremeño en nuestra dramaturgia? ¿Se fomentan los temas relativos a nuestra región en los textos y montajes?

- Desde el año 1983, que fue cuando yo realicé este comentario, al día de hoy las artes escénicas en Extremadura han dado un cambio considerable, no precisamente en el lenguaje, pero sí en sus montajes, sus textos, la profesionalidad de sus compañías… El teatro extremeño, a nivel nacional, ha conseguido el lugar que le corresponde en las Artes Escénicas. Con un simple ejemplo apoyo esta teoría: En el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, este año, ¿Cuál ha sido la obra que la mayoría del público ha considerado la mejor? Tito Andrónico, una de las dos apuestas extremeñas en esta edición, eso quiere decir que el teatro extremeño goza de muy buena salud.

 

- El teatro es magia, es alquimia, es el verbo y la expresión del cuerpo. Un instante fugaz que impregna la piel del espectador. Pero también tiene otra cara menos atractiva ¿Hay demasiada dependencia de lo institucional para poder poner en marcha actividades de calidad? El aficionado que ama el teatro es capaz de disfrutar de un monólogo con una silla y una mesa ¿Es necesario el fuego de artificio y la pirotecnia para atraer espectadores masivamente?

- Yo conozco montajes de mucha calidad sin dependencia institucional y sin fuego de artificio, capaces de enamorar al espectador desde el minuto uno y también he visto, sobre el escenario, todo lo contrario, obras o actividades que se montan para sorprender visualmente, pero sin ninguna calidad artística. No me gusta generalizar y mi filosofía personal es ver mucho teatro para disfrutar y aprender con el bueno y saber lo que no tengo que hacer cuando veo algo que no merece la pena.

 

- Llama la atención una población de 6.000 habitantes que mantiene un nivel cultural tan elevado. Grupos de teatro aficionados, el Festival Vegas Bajas, Festival de Teatro Infantil, Jarancio, Escuela de Teatro, Coro Amadeus ¿Me he dejado algo?

- Sí, te has dejado un montón de colectivos que son los que le dan vida social, cultural y deportiva a Puebla de la Calzada. Existen más de 60 asociaciones en la localidad y en lo que se refiere a lo cultural, si tiramos de datos del 2018, se realizaron 199 eventos culturales (Teatro, Danza, música, presentaciones de libro, recitales, cine, talleres…) y lo más digno de destacar es que esta labor se está haciendo desde hace más de 40 años ininterrumpidamente. Hemos tenido, por suerte, un Ayuntamiento que desde siempre ha venido apostando e invirtiendo en cultura y ahí está el resultado. Por supuesto, sin olvidarnos de la Junta de Extremadura y la Diputación de Badajoz que siempre han estado colaborando con nosotros.

 

- La mayoría de espectadores del festival son personas jóvenes para un aforo que siempre se llena, lo cual denota una certera selección de las obras ¿Hay un trabajo de visionado de las obras en festivales y certámenes?

- El 90% de las obras que se programan en nuestros festivales o en la programación anual las hemos ido a ver en sala. Nos gusta conocer bien el espectáculo para luego programarlo a un público determinado. Cada colectivo tiene sus propias preferencias y eso lo tenemos muy en cuenta. Sabemos, por experiencia, cómo llegar y crear público, por este motivo intentamos que prime la calidad, ante todo. No nos conformamos con un buen dossier sobre la mesa, preferimos ver lo que vamos a programar. Es nuestra filosofía de trabajo.

 

- ¿Hubo peores tiempos en los que había que pegar carteles y colocar sillas?

- Literalmente lo seguimos haciendo. Ahora estamos promocionando el Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas y los organizadores, yo el primero, buzoneando estamos la publicidad por los pueblos de la comarca. Colocamos sillas, pegamos carteles… prácticamente igual que cuando empezamos hace 37 años. Es lo bonito de todo esto, considerarlo algo nuestro que queremos esté cuidado al mínimo detalle. No dejar nada a la improvisación

 

-Hay una anécdota con Manolo Tena que se retrasaba para el concierto…

-Sí, lo recuerdo como una de las peores experiencias. Llegó la hora de la actuación, el público, que llenaba el campo de fútbol, gritando su nombre para que saliera al escenario y Adela Cupido, alcaldesa en aquellos años, y yo esperando que llegara y sabiendo que tardaría en hacerlo más de una hora. Teníamos tal enfado que ni catering ni nada, cuando llegó lo mandamos directamente al escenario… es mucho más larga la historia, pero ahí va una pequeña pincelada. El resto es mejor olvidarlo.

 

-También es miembro del grupo Jarancio, nacido en el año 59 ¿De las obras de Chamizo a la llegada de la democracia, hubo algún cambio social en los textos o propuestas de la agrupación?

- Todo comenzó en el 1959 con “Las brujas” de Chamizo y siguió, años después, con la comedia. En la actualidad, aunque el referente del grupo es principalmente la comedia, desde los años 90, el grupo está haciendo más teatro reivindicativo, mucho camuflado entre risas, pero poniendo sobre el escenario temas sociales como la igualdad, la inmigración, la intolerancia… las injusticias en general.

 

- Premio Grada Cultura en el 2009. La satisfacción del trabajo bien hecho…

- Aunque nosotros trabajamos de vocación y sin esperar nada, que te reconozcan tu labor nos llenó de alegría porque este reconocimiento nos hizo ver que estábamos en el buen camino. Sinceramente fue una gran sorpresa y un placer recibir un premio tan importante como es el Premio Grada.

 

- Una de las tendencias actuales de la dramaturgia es intentar acercar a un mayor número de espectadores a las obras. Para ello se busca la “adaptación” o el “pulido” para convertir el texto en algo más ligero o cercano ¿Qué piensa de esta tendencia, o del hecho de introducir situaciones coyunturales y conceptos actuales que no estaban en la obra primigenia?

- Sinceramente, no la comparto demasiado porque, al menos para mí, no hay que bajar la calidad de un espectáculo para acercar a un mayor número de espectadores al teatro ¡hay que ofrecer a cada colectivo el texto que sepa asimilar y disfrutar!... así se aprende a ver teatro en estado puro y a diferenciar un buen texto de otro ligeramente adaptado, que en algunos casos se convierte en una ridícula pantomima. Yo sí apruebo ese texto creado sin otra pretensión de arrancar sonrisas, porque se ha montado con ese único fin. Pero hacer vulgar un buen texto solo para llegar a un público mayoritario, me revuelve las tripas.

 

- Han conseguido estar entre las mejores ofertas culturales de Extremadura. Para esto tiene que existir un buen equipo tras las bambalinas…

- Que el Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas lo haya considerado el Observatorio de la Cultura de la Fundación Contemporánea como una de las 10 mejores ofertas culturales de Extremadura es algo que nos enorgullece porque es un reconocimiento a todo un grupo de personas que dedican muchas horas y mucho esfuerzo a este evento cultural.

 

- ¿Qué lugar ocupa la fotografía en su lista de preferentes?

- Como comentaba al principio todo lo referente a cultura y creatividad me gusta y por ello, he intentado tocarlo todo: escritura, pintura, música, fotografía… puede que mi madre tenía razón cuando me comentaba: “Dedica todo tu tiempo y tu fuerza perfeccionándote en algo en concreto porque si no vas a ser aprendiz de todo y oficial de nada”… ¡cuánta razón tenía! Volviendo a tu pregunta, no tengo una lista de preferente, hago cada cosa en el momento que lo considero oportuno. Simplemente me rijo y selecciono la actividad por la necesidad de expresarme que tenga en cada momento...

 

- ¿Han levantado el teatro en Extremadura los grupos aficionados?

- No. Los grupos amateur tienen su puesto en el espacio teatral, son necesarios porque yo los considero un vivero de actores y actrices que más adelante formarán parte de los equipos artísticos de las compañías profesionales. Pero el teatro en Extremadura se ha levantado entre todos los que de una u otra manera trabajan o promocionan nuestras artes escénicas.

 

-Volviendo a sus declaraciones en Pipirijaina ¿Podría analizar si hemos avanzado en alguno de los puntos que denunciaba entonces?

- Escaso apoyo a los autores extremeños

- Potenciación de los grupos teatrales

- Teatro en los colegios

- Si, hemos avanzado mucho en estos campos. Actualmente, las instituciones apoyan a las compañías y a sus autores, se potencian las artes escénicas, tanto profesional como amateur con programas meramente teatrales y el teatro en los colegios, a través de las campañas escolares y las actividades que se les ofrece, tienen unas expectativas que antes no existían. Por supuesto, todo es mejorable y espero se sigan ofreciendo más programas de este tipo, pero 36 años después no denunciaría estos puntos.

 

- ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? ¿Hablamos ahora de la Cátedra “Torres Naharro” con sus premios, cursos y representaciones por los pueblos o aquellos camiones teatrales del Centro Dramático de Badajoz, que impartieron cultura por caminos y senderos sólo aptos para las cabras?

- Todos los tiempos son buenos siempre que sean aportaciones positivas para promocionar el teatro. Hay que reconocer la gran labor de la Cátedra “Torres Naharro”, del Centro Dramático de Badajoz y de esos carros de cómicos que recorrían nuestra región por caminos intransitables. Ellos forman parte de ese ayer que sembró la semilla del teatro en Extremadura. Ahora se trabaja de distinta forma, pero la esencia es la misma: vivir y amar el teatro ¿Qué tiempo fue mejor?... cualquier tiempo es maravilloso si impregnamos nuestro espíritu de cultura.

 Francisco ColladoFrancisco Collado 

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HAMLET CHARLA CON JUAN CARLOS RUBIO SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIVIR JUNTOS NUESTRA ANORMALIDAD, CON TERNURA, CON EMPATÍA

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • La historia de Hamlet será eterna precisamente porque representa, mejor que cualquier otra, esas dudas, errores y ¿por qué no? atrocidades que cometemos los seres humanos una y otra vez.

  • He descubierto que el término "normalidad" no se puede aplicar a nada en la vida.  Y desde luego, la familia, no escapa a esa "anormalidad"... También he vuelto a comprobar, gracias a esta obra, que la ternura y la empatía son los valores humanos más importantes.    

  • El humor allana el terreno, nos coloca a favor de una historia, de unos personajes… Es mucho más fácil que cualquier mensaje nos cale más hondo. Marra combina con maestría el dolor y el humor, me encantó esa combinación desde el primer momento.

  • Debe ser un teatro hecho desde el corazón y para el corazón de los espectadores. Como decía el gran Federico García Lorca: que el público venga al teatro no a ver lo que pasa sino a ver "qué les pasa". 

  • A los políticos les pediría que vayan más al teatro y aprendan. Allí nos ponemos todos de acuerdo porque tenemos un objetivo común: hacer feliz al público. Ellos deberían buscar la felicidad de los ciudadanos, esa es su verdadera misión, aunque no lo sepan.

  • Juntos les reconciliará con sus propias carencias, con sus propios miedos y "anormalidades", porque se habla de temas y situaciones que todos conocemos. Que nos pongan un espejo delante y nos hagan pensar (y reír y emocionarnos) es siempre una maravilla.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este reencuentro mi Señor Rubio…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… si creéis que en estos momentos en que el reino huele a podrido, este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias...

 

JUAN CARLOS RUBIO- El placer del reencuentro es mutuo, querido Hamlet... (Risas)…  Creo que la historia de Hamlet será eterna precisamente porque representa, mejor que cualquier otra, esas dudas, errores y ¿por qué no? atrocidades que cometemos los seres humanos una y otra vez. Y nuestra época no se escapa a ese ciclo. Lo llevaría a las tablas con sumo placer, no creo que haya que variar una coma, Shakespeare lo dejó todo muy bien escrito. (Risas)...Quizá cambiaría la corte real por un Parlamento francamente dividido…

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. Bien conocemos vuestra querencia por los clásicos… por eso os inquiero… en estos momentos, qué podemos aprender de nuestros clásicos...

 

JCR- Todo. El ciclo de la vida, como decía antes, nos trae una y otra vez los mismos temas que preocupan a los seres humanos. Han cambiado las formas, pero no el contenido. Nuestros clásicos supieron analizar con certeza la naturaleza humana.

 

H- Ya dijo el clásico… La diferencia entre el pasado, el presente y el futuro es solo una ilusión persistente...

 

Risas a dúo

 

H- Nos traéis a Madrid, Juntos, de Fabio Marra... Una obra que ganó el fervor de público y crítica en Francia… Nos puede la impaciencia… decidnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación con este autor, con esta obra… aunque no hagan falta excusas…

 

JCR- Como dices estrenamos en Madrid esta maravillosa obra, con la que ya hemos recorrido buena parte de España (80 ciudades) desde que estrenamos en Vitoria en agosto del año pasado. El público disfruta mucho con esa perfecta mezcla de humor y dolor que Fabio Marra escribió hace años y que ya tuvo mucho éxito en Francia…(Sonrisas)…   Txalo Producciones, con quienes llevo trabajando muchos años, me ofreció la dirección y la posibilidad de hacer la versión y no dude un momento.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Juntos nos cuenta una historia contemporánea, muy actual, con un estilo clásico… de aunar las pequeñas tragedias familiares, personales, con la comedia… Mas contadme… que nos corroe la curiosidad… qué habéis descubierto al versionar el texto, al llevarlo a las tablas…

 

JCR- (Risas)… He descubierto que el término "normalidad" no se puede aplicar a nada en la vida. Todo somos "anormales" en nuestros sentimientos y en nuestras relaciones, no hay una norma que unifique la complejidad de las relaciones humanas. Y desde luego, la familia, como núcleo fundamental en nuestra vida, no escapa a esa "anormalidad". También he vuelto a comprobar, gracias a esta obra, que la ternura y la empatía son los valores humanos más importantes.    

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de los hombres.

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que Marra dibuja a sus personajes, con pinceladas de ternura... y mucho humor…. Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor... ¿creéis que es más fácil que los dardos de la ironía lleguen a nuestro cerebro a través del humor?

 

JCR- Sin duda… (Risas)... El humor allana el terreno, nos coloca a favor de una historia, de unos personajes, y desde esa plataforma es mucho más fácil que cualquier mensaje nos cale más hondo. Marra combina con maestría el dolor y el humor, me encantó esa combinación desde el primer momento que la leí.  

 

H- Esperemos que esta noche alguien vuelva a su casa con la cabeza clavada.

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un elenco de actores que han encarnado a los personajes dibujados por Marra… Me interrogo (ya conocéis nuestras tendencias)… cómo han sido los ensayos… para dar vida a esos personajes... si con mano de hierro o con guante de seda...

 

JCR- (Risas)… Han sido ensayos muy fáciles porque son unos intérpretes maravillosos, cada uno de ellos es perfecto para encarnar a sus personajes. Con Kiti Mánver esta es ya mi octava colaboración en las tablas, nuestra relación es muy íntima, sabemos lo que queremos el uno del otro tan solo con mirarnos. Pero he de decir que con el resto del fabuloso elenco (Gorka Otxoa, María Castro e Inés Sánchez) me ha pasado lo mismo. Son actores superdotados, tanto para el drama como para la comedia. Creo que merece la pena pasarse por el Teatro Amaya a verles, su trabajo es de una altura insuperable.      

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que como director habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia… Como ya nos abruma la zozobra… os lo ruego, avanzadnos detalles de la puesta en escena...

 

JCR- Para la puesta en escena he contado con la colaboración de mi equipo habitual en estos últimos tiempos: Curt Allen Wilmer (escenógrafo) y José Manuel Guerra (iluminador). Ambos son fundamentales a la hora de enfocar mi trabajo de dirección, sus ideas son brillantes y reveladoras... La puesta en escena es un gran "efecto especial… (Risas)... Juntos esconde más de una sorpresa en su puesta en escena y eso es bueno para el desarrollo de la trama.  

 

H- Ya dijo el clásico, que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir, y algo debe ocurrir…

 

Risas a dúo

 

H- Como conocemos vuestra inclinación por las bandas musicales, os interpelo qué papel juega la música en esta obra... 

 

JCR- La música ayuda mucho a las transiciones... (Risas)... Lo siento, mi señor Hamlet, mi abogado no me deja decir nada más: tiene usted que ir el Teatro Amaya a ver Juntos para comprobarlo. 

 

H- La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía… dijo el clásico.

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

JCR- (Sonrisas)… Debe ser un teatro hecho desde el corazón y para el corazón de los espectadores. Como decía el gran Federico García Lorca: que el público venga al teatro no a ver lo que pasa sino a ver "qué les pasa".  

 

H- El teatro como espejo... Aplaudo el presente…

 

Risas a dúo

 

H- Aunque queda claro vuestro entusiasmo, vuestro frenesí… me cuestiono,  y os cuestiono… Cómo vivís el teatro en estos momentos, de vuestra carrera...

 

JCR- El teatro es parte fundamental de mi vida. Amo mi profesión… (Risas)... A veces discuto un poco con ella, a veces estoy en perfecta armonía, pero no me imagino haciendo otra cosa que no sea contar historias. Me considero un privilegiado.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

 

H- Celebramos vuestra llegada al Teatro Amaya… En este escenario os requiero qué rol representan o deben representar los teatros privados en la divulgación de este arte...

 

JCR- Los teatros privados son los verdaderos paladines del teatro, los que luchan a pecho descubierto, los que arriesgan su propio dinero. Y desde luego invertir en teatro es siempre un negocio complicado, aunque maravilloso. En Madrid tenemos unos empresarios privados de primera línea. Son héroes. Ojalá la Administración les ayude más, es muy difícil mantener en pie un teatro.   

 

H- Hacemos votos para que vuestros sueños se hagan realidad…

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para la cultura, para el teatro, que dijo el clásico... algunos demandan subvenciones, mecenazgos… Vos mi señor, qué pediríais a los políticos… por si alguien toma nota…

 

JCR- (Risas)… Les pediría que vayan más al teatro y aprendan. Allí nos ponemos todos de acuerdo porque tenemos un objetivo común: hacer feliz al público. Ellos deberían buscar la felicidad de los ciudadanos, esa es su verdadera misión, aunque no lo sepan. 

 

H- Siempre merece la pena hacer una pregunta...

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro…. Podríais mi Señor, contagiar un poco de vuestra afición por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir Juntos

 

JCR- (Risas)… Deben ir porque es una obra que les reconciliará con sus propias carencias, con sus propios miedos y "anormalidades", porque en Juntos se habla de temas y situaciones que todos conocemos. Que nos pongan un espejo delante y nos hagan pensar (y reír y emocionarnos) es siempre una maravilla.

 

H- Aplaudo el presente… Reconocemos que ya nos asfixia el ansia...

 

Risas dúo

 

H- Mi Sr. Rubio, ha sido un placer, esta charla humana y teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

JCR- Querido Hamlet, soy su más ferviente admirador. Nos veremos siempre que usted lo desee. A sus pies.

 

SE FUNDEN EN UN FOGOSO ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE

 

JUNTOS

Autor: Fabio Marra

Traducción: Fabio Marra y Mariví Arrieta

Versión y dirección: Juan Carlos Rubio

 

Reparto

Kiti Mánver

María Castro

Gorka Otxoa

Inés Sánchez

 

Ficha técnica y artística

Ayudante de dirección: Isabel Romero De León

Escenógrafo: Curt Allen Wilmer

Iluminador: José Manuel Guerra

Figurinista: La Alegría Producciones

Fotografías: Sergio Parra

 

Titania  

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ENTREVISTA A JOSÉ VICENTE MOIRÓN

 Por Francisco Collado

P- Existen personajes que se te aferran a la piel. Que permanecen más allá de los aplausos desde la platea, de las horas de ensayo. Unos por su densidad humana o su simbolismo antropológico. Otros por el recorrido humano y la exigencia vital a que somete al actor ¿En que parámetros situaría a Cosme, el protagonista de “El Otro”, esa incursión unamuniana en el mito de Caín y Abel?

 

R- El personaje de “El Otro” es de una profundidad extraordinaria, alguien que vive una experiencia sobrenatural muy lejos de la comprensión humana, y eso a ojos de los demás lo convierte en un loco; pero… ¿es un loco porque ha perdido la cordura o porque razona demasiado? En esas profundidades se mueve el personaje. Ha sido un viaje maravilloso. He aprendido que todos llevamos dentro una versión de nosotros que no nos gusta, un gemelo al que podemos llegar a odiar, nos molesta, incluso nos angustia y que escondemos, pero pervive en nosotros hasta que morimos y debemos aceptarlo para  ser felices . He llegado casi a la obsesión con Cosme y Damián, por serle sincero al personaje; me he puesto como actor  a su servicio y he rehusado caer en el artificio a la hora de interpretarlo. Esa ha sido mi intención. Por otro lado he pensado mucho en su autor: su inteligencia, su obsesión por la otredad, por la duplicidad de la personalidad; y por todo esto he llegado a entenderme, a aceptarme y a quererme más.

 

P- Alberto Conejero ha añadido un sesgo histórico de profunda raíz hispana. Las referencias al conflicto civil, ya desde el primer cuadro, son numerosas. Desde esa radio que transmite noticias del bando vencedor, hasta las profundas metáforas universales sobre enfrentamientos fratricidas ¿Considera que el teatro es una textura que solicita renovación o adaptación a los tiempos?

 

R- Debemos tener en cuenta las necesidades del espectador del siglo XXI. Qué le interesa en este momento, qué puede atraparle; y por otro lado, qué podemos aportar los creadores en la actualidad que nos diferencie de anteriores versiones o puestas en escena. El teatro de Unamuno es singular y en “El Otro” se habla de la personalidad, un tema que obsesiona al ser humano desde que el mundo es mundo, es decir que goza de una vigencia absoluta. Sin ninguna duda, la renovación teniendo en cuenta todos estos aspectos es muy positiva; se puede preservar la esencia pero desde una mirada contemporánea que cohabite con ella. Considero un acierto situar el drama de Unamuno en la posguerra española, se entiende mucho mejor un texto que se resiente por el paso del tiempo, podemos jugar con la ambientación -algo muy atractivo de cara al espectador-, las metáforas, una guerra civil fratricida con el odio de los dos hermanos protagonistas de la obra… Los clásicos perduran en el tiempo pero las formas cambian y debemos mostrarlos acorde a la actualidad.

 

P- ¿El teatro como arma, como revulsivo del espectador, como tesis? ¿O un teatro como cultura en estado puro, que no se inmiscuya en lo coyuntural y sirva únicamente como expresión artística? Pienso ahora directamente en mucho del Teatro del Siglo de Oro (excepción de Fuenteovejuna), enfrentado; por ejemplo; al teatro comprometido de  Bertolt Brecht o el social de Buero Vallejo.

 

R- El teatro debe ser un reflejo de la sociedad actual, una obligación. Debe ser el altavoz imparcial del ciudadano, el formador popular, no debe alejarse de su cometido. Considero que todo el teatro es político, hasta la comedia más irrelevante, por mucho que se disfrace únicamente de entretenimiento. El compromiso teatral está vinculado a defendernos de las injusticias de manera pacífica y sublime; a través del talento, elevarnos y emocionarnos, mostrándonos cómo actuamos los seres humanos en diferentes circunstancias; acercarnos a los grandes dramaturgos de la historia de la literatura que siguen siendo referentes, y de la misma manera a los noveles. Es un escaparate que nos advierte de las miserias humanas y pone en alza los grandes logros. Estoy convencido de la labor y el compromiso social con el hombre.

 

R- ¿Qué diferencias técnicas encuentra para su trabajo en teatro, en series (Aída, Los Hombres de Paco, Un paso Adelante) o en el orbe cinematográfico (El mal del arriero)?

 

P- Muchas, la televisión y el cine son dos medios que también me apasionan. No me dejan  prodigarme tanto como en el teatro, pero disfruto mucho trabajando para la cámara. Depende mucho también del personaje y por supuesto del guión. Trabajar en cine te obliga a hacer el ejercicio contrario que en el teatro. Es minimizar cada gesto, delegar en la mirada tan difícil de captar en el teatro, equilibrar la voz, dejar de proyectarla… No es nada fácil para un actor que viene del teatro y se entrena cada día en él. Los primeros días de un rodaje me siento incómodo, tímido, midiéndome en exceso y por tanto no disfrutando plenamente; pero una vez que te haces con el equipo y el tono, y acabo entrando en la dinámica sin tener que observarme, lo disfruto extraordinariamente. Es tan difícil llegar con tu personaje a la última fila del patio de butacas en el teatro como soportar un primer plano ante la cámara.

 

P- Un personaje difícil el de Elías Redondo, llevado por el viento de los acontecimientos. Una parábola sobre La impunidad de la élite social. Le valió la candidatura al Goya a “Mejor Actor Protagonista”

 

R- Lo disfruté muchísimo. Me encantó descubrir como crecía el personaje día tras día, adaptarme al anacronismo del plan de rodaje; inicié el rodaje grabando la última secuencia de la película. Tienes que tener una memoria  de elefante para recordar el estado emocional en que dejas al personaje tras rodar una secuencia y grabar la que le sigue días o semanas después. Fue una experiencia inolvidable y muy dura. Espero que no suene a tópico pero, por ejemplo, estaba ambientada en primavera y rodamos en uno de los peores inviernos que se recuerda: frío, lluvia, y vestidos con camisas y calzado fresquito; tuve que bañarme desnudo bajo cero  en el lago de la cantera de Alcántara y salir del agua como si nada… Fue más de un mes de rodaje donde no hubo un solo día en el que yo no estuviera presente. Recuerdo madrugar mucho y acabar muy tarde. En fin, todo por mi primer protagonista en el cine, por una película con la que quedé muy contento y con un galón más de experiencia.

 

P- Se atreve usted con todo. Dentro del ciclo de Música Actual, que desarrolla la sociedad Filarmónica de Badajoz, se simbiotizó con una de las agrupaciones punteras en el campo de la música contemporánea: Sonido Extremo. “Coming Together” es una experiencia cargada de contenido social y humano, donde recreaba las cartas que escribió un preso estadounidense a su hermano, contándole la vida y el paso del tiempo en la prisión de Attica (Nueva York). Imagino que un caramelo para cualquier actor…

 

R- Desde luego que sí, lo disfruté muchísimo. Me encantó la obra,  cómo está compuesta, lo que cuenta y cómo lo cuenta: una estructura espiral que repite frase tras frase entrando en un bucle inacabable… Ahí hay una obra de teatro que espero algún día poder hacer. Yo tenía experiencia previa con otras formaciones musicales, como es el caso de la OEX. Con ella y con Jesús Amigo grabé “Los Cuentos Fantásticos” de Terry Jones, “El camino hacia el jazz” y “La Guía de Orquesta para Jóvenes” de Britten, por tanto había roto el hielo, sabía lo que era formar parte de una obra musical donde el recitador es  un instrumento más de la orquesta. Eso me animó a aceptar la propuesta, aunque en el caso de “Coming Together” uno de los retos más significativos fue tener que recitar en inglés. En cuanto a trabajar con el equipo humano de Sonido Extremo, sus músicos, Javier González Pereira a la cabeza y Jordi Francés en la dirección, fue una pasada.

 

P- Las piedras milenarias del Teatro Romano de Mérida le han visto en la piel de ese Edipo atormentado que adaptó Miguel Murillo, (del que tuve el placer de hacer la reseña), o del heroico Ayax. Ahora se enfrenta a un montaje arriesgado, de intensa violencia y crueldad ¿Levantará ampollas su “Tito Andrónico”, vía Shakespeare?

 

R- Espero que sí. Me gusta no dejar al público indiferente. Yo debuté profesionalmente con esta obra de Shakespeare a los 21 años. Interpretaba a  Quirón, uno de los príncipes godos. Esta vez haré de Tito. “Tito Andrónico” no es una obra inofensiva, es la historia de una venganza muy cruel, muy sanguinaria. Es el primer drama de Shakespeare, aunque no su primera obra. Me fascinó siempre. Somos muchos en este proyecto y todos estamos magnetizados por él. Nando López ha tejido una versión maravillosa. Tito no es un héroe como lo es Ayax, ni un ejemplar gobernante como es Edipo; ni forma parte del ideario grecolatino, entre otras cosas porque no pertenece a ese repertorio. Es un soldado que ha perdido a muchos hijos en las contiendas de Roma. No emociona tanto a simple vista, pero está lleno de aristas que lo hacen grande y ahí es donde quiero explorar y encontrar, porque intuyo que dentro de él alberga un tesoro que quiero descubrir.

 

P –“Edipo” le colocó en el trayecto a los premios MAX, como mejor actor protagonista ¿Utiliza algún truco para no llevarse a casa estos personajes atormentados? Si no hay sinceridad en la interpretación, estos iconos no funcionan. Y para esto hay que dejarse la piel…

 

R-Tengo cierta empatía con estos personajes. Me apasionan y sí, me los llevo a casa. Forman parte de mí durante el proceso de ensayos a todas horas. Me encanta imaginar qué haría José Vicente Moirón si le ocurriera lo que le ocurre a Edipo, a Ayax o a Tito; y esa máxima es la que me permite acercarme de manera sincera al personaje. Me los llevo a casa y les doy la bienvenida de manera amistosa. Me cambian la vida por un tiempo y lo acepto como un regalo. Sé convivir con ellos sin que me causen perjuicio.

 

P- Desde el teatro desnudo de “Algo en el aire”, huyendo del artificio, casi sin acción, caminando hacia obras con profusión de recursos y escenografías impactantes ¿En qué territorios se siente más cómodo?

 

R- En ambos. Siempre y cuando el protagonista no sea el continente. El contenido es lo que debe primar. Lo que me atrapa y hace que esté cómodo, al margen de como lo vistan. Soy amante de lo sencillo y no de los fuegos artificiales, pues se esfuman rápido y tiene que ver más con el “espectáculo” que con el teatro. Soy partidario del minimalismo en el teatro, de sugerir más que de mostrar. El teatro es imaginación y debemos dejar que el público se inspire con lo que ve, no darle las tareas hechas y quitarles ese placer.

 

P– ¿Hay espectáculos y personas que de un modo u otro representen un hito en su vida artística. Le doy unos nombres: El Búfalo Americano (premio Max), José Manuel Villafaina, Muerte de un Viajante, Pedro y el Capitán, El Hombre Almohada (Premio Extremadura a la Creación 2008, Premio Arcipreste de Hita a la mejor interpretación)…

 

R- Son momentos inolvidables y personas que afortunadamente aún forman parte de mi vida, a las que sigo admirando y recurriendo cuando las necesito. La vida por otro lado me ha quitado otras personas demasiado pronto, por eso valoro la amistad por encima de todo. Los premios y los espectáculos más relevantes en mi trayectoria hasta el momento, son como muescas en las botas, me recuerdan la veteranía que ya me acompaña. Son momentos y períodos mágicos, destellos de luz que me ayudan a disipar y desechar los momentos oscuros de esta profesión, y me ayudan a continuar.  Cuando los recuerdo, pienso en todos los compañeros y amigos que he podido hacer y pienso: “Esta profesión crea una familia nueva por montaje, una forma de vivir maravillosa, una filosofía de vida, y soy el tío más suertudo del mundo”.

 

P- Sitúe en su vida “Teatro del Noctámbulo”…

 

R- Es mi columna vertebral profesionalmente hablando. Qué difícil fue empezar y qué difícil mantenerse… pero cuánta satisfacciones me ha dado y espero me siga dando. Teatro del Noctambulo es un proyecto que nace de la necesidad de poner en pie textos comprometidos con la sociedad de hoy y donde abordar personajes que difícilmente te van a ofrecer. En la Red Nacional, y por supuesto en Extremadura, hablan del sello “Noctámbulo”. Comercialmente esto puede ser bueno o puede ser malo, según los gustos y necesidades de los programadores, pero artísticamente es un orgullo que cualquier profesional nos sitúe rápidamente en nuestra línea de trabajo, muy reconocida, por la calidad de los espectáculos y por la búsqueda de nuevos textos teatrales. Soy fan de Teatro del Noctámbulo, de quienes trabajan a mi lado codo con codo, de cada actor, cada creativo, cada director que ha pasado por la compañía; a todos ellos les debo que se hayan sumado a la exigencia que marcamos con cada proyecto.

 

P- El actor (al igual que los músicos) es un nómada vocacional, un itinerante en el camino de la vida ¿En algún instante se arrepiente y añora una estabilidad vital? ¿Cambiaría la adrenalina del estreno por la quietud y la serenidad de otras profesiones?

 

R- Es uno de los peores aspectos de mi profesión, la itinerancia, ni siquiera la temporalidad. Estoy tan acostumbrado a esa dinámica que ya no me asusta, pero es muy injusta y el motivo de que muchos actores hayan tirado la toalla. Sé que si he tenido un año bueno, tengo que ahorrar para el siguiente que puede que sea ruinoso. Es uno de los problemas que planteamos en el Estatuto del Artista. No puedo añorar la estabilidad económica porque nunca la he tenido, pero el bienestar emocional que me proporciona esta profesión de alguna manera “compensa” el otro aspecto. Hoy por hoy no me veo haciendo algo diferente, no cambiaría el estreno de una obra de teatro por otra cosa, pero también estoy seguro de que si  tuviera que dedicarme a otros menesteres acabaría adaptándome. Hay otras muchas cosas que me gustan y no hago por mi dedicación exclusiva al teatro.

 

P– Su primer estreno fue “Mi Rival” de Helder Costa con “A Barraca” de Lisboa. Allí se narraba la relación entre un travestí (Leandro Rey) y usted en la piel de un policía ¿Si poseyera una máquina del tiempo, cambiaría algo en sus interpretaciones, aportando la experiencia y sabiduría posteriores?

 

R–No, no lo haría. Me enternece mirar atrás y cuando me veo interpretar en un vídeo de veinticinco años atrás, me doy cuenta de cuánto he aprendido. Esta profesión es una carrera de fondo, no un sprint y los veteranos del teatro dicen que se trata de un oficio que se aprende y estoy de acuerdo. No soy el mismo actor que hace treinta años, he ganado en experiencia y he perdido quizá en frescura.

 

P- Para finalizar. Me atrevería a asegurar que una de las obras que más piel le arranca es “Contra la Democracia”. Esa dualidad del actor debe causar dolor, especialmente el personaje del genocida Leopoldo de Bélgica…

 

R- Estoy de gira con ese espectáculo. Qué gran texto y qué necesario en estos momentos. Es un disparo de sal gorda. Aún nos sorprendemos con las lecturas que hacen los espectadores: algunas cercanas a las nuestras y otras muy alejadas de lo que nos proponemos. Pero así es el teatro descarnado, sin filtros, sin suavizante… Es una denuncia muy seria de la manipulación política a la que estamos sometidos, y no hablo de colores, ni de partidos, me refiero a la corrupción del poder político que llevamos sufriendo desde hace mucho tiempo. Cualquier ciudadano que se sienta a ver “Contra la democracia” se revuelve en la butaca porque es muy difícil que no se sienta reflejado en cualquiera de las siete historias que contamos. Una de ellas versa sobre el discurso de dos dirigentes políticos de distintas épocas: Dick Cheney y Leopoldo II de Bélgica. Es incomprensible que con tanta distancia generacional, ambos tengan el mismo discurso cruel e inhumano. Eso demuestra que no aprendemos de nuestros errores, sino que volvemos a repetirlos. Me toca interpretar a Leopoldo. El personaje entra en escena poniendo en valor La Familia, como pieza angular de la sociedad y se le cae la baba hablando de sus dos hijos pequeños. Al final de la escena acaba forzando y violando a una camarera de veinte años…

No recuerdo haberlo pasado tan mal con otro personaje, la vergüenza que sentía en los ensayos con la actriz con la que interactuaba, con el director y el resto de actores. Y no quiero recordar con el público en las primeras funciones; aún hoy después de muchos bolos, lo sigo pasando fatal. Me reconforta el mensaje que queremos enviar, eso lo justifica todo. El actor debe defender siempre su personaje, pero en este caso se me hace imposible.

 Francisco ColladoFrancisco Collado 

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