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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 31-5-2020

 

NOTICIAS TEATRALES
Elaboradas por Salvador Enríquez
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ENTREVISTAS

 

Índice de ENTREVISTAS

Para leerlas, pulsa en el periódico de la izquierda

HAMLET CHARLA CON EDUARDO VASCO SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

A LA ESPERA DE QUE SUBA EL TELÓN, PARA REUNIRSE, REFLEXIONAR, REÍR CON CARSI

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON CARLOS MARTÍN SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

TENACIDAD Y TEMPLANZA PARA LUCHAR CONTRA GIGANTES CON CORONA

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON JESÚS MUÑOZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

FLOTANT FESTEJA, JUEGA, IMAGINA, EMOCIONA, RÍE, REFLEXIONA

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON MARÍA SAN MIGUEL SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

WASTED, UN MUNDO DE EMOCIONES, POESÍA Y MÚSICA, CONTADO POR MUJERES

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON PACO GÁMEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A CONOCER, COMPARTIR SUS DESVENTURAS DE DESHEREDADO

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON JOSÉ MARÍA ESBEC SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

PONE EL PRISMA SOBRE EL PLANETA, NUESTRAS CRISIS PERSONALES Y POLÍTICAS

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON JOSE PADILLA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

CONSTRUYE UN SHYLOCK CARGADO DE PREGUNTAS QUE CUESTIONAN NUESTRAS CONTRADICCIONES

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON VANESSA MARTÍNEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIAJAR AL PASADO CON ORLANDO, A REFLEXIONAR SOBRE ROLES, EN EL PRESENTE

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON LAURA ORTEGA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

OTRA MIRADA A LAS PINTURAS NEGRAS, LOS PERSONAJES Y SUS FANTASMAS

(Una entrevista de Titania)

 

HAMLET CHARLA CON EDUARDO VASCO SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

A LA ESPERA DE QUE SUBA EL TELÓN, PARA REUNIRSE, REFLEXIONAR, REÍR CON CARSI

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • El teatro es lo opuesto a esto que estamos viviendo: es reunirse, es contacto, es calidez en la comunicación, es tener personas al lado y enfrente… En estos momentos en la compañía lo vivimos con incertidumbre y a la expectativa, es decir, con una gran sensación de impotencia.

  •  Esta crisis está acentuando la gran fragilidad del teatro, y que su elemento fundamental es también su gran debilidad. El teatro es algo inevitablemente humano y nos afecta todo lo humano...La realidad debe mandar sobre el teatro, que se dedica a interpretarla, a comentarla, intentar cambiarla, etc.

  • Las compañías vamos a tenerlo difícil, muy difícil.  Vamos a asistir a la desaparición de muchas compañías, de muchas iniciativas en todos los ámbitos del arte escénico. Nunca hemos vivido algo así, así que habrá que pedir a las administraciones que trabajen para que se pierda el menor tejido teatral posible.

  • Carsi es una comedia que reflexiona sobre la profesión, sobre los que hacemos teatro, sobre los actores y los clásicos, y sobre lo que la supervivencia hace a veces con nuestros ideales. Surgió para dar salida a una sensación de cansancio que estaba comenzando a ser muy molesta, y había que combatirla…

  • Son cinco cómicos que ser reúnen para elaborar un proyecto con el que forrarse sin contemplaciones. Gentes de procedencia muy diversa que transigen con todo para salir de la inestabilidad profesional que ha sido una constante en sus vidas. Y afortunadamente se pueden reír de eso, y nos hacen reír a los demás.

  • Creo que es una comedia muy divertida y que ahonda en los entresijos de la profesión… Se narra una historia, se cantan canciones, hay alguna coreografía digna de “Los payasos de la tele”, aparecen todos los tipos que componen el entorno teatral, y a todos les cae algo. Le echamos mucho morro, la verdad.

 

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Señor Eduardo Vasco… En estos tiempos de pestes y zozobras… con los teatros cerrados… nos atenaza la angustia... Por eso os cuestiono…  ¿Cómo vivís este confinamiento? ¿Preparáis algún proyecto?

 

EDUARDO VASCO- (Sonrisa atribulada)… Bueno, estamos, como todo el mundo, a la expectativa. También, como supongo que le pasa a todo el mundo, la cosa va por días; hay días de todo tipo… Esta crisis está acentuando la gran fragilidad del teatro, y que su elemento fundamental es también su gran debilidad. El teatro es algo inevitablemente humano y nos afecta todo lo humano.

Y la preparación de nuestro futuro tiene que ver, inevitablemente, con la realidad que quede tras esta circunstancia, lo cual es parte habitual del proceso de creación teatral. La realidad debe mandar sobre el teatro, que se dedica a interpretarla, a comentarla, intentar cambiarla, etc. Los proyectos están, pero habrá que ver su pertinencia.

 

H- Ser y no saber nada, y ser sin rumbo cierto, y el temor de haber sido y un futuro terror…  que dijo el clásico...

 

Dudas a dúo

 

H- Confiemos en que más pronto que tarde los teatros levanten el telón… Aunque nos tememos que los daños serán profundos… Por eso os planteo... cómo creéis que será la reapertura de los teatros… cómo van a sobrevivir las pequeñas compañías a esta segunda crisis… Desde NoviembreTeatro… que pediríais a las Administraciones… por si alguien escucha…

 

EV- (Sonrisa dubitativa)… Entiendo que la reapertura se hará poco a poco, teniendo muy en cuenta medidas de reducción de aforos, de asepsia, etc. Habrá que tener paciencia y ser constantes. Las compañías vamos a tenerlo difícil, muy difícil. Va a ser un desastre superior al de la anterior crisis. Vamos a asistir a la desaparición de muchas compañías, de muchas iniciativas en todos los ámbitos del arte escénico, desde la exhibición a la enseñanza. Nunca hemos vivido algo así, así que habrá que pedir a las administraciones que trabajen para que se pierda el menor tejido teatral posible. Ya hay iniciativas al respecto, demandas, proyectos. A ver cómo se concreta.

 

H- Ya dijo el clásico… el hombre cauto jamás deplora el mal presente; emplea el presente en prevenir las aflicciones futuras.

 

Dudas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis sanitarias, financieras y humanas. ¿Creéis mi Señor, qué en estos momentos, es bueno que volvamos la vista hacia atrás, para aprender de nuestros clásicos? ¿Qué nos enseñan?

 

EV- (Sonrisas)... Ser solidarios, mantener una ética respecto a los demás, no predicar tanto y llevar a cabo acciones que nos dignifiquen… También intentar refugiarse en el aspecto más bello de nuestra existencia y no dejar que todo este espanto nos inunde sin contención.

 

H- Deseamos que vuestros sueños se hagan realidad

 

Dudas a dúo

 

H- Precisamente nos recuperáis todo un clásico... Carsi, para hablarnos de vuestro amor, y también, el penar por el teatro… Contadnos cómo surgió este homenaje a los cómicos… y por qué caísteis en la tentación… aunque no hagan falta excusas…

 

EV- (Sonrisas)… Carsi es una comedia que reflexiona sobre la profesión, sobre los que hacemos teatro, sobre los actores y los clásicos, y sobre lo que la supervivencia hace a veces con nuestros ideales. Surgió para dar salida a una sensación de cansancio que estaba comenzando a ser muy molesta, y había que combatirla…

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…  

 

Risas a dúo

 

H- Con Carsi, os declaráis dispuesto a reíros de vos mismo… Como nos puede la impaciencia… os lo ruego contadme los entresijos… ¿qué se van a encontrar los espectadores...?

 

EV- (Risas)… Son cinco cómicos que se reúnen para elaborar un proyecto con el que forrarse sin contemplaciones. Gentes de procedencia muy diversa que transigen con todo para salir de la inestabilidad profesional que ha sido una constante en sus vidas. Y afortunadamente se pueden reír de eso, y nos hacen reír a los demás.

 

H- Ya dijo el clásico que para reírse hace falta inteligencia, agudeza.

 

Risas a dúo

 

H- Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor... ¿creéis que es más fácil que los dardos de la crítica lleguen a nuestro cerebro través de la ironía, del humor?

 

EV- (Sonrisas)… El humor es una válvula de escape perfecta para estos menesteres. No creo que la crítica desabrida ayude ni construya. El humor aporta distancia, y eso es lo que buscábamos.

 

H- Como espectador os agradezco y aplaudo el presente…

 

Risas a dúo

 

H- Habéis escrito el texto… dirigís el montaje…  Me pregunto (ya conocéis nuestras tendencias)… como han sido los ensayos, para que ese grupo de actores, se representen a sí mismos… y presten su carne y su sangre a los cómicos que  desfilan por el escenario…

 

EV- (Risas)...  Trabajar con gente cómplice siempre es mucho más placentero, todo va más rápido, nos permitimos muchas más cosas, nos reímos más, alternamos juntos. El trabajo que me interesa es el que se hace con una compañía, y tiene que ver con la continuidad y con la afinidad en muchos sentidos.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que, como director, habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia teatral, de aunar narración y escenificación… Os lo pido que nos corroe la curiosidad… avanzadnos los detalles de la puesta en escena...

 

EV- (Risas)… Se narra una historia, se cantan canciones, hay alguna coreografía digna de “Los payasos de la tele”, aparecen todos los tipos que componen el entorno teatral, y a todos les cae algo. Le echamos mucho morro, la verdad.

 

H- Ya dijo el clásico, que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir, y algo debe ocurrir…

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntarán, con el relato… 

 

EV- (Sonrisas)… Sí, en esta ocasión se ha construido todo el entorno según avanzaban los ensayos, así que ha sido un proceso muy ligado a lo que iba ocurriendo. Tanto Carolina González como Lorenzo Caprile se han adaptado divinamente a este proceso tan curioso.

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.

 

Risas a dúo

 

H- Como sabemos del mimo que ponéis al crear el espacio sonoro… deducimos que la música juega un papel protagonista en esta obra...

 

EV- (Sonrisas)…  Sobre todo, en el entorno musical... Hay una guitarra que toca Antonio De Cos acompañando todo lo que ocurre, y alguna sorpresa...

 

H- La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía.

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra facilidad para conectar con el público ha quedado probada…. Puesto que parecéis conocer el secreto del éxito… ahora que no nos oye nadie… ¿cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público?

 

EV- (Risas)… Tener éxito en esta profesión es algo tan relativo que da risa que alguien piense que lo tiene. No hay secreto más allá de observar nuestro alrededor y ser honesto con lo que se cuenta. Afortunadamente hay muchos teatreros y muchos tipos de público, así que hay una gran variedad de oferta y de demanda. 

 

H- El andar tierras y comunicar con diversas gentes hace a los hombres discretos.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro entusiasmo por el teatro… Mas os requiero… ¿qué es para vos este Arte, y cómo lo vivís en estos momentos, en NOVIEMBRE TEATRO?

 

EV- El teatro es lo opuesto a esto que estamos viviendo: es reunirse, es contacto, es calidez en la comunicación, es tener personas al lado y enfrente… En estos momentos en la compañía lo vivimos con incertidumbre y a la expectativa, es decir, con una gran sensación de impotencia.

 

H- Recordad mi señor… ocurra lo que ocurra, aún en el día más borrascoso las horas y el tiempo pasan.

 

Risas a dúo

 

H- Anhelábamos el momento de conocer a Carsi esta primavera en la Abadía… Confiamos en que pronto se haga realidad nuestra cita… En este escenario os requiero qué rol juega este Teatro en la escena madrileña...

 

EV- (Sonrisa dubitativa)… Mi esperanza es que Carsi vuelva con la reapertura, cuando sea... El teatro de la Abadía es una institución imprescindible tanto en su labor de exhibición como de formación. También es bueno que lidere un discurso de renovación, de captación de nuevos espectadores. Es un oasis en muchos sentidos, un lugar a respetar y cuidar.

 

H- A riesgo de sonar zalamero… volvemos a coincidir

 

Sonrisas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… para los que se resisten al teatro, a los clásicos… podríais mi Señor, contagiar un poco de vuestro fervor, frenesí por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir vuestro Carsi

 

EV- (Risas)… Creo que es una comedia muy divertida y que ahonda en los entresijos de la profesión, así que no solo es entretenida, sino que satisface muchas curiosidades. Es un espectáculo de buenos actores disfrutando de manera plena. 

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Mi Señor, ha sido un placer, esta charla… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... enterrado el coronavirus...

 

EV- Que así sea. Un abrazo de los de verdad cuando sea posible.

 

 

SE FUNDEN EN UN AFECTUOSO ABRAZO.  AL FONDO RESUENAN LOS CLASICOS APLAUSOS

 

CARSI

Texto y Dirección: Eduardo Vasco

 Reparto

Arturo: Arturo Querejeta

Juchín: José Ramón Iglesias

Elena: Elena Rayos

Rafa: Rafael Ortiz

Decós: Antonio de Cos

Equipo artístico

Ayudante de dirección: Daniel Santos

Música: Eduardo Vasco

Iluminación: Miguel Ángel Camacho

Vestuario: Lorenzo Caprile

Escenografía y Atrezo: Carolina González

 

http://noviembreteatro.es  - https://www.teatroabadia.com

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON CARLOS MARTÍN SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

TENACIDAD Y TEMPLANZA PARA LUCHAR CONTRA GIGANTES CON CORONA

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Ya sabes príncipe que somos muy Templados, estamos trabajando desde casa, organizando como podemos todo este tinglado que nos ha caído encima, reubicando bolos, hablando con los compañeros, las asociaciones, con un ERTE de 47 personas en el Teatro de las Esquinas…

  • El teatro de sala va a ser de los últimos en incorporarse a la normalidad, y seguramente hemos perdido la temporada hasta septiembre. Hay muchas peticiones, pero la principal es que no se retiren los fondos y que las ayudas se centren en cubrir una parte de las pérdidas ocasionadas por el parón.

  • Los clásicos siempre están ahí, como un hermano mayor a quien pedirle consejo, ellos ya pasaron por pestes y otras epidemias y tienen experiencia. Shakespeare sufrió un cierre de dos años de los teatros en Londres y no por ello dejó de escribir.

  • Estas experiencias son muy duras, pero así es la vida, hay que aprender de ellas, al teatro le sientan bien estas “vivencias extremas” nos acercan a lo más íntimo del ser humano y de nosotros mismos.

  • Los pocos habitantes de un pueblo, de cuyo nombre nadie se acuerda, saben que están al borde de la desaparición y deciden “Quijotizarse” para salvar al pueblo… Nuestro Quijote es muy divertido y ofrece una versión particular del Quijote y de la España vaciada.

  • Van apareciendo los momentos del Quijote más significativos, contados a través de estos personajes, el alcalde, el médico, la maestra, la ganadera, el hostelero, el cura y Andresillo que es mudo y está un poco fuera del mundo, pero es un músico estupendo.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Señor Martín… en estos tiempos de desazón, por la peste... Cómo ya nos atenaza la angustia, os pregunto…  ¿cómo vive El Temple este confinamiento?… Confío que con elasticidad y templanza…

 

CARLOS MARTÍN- (Sonrisas)… Ya sabes príncipe que somos muy templados... Estamos trabajando desde casa, organizando como podemos todo este tinglado que nos ha caído encima, reubicando bolos, hablando con los compañeros, las asociaciones, con un ERTE de 47 personas en el Teatro de las Esquinas… En fin, una delicia...

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…   

 

Dudas a dúo

 

HAMLET- Inferimos que fieles a esa filosofía de trabajar para el futuro ya os estaréis preparando para reabrir el telón...

 

CM- (Sonrisa amarga)… En estos momentos todo está en el aire…  Como agentes activos en el sector de las artes escénicas estamos participando en todo tipo de debates, foros, encuentros virtuales etc, entre compañeros de profesión, Asociaciones, Federaciones, Administraciones locales etc. No paramos, esto va a ser muy duro y necesitamos un apoyo decidido.

 

H- Donde una puerta se cierra, otra se abre.

 

Dudas a dúo

 

H- Confiemos en que más pronto que tarde los teatros levanten telón... Aunque como vos, nos tememos que los daños colaterales sean dolorosos… en un sector tan precario… Por eso os     planteo qué va a pasar tras este parón, con los teatros pequeños…Que pediría El Temple a las Administraciones...

 

CM- Pensamos que el teatro de sala va a ser de los últimos en incorporarse a la normalidad, y que seguramente hemos perdido la temporada hasta septiembre. Hay muchas peticiones, pero la principal es que no se retiren los fondos para las ayudas previstas. y que dichas ayudas se centren en apoyar a las estructuras empresariales y a cubrir una parte de las pérdidas ocasionadas por el parón.

 

H- Nos agrada vuestra conclusión optimista… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…

 

Dudas a dúo

 

H- Vislumbramos que aprovecháis estos días de pandemia, en los que el reino huele a podrido…  para elaborar un nuevo proyecto...

 

CM- (Sonrisa amarga)… Estamos trabajando en la dramaturgia de un proyecto que se llamará “Hermanos Machado” (los dos hermanos, las dos Españas…)

 

H- Como dijo el clásico… Es mejor encender una vela que maldecir la oscuridad.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis sanitarias, financieras y humanas. ¿creéis mi señor, qué en estos momentos, es bueno que volvamos la vista hacia atrás, para aprender de nuestros clásicos?

 

CM- (Sonrisas)… Los clásicos siempre están ahí, como un hermano mayor a quien pedirle consejo, ellos ya pasaron por pestes y otras epidemias y tienen experiencia, pero también lo contemporáneo se va a nutrir mucho de esta situación que estamos viviendo. Shakespeare sufrió un cierre de dos años de los teatros en Londres y no por ello dejó de escribir.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito.

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos habéis recuperado a todo un caballero clásico... Don Quijote contado a coro por un pueblo protagonista de la España vaciada… Nos corroe la curiosidad… contadnos cómo surgió este montaje… y por qué caísteis en la tentación… aunque no hagan falta excusas…

 

CM- (Sonrisas)… Nuestra sensación es que los textos y las ideas llegan cuando estás preparado para recibirlas, después de La Vida es Sueño y del Criticón, nos parecía que con Don Quijote se completaba una trilogía que reflexiona sobre nuestra idiosincrasia. Nos sentimos un poco quijotes en este mundo nuestro, sacar adelante una compañía de teatro y mantenerla viva durante 25 años necesita de una cierta locura para vencer a los gigantes, que son los enormes obstáculos con que nos hemos ido enfrentando.

 

H- Como dijo el hidalgo caballero… huyo de la vida regalada, de la ambición y la hipocresía, y busco para mi propia gloria la senda más angosta y difícil…

 

Risas a dúo

 

H- Para quienes estamos impacientes por conocer a estos Quijotes inspirados en las comedias cervantinas… os lo ruego, decidme… que ya nos asfixia el ansia ¿qué se van a encontrar los espectadores …?

 

CM- (Risas)… Con una comedia disparatada. Comienza con los pocos habitantes de un pueblo, de cuyo nombre nadie se acuerda, votando para elegir alcalde, saben que están al borde de la desaparición y tienen que inventarse algo, deciden “Quijotizarse” para salvar al pueblo… con esa excusa van apareciendo los momentos del Quijote más significativos, contados a través de estos personajes, el alcalde, el médico, la maestra, la ganadera, el hostelero, el cura y Andresillo que es mudo y está un poco fuera del mundo, pero es un músico estupendo.

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, ¿creéis que es más fácil que los mensajes, los dardos lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

CM- (Sonrisas)… Creo que la tragedia y la comedia son igual de eficaces para lanzar la flecha al corazón del público, son dos técnicas diferentes, digamos que tienen una “densidad” diferente…

 

H- El que lee mucho y anda mucho, ve mucho y sabe mucho.  

 

Risas a dúo

 

H- Dirigís el montaje… y lo representáis junto a todo un pequeño elenco de actores que han encarnado a los numerosos personajes de esta Fuenteovejuna Quijotesca… Os interpelo (ya conocéis nuestras tendencias)… si para lograrlo habéis recurrido al látigo, o ponéis sentido común con mano izquierda….

 

CM- (Risas)… Me he incorporado al equipo como actor-director en esta trilogía después de doce años sin pisar los escenarios; ha sido duro pero muy estimulante… Digamos que diriges desde dentro, me hacía falta, la soledad del director en el patio de butacas de vez en cuando necesita un meneo…

 

H- De las miserias suele ser alivio una compañía.

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que, como director, habréis buscado la mejor forma de acercarnos los episodios quijotescos… ¿Podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

CM – (Sonrisas)… A medida que el pueblo se “quijotiza”, transcurren en paralelo las vicisitudes de sus habitantes y las aventuras quijotescas, los molinos, los galeotes, la cueva de Montesinos, Clavileño, etc, formarán parte de sus vivencias.

 

H- Cuanto más grande es la prueba, más glorioso es el triunfo.

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntarán con el relato… 

 

CM- (Sonrisas)... Sí, a medida que avanza la aventura el vestuario también se quijotiza, van apareciendo la armadura, la bacía, la lanza, camisones y la escenografía compuesta por cuatro módulos/casas abstractas y un torreón partido, también se transforman.

 

H- Para lograr éxito en cualquier asunto se necesita una cierta dosis de locura.

 

Risas a dúo

 

H- Conociendo el gusto de El Temple por la música en directo...  os inquiero… ¿qué papel juega la música, en esta obra?

 

CM- (Sonrisas)… En toda esta trilogía hemos contado con la música en directo; es muy estimulante construir los ambientes con el compositor, ha acabado siendo un personaje más.

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.

 

Risas a dúo

 

H- La facilidad del Temple para conectar con el público ha quedado probada… Puesto que parecéis conocer el secreto del éxito… decidme… ¿cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público?

 

CM- (Sonrisas)… Ya sabes querido que no hay más truco que el trabajo, la experiencia algo ayuda y con el tiempo, la humildad… Al público le encanta emocionarse con lo que ve, cuanto más cerca estés de eso, mejor funciona la cosa.

 

H- Al bien hacer jamás le falta premio.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro entusiasmo por el teatro… mas os requiero… ¿qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en estos momentos, en el Teatro Del Temple?

 

CM- (Risas)… El teatro es una fiera feroz que te puede devorar como te descuides, hay que estar muy atentos y no perderse en selvas excesivamente misteriosas, hay que dejarse llevar y dejar que evolucione a medida que tú evolucionas, no es fácil, pero poco a poco se van encontrando las respuestas.

 

H- Ningún legado es tan rico como la honestidad.

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro, a los clásicos…. podríais mi Señor Martín, contagiar un poco de vuestro fervor, frenesí por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir vuestro Don Quijote somos todos…

 

CM- (Sonrisas)… Generalmente el público demasiado convencional o el no-público de teatro, se pierde por inercia o por costumbre, experiencias que les podrían sorprender, El arte escénico en estos momentos encierra sorpresas interesantes. Nuestro Quijote es muy divertido y ofrece una versión particular del Quijote y de la España vaciada.

 

H- Acepto el consejo y prometo pasarlo...

 

Risas a dúo

 

H- Mi Señor, ha sido un placer esta charla humana y teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... una vez enterrado el coronavirus...

 

CM- (Sonrisa esperanzada)… Así será querido, estas experiencias son muy duras, pero así es la vida, hay que aprender de ellas, al teatro le sientan bien estas “vivencias extremas”, nos acercan a lo más íntimo del ser humano y de nosotros mismos. Abrazos grandes.

 

SE FUNDEN EN UN EFUSIVO ABRAZO. ENTRE BAMBALINAS, CERVANTES Y SHAKESPEARE, RIEN Y ASIENTEN

DON QUIJOTE SOMOS TODOS

Dirección: Carlos Martín

Texto: José Luis Esteban

Producción: María López Insausti

Coordinación técnica: Alfonso Plou

Música: Gonzalo Alonso

Escenografía: Tomás Ruata

Iluminación: Tatoño Perales

Vestuario: Ana Sanagustín

Fotografía: Marcos Cebrián

Equipo de producción: Pilar Mayor y Alba Moliner

Reparto

Carlos Martín: DUQUE - Alcalde, Quijote, cabeza parlante.

José Luis Esteban: JERÓNIMO - Cura, Quijote

Minerva Arbués: MARCELA - Maestra, Quijote.

Irene Alquezar: LORENZA - Ganadera, Sancho, Dulcinea.

Francisco Fraguas: NICOLÁS - Médico, Caballero del Bosque, Crisóstomo, Sancho.

Félix Martín: PALOMEQUE - Ventero, Sancho, Dulcinea.

Gonzalo Alonso: ANDRÉS (músico en directo)

  

https://teatrodeltemple.com/project/don-quijote-somos-todos/

Titania  

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HAMLET CHARLA CON JESÚS MUÑOZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

FLOTANT FESTEJA, JUEGA, IMAGINA, EMOCIONA, RÍE, REFLEXIONA

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Hamlet es un PERSONAJE CON MAYÚSCULAS que me enamoró en mi etapa de estudiante de arte dramático por sus grandes conflictos, visceralidad, amor, vehemencia, necesidad de justicia, entre otras muchas cosas.

  • Reflexionamos acerca de la presencia o ausencia del amor en nuestras vidas… de la necesidad de querer y de ser queridos (Hamlet seguro que sabe muy bien de lo que hablo…) Así que decidimos empezar a ejercitar nuestro amor y celebrar nuestra relación como amigos y compañeros y compartirlo con los espectadores.

  • Ejercicios de amor es una obra muy dinámica. El espectador va desplazándose por diferentes espacios del teatro donde tienen lugar las escenas, siempre guiados y acompañados por los intérpretes. Este tránsito no le deja acomodarse y facilita que sus pensamientos y sus emociones puedan fluir.

  • Tener hijos implica grandes cambios y grandes preguntas y pensamos que en este trabajo están reflejadas, al menos, las más esenciales que tienen que ver con los miedos, las dudas, los conflictos y anhelos, las incoherencias a la hora de educar y la dificultad para comprender a las otras generaciones

  • Si queríamos hablar de la inmigración y de las diferencias entre culturas debíamos intentar ponernos a su altura y abordar el tema desde la absoluta naturalidad con la que estas niñas y niños de hoy viven la diferencia. Sin prejuicios. Debíamos confiar plenamente en ellos, en su sensibilidad,

  • El humor es fundamental como herramienta dramatúrgica. El sentido del humor es una actitud, un posicionamiento ante la vida. A nosotros nos ha abierto caminos, nos ha ayudado a reírnos de nosotros mismos, nos ha permitido darle la vuelta a los discursos para provocar la reflexión.

  • Intentamos hacer un teatro honesto, sin máscaras, que nos haga disfrutar, que nos emocione y que nos haga reflexionar... Y si nos pasa a nosotros, estamos seguros de que también le ocurrirá al público… Uff, menudas expectativas acabo de crear…

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Señor Jesús Muñoz…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  ¿cómo veis a este príncipe danés, creéis que su fama es merecida? 

 

JESÚS MUÑOZ– (Risas)… Por supuesto, Hamlet es un PERSONAJE CON MAYÚSCULAS que me enamoró en mi etapa de estudiante de arte dramático por sus grandes conflictos, visceralidad, amor, vehemencia, necesidad de justicia, entre otras muchas cosas. Sin embargo, he de reconocer que, hoy en día, me atraen más las personas que los personajes, aunque probablemente no haya ninguna diferencia. Quizás es sólo el punto de partida. En nuestros últimos trabajos el tema que queríamos abordar nos ha llevado a unas personas determinadas y entre todas estas personas hemos creado una historia común.

 

H- Para lograr éxito en cualquier asunto se necesita una cierta dosis de locura.

 

Risas a dúo

 

HAMLET- En estos días en los que el reino huele a podrido… Os inquiero...  creéis mi señor, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias… Y decidme, cómo lo llevaríais sobre las tablas de 2020 al estilo Pont Flotant...

 

JM – (Risas)… No sé si una tragedia mayúscula como Hamlet podría ser asumida por una compañía como la nuestra. Nuestras obras se asientan siempre sobre una base pedagógica muy concreta que utiliza la autocrítica, la ironía, el sentido del humor, la emoción, siempre desde un posicionamiento bastante optimista. Un desenlace así de trágico no sé si podría llegar a ser compatible con este tipo de pedagogía. Pero si se diera el caso, supongo que intentaríamos reconocer en qué lugar de nuestra vida y de nuestro entorno social más próximo se hallan estas incertidumbres y qué es lo que nos provoca una furia real, visceral, como la de Hamlet. También podría ser que le diésemos un uso metateatral al propio texto. Su análisis, el planteamiento dramatúrgico, contextualización y construcción de los personajes podrían ser una parte importante del espectáculo para que el espectador pudiese reflexionar y detectar en su vida y en su entorno esas relaciones de poder, de traición, de amor…

 

H- Nos agrada vuestra conclusión optimista… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra reputación sube como la espuma, pero con los pies bien asentados… aun así, perdonadme la osadía, os cuestiono… ¿no habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos?

 

  JM- (Risas)… ¿A quién no le gustaría tener una milésima parte de su talento expresivo y destreza con las palabras? Pero nosotros hemos aprendido a hacer de la carencia una virtud, a potenciar aquello en lo que nos movemos con facilidad, que es la escritura a partir del trabajo con los intérpretes, investigando en el espacio de laboratorio y también viviendo experiencias extra teatrales paralelamente a los procesos creativos para luego verterlas en las sesiones. Ese es el trabajo que hemos ido desarrollando estos años y en el que nos movemos con cierta confianza hoy en día. Por supuesto, siempre con incertidumbre, con muchas dudas y auto cuestionamiento continuo, pero con la creencia firme en que la sencillez también es una opción muy válida para llegar a la esencia del ser humano.

 

H- Ningún legado es tan rico como la honestidad.

 

Risas a dúo

 

H- Persiguiendo ese empeño, nos acercáis a los Teatros del Canal Ejercicios de Amor… un canto al disfrute… teatral...vital...  Os lo ruego que ya nos corroe la curiosidad... Contadnos cómo surgió este montaje…

 

JM– (Sonrisas)… Llevábamos 9 años como grupo de trabajo estable. Nuestra relación de amistad había desarrollado también una relación profesional y empezamos a preguntarnos qué era lo realmente importante en nuestras vidas. Y surgió el tema del amor. Reflexionamos acerca de la presencia o ausencia del amor en nuestras vidas y los valores de la sociedad, donde la velocidad, la masificación, el individualismo, el anonimato, el miedo a los compromisos, la vergüenza, los prejuicios, etc, a menudo, nos alejan de aquello que realmente nos importa… de la necesidad de querer y de ser queridos (Hamlet seguro que sabe muy bien de lo que hablo…) Así que decidimos empezar a ejercitar nuestro amor y celebrar nuestra relación como amigos y compañeros y compartirlo con los espectadores. Han pasado 11 años desde el estreno de Ejercicios de amor… y 20 de compañía. Quizás esta celebración fue mucho más importante de lo que pensábamos en aquel momento.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntarán con el tono del relato… confesamos que nos puede la impaciencia… ¿Podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

JM- (Sonrisas)… Se trata de una puesta en escena sencilla, austera, casi invisible por momentos, mágica en algunos instantes. Intentamos que la línea entre realidad y ficción quede continuamente difuminada para que el espectador se sienta un invitado a esta celebración del amor. No hay pues grandes elementos escenográficos. Muchos de ellos son funcionales (sillas, mesas, una paella…) y otros, como una pérgola para la ceremonia final, son los que nos ayudan a alejarnos de esa cotidianeidad extrema que se crea en algunas escenas y que llevan al espectador a un lugar más poético, más estilizado y más emocional. Además, Ejercicios de amor es una obra muy dinámica. El espectador va desplazándose por diferentes espacios del teatro donde tienen lugar las escenas, siempre guiados y acompañados por los intérpretes. Este tránsito no le deja acomodarse y facilita que sus pensamientos y sus emociones puedan fluir.

 

H- Ya dijo el clásico, que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir, y algo debe ocurrir…

 

Risas a dúo

 

H- El segundo espectáculo que presentáis en el Canal es El hijo que quiero tener… nos suenan familiares los dilemas… Mas contadme que ya nos asfixia el ansia… ¿qué se van a encontrar los espectadores…?

 

JM – (Risas)… Se van a encontrar con bastantes preguntas (¿eso también te suena, no Hamlet?), como en todos nuestros trabajos. Muchas de ellas surgieron cuando empezamos a tener hijos y empezamos a cuestionarnos los patrones y el paradigma en el que habíamos sido educados nosotros mismos. Tener hijos implica grandes cambios y grandes preguntas y pensamos que en este trabajo están reflejadas, al menos, las más esenciales, que tienen que ver con los miedos, las dudas, los conflictos y anhelos, las incoherencias a la hora de educar y la dificultad para comprender a las otras generaciones: la de aquel niño que fuimos y que vagamente recordamos y la del abuelo que algún día seremos, pero del que todavía estamos demasiado lejos.

 

H- Cada secreto del alma de un escritor, cada experiencia de su vida, se hallan escritos en sus obras

 

Risas a dúo

 

H- Os felicito por sembrar el amor al Teatro entre los nuevos y más jóvenes espectadores… con Las 7 diferencias… Esta obra es además un canto a la convivencia… Cómo os comunicáis con el público de este espectáculo, los niños, y niñas de hoy día...

 

JM- (Sonrisas)… Partíamos con una gran incógnita: ¿sería posible mantener nuestra identidad creativa, nuestro lenguaje en un espectáculo dirigido a un público familiar que fuese divertido, reflexivo y emotivo a la vez? Al final, nos dimos cuenta de que era posible, pues la clave residía en algo muy básico: en frente de nosotros íbamos a tener personas que ya habían nacido en una sociedad culturalmente muy diversa. Así que si queríamos hablar de la inmigración y de las diferencias entre culturas debíamos intentar ponernos a su altura y abordar el tema desde la absoluta naturalidad con la que estas niñas y niños de hoy viven la diferencia. Sin prejuicios. Debíamos confiar plenamente en ellos, en su sensibilidad, en su capacidad de comprensión a muchos otros niveles, en su sentido del humor, en su capacidad crítica y participativa, en su capacidad para emocionarse... lo que nos dio mucha seguridad para mantener, sin duda, nuestro lenguaje e identidad creativa.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra forma de construir cada obra es colectiva… Me planteo (ya conocéis nuestras tendencias)… si para lograrlo habéis recurrido al látigo, puños, o ponéis sentido común con mano izquierda…

 

JM- (Risas)… Somos más de mano izquierda y de poco látigo. En los procesos hay debate, hay diferencia de opiniones, hay, en contadas ocasiones, momentos más tensos, de incertidumbre, pero, sobre todo, hay mucho diálogo, consenso y respeto por las ideas de los demás.

 

H- Es más fácil obtener lo que se desea con una sonrisa que con la punta de la espada.

 

Risas a dúo

 

H- Nos place y aplaudimos un teatro que agita, emociona y divierte… Moliere defendía la comedía… Vos mi señor creéis que los dardos del humor, la ironía, calan mejor en las cabezas...

 

JM- En Flotant hemos abordado grandes temas como son el amor, el paso del tiempo, el trabajo, la educación, la inmigración, la diversidad funcional… La mayoría de estos temas están trilladísimos en la literatura y en las artes en general y son demasiado transcendentes como para ponerse muy serio. El humor es fundamental como herramienta dramatúrgica, pero es algo más. El sentido del humor es una actitud, un posicionamiento ante la vida. A nosotros nos ha abierto caminos, nos ha ayudado a reírnos de nosotros mismos y a desnudarnos metafóricamente en escena, nos ha permitido darles la vuelta a los discursos y a cambiar de perspectiva para provocar la reflexión.

 

H- Esperemos que esta noche alguien vuelva a su casa con la cabeza clavada.

 

Risas a dúo

 

H- El teatro Flotant es festivo, jovial, gozoso, hedonista... Inferimos que la música, las canciones, y el sonido juegan un papel protagonista en vuestras obras...

 

 JM- Depende de cada trabajo, pero en general es algo muy importante. La música o ambientación sonora tiene esa capacidad especial de trasladarte a algún lugar físico y/o emocional. En nuestro último trabajo (Acampada y Las 7 diferencias), la ambientación sonora ha adquirido mucha importancia para a la creación de espacios. En Ejercicios de amor, por ejemplo, es muy importante la música y el canto en directo porque acentúa y refuerza esa sensación de celebración real. Y en El hijo que quiero tener la música es un acompañante indispensable en la acción de los intérpretes. Por un lado, refuerza el componente lúdico del espectáculo y por otro lado nos lleva a un lugar emocional muy sensible.

 

H- Ya dijo el clásico… La música compone los ánimos descompuestos y alivia los trabajos que nacen del espíritu.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro encendido entusiasmo por el teatro… Mas decidme, qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en Flotant, en estos momentos de vuestra carrera...

 

JM- (Sonrisas)… El teatro es un lugar de encuentro, un espacio comunicativo físico, no virtual. Es un espacio donde pueden fluir las ideas y las emociones. Es un lugar donde se crean relaciones entre las diferentes personas que pasan por allí: desde sus técnicos y equipos artísticos, pasando por el personal de sala, la dirección artística y los espectadores. A veces estas relaciones son efímeras y se evaporan pocas horas o días después de la función. Otras veces perduran toda la vida. Algunas veces percibo claramente el teatro como un lugar con infinitas posibilidades, un espacio donde se puede escribir en el aire, donde se puede parar el tiempo, materializar un recuerdo, una emoción… El teatro puede ser una gran lupa, un gran espejo, un pozo sin fondo… el teatro puede ser cualquier cosa, puede tener cualquier forma: una conferencia, una fiesta, un puñado de anécdotas bien ordenadas, una lectura, un concierto… el teatro puede ser cualquier cosa que pase en un tiempo y espacio compartido donde seguramente pasarán muchas más cosas de las que podamos imaginar jamás.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

 

H- Celebramos vuestra llegada al Canal… en este escenario os requiero qué rol representan o deben representar los teatros públicos en la divulgación de este arte...

 

JM – En los teatros públicos tiene que haber espacios para todo tipo de propuestas escénicas. Como profesionales debemos tener el derecho y asumir la responsabilidad de trabajar en ellos. Y como espectadores, deseamos una programación diversa, ecléctica y rica donde poder elegir y seguir nutriéndonos.

 

H- Deseamos que vuestros sueños se hagan realidad...

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Los recortes que están desmontando nuestra sociedad del bien-ser-estar, llegan como hachazos a la cultura… Son muchos los proyectos que mueren en el intento... por eso se piden subvenciones… mecenazgos... otros dicen no.... Os sugiero terciar en la polémica... por si alguien toma nota...

 

JM- (Sonrisas)… Si concebimos el teatro y la cultura en general como cualquier otro producto producido para ser económicamente rentable entonces estaremos abocados a un teatro que se genere siguiendo unos parámetros basados en estudios de mercado. El teatro y la cultura en general son parte de la identidad de una comunidad, de un pueblo, de un país. Y eso no puede quedar jamás en manos del mercado. Hay sectores en los que la inversión no se puede medir según los beneficios económicos. La cultura es rentable porque es necesaria para una sociedad sana, reflexiva, crítica, sensible, como lo es la educación y la sanidad, entre otras muchas cosas. 

 

H- El teatro es un instrumento para la educación del país… que dijo el clásico…

 

Risas a dúo

 

H- Nos duele la precariedad… nos preguntamos si será que los políticos odian el teatro…

 

JM – (Risas)… Ya te estás poniendo dramático, Hamlet… No creo que las mujeres y los hombres que se dedican a la política en este país odien el teatro. Seguramente a muchos les guste. A otros les resultará indiferente, seguro. Y otros preferirán la caza… Supongo que no depende del gusto de los políticos, sino de la rentabilidad política que aporte.

 

H- Ya dijo el clásico...  que siempre merece hacer una pregunta

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido a los ya entregados…Para los que se resisten al teatro… Podríais mi Señor, contagiar un poco de vuestro fervor, frenesí por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir vuestra Fiesta Teatral…

 

JM – (Sonrisas)… Cuando empezamos a hablar sobre un futuro proyecto NUNCA sabemos cómo será. Ni siquiera quiénes serán todos sus intérpretes, ni la implicación del espectador, ni el tipo de espacio, de formato… Esto provoca grandes incertidumbres, pero también grandes sorpresas. Tenemos una ley no escrita: TODO VALE. Con esta libertad siempre acabamos sorprendiéndonos a nosotros mismos de los resultados. Intentamos hacer un teatro honesto, sin máscaras, que nos haga disfrutar, que nos emocione y que nos haga reflexionar a lo largo de todo el proceso creativo y, por supuesto, en el resultado final. Y si nos pasa a nosotros, estamos seguros de que también le ocurrirá al público. (Risas)… Uff, menudas expectativas acabo de crear…

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- Mi Señor, ha sido un placer, esta charla humana y teatral… Espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

JM- (Sonrisas)… El placer es mío y de mis compañeros. Ellos son una especie de espectro que me acompaña allá donde voy. Ojalá, que nos encontremos pronto sobre las tablas. Señal será de que seguimos vivos.

 

SE FUNDEN EN UN AMOROSO ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE

 

EJERCICIOS DE AMOR

Pont Flotant

 

Creación e interpretación:
Àlex Cantó
Jesús Muñoz
Joan Collado
Pau Pons

Iluminación:
Àlex Cantó

Marc Gonzalo

Escenografía:
Santi Montón

 

https://pontflotant.es - https://www.teatroscanal.com

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON MARÍA SAN MIGUEL SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

WASTED, UN MUNDO DE EMOCIONES, POESÍA Y MÚSICA, CONTADO POR MUJERES

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Si Hamlet resiste en nuestras cabezas y corazones, es porque sus dudas también son las nuestras. Si tuviera que llevarlo a escena ahora, lo haría tratando de profundizar en las contradicciones que muestran todos los personajes.

  • La única voz clásica, el único relato que conocemos es el de los hombres y, sin embargo, ha habido muchísimas mujeres que han escrito y aportado otros puntos de vista que se merecen ser conocidos desde que el mundo es mundo.

  • Wasted es un espectáculo diferente a todo lo que se puede ver ahora en la escena madrileña. Es una dramaturgia llena de poesía y belleza en sus palabras. Los ritmos de escritura de Kate Tempest determinan la atmósfera, el momento del viaje emocional del personaje y también la conexión crítica con la realidad que describe.

  • Un espectáculo que ha sido creado y construido en su mayoría por mujeres. Y eso, aún hoy, es un milagro.  Así que espero que se encuentren con un espectáculo diferente que se suma al relato y a la creación de nuevos referentes que muchas mujeres estamos luchando por llevar adelante.

  • Creo que el público va a verse reflejado en muchas de las palabras que llenarán el escenario y, ojalá, haya otras, que les provoquen un despertar que modifique, aunque sea un poquito, su relación con el mundo de los afectos y también con su posición respecto al sistema neoliberal.

  • Quienes apuestan por recortar en educación y cultura están interesados en crear una ciudadanía que no piense, que no se cuestione nada y que no reivindique una sociedad más justa y con más derechos sociales.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Señora María San Miguel…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  ¿Cómo veis a este príncipe danés, creéis que su fama es merecida?  

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Claro que su fama es merecida, si no lo fuera, no hubiera aguantado el paso de los años. Si Hamlet resiste en nuestras cabezas y corazones, es porque sus dudas también son las nuestras.

 

H- Mi cerebro tararea con retazos de poesía y locura.

 

Risas a dúo

 

H- En estos días en los que el reino huele a podrido…  ¿no creéis mi señora, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias?

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas). Sí. Hamlet tiene muchas reflexiones sobre todas las grietas del sistema y la complejidad del ser humano que siguen estando en el centro.

Si tuviera que llevarlo a escena ahora, lo haría como siempre, teniendo muy en cuenta el presente sociopolítico y tratando de profundizar en las contradicciones que muestran todos los personajes.

 

H- Como espectador nos agrada… Celebramos un teatro que nos turbe y agite…

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra reputación sube como la espuma, pero con los pies bien asentados… aun así, perdonadme la osadía, pero os planteo… no habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos...

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Risas)… No siento envidia por nadie. Admiración, sí.

Para mí, supongo que prácticamente para cualquier creadora o creador de cualquier disciplina artística, Shakespeare es un referente de complejidad, musicalidad, brillo, universalidad… Tuvo la capacidad de analizar y plasmar el comportamiento del ser humano en diferentes terrenos de la vida: la política, los afectos, el poder… Hay que leerlo y revisitarlo de vez en cuando.

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de las mujeres.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. ¿Creéis mi Señora qué en estos momentos, es bueno que volvamos la vista hacia atrás, para aprender de nuestros clásicos?

 

MARÍA SAN MIGUEL- Creo que siempre hay que tener presentes los clásicos, porque por algo se han mantenido vivos tantísimos años. Pero hay que ejercer una revisión crítica. La única voz clásica, el único relato que conocemos es el de los hombres y, sin embargo, ha habido muchísimas mujeres que han escrito y aportado otros puntos de vista que se merecen ser conocidos desde que el mundo es mundo.

 

H- Como dijo nuestra gran clásica y feminista… Si nos dieran libros y preceptores, fuéramos tan aptas para los puestos y para las cátedras como los hombres y quizá más agudas...

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos descubrís Wasted, el universo de Kate Tempest... Una poeta-rapera que confiesa su amor por William...  Contadnos cómo surgió este montaje… y por qué caísteis en la tentación… aunque no hagan falta excusas…

 

MARÍA SAN MIGUEL- El proyecto nace de una idea de Javier Amman y Nakarey, que además de productores, forman parte del elenco.

Establecen un diálogo con estudiantes de 1º de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid. Esa conversación, mantenida durante todo el curso 2018/2019 por el carácter y empeño de la profesora Atxu Ammán, que apuesta por el diálogo constante entre la arquitectura y otras disciplinas artísticas, dio como fruto cinco propuestas de espacios arquitecto-escenográficos creados al servicio de una futura puesta en escena.

Javier y Nakarey, asesorados por Atxu, escogieron uno de ellos y es en ese momento cuando me proponen el encargo de dirección.

A mí me parecía muy interesante el punto de partida, el cruce con otras disciplinas.

Me pareció una oportunidad enorme de aprendizaje el tener esta excusa maravillosa para adentrarme en el universo musical y estético de Kate Tempest.

 

H- Ya dijo la clásica… valga la experiencia de nuestras historias y veremos, por ellas, lo que hicieron las mujeres que trataron de buenas letras.

 

Risas a dúo

 

H- Kate Tempest nos habla de la angustia, las dudas ante la vida, el amor, la locura… Nos suenan familiares la desilusión, los dilemas… Mas contadme… que ya nos asfixia el ansia… ¿qué se van a encontrar los espectadores…?

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Van a encontrarse con un espectáculo que ha sido creado y construido en su mayoría por mujeres. El equipo artístico y técnico está liderado por mujeres. Y eso, aún hoy, es un milagro.

Las mujeres feministas tenemos otras formas de contar, de mostrar las vulnerabilidades, los afectos, los cuerpos… Así que espero que se encuentren con un espectáculo diferente que se suma al relato y a la creación de nuevos referentes que muchas mujeres estamos luchando por llevar adelante.

 

H- Como dijo la clásica… Una feminista es cualquier mujer que dice la verdad sobre su vida.

 

Risas a dúo

 

H- Dirigís a todo un elenco de actores que han encarnado la poesía, las reflexiones de los personajes… Me cuestiono (ya conocéis nuestras tendencias) … si para lograrlo habéis recurrido al látigo, o ponéis sentido común con mano izquierda…

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Risas)… Me considero una persona dialogante que crea en equipo. Para mí no tiene sentido llegar y decir al elenco lo que tiene que hacer. El teatro que me interesa es el que los componentes de la compañía experimentan juntos y aportan diversidad y puntos de vista. Obviamente, como directora tienes que liderar el proceso y tratar de marcar un camino claro que seguir. El objetivo es lograr compartir ese camino y que el elenco (y el resto del equipo artístico) pueda construirlo conjuntamente. Estoy muy bien acompañada por Alba Muñoz, mi ayudante de dirección, que siempre me aporta un nuevo punto de vista ante cualquier propuesta y cuestión que pueda surgir.

Obviamente, en un proceso de ensayos siempre hay momentos tensos. Es inevitable porque jugamos con un material muy delicado, que son nuestros cuerpos y, sobre todo, nuestras emociones. Pero siempre se superan con diálogo, empatía y escucha.

 

H- Sea como fuere lo que pienses, es mejor decirlo con buenas palabras

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que, como directora, habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia… Mas nos corroe la curiosidad, os lo ruego, ¿podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Es un proyecto especial porque, como os comentaba, nace de una conversación muy potente y que se alarga un curso entero con la Escuela de Arquitectura. Nuestra escenografía es una instalación artística que por sí sola provocará ideas y emociones al público.

Quienes vengan a la sala Jardiel Poncela del Fernán Gómez se va a encontrar, además, con tres personajes que muestran sus contradicciones, que podrían ser las de cualquiera. Que se relacionan con el espacio, la música y las palabras constantemente.

Creo que el público va a verse reflejado en muchas de las palabras que llenarán el escenario y, ojalá, haya otras, que les provoquen un despertar que modifique, aunque sea un poquito, su relación con el mundo de los afectos y también con su posición respecto al sistema neoliberal.

 

H- Cuanto más verdaderos sean los hechos, mejor será la ficción.

 

Risas a dúo

 

H- Hablamos de un proyecto nacido, acunado en la Facultad de Arquitectura… Deducimos... imaginamos que escenografía y vestuario conjuntarán con el relato… 

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Para mí no tendría sentido un espectáculo si no es así.

Almudena Vello, arquitecta y escenógrafa, ha llevado a la realidad la propuesta que las y los estudiantes de Arquitectura pensaron. Además, se encarga del vestuario. Está siendo una oportunidad muy hermosa compartir con ella todas las posibilidades infinitas que ofrece la escenografía.

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.


Risas a dúo

 

H- La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre los protagonistas…

 

MARÍA SAN MIGUEL- La iluminación va a ser muy especial, no solo por el viaje que realizan los personajes, lleno de luces y sombras, sino también por lo complejo que resulta iluminar una escenografía como la nuestra. Libe Aramburuzabala está al mando y estoy feliz y tranquila porque a Libe le fascinan las dificultades.

 

H- Cuanto más grande es la prueba, más glorioso es el triunfo.

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que Kate Tempest se recrea en el ritmo de la música, de sus palabras, de su poesia…   Por eso presumimos, que la música y el sonido juegan un papel protagonista, en esta obra...

 

 MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Un papel muy protagonista por dos cuestiones centrales. La dramaturgia pertenece a una poeta que trabaja desde la musicalidad de las palabras. Los ritmos de escritura de Kate Tempest en Wasted no son casuales: determinan la atmósfera, el momento del viaje emocional del personaje y también la conexión crítica con la realidad que describe. Además, hay cinco momentos de coro que están pensados por la autora para ser trabajados desde la spoken word, algo que ella domina increíblemente.

Además, el espacio sonoro lo está creando Zeltia Montes, una excelente compositora que trabaja con los elementos del espacio que configura el espectáculo y con las voces de los actores y la actriz. La música de Zeltia será un personaje muy especial de nuestro espectáculo que removerá al público y generará ambientes muy especiales.

 

H- Ya dijo el clásico… La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía.

 

Risas a dúo

 

H- ¿Cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público?

 

MARÍA SAN MIGUEL- Libre.

 

H- Las sentencias cortas se derivan de una gran experiencia.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro entusiasmo por el teatro…Mas os inquiero ¿qué es para vos este Arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera?

 

MARÍA SAN MIGUEL- Para mí el arte está estrechamente ligado a la libertad. En nuestro país, normalmente creamos en un contexto de precariedad brutal. La precariedad limita nuestra libertad creativa, ideológica, vital…

Ahora estoy en un momento de mi carrera en el que he asumido lo que supone el ejercicio de esa libertad deliberada, en la que creo y por la que lucho desde la escena y también desde las opciones de vida que elijo llevar (marcada poderosamente por la precariedad).

Me ha costado convivir con todas las contradicciones y miedos que me genera la asunción de esa verdadera libertad, pero me siento mucho más feliz que hace unos años.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

 

H- Coincidimos mi señora… No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Los recortes que están desmontando nuestra sociedad del bien-ser-estar, llegan como hachazos a la cultura… Son muchos los proyectos que mueren en el intento... por eso se piden subvenciones… mecenazgos... otros dicen no.... Os sugiero terciar en la polémica… por si alguien toma nota...

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… La cultura es la base de un país. La cultura genera una ciudadanía libre, diversa y plural.

Quienes apuestan por recortar en educación y cultura y quienes mantienen después esos recortes están interesados en crear una ciudadanía que no piense, que no se cuestione nada y que no reivindique una sociedad más justa y con más derechos sociales.

Todo este discurso contra los de las subvenciones demuestra quienes se quieren mover a través del autoritarismo a sus anchas, quienes tienen intereses en construir una sociedad cada vez más pobre y menos libre.

 

H- No he de callar… por más que amenaces miedo…

 

Risas a dúo

 

H- Como a vos mi señora, nos duele la precariedad… a veces nos preguntamos si será que los políticos odian el Teatro…

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Generalizar es un error. No creo que los políticos odien el teatro. Habrá políticos más incultos, otros más perversos y otros que amen el teatro.

De hecho, hay muchas personas que se dedican a la política que creen en una sociedad diversa, solidaria y justa y que creen en la cultura (y por supuesto el teatro) como una de las bases generadoras de ese tipo de sociedad.

 

H- Nos agrada vuestra conclusión optimista… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…

 

Risas a dúo

 

H- Festejamos vuestra llegada al Fernán Gómez… En este escenario os requiero, qué rol representan o deben representar los teatros públicos en la divulgación de este Arte...

 

MARÍA SAN MIGUEL- Los teatros públicos deberían albergar a todo tipo de creadoras y creadores. Deberían hacer una apuesta por la libertad que no estuviera marcada por la ideología de quien gobierna en ese momento.

 

H- Ya dijo la clásica… No hay barrera, cerradura ni cerrojo que puedas imponer a la libertad de mi mente

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro…. Podríais mi Señora, contagiar un poco de vuestro fervor, frenesí por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir WASTED…

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Wasted es un espectáculo complejo y diferente a todo lo que se puede ver ahora en la escena madrileña. Es una dramaturgia llena de poesía y belleza en sus palabras y el viaje que realizan los personajes tiene un montón de capas. Realiza una crítica brutal al sistema neoliberalista y a la violencia estructural que este genera. La música de Kate Tempest, sus poemas, su novela, autores como Italo Calvino, Zygmunt Bauman, Jorge Moruno y Remedios Zafra nos acompañan en la sala de ensayos.

Es un proyecto liderado por mujeres que apuesta de manera decidida por el diálogo y las posibilidades que generan los afectos, la escucha y el diálogo, que son revolucionarios.

Todo esto enmarcado en una instalación artística que evolucionará con los personajes, lo sonoro y la luz.

 

H- Brava, por la elocuencia… Con tales ingredientes ya se nos hace la boca agua…

 

Risas a dúo

 

H- Mi Señora, ha sido un placer, esta charla teatral… Espero que nos encontremos pronto sobre las Tablas... con el príncipe danés...

 

MARÍA SAN MIGUEL- (Sonrisas)… Con o sin el príncipe, espero que nos sigamos encontrando. Muchas gracias, nos vemos en los teatros.

 

SE DESPIDEN CON UN VEHEMENTE ABRAZO. RESUENAN LAS RISAS DE WILLIAM Y KATE

 

 

WASTED

Autor de la obra: Kate Tempest

Dirección: María San Miguel  

Reparto: Mariano Estudillo, Javier Amann, Nakarey

Escenografía: Almudena Vello

Idea original escenografía: DAI2 - Facultad de Arquitectura Universidad Politécnica de Madrid.

Espacio sonoro: Zeltia Montes

Iluminación: Libe Aramburuzabala (La Cía de la Luz). 

Vestuario: Almudena Vello

Ayudante de dirección: Alba Muñoz 

Con la colaboración especial de BLACKPANDA.

Dirección de producción: Nakarey Fernández Sornes

Una producción de Abre Tu Mente Producciones Producciones en Crudo

https://www.teatrofernangomez.es

 

Titania  

 

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HAMLET CHARLA CON PACO GÁMEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A CONOCER, COMPARTIR SUS DESVENTURAS DE DESHEREDADO

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Inquilino que trata sobre las incertidumbres de hoy en día tiene muchas referencias a usted, querido Hamlet, por ese motivo. De hecho, un personaje se llama Ofelia como homenaje.

  • Van a encontrarse una comedia existencial, quizá…  La obra está llena de humor porque el personaje sigue luchando aun cuando todo está perdido, y de esa ingenuidad frente al absurdo surge algo tierno e irrisorio.

  • Llevo viendo teatro desde niño, desde el patio de butacas y desde el escenario… Para mí el teatro es una forma de vida y creo que estoy más cerca de los cómicos de la legua que de los autores que escriben en bibliotecas. Para mí el teatro es una forma de vida.

  • El teatro no es un divertimento sin más, si no que es un vehículo de aprendizaje y de cultura que coloca al hombre/mujer frente a sus grandes dudas, problemas y miedos. Es importante que se apoye a los creadores y que podamos vivir de esto.

  • Van a pasar un buen rato, van a reflexionar, se van a reír y les va a tocar la fibra sensible, van a identificarse con la historia o van a recordar a alguien en situaciones similares, van a hacerme feliz acompañándome.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sr. Paco Gámez…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… creéis, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias hoy en día...

 

PACO GÁMEZ- Totalmente. Inquilino, que trata sobre las incertidumbres de hoy en día, tiene muchas referencias a usted, querido Hamlet, por ese motivo. De hecho, un personaje se llama Ofelia como homenaje.

 

H- Nos agrada, y agradecemos el homenaje…

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra reputación sube como la espuma, pero con los pies bien asentados… aun así, perdonadme la osadía, ¿no habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos?

 

PG- (Risas)… No soy envidioso, pero soy admirador ardoroso. Estudié Filología Inglesa y lo leí en inglés; y en interpretación, he trabajado varias escenas suyas. Es un maestro.

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de los hombres.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. ¿Creéis mi Señor qué, en estos momentos, es bueno que volvamos la vista hacia atrás, para aprender de nuestros clásicos?

 

PG- Los clásicos siempre están presentes, sí. Yo vuelvo a los clásicos una y otra vez y mis textos siempre dialogan con otros anteriores que resuenan como ecos. En Inquilino dialogo con Hamlet y con la Numancia de Cervantes; en El suelo que sostiene, a Hande con Antígona, con Müller, con Valle; en Chapman con Macbeth… y así sin parar.

 

H- A riesgo de sonar zalamero, admito que volvemos a coincidir… Todo está en los clásicos…

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente en estos días en los que el reino huele a podrido… nos traéis al CDN [Centro Dramático Nacional] Inquilino (Numancia 9, 2º A) Donde rememoráis vuestra experiencia como   expulsado, desterrado… Contadnos cómo ha surgido este proyecto…  aunque no hagan falta excusas para hablar de los problemas que afectan a toda una generación de jóvenes…

 

PG- (Sonrisas)… Vivía en un piso diminuto en Chamberí y me subieron el alquiler un 75%. Mientras hacía cajas y buscaba en Idealista sin mucho éxito empecé a imaginar esta historia.

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…  

 

Risas a dúo

 

H- Nos invitáis a conocer de cerca vuestra vivencia como desheredado de esta sociedad cada vez más desigual… Nos suenan familiares esas dudas, esas zozobras… Todos soñábamos con una sociedad mejor… Más decidme, que nos corroe la curiosidad… ¿qué se van a encontrar los espectadores?

 

PG- Van a encontrarse una comedia existencial, quizá… (Risas)…  La obra está llena de humor porque el personaje sigue luchando aun cuando todo está perdido, y de esa ingenuidad frente al absurdo surge algo tierno e irrisorio. También van a encontrarse una puesta en escena muy sugerente y no ilustrativa, un montaje muy cuidado y hermoso, ya que he contado con la ayuda de dos directoras brillantes (Eva Redondo y Judith Pujol), un iluminador increíble (Picazo), una escenógrafa que ha hecho un espacio instalativo lleno de posibilidades (Xesca Salvà), y un espacio sonoro (Fernando Epelde) y una vídeocreación (M.A. Raió) genuinas y muy gamberras. Van a encontrarme a mí contando mi historia en primera persona. Creo va a valer la pena.

 

H- Cuanto más grande es la prueba, más glorioso es el triunfo.

 

Risas a dúo

 

H- Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, ¿creéis que es más fácil que los mensajes… lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

PG- Creemos que el humor es una herramienta muy útil, y la gente que está visitando la sala ríe, pero no pierde de vista la dureza del asunto. Molière sabía lo que decía.

 

H- Esperemos que vuelvan a casa con la cabeza clavada...

 

Risas a dúo

 

H- Sois autor, director, actor protagonista… perdonadme la impertinencia, pero os planteo si lo hacéis para no discutir con nadie en los ensayos…

 

PG- (Risas)… Codirijo con dos grandes directoras y discutimos a veces. No estoy solo en la sala de ensayo, estoy acompañado del equipo artístico del que te he hablado y de mucho personal del CDN que están haciendo que el viaje sea gozoso y que están enriqueciendo mucho la propuesta.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que, como director, habréis buscado la mejor forma de narrarnos esta experiencia personal… como ya nos ahoga el ansia, os lo ruego… ¿podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

PG- (Risas)… No es ilustrativa de lo que se narra diré. Es muy sugerente y plástica. Hay un componente audiovisual importante que nunca tapa lo teatral, pero sí que aporta dinamismo. Estoy muy acompañado de sonidos y voces. Qué ganas de que lo veáis.

 

H- Tales ingredientes, despiertan nuestro apetito...

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntan, arropan el relato…

 

PG- De las dos se encarga Xesca Salvá y mientras el vestuario es cotidiano, el espacio es abstracto. Es una sala pequeña y con una arquitectura muy concreta y hemos optado por dejar la sala muy desnuda. La escenografía de Xesca es aparentemente sencilla, pero va desplegando opciones. Estoy muy contento con el espacio y no tiene nada que ver con la casa de la que hablo en el texto.

 

H- La Iluminación suponemos que también arrojará luz sobre los dilemas de los protagonistas…

 

PG- La iluminación es una joya. Picazo tiene una sensibilidad increíble y hace que todo resalte de una manera especial. Desde lo más frío a lo más mágico.

 

H- Como dijo el clásico, la música compone los ánimos descompuestos… Por eso os demando, decidme… ¿qué papel juega la música en esta obra?

 

PG- (Risas)… Hay música, hay temazos y hay espacio sonoro. Fernando Epelde ha estado en casi todos los ensayos generando material. Yo admiraba la dramaturgia de Fernando desde hace años. Había visto sus trabajos como autor y músico con la compañía Voadora. Sabía que era un acierto, pero no imaginaba lo currante que es. Para quitarse el sombrero.

 

H- Nos sumamos al saludo… Larga y próspera vida a estos artistas...

 

Risas a dúo

 

H- Ha quedado probada vuestra facilidad para conectar con los jóvenes espectadores… Puesto que parecéis conocer el secreto del éxito… contadme... ¿cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público?

 

PG- (Risas)… Creo que hay tantas opciones como espectadores y creadores. Me interesa el mundo de la infancia y de la juventud. Ahora estoy trabajando con LaJoven y me encanta.

 

H- Os felicito y aplaudo por sembrar la semilla del amor teatral, entre los nuevos espectadores...

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro entusiasmo por el teatro… Mas os inquiero… ¿qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera?

 

PG- Llevo viendo teatro desde niño, desde el patio de butacas y desde el escenario porque mi hermana mayor tiene y tenía su propia compañía. Para mí el teatro es una forma de vida y creo que estoy más cerca de los cómicos de la legua que de los autores que escriben en bibliotecas... Para mí el teatro es una forma de vida.

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Los recortes que están desmontando nuestra sociedad del bien-ser-estar, llegan como hachazos a la cultura...

Son muchos los proyectos que mueren en el intento... por eso se piden subvenciones… mecenazgos... otros dicen no....  Os sugiero terciar en la polémica… por si alguien toma nota....

 

PG-(Risas)…  Justo ahora estoy en un momento dulce porque tengo varios proyectos entre manos. Pero he pasado mucho tiempo trabajando en otras cosas para poder subsistir. El país debe comprender que el teatro no es un divertimento sin más, si no que es un vehículo de aprendizaje y de cultura que coloca al hombre/mujer frente a sus grandes dudas, problemas y miedos. Es importante que se apoye a los creadores y que podamos vivir de esto.

 

H- Nos alegra vuestra conclusión optimista… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…

 

Risas a dúo

 

H- Nos duele ver el desprecio, la falta de interés, la precariedad que sufren los teatreros… Me cuestiono si será que los que nos gobiernan odian la cultura….

 

PG- (Sonrisas)… Un país sin cultura es un país dormido, tonto, sin perspectiva. Para muchos que el país sea así es beneficioso.

 

H- Lee y conducirás, no leas y serás conducido…

 

Risas a dúo

 

H- Presentáis a vuestro Inquilino en el Teatro María Guerrero, en este escenario, os requiero, qué rol representan, o deben representar los Teatros Públicos…

 

PG- Si no hubiera contado con esta producción, con este apoyo este montaje no existiría, yo no podría haber pagado al equipo como cuento. Para mí es una gran oportunidad y no puedo estar más agradecido. También tiene mucha visibilidad. Estoy muy feliz. Espero que con la nueva dirección se apoyen a muchos directores, autores, intérpretes y creadores nuevos que intentan abrirse camino.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro… Podríais mi Señor contagiar un poco de vuestro fervor, frenesí, para que los lectores se animen a asistir a la fiesta teatral de Inquilino (Numancia 9, 2º A)

 

PG- (Risas)… Van a pasar un buen rato, van a reflexionar, se van a reír y les va a tocar la fibra sensible, van a identificarse con la historia o van a recordar a alguien en situaciones similares, van a hacerme feliz acompañándome….

 

H- Os doy mi palabra… Nos satisface un teatro que nos turbe y agite...

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sr. Paco Gámez, tengo que declarar que ha sido un honor esta charla humana y teatral…

 

PG- El honor es mío, estimado Hamlet. Puede usted firmarme un autógrafo, por favor.

 

 

SE FUNDEN EN UN FOGOSO ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE

 

INQUILINO (NUMANCIA 9, 2º A)

De Paco Gámez

Dirección Paco Gámez, Judith Pujol y Eva Redondo

 

Reparto: Paco Gámez.

Voces en off: Trinidad Blánquez, Fernando Epelde, Lucía Menéndez Iglesias, Judith Pujol, Miquel Àngel Raió, Eva Redondo y Mikele Urroz.

 

Equipo artístico:

Paco Gámez (Texto); Paco Gámez, Judith Pujol y Eva Redondo (Dirección); Xesca Salvá (Escenografía y Vestuario); David Picazo (Iluminación); Fernando Epelde (Espacio Sonoro); Miguel Àngel Raió (Videocreación).

 

Producción Centro Dramático Nacional.

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON JOSÉ MARÍA ESBEC SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

PONE EL PRISMA SOBRE EL PLANETA, NUESTRAS CRISIS PERSONALES Y POLÍTICAS

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Vivimos en un mundo adocenado que parece no permitirnos pensar ni generar incertidumbres. Creo que Hamlet, no obstante, goza del privilegio de ser un personaje universal, que forma parte de un vasto imaginario colectivo, por lo que caben numerosas propuestas.

  • Macmillan arroja luz sobre la crisis existencial de toda una generación y que esta está asida a una crisis planetaria. A su vez esta crisis del planeta es el resultado o el impacto de una serie de nefastas políticas que poco o nada nos favorecen…

  • Pulmones es la historia de una pareja que se desestabiliza por la inquietud que les genera tener un bebé al plantearse el impacto medioambiental que puede suponer.  El texto nos viene a decir cómo se puede ser coherente con nuestras propias ideas en un mundo que no lo permite, pues todo está marcado o preestablecido.

  • Se trata de un texto complejo con una temporalidad vertiginosa pues como el propio autor dice “es una conversación que dura toda una vida”. Por lo que los vértices temporales transcurren a toda velocidad y llenos de elipsis, lo que despista bastante a los actores. Pero hemos conversado mucho, y seguimos trabajando para mejorar cada día.

  • Creo que la asistencia al teatro debe partir de una suspicacia que se genere en el público. Y Pulmones las tiene todas. Es un texto de tremenda actualidad, en el que el espectador de hoy en día, seguro, se ve reflejado.

 

 HAMLET- Cuánto nos complace este reencuentro mi Sr. José María Esbec…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  ¿creéis mi señor, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias hoy en día?

 

JOSÉ MARÍA ESBEC- A mí también me complace este encuentro, querido… En cuanto a tu pregunta, me parece que las puede presentar, además de representarlas. Vivimos en un mundo adocenado que parece no permitirnos pensar ni generar incertidumbres. La verdad es que he pensado en montarla tantas veces y tan distintas… (Risas)… Depende del momento en que me encuentre, lo pienso de un modo diferente. Creo que, no obstante, goza del privilegio de ser un personaje universal, que forma parte de un vasto imaginario colectivo, por lo que caben numerosas propuestas.

 

H- Ya dijo el clásico, que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir, y algo debe ocurrir…

 

Risas a dúo

 

HAMLET- Vuestra reputación sube como la espuma, pero con los pies bien asentados… Aun así, perdonadme la osadía, ¿no habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos?

 

JME- ¡Y en su cabeza y en su pluma! 

 

H- Aplaudo el homenaje...

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. ¿Creéis mi Señor qué en estos momentos, es bueno que volvamos la vista hacia atrás, para aprender de nuestros clásicos?

 

JME- Creo que los clásicos siempre tienen una lectura para tu nuestro contexto, de ahí que sigan formando parte de nuestro patrimonio. Yo recurro con frecuencia a ellos, y dan buena cuenta de que el hombre, ese gran misterio por resolver, no cambia tanto…

 

H- El que lee mucho y anda mucho, ve mucho y sabe mucho.  

 

Risas a dúo

 

H- En estos días en los que el reino (y el planeta) huele a podrido… nos traéis al CDN Pulmones de Duncan Macmillan Contadnos que nos corroe la curiosidad… por qué habéis caído en la tentación de hablar de la crisis del planeta… aunque no os faltan excusas…

 

JME- (Sonrisas)… Creo que Macmillan arroja luz sobre la crisis existencial de toda una generación y que esta está asida a una crisis planetaria. A su vez esta crisis del planeta es el resultado o el impacto de una serie de nefastas políticas que poco o nada nos favorecen… Algo huele a podrido en Dinamarca, ya nos lo adelantaste…

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Nos invitáis a conocer los entresijos de una pareja que intenta construir su amor, su vínculo, superar sus contradicciones, sus conflictos, sus crisis... en un mundo en crisis, que parece condenado… nos suenan familiares esos dilemas, esas zozobras… Más decidme, que nos corroe la curiosidad… ¿qué se van a encontrar los espectadores?

 

JME- Pulmones es la historia de una pareja que se desestabiliza por la inquietud que les genera tener un bebé al plantearse el impacto medioambiental que puede suponer.  Asimismo, es un reflejo de todas las contradicciones que tiene cada una de las decisiones que toman. El texto nos viene a decir cómo se puede ser coherente con nuestras propias ideas en un mundo que no lo permite, pues todo está marcado o preestablecido.

 

 H- Vale más hacer y arrepentirse, que no hacer y arrepentirse…

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que Macmillan dibuja sus diálogos con toques de humor… Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, ¿creéis que es más fácil que los mensajes lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

JME- Podemos encontrar en la pieza de Macmillan algunas dosis de humor, en efecto. Esto hace que el espectador se identifique a través de la simpatía y no a través de la empatía –aunque también– y reconozca situaciones del texto como propias. El humor es una virtud muy sana.

 

H- Ya dijo el clásico que para reírse hace falta inteligencia.

 

Risas a dúo

 

H- Este viaje vital, existencial, está narrado a través de la conversación de un hombre y una mujer que se cuestionan su relación, sus decisiones… por lo que todo el peso de la función recae sobre los dos actores que prestan su sangre y carne a la pareja protagonista… Os interpelo (ya conocéis nuestras tendencias) … si para lograrlo habéis recurrido al látigo, o ponéis sentido común con mano izquierda…

 

JME- Bueno, el proceso ha sido duro… (Risas)... Se trata de un texto complejo con una temporalidad vertiginosa pues como el propio autor dice “es una conversación que dura toda una vida”. Por lo que los vértices temporales transcurren a toda velocidad y llenos de elipsis, lo que despista bastante a los actores. Pero hemos conversado mucho, y hemos –y seguimos– trabajando para mejorar cada día. Siempre, siempre, sentido común…

 

H- Sea como fuere lo que pienses, creo que es mejor decirlo con buenas palabras.

 

Risas a dúo

 

H- Como director, habréis buscado la mejor forma de acercarnos el periplo de este hombre y esta mujer…  para representar la rápida y rítmica sucesión de diálogos, situaciones, escenas… Como ya nos asfixia ansia, os lo suplico...  avanzadnos detalles de la puesta en escena...

 

JME- La puesta en escena está orientada a las convenciones y al juego y procuro que sea lo menos ilustrativa posible para no desmerecer nunca el gran dispositivo dramatúrgico que propone nuestro autor. Trato de dar sentido a las vertiginosas vidas con los elementos escénicos y, a su vez, procuro amparar de forma poética toda la crisis planetaria. Pero ya lo veréis, Hamlet, espero veros por ahí que juzguéis vos mismo.

 

H- Os doy mi palabra… nos puede la impaciencia...

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntan, y arropan el relato… con guiños a la filosofía de vida de la pareja protagonista.

 

JME- Así es… La forma de presentar a los personajes se acerca bastante a la de los jóvenes que los presentan. Y digo presentan porque, aunque exista personaje teatral, hemos intentado acercar las circunstancias y los contextos de los mismos a las de los actores. De hecho, se llaman por las iniciales de los propios actores: Z y A. Creo que hay un intento, también por parte del autor, de incidir en la universalidad de la obra.

 

H- Ya nos ahoga el desasosiego...  La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre los dilemas de los protagonistas…

 

JME- La iluminación está fundamentada más en la variación de los estados psicofísicos de los personajes que en la ilustración de los vértices espacio-temporales. Seguimos el criterio de no ilustrar puesto que desde el texto se entiende todo…

 

H- Deducimos que la música envuelve los ánimos y ánimas de los personajes...

 

JME- (Sonrisas)… También está vinculada a los estados emocionales… Hemos pensado, puesto que el personaje masculino es músico, que podía ser una playlist suya…

 

H- La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía...

 

Risas a dúo

 

H- Vuestra debilidad por los clásicos ha quedado probada… Y vuestra facilidad para conectar con el público, también… Por eso os planteo… ¿cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público?

 

JME- (Risas)… ¡Qué difícil pregunta! La verdad es que no lo sé… Ni siquiera estoy seguro de lo que hago muchas veces… Ni quiero estarlo. Desde luego, sé que el teatro no debe de ser el lugar de la certidumbre ni de las certezas. Eso es para otros…

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro fervor, frenesí por el teatro…Más os inquiero… ¿qué es para vos este Arte, y cómo lo vivís en estos momentos de vuestra carrera?

 

JME- (Risas)… Llevo tantos años haciendo teatro que he conseguido poner en almoneda todas las verdades que creía que encerraba. Pero he decidido quedarme aquí. Para mí es tan misterioso como el hombre y al ser este partícipe de forma directa en muchas –no todas– formas teatrales lo potencia aún más.

 

H- Para lograr éxito en cualquier asunto se necesita una cierta dosis de locura…

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Los recortes que están desmontando nuestra sociedad del bien-ser-estar, llegan como hachazos a la cultura...

Son muchos los proyectos que mueren en el intento... por eso se piden subvenciones… mecenazgos... otros dicen no....  Os sugiero terciar en la polémica… por si alguien toma nota...

 

JME- (Sonrisas)… Yo mismo he tenido que pagar por hacer teatro. El teatro es un arte holístico y para ello necesita el amparo del Estado. Se ha hecho mucho esfuerzo, en nuestro país desde los años 80, pero en Francia con Malraux mucho antes, que sirvió de modelo para que las políticas culturales llegasen a forman parte del Estado de Bienestar. Y decía recientemente en una entrevista un gran director europeo que sin el amparo público hoy no sería el artista que es, sino que formaría parte de otra profesión. El teatro necesita investigación, antes del proceso de explotación del producto, y en ese periodo que podemos llamar de pre-producción, el artista ha de ser amparado. Y hay que entender de una vez en este país que el teatro trasforma activos económicos en activos sociales, y que es necesario.

H- El teatro es un instrumento necesario para la educación del país, como dijo el clásico...

 

Risas a dúo

 

H- Nos duele ver el desprecio, la falta de interés, la precariedad que sufren los teatreros… Me cuestiono si será que los que nos gobiernan odian la cultura….

 

JME- Como dice el filósofo, la ignorancia del pueblo vale mucho dinero… En este caso, mucho “recorte” en la cultura…

 

H- Ningún legado es tan rico como la honestidad...

 

Risas a dúo

 

H- Estrenáis Pulmones en el Valle-Inclán, en este escenario, os requiero, qué rol representan, o deben representar los teatros públicos…

 

JME- El de amparar una cultura de calidad libre (en la producción y en la exhibición) y el de ser un lugar de diálogo para todos.

 

H- Lástima que los políticos no escuchen...

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro… Podríais mi Señor, contagiar un poco de vuestra pasión, para que los lectores se animen a descubrir Pulmones

 

JME- Creo que la asistencia al teatro debe partir de una suspicacia que se genere en el público. Y Pulmones las tiene todas. Es un texto de tremenda actualidad, en el que el espectador de hoy en día, seguro, se ve reflejado.

 

H- Aplaudo el presente…Nos agrada el teatro que agita y conmueve...

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sr. José María Esbec, ha sido un placer, esta charla humana y teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

JME- ¡Ojalá así sea! ¡Gracias, querido Hamlet!

 

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE

 

PULMONES

De: Duncan Macmillan

Traducción: María Caudevilla

Dirección: José María Esbec

 

Reparto (por orden alfabético)

Z: Zaida Alonso

A: Alberto Amarilla

 

Equipo artístico

Escenografía y vestuario: José María Esbec, Petros Lappas

Iluminación: Tomás Ezquerra

Diseño de vídeo: Miguel Álvarez G.

Ayudante de dirección: María Caudevilla

Fotografía: marcosGpunto

Diseño de cartel: Javier Jaén

Producción Centro Dramático Nacional.

 

https://cdn.mcu.es/temporada-actual/valle-inclan/

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON JOSE PADILLA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

CONSTRUYE UN SHYLOCK CARGADO DE PREGUNTAS QUE CUESTIONAN NUESTRAS CONTRADICCIONES

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Shakespeare ha vencido… Lo hemos puesto (a sabiendas) en tela de juicio y él ha salido vencedor. En un mundo eminentemente tecnológico, donde la información vuela, los clásicos nos siguen definiendo. Podrá cambiar la cáscara, pero lo de dentro... ¿Qué aprender de ellos? Lo falibles que somos, para empezar. Se nos olvida fácil.

  • Los espectadores se encontrarán un thriller judicial, una obra urdida en torno a un juicio en donde está en juego la vida de un hombre. Shakespeare te habilita para cuestionarte en muchos planos. La convivencia posible o no entre religiones, la convivencia de los afectos...  Preguntas de mucho calado.

  • Yo no puedo vivir sin la comedia, creo que es el género más redondo… Al Mercader se la consideró una comedia en sus inicios, de hecho, casi una parodia que señalaba precisamente a Shylock, al judío. Esto lo abordamos sin pudor en nuestra propuesta, y las respuestas, claro, quizá no son cómodas.

  • Hay un equipo fabuloso que invitan al público a una función quizá peculiar y seguro de su interés. Y, por supuesto, Shakespeare. Siempre Shakespeare.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sr. Jose Padilla...  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… ¿no creéis, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias hoy en día?

 

JOSE PADILLA- Buf, Hamlet... (risas)… Ese es un sueño al que, creo, todo director debe aspirar. No puedo responder a esa pregunta de inmediato porque no tiene fácil respuesta. Lo que sí haré es apuntármela en la agenda de mis retos como director.

 

H- Hacemos votos para que vuestros sueños se hagan realidad...

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos de vuestro intenso interés por nuestro padre… Aun así, perdonadme la osadía, os inquiero si ante un folio en blanco habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos...

 

JP- (Risas)… ¿Qué dramaturgo no ha sentido algo así? Es que da igual tu estilo o preferencias, uno sabe que Shakespeare lo hizo antes y, casi con total seguridad, mejor.

 

H- El que lee mucho y anda mucho, ve mucho y sabe mucho

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, turbulentos, tormentosos, de crisis financieras y humanas... Por eso os cuestiono, en estos momentos, qué podemos aprender de nuestros clásicos...

 

JP- Todo y más, nuestro montaje es prueba de ello. Carlos, nuestro director, lo dice mucho: Shakespeare ha vencido. Y así es, lo hemos puesto (a sabiendas) en tela de juicio y él ha salido vencedor. En un mundo eminentemente tecnológico, donde la información vuela, los clásicos nos siguen definiendo. Podrá cambiar la cáscara, pero lo de dentro... ¿Qué aprender de ellos? Lo falibles que somos, para empezar. Se nos olvida fácil.

 

H- A riesgo de sonar zalamero, admito que volvemos a coincidir… Todo está en los clásicos…

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos acercáis Mercaderes de Babel... Contadnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación de esta obra… aunque no hagan falta excusas para releer el original, Mercader de Venecia…

 

JP- Nace de la unión de dos creadores como Carlos Aladro y Javier Lara, a ellos se les une un auténtico portador del legado de la tradición inglesa teatral: Greg Hicks y, después, me invitan a mí.  Empezamos una labor de investigación a partir de diversos talleres, yo tuve la suerte de observar su trabajo y de dirigir también mis propuestas, la libertad era absoluta, responde mucho al espíritu de Carlos como director de escena y director de una institución como la Abadía: esto es una reunión de creadores escénicos, muchos más de los cuatro mencionados, que asumen riesgos y que se alejan del teatro como pieza de museo. Conecto mucho con esa propuesta de Carlos y les estoy muy agradecido a Javier y a él.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito

 

Risas a dúo

 

H- Vuestro Shylock está cargado con dilemas, cuestiones… bien sabéis lo mucho que nos ahogan la incertidumbre, la desazón… Contadme… ¿qué habéis descubierto de los personajes de Shakespeare al llevarlos a las tablas?…  ¿qué se van a encontrar en Babel… los espectadores de este siglo XXI…? 

 

JP- Los espectadores se encontrarán un thriller judicial, una obra urdida en torno a un juicio en donde está en juego la vida de un hombre. En este juicio se plantean dudas que apelan a nuestra tradición cultural, nos atañen a todos como sociedad más allá del hecho cultural. Shakespeare te habilita para cuestionarte en muchos planos. La convivencia posible o no entre religiones, la convivencia de los afectos...  Preguntas de mucho calado.

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones… 

 

Risas a dúo

 

H- El Mercader es en teoría, una comedia…. Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, ¿creéis que es más fácil que los dardos de la crítica, la ironía, lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

JP- Yo no puedo vivir sin la comedia, creo que es el género más redondo, el que los incluye a todos, pero no hemos incidido en este aspecto en nuestra propuesta (aunque, inevitablemente, la haya). Se la consideró una comedia en sus inicios, de hecho, casi una parodia que señalaba precisamente a Shylock, al judío. Esto lo abordamos sin pudor en nuestra propuesta, y las respuestas, claro, quizá no son cómodas.

 

H- Aplaudo el teatro que nos turba y agita

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

JP- Preciso y directo. Nada nuevo, por otra parte.

 

H- Nos agrada el presente

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestra pasión por el teatro… Mas os requiero...   cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera...

 

JP- (Risas)… No será gratuito que nos hayamos juntado los que nos hemos juntado en Mercaderes. Estamos en proceso de búsqueda, de replantear lo aprendido.

 

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Vos qué pediríais a los políticos… por si alguien toma nota…

 

JP- Sensatez. Con eso daría.

 

H- Lástima que no escuchen…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla … Para los que se resisten al teatro… Podríais contagiar un poco de vuestro entusiasmo, para que los lectores se animen a descubrir estos Mercaderes…

 

JP- Hay un equipo fabuloso que invitan al público a una función quizá peculiar y seguro de su interés. Y, por supuesto, Shakespeare. Siempre Shakespeare.

 

H- Acepto el consejo, y lo paso…

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sr. Padilla, ha sido un honor esta charla teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés…

 

JP- Ojalá sea pronto, sí

 

SE DESPIDEN CON UN APASIONADO ABRAZO. ENTRE BAMBLINAS RESUENAN LAS RISAS DE   SHAKESPERE

 

MERCADERES DE BABEL

Una creación a partir de El Mercader de Venecia, de William Shakespeare

Dirección: Carlos Aladro

Texto: Jose Padilla

 

Elenco

Greg Hicks

Javier Lara

Alba Enríquez

Natalia Huarte

Juan Blanco

Ramón Pujol

 

Espacio sonoro: Manu Solís

Iluminación: Pablo R. Seoane (Cía. de la Luz)

Espacio escénico y vestuario: Paula Castellano

 

https://www.teatroabadia.com

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON VANESSA MARTÍNEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIAJAR AL PASADO CON ORLANDO, A REFLEXIONAR SOBRE ROLES, EN EL PRESENTE

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

 

  • Lo más interesante de Hamlet es el dilema moral… Es una “rara avis” entre los gobernantes, porque ni en la época de Shakespeare ni en la actual suelen tener dilemas morales de ningún tipo, venden su alma al diablo al primer golpe de escaño…

  • Los abusos de poder, la hipocresía, la indolencia de los tiranos, el sufrimiento de muchos para el beneficio de pocos… todo eso se repite. Representar a los clásicos es hacer una pequeña contribución a la ley de memoria histórica; ya se sabe que el pueblo que olvida su historia está condenado a repetirla.

  • El teatro es parte de nuestra identidad cultural, e identidad cultural es aquello que nos define como sociedad. El teatro es patrimonio, no es cuestionable. El teatro no es un producto, no puede serlo, si queremos que sea nutritivo, sorprendente, valiente y, sobre todo, libre.

  • Se van a encontrar con una trepidante historia de cuatrocientos años llena de viajes, duelos, romances… Orlando es también una reflexión sobre la identidad de género. Creo sin duda que esta es la reflexión que más se conecta con nuestra contemporaneidad, la de los roles masculinos y femeninos en lo social y en lo interpersonal. 

  • Que se dejen estimular por el teatro, que se permitan sentarse en una butaca y dejar trabajar al músculo de la imaginación de la mano de un espectáculo alegre, inteligente y pensado para el disfrute y la reflexión.

 

HAMLET: Cuánto nos complace este encuentro mi Sra. Vanessa Martínez... Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…    ¿no creéis, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias, sobre las tablas de 2019?

 

VM- (Risas)… Yo creo que esa es la pregunta que se hacen toooodos los directores de escena, ¿no? Parece que hay dos tipos de directores: los que han dirigido Hamlet, y los que lo van a dirigir, pero nadie se escapa. Es como una especie de DNI teatral, tu signo distintivo, “dime qué Hamlet diriges y te diré quién eres”. Para mí, lo más interesante de Hamlet es el dilema moral: debe hacer cosas que están mal, desde el punto de vista ético, para restaurar la justicia y vengar a su padre. Y a Hamlet, que tonto no era, no le gusta la idea; por eso se resiste, por eso inventa mil y una excusas para no matar a su tío hasta el quinto acto. No creo que dude, sino que lucha, creo que hay una procrastinación de lo inevitable: cumplir con su deber será su condena. Por eso Hamlet es una “rara avis” entre los gobernantes, porque ni en la época de Shakespeare ni en la actual suelen tener dilemas morales de ningún tipo, venden su alma al diablo al primer golpe de escaño. Y por eso es incomprensible para los demás y es tildado de pasivo, porque busca desesperadamente la compatibilidad entre su deber y su salvación.

 

H- Os agradezco el retrato… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…     

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos de vuestro intenso interés por nuestro padre… Aun así, perdonadme la osadía, os interrogo si ante un folio en blanco habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos...

 

VM- (Risas)… No sé si la palabra es envidia. Creo que lo que he sentido es vergüenza. Siempre me he sentido desautorizada como dramaturga, fraudulenta. Me ha costado muchísimo confiar en que lo que estaba escribiendo estaba bien y tenía sentido escribirlo. Pero a medida que me fui atreviendo a hacerlo, me di cuenta de que sabía más de lo que me imaginaba, y en gran parte es gracias a nuestro bardo amigo; traducir sus textos y versionarlos ha sido como abrir un reloj suizo de gran precisión y ver los mecanismos que lo mueven. Hay algo matemático/divino en la manera de abordar los conflictos de Shakespeare que hipnotiza y envuelve. Traducirlo es como poder ver Matrix.

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de las mujeres.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas.… Por eso os cuestiono… decidme mi señora en estos momentos, ¿qué podemos aprender de nuestros clásicos?

 

VM- Básicamente que cualquier tiempo pasado no fue mejor. Que los abusos de poder, la hipocresía, la indolencia de los tiranos, el sufrimiento de muchos para el beneficio de pocos… todo eso se repite. Representar a los clásicos es hacer una pequeña contribución a la ley de memoria histórica; ya se sabe que el pueblo que olvida su historia está condenado a repetirla.

 

H- Ya dijo el clásico… el teatro es uno de los más útiles instrumentos para la educación de un país, el barómetro que marca su grandeza o su descenso.

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos acercáis, presentáis a Orlando... Decidnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación de esta obra… aunque no hagan falta excusas para releer el original, de Virginia Woolf…

 

VM- El proyecto surge por la necesidad que teníamos como compañía de seguir explorando las líneas de creación colectiva que habíamos concretado en nuestro espectáculo anterior, “Los Atroces”, esta vez aplicadas a un texto ya escrito que despertara nuestro entusiasmo, como es el caso de Orlando. La tentación me la puso en bandeja Gemma Solé, actriz de la compañía, que fue quien primero me habló del texto y de la posibilidad de convertirlo en espectáculo. Si bien la idea original era transformarlo en monólogo, a medida que profundicé en la novela me di cuenta de que necesitaba de un esquema vertebrador distinto, más complejo y versátil, para mostrar todo el universo que Orlando encierra. Y así empezamos a investigar.

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…  

 

Risas a dúo

 

H- Perdonadme la impaciencia, pero nos corroe la curiosidad…. Contadme más sobre ese universo Orlando… ¿qué habéis descubierto de los personajes de Virginia Woolf al llevarlos a las tablas? ¿qué se van a encontrar en vuestro Orlando… los espectadores de este siglo XXI…?

 

VM- Se van a encontrar con una trepidante historia de cuatrocientos años llena de viajes, duelos, romances… todos los ingredientes de una novela de aventuras. Es una biografía que se cuestiona a sí misma mientras es escrita, una reflexión sobre el propio acto de escribir, una reflexión sobre la identidad. Orlando llega a la conclusión de que no somos una sola cosa, sino la superposición de los distintos yoes que habitan en nosotros. Yo he sentido eso de una manera profunda e íntima; al mirar hacia el pasado, al verme a mí misma en determinadas situaciones o con determinadas personas, me ha parecido que aquello había pasado en otra vida, que yo era otra persona. Orlando desarrolla este tema, así como el de la identidad del artista, a través de cuatrocientos años, y no sólo eso; es también una reflexión sobre la identidad de género. En mitad de esa vida, Orlando pasa de ser hombre a ser mujer. Creo sin duda que esta es la reflexión que más se conecta con nuestra contemporaneidad, la de los roles masculinos y femeninos en lo social y en lo interpersonal.

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que vuestro Orlando tiene mucho humor…. Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señora, ¿creéis que es más fácil que los dardos de la crítica, la ironía llegue a nuestro cerebro a través del humor?

 

VM- Sin duda alguna. Tengo una natural inclinación hacia la comedia… (risas)…  Todo se resume en el famoso principio de “tomar lo serio en broma y lo gracioso en serio”. La comedia en realidad lleva en sí el germen de una tragedia incomprendida. El personaje vive una tragedia, es el público el que ve una comedia. Es una manera de apelar a la inteligencia crítica del espectador, pero también a su empatía.

 

H- Esperemos que esta noche alguien vuelva a su casa con la cabeza clavada.

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un equipo, trabajáis en compañía, con Teatro de Fondo… Mas me planteo (ya conocéis nuestras tendencias) … cómo ha sido esta labor de construcción colectiva… los ensayos para dar vida, carne, en un mismo actor-actriz… a esos personajes heterogéneos, dispares... Y os interpelo si para conseguirlo habéis usado guante de seda, o puño de acero...

 

VM- (Risas)… No he necesitado hacer demasiado esfuerzo, he contado con un elenco maravilloso y creativo, actores que se saben artistas. Yo les proponía unas reglas del juego y ellos, al jugar, iban configurando las escenas y los personajes. De todo el material que improvisaban yo iba descartando aquello que se alejaba del discurso principal y dando forma a los hallazgos que ellos realizaban. Así iba escribiendo escenas, las probábamos, las corregíamos…  y así durante los ocho meses que duró el proceso de creación. Ha sido muy intenso y gratificante.

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.

 

Risas a dúo

 

H- Vuestras palabras despiertan nuestro apetito teatral… Os lo suplico mi señora, que ya nos asfixia el ansia… ¿Podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

VM- (Risas)… No quiero desvelar demasiado para no aguar la sorpresa, pero la idea es que asistimos al proceso por el cual cuatro biógrafos, cada uno con estilos literarios distintos, intentan ponerse de acuerdo para escribir la biografía de Orlando, al tiempo que van interpretando los distintos personajes que van surgiendo, algo que por momentos se complica extremadamente. Todo tiene que ver con libros y plumas. Y es el vestuario y especialmente la música quienes nos sirven para viajar en el tiempo con Orlando a través de los cuatro siglos que abarca su aventura. Hasta ahí puedo leer.

 

H- Para lograr éxito en cualquier asunto se necesita una cierta dosis de locura...

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme, mi señora… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

VM- Debe ser claro, juguetón, sorprendente y, sobre todo, empático. Siento que hay gran cantidad de propuestas escénicas hoy en día que adolecen de esto último. Yo no olvido nunca que el teatro es un acto comunicativo, que me implica tanto a mi (emisor) como al público(receptor), tanto al significado como al significante. Si el código en el que yo me muevo no traslada un significado concreto y comprensible, mi intención se queda en un significante hueco, más o menos estético o elaborado, pero siempre críptico. No me gusta el teatro inaccesible, me produce una profunda pereza y me parece egoísta.

 

H- El teatro como juego... Aplaudo el presente…

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro fervor, frenesí por el teatro… Mas os inquiero decidme, mi señora ¿qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera?

 

VM- El teatro es parte de quién soy, como lo es mi brazo derecho o mi páncreas. Incluso cuando no estoy en un teatro o en una sala de ensayo, el teatro sigue estando en mi cabeza y en los poros de mi piel. No ha sido una opción dedicarme a él; si hubiera podido elegir, me habría decantado por algo menos doloroso y más rentable, desde luego. Pero, honestamente, no hay ningún lugar donde me sienta tan feliz como en un teatro.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

H- Celebramos vuestra llegada a los Teatros del Canal… En este escenario os requiero  ¿qué rol representan, o deben representar los teatros públicos en la divulgación de este arte?

 

VM- No tengo muy claro qué papel desempeñan, pero sí cuál deberían desempeñar. Deberían ser foro de exposición de la diversidad, un sustento de las iniciativas que arriesgan y se decantan por espectáculos con una apuesta artística clara y pertinente, y no de aquellas de corte comercial, que enmascaran su ausencia de interés con cabezas de cartel y directores de moda. Ese teatro ya tiene su espacio, y no es el público. Las compañías, y en especial las compañías de Madrid, nos sentimos completamente desamparadas por parte de las instituciones. Para nosotros, poder estrenar en los Teatros del Canal es una victoria, la mayoría de las compañías madrileñas de características similares a las nuestras no tienen esa oportunidad. Y esto no debería ser así.

 

H- Ser honrada tal como anda el mundo, equivale a ser una mujer escogida entre diez mil.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Nos duele la precariedad, nos apena que sean tantos los proyectos que perecen en el intento… Unos piden subvenciones, otros mecenazgos… Vos lo vivís desde Teatro de Fondo… Como estamos en época de promesas… Os sugiero tomar la palabra… por si algún político toma nota…

 

VM- (Risas)… Para que los políticos pudieran adoptar medidas que ayuden a que el teatro no muera por inanición, (porque eso es lo que está pasando), primero hay dos conceptos que tendrían que estar muy claros:

El primero es que el teatro es parte de nuestra identidad cultural, e identidad cultural es aquello que nos define como sociedad. El teatro es patrimonio, no es cuestionable. Invisibilizarlo es es algo así como decir “soy una sociedad sin identidad”. Los ingleses lo tienen clarísimo: beben té a las 5, comen pescado rebozado con patatas fritas y van al teatro, esa es su identidad. La nuestra tiene más que ver con salir de cañas y jugar al mus. Debemos preguntarnos qué tipo de sociedad queremos ser.

El segundo concepto es que el teatro no puede ser un negocio, y muchísimo menos el teatro público. La cultura ha de ser forzosamente deficitaria. De otro modo estaremos sometiendo al teatro a las mismas leyes de la oferta y la demanda por las que se rige cualquier producto comercial. El teatro no es un producto, no puede serlo, si queremos que sea nutritivo, sorprendente, valiente y, sobre todo, libre.

Teniendo estos dos conceptos presentes, estoy segura de que nuestros gobernantes sabrían perfectamente qué hacer. Lo que hay que cambiar no son las políticas, sino las mentes.

 

H- Ya dijo el clásico que siempre merece la pena hacer una pregunta… aunque añadió, que los políticos no escuchan…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… para los que se resisten al teatro…. Podríais contagiar un poco de vuestro entusiasmo por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir este Orlando…

 

VM- Que se dejen estimular por el teatro, que se permitan sentarse en una butaca y dejar trabajar al músculo de la imaginación de la mano de un espectáculo alegre, inteligente y pensado para el disfrute y la reflexión.

 

H- Como espectador nos satisface… Festejamos un teatro que nos deleite y agite...

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sra. Vanessa Martínez, ha sido un honor esta charla teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés…

 

VM- A sus pies.

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE VIRGINIA Y WILLIAM

ORLANDO

De Virginia Woolf

Dirección escénica: Vanessa Martínez

Teatros del Canal

Reparto 

Gustavo Galindo: Biógrafo Poeta, Archiduquesa, Shelmerdine, Swift…

Pablo Huetos: Biógrafo Crítico, Greene, Lady R., Sra. Bartholomew…

Rebeca Sala: Orlando

Pedro Santos: Biógrafo Experto, Isabel I, Scrope, Sra. Grimsditch, Addison…

Gemma Solé: Biógrafo Aprendiz, Sasha, Penelope, Pope…

 

Equipo artístico y técnico 

Escenografía: Alessio Meloni (AAPEE)

Construcción: Miseria y Hambre SL

Vestuario: Paola de Diego

Ayudante de vestuario: Íñigo Álvarez de Lara Moreno

Ilustraciones: Luis Frutos

Animación: Chicken Assemble

Iluminación: David Martínez

Coordinación técnica: Miseria y Hambre SL

Ensemble grabación

Laura Salinas: Viola de gamba

Ramiro Morales: Guitarra barroca y archilaúd

Iván Mellén: Percusiones 

Roberto Terrón: Contrabajo 

Joan Espina: Violín

Antonio Toledo: Guitarra española y Bouzuki 

Daniel del Pino: Piano

Andreas Prittwitz: Director musical, flautas, clarinete y saxos

 

Asesoría de movimiento: Arnold Taraborrelli

Lucha escénica: Mon Ceballos

Una Producción de la Compañía Teatro Defondo (Comunidad de Madrid)
 
 

https://www.teatroscanal.com

 

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON LAURA ORTEGA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

OTRA MIRADA A LAS PINTURAS NEGRAS, LOS PERSONAJES Y SUS FANTASMAS

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Dinamarca, en las tablas, debe siempre oler a podrido. El teatro es ficción que, a pesar de serlo, nos sitúa frente a la necesidad de hacer algo con lo que sabemos, tomar cartas en lo que sucede a nuestro alrededor. Su tragedia, joven príncipe, es que no hace nada, solo sufre... Así que ¿por qué no convertirle en un hikikomori contemporáneo?

  • Se cumplen doscientos años de la adquisición de la Quinta del Sordo, donde Goya comienza a pintar los murales que hoy llamamos las Pinturas negras. Lo que me interesa es que, mientras las pintaba, como dice uno de los personajes en la función, lo que sucedía fuera de la casa las convierte en “Los desastres de la paz”.

  • Cuando Goya satiriza el comportamiento y la vida social de su época, con esa mirada bifocal, lo que busca es probablemente obligarnos a mirar una realidad alterna, subalterna y simultánea a la nuestra, como si lleváramos puestas unas gafas para desengañarnos. Lo fantástico es que Goya apunta también a eso, a lo que media entre nosotros y el mundo, en cómo nos comprendemos a través de las imágenes y cómo estas nos cuentan.

  • Aunque en la obra de Sanchis Sinisterra hay apariciones y fantasmas, a estos se les puede mirar a la cara. ¿Hasta qué punto somos parte de una pintura negra? Dar respuesta a eso es tomar cartas en el asunto de aquello que no vemos y deberíamos ver para entonces medirnos con la superstición, la violencia y los otros temas de las Pinturas negras.

  • La puesta en escena remite a la mecánica de la linterna mágica y los espectáculos de fantasmagoría, que eran proyecciones sobre humo de calaveras y monstruos, un antecedente del cine. Lo interesante de la fantasmagoría es que el público, por primera vez casi a oscuras en el teatro, practica la simultaneidad de creencia e incredulidad… No hay brujas volando por los aires. Ahora bien, si las ves, no puedes negar que las ves…

  • Descubrir el coloso de Goya a partir de los “figurantes”, de sus cuadros, los personajes secundarios de su historia, huyendo así del ilusionismo típico de los biopics. Convertirse en voyeurs de los últimos años del pintor, sordo y enfermo, en un tiempo convulso y dialogar con su tiempo (y nuestro tiempo) desde la incertidumbre de quien no tiene todas las respuestas.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sra. Laura Ortega…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  si creéis mi señora, que en estos momentos en que el reino huele a podrido… este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias… Y decidme cómo lo llevaríais sobre las Tablas de 2019...

 

LAURA ORTEGA- (Risas)… Dinamarca, en las tablas, debe siempre oler a podrido. El teatro es ficción que, a pesar de serlo, nos sitúa frente a la necesidad de hacer algo con lo que sabemos, tomar cartas en lo que sucede a nuestro alrededor. Su tragedia, joven príncipe, es que no hace nada, solo sufre. Después de hablar con el fantasma de su padre y de que este le cuente cosas terribles, como, por ejemplo, que el reino se ha convertido en una fantasmagoría de la que asoma un estado policial, de vigilancia y control, se pierde usted. Así que ¿por qué no convertirle en un hikikomori contemporáneo?

 

HAMLET- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…

 

Risas a dúo

 

LO- Por cierto... La primera traducción española de Hamlet, de 1794, se la debemos a Moratín. Ahí es nada… (risas)... Leandro Fernández Moratín, que pasó muchos años exiliado, dando tumbos por Europa, aparece en la función. Goya y él eran amigos y se reencuentran en Burdeos, en un exilio compartido.

 

H- Nos agrada el detalle y aplaudo el presente…

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. Bien conocemos vuestra querencia por los Clásicos… Mas nos carcome la curiosidad, y os consulto…  en estos momentos, qué podemos aprender de nuestros clásicos...

 

LO- (Risas)… Los clásicos, siempre con minúsculas, son esos libros que en realidad nadie lee, porque a lo sumo, como decía Italo Calvino, se pueden releer. Si no los reinterpretas, es difícil tratar con ellos, porque se acomodan bien a lo que ya sabemos ver y decir sobre ellos. Hablaba antes de Moratín, que es un ejemplo paradigmático. El sí de las niñas, o La comedia nueva, son clásicos, de una radicalidad incombustible. Cuando Goya satiriza el comportamiento y la vida social de su época, con esa mirada bifocal, lo que busca es probablemente obligarnos a mirar una realidad alterna, subalterna y simultánea a la nuestra, como si lleváramos puestas unas gafas para desengañarnos. Lo fantástico es que Goya apunta también a eso, a lo que media entre nosotros y el mundo, en cómo nos comprendemos a través de las imágenes y cómo estas nos cuentan. Hasta las representaciones del dolor o la miseria, frecuentes en su obra, conllevaban el riesgo de que los personajes, deformados, no parecieran tener autonomía, es decir, ser verdaderos personajes, que es uno de los temas de Monsieur Goya, pero su “aparato” óptico apunta a sí mismo y sacude nuestra percepción. Gracias a la ilusión, no solo a pesar de ella.

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Nos traéis a la villa y corte, al Teatro Fernán Gómez, a Monsieur Goya… una indagaciónde José Sanchis Sinisterra... (by the way… nuestros respetos al maestro)… Perdonadme la impaciencia, pero ya nos asfixia el ansia… Contadnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación de este autor, esta obra que rememora el génesis de las Pinturas Negras… aunque no hagan falta excusas…

 

LO- (Risas)… Eso es, no hace falta explicar el privilegio de embarcarse en una producción como esta. El texto de José Sanchis Sinisterra es prodigioso y ha permitido que investiguemos con todo el equipo artístico sobre aspectos muy diversos de la época y sobre la relación de los personajes con la historia que cuentan. Se cumplen doscientos años de la adquisición de la Quinta del Sordo, donde Goya comienza a pintar los murales que hoy llamamos las Pinturas negras. Difícilmente pudo ser un remanso de paz, eso es una versión probablemente sentimental de su retiro, centrada en el alcance de las intenciones de un genio.

Lo que me interesa es que, mientras las pintaba, como dice uno de los personajes en la función, lo que sucedía fuera de la casa las convierte en “Los desastres de la paz”. Goya, Leocadia Zorrilla y sus dos hijos, Rosario y Guillermo, huyen a Francia en 1824, como Leandro Fernández de Moratín o Antonio de Brugada. Y es esta familia “bastarda” la que tiene el protagonismo de contar “Monsieur Goya”.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Hace 200 años… vuestro protagonista M. Goya se enfrentaba a sus monstruos en Las pinturas negras… Nos resultan familiares las dudas, la desazón, ante la disyuntiva de decidir… Mas contadme… que ya nos corroen las cuestiones… ¿qué habéis descubierto al llevarlo a las tablas? ¿qué se van a encontrar bajo esa bruma… los espectadores de este siglo XXI…? ¿van a sentirse identificados con esos espectros, esas apariciones?

 

LO- Hamlet se lleva a su terreno la pregunta...  (risas)... Las dudas, la angustia existencial no se oponen a la acción. No, desde luego, en la obra de un artista que se expresa de manera enigmática, pero rotunda. Goya habla de cosas muy concretas, de la deriva de la sociedad en la que vive, las tensiones están siendo sometidos los cuerpos y las cabezas de los españoles: mujeres, niños, soldados. Hablar de sus intenciones, o de su biografía, buscar ahí la explicación de su contemporaneidad, es engañoso.

Aunque en la obra de Sanchis Sinisterra hay apariciones y fantasmas, a estos se les puede mirar a la cara. ¿Hasta qué punto somos parte de una pintura negra? Dar respuesta a eso es tomar cartas en el asunto de aquello que no vemos y deberíamos ver para entonces medirnos con la superstición, la violencia y los otros temas de las Pinturas negras.

 

H- Ya dijo el clásico que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir…

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un elenco de actores que han encarnado a los personajes dibujados por Sanchis Sinisterra… Me planteo… (ya conocéis nuestras tendencias)… cómo han sido los ensayos… para dar vida a esos personajes...

 

LO- El dibujo de los personajes en el texto ha servido para lanzar desde ahí infinidad de preguntas. Ha sido necesario mucho trabajo de investigación y de capas, en la creación. Hay un historiador cultural en el equipo artístico, Juan Menchero, y el trabajo de todos, tanto de los actores como del resto del equipo artístico, ha consistido en tomar decisiones arriesgadas para devolverles a los personajes históricos una razón para querer comparecer ante el público de hoy. Inma Cuevas, Alfonso Torregrosa, Andrea Trepat, Alfonso Delgado, Font García, Fernando Sainz de la Maza y María Mota, son los actores que encarnan esta “última familia” de Goya.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito.

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que como directora habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia de teatro, escrita dentro del teatro…  Mas os lo ruego, que con la demora se desata la desazón...  ¿Podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

LO- Habla de muchas cosas, recogidas en momentos puntuales por un autor de hoy que intenta escribir una obra sobre Goya y las Pinturas negras. La puesta en escena remite a la mecánica de la linterna mágica y los espectáculos de fantasmagoría, que eran proyecciones sobre humo de calaveras y monstruos, un antecedente del cine. Lo interesante de la fantasmagoría es que el público, por primera vez casi a oscuras en el teatro, practica la simultaneidad de creencia e incredulidad. Los sentidos contradicen lo que se sabía que era verdad, como que los fantasmas no existen o que no hay brujas volando por los aires. Ahora bien, si las ves, no puedes negar que las ves… (risas)...

Todos razonamos un poco así cuando sentimos y pensamos algo en nuestro teatrillo y nos lo imaginamos y lo hacemos presente. A este autor contemporáneo le sucede justamente esto. Mientras intenta escribir una obra sobre Goya, se enfrenta al resultado de su trabajo. Le cuesta reconocerlo, porque aparecen estos personajes del pasado que, aun siendo suyos, se le resisten, no los puede controlar. Quiere contar algo que sea verdad, pero la verdad sobre eso que busca es la desilusión que forma parte de la fantasmagoría.

 

H- La diferencia entre el pasado, el presente y el futuro es solo una ilusión persistente… dijo el clásico...

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que Daniel Canogar ha creado su primera videoescena para teatro... La expectación nos provoca el apetito… os lo pido, decidnos qué papel juega en la representación…

 

LO- No puedo decir mucho… (risas)... hay que verlo. Daniel Canogar ha realizado una serie de piezas impecable que habla de las imágenes y nuestra relación con ellas y con la tecnología que las produce y las hace circular. Es una mirada, no solo sobre Goya y su mundo, sino sobre el presente.

 

H- Cuanto más grande es la prueba, más glorioso es el triunfo...  Suso Saiz ha ideado la música y el espacio sonoro… deducimos que envuelven a los personajes y su historia...

 

LO- (Sonrisas)... El trabajo de Suso es igualmente brillante, tiene capas alucinantes que recorren esa bruma de tiempo en que se desarrolla parte de la obra, que nos aleja de estos fantasmas y nos agrupa con ellos, todo a la vez.  Es una caverna sonora.

 

H- Una mujer que no se alimenta de sus sueños envejece pronto...  Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntarán con el relato… 

 

LO- (Sonrisas)… El vestuario y la escenografía juegan con lo contemporáneo. El espacio es una máquina óptica, una especie de zootropo, como una lente, atravesada por una grieta que sirve como río y estanque, a orillas del Manzanares y del Garona, en Burdeos. El vestuario, de Almudena Bautista, tiene esa misma función, de corte, por el que aparece la contemporaneidad de los personajes creados por este autor.

 

H- Al bien hacer jamás le falta premio... La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre el protagonista…

 

LO- (Sonrisas)… La iluminación de Sarri es otro de los aspectos que más va a sorprender. La luz, dice uno de los personajes, es la condición de las imágenes.

 

H- Ante los artistas nos quitamos el sombrero...

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme, mi señora… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

LO- (Risas)… Difícil saberlo. Lo que se echa de menos en el teatro siempre es la verdad, que como decía antes, puede ser precisamente el desengaño o la desilusión respecto de lo que vemos, sentimos, cómo nos pensamos a nosotros mismos.

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de las mujeres…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro… podríais mi Señora contagiar un poco de vuestra pasión por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir a M. Goya…

 

LO- El mejor argumento es que es una gran oportunidad descubrir el coloso de Goya a partir de los “figurantes”, de sus cuadros, los personajes secundarios de su historia, huyendo así del ilusionismo típico de los biopics. Convertirse en voyeurs de los últimos años del pintor, sordo y enfermo, en un tiempo convulso y dialogar con su tiempo (y nuestro tiempo) desde la incertidumbre de quien no tiene todas las respuestas.

 

H- Os tomo el consejo, y prometo seguirlo…

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sra. Ortega, ha sido un placer esta charla… espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

LO- Así lo espero.

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO.  RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE Y SANCHIS SINISTERRA

 

MONSIEUR GOYA, UNA INDAGACIÓN

Autor: José Sanchis Sinisterra

ElencoAlfonso Delgado, Inma Cuevas, Alfonso Torregrosa, María Mota, Andrea Trepat, Fernando Sainz de la Maza Font García

DirecciónLaura Ortega

VideoescenaDaniel Canogar

Música y espacio sonoro: Suso Saiz

Una producción del teatro Fernán Gómez. CC de la Villa

 

https://www.teatrofernangomez.es/actividades/monsieur-goya-una-indagacion

 

Titania  

 

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