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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 15-11-2019

 

NOTICIAS TEATRALES
Elaboradas por Salvador Enríquez
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ENTREVISTAS

 

Índice de ENTREVISTAS

Para leerlas, pulsa en el periódico de la izquierda

HAMLET CHARLA CON JOSE PADILLA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

CONSTRUYE UN SHYLOCK CARGADO DE PREGUNTAS QUE CUESTIONAN NUESTRAS CONTRADICCIONES

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON VANESSA MARTÍNEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIAJAR AL PASADO CON ORLANDO, A REFLEXIONAR SOBRE ROLES, EN EL PRESENTE

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON LAURA ORTEGA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

OTRA MIRADA A LAS PINTURAS NEGRAS, LOS PERSONAJES Y SUS FANTASMAS

(Una entrevista de Titania)

TEODORO GRACIA, DIRECTOR DEL FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO VEGAS BAJAS

 (Una entrevista de Francisco Collado)

HAMLET CHARLA CON JUAN CARLOS RUBIO SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIVIR JUNTOS NUESTRA ANORMALIDAD, CON TERNURA, CON EMPATÍA

(Una entrevista de Titania)

ENTREVISTA A JOSÉ VICENTE MOIRÓN

Por Francisco Collado

HAMLET CHARLA CON NATALIA MENÉNDEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

ANSIAS, SUEÑOS, SORPRESAS, ABSURDO... A LA SOMBRA DE UN SOMBRERO

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON RULO PARDO SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

EL PLACER DE PRESENTAR SU PERSONAL PASIÓN POR UN PLANETA PRECIOSO

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON JULIO SALVATIERRA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

SE VENDE, SE COMPRA: LA CORRUPCIÓN CERCA CADA CASA

(Una entrevista de Titania)

HAMLET CHARLA CON EDUARDO VASCO E IGNACIO DEL MORAL SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS ENFRENTAN A NUESTRO REFLEJO EN  : UN RETRATO CON DOS CARAS

(Una entrevista de Titania)

 

HAMLET CHARLA CON JOSE PADILLA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

CONSTRUYE UN SHYLOCK CARGADO DE PREGUNTAS QUE CUESTIONAN NUESTRAS CONTRADICCIONES

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Shakespeare ha vencido… Lo hemos puesto (a sabiendas) en tela de juicio y él ha salido vencedor. En un mundo eminentemente tecnológico, donde la información vuela, los clásicos nos siguen definiendo. Podrá cambiar la cáscara, pero lo de dentro... ¿Qué aprender de ellos? Lo falibles que somos, para empezar. Se nos olvida fácil.

  • Los espectadores se encontrarán un thriller judicial, una obra urdida en torno a un juicio en donde está en juego la vida de un hombre. Shakespeare te habilita para cuestionarte en muchos planos. La convivencia posible o no entre religiones, la convivencia de los afectos...  Preguntas de mucho calado.

  • Yo no puedo vivir sin la comedia, creo que es el género más redondo… Al Mercader se la consideró una comedia en sus inicios, de hecho, casi una parodia que señalaba precisamente a Shylock, al judío. Esto lo abordamos sin pudor en nuestra propuesta, y las respuestas, claro, quizá no son cómodas.

  • Hay un equipo fabuloso que invitan al público a una función quizá peculiar y seguro de su interés. Y, por supuesto, Shakespeare. Siempre Shakespeare.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sr. Jose Padilla...  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… ¿no creéis, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias hoy en día?

 

JOSE PADILLA- Buf, Hamlet... (risas)… Ese es un sueño al que, creo, todo director debe aspirar. No puedo responder a esa pregunta de inmediato porque no tiene fácil respuesta. Lo que sí haré es apuntármela en la agenda de mis retos como director.

 

H- Hacemos votos para que vuestros sueños se hagan realidad...

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos de vuestro intenso interés por nuestro padre… Aun así, perdonadme la osadía, os inquiero si ante un folio en blanco habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos...

 

JP- (Risas)… ¿Qué dramaturgo no ha sentido algo así? Es que da igual tu estilo o preferencias, uno sabe que Shakespeare lo hizo antes y, casi con total seguridad, mejor.

 

H- El que lee mucho y anda mucho, ve mucho y sabe mucho

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, turbulentos, tormentosos, de crisis financieras y humanas... Por eso os cuestiono, en estos momentos, qué podemos aprender de nuestros clásicos...

 

JP- Todo y más, nuestro montaje es prueba de ello. Carlos, nuestro director, lo dice mucho: Shakespeare ha vencido. Y así es, lo hemos puesto (a sabiendas) en tela de juicio y él ha salido vencedor. En un mundo eminentemente tecnológico, donde la información vuela, los clásicos nos siguen definiendo. Podrá cambiar la cáscara, pero lo de dentro... ¿Qué aprender de ellos? Lo falibles que somos, para empezar. Se nos olvida fácil.

 

H- A riesgo de sonar zalamero, admito que volvemos a coincidir… Todo está en los clásicos…

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos acercáis Mercaderes de Babel... Contadnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación de esta obra… aunque no hagan falta excusas para releer el original, Mercader de Venecia…

 

JP- Nace de la unión de dos creadores como Carlos Aladro y Javier Lara, a ellos se les une un auténtico portador del legado de la tradición inglesa teatral: Greg Hicks y, después, me invitan a mí.  Empezamos una labor de investigación a partir de diversos talleres, yo tuve la suerte de observar su trabajo y de dirigir también mis propuestas, la libertad era absoluta, responde mucho al espíritu de Carlos como director de escena y director de una institución como la Abadía: esto es una reunión de creadores escénicos, muchos más de los cuatro mencionados, que asumen riesgos y que se alejan del teatro como pieza de museo. Conecto mucho con esa propuesta de Carlos y les estoy muy agradecido a Javier y a él.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito

 

Risas a dúo

 

H- Vuestro Shylock está cargado con dilemas, cuestiones… bien sabéis lo mucho que nos ahogan la incertidumbre, la desazón… Contadme… ¿qué habéis descubierto de los personajes de Shakespeare al llevarlos a las tablas?…  ¿qué se van a encontrar en Babel… los espectadores de este siglo XXI…? 

 

JP- Los espectadores se encontrarán un thriller judicial, una obra urdida en torno a un juicio en donde está en juego la vida de un hombre. En este juicio se plantean dudas que apelan a nuestra tradición cultural, nos atañen a todos como sociedad más allá del hecho cultural. Shakespeare te habilita para cuestionarte en muchos planos. La convivencia posible o no entre religiones, la convivencia de los afectos...  Preguntas de mucho calado.

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones… 

 

Risas a dúo

 

H- El Mercader es en teoría, una comedia…. Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, ¿creéis que es más fácil que los dardos de la crítica, la ironía, lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

JP- Yo no puedo vivir sin la comedia, creo que es el género más redondo, el que los incluye a todos, pero no hemos incidido en este aspecto en nuestra propuesta (aunque, inevitablemente, la haya). Se la consideró una comedia en sus inicios, de hecho, casi una parodia que señalaba precisamente a Shylock, al judío. Esto lo abordamos sin pudor en nuestra propuesta, y las respuestas, claro, quizá no son cómodas.

 

H- Aplaudo el teatro que nos turba y agita

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

JP- Preciso y directo. Nada nuevo, por otra parte.

 

H- Nos agrada el presente

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestra pasión por el teatro… Mas os requiero...   cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera...

 

JP- (Risas)… No será gratuito que nos hayamos juntado los que nos hemos juntado en Mercaderes. Estamos en proceso de búsqueda, de replantear lo aprendido.

 

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Vos qué pediríais a los políticos… por si alguien toma nota…

 

JP- Sensatez. Con eso daría.

 

H- Lástima que no escuchen…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla … Para los que se resisten al teatro… Podríais contagiar un poco de vuestro entusiasmo, para que los lectores se animen a descubrir estos Mercaderes…

 

JP- Hay un equipo fabuloso que invitan al público a una función quizá peculiar y seguro de su interés. Y, por supuesto, Shakespeare. Siempre Shakespeare.

 

H- Acepto el consejo, y lo paso…

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sr. Padilla, ha sido un honor esta charla teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés…

 

JP- Ojalá sea pronto, sí

 

SE DESPIDEN CON UN APASIONADO ABRAZO. ENTRE BAMBLINAS RESUENAN LAS RISAS DE   SHAKESPERE

 

MERCADERES DE BABEL

Una creación a partir de El Mercader de Venecia, de William Shakespeare

Dirección: Carlos Aladro

Texto: Jose Padilla

 

Elenco

Greg Hicks

Javier Lara

Alba Enríquez

Natalia Huarte

Juan Blanco

Ramón Pujol

 

Espacio sonoro: Manu Solís

Iluminación: Pablo R. Seoane (Cía. de la Luz)

Espacio escénico y vestuario: Paula Castellano

 

https://www.teatroabadia.com

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON VANESSA MARTÍNEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIAJAR AL PASADO CON ORLANDO, A REFLEXIONAR SOBRE ROLES, EN EL PRESENTE

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

 

  • Lo más interesante de Hamlet es el dilema moral… Es una “rara avis” entre los gobernantes, porque ni en la época de Shakespeare ni en la actual suelen tener dilemas morales de ningún tipo, venden su alma al diablo al primer golpe de escaño…

  • Los abusos de poder, la hipocresía, la indolencia de los tiranos, el sufrimiento de muchos para el beneficio de pocos… todo eso se repite. Representar a los clásicos es hacer una pequeña contribución a la ley de memoria histórica; ya se sabe que el pueblo que olvida su historia está condenado a repetirla.

  • El teatro es parte de nuestra identidad cultural, e identidad cultural es aquello que nos define como sociedad. El teatro es patrimonio, no es cuestionable. El teatro no es un producto, no puede serlo, si queremos que sea nutritivo, sorprendente, valiente y, sobre todo, libre.

  • Se van a encontrar con una trepidante historia de cuatrocientos años llena de viajes, duelos, romances… Orlando es también una reflexión sobre la identidad de género. Creo sin duda que esta es la reflexión que más se conecta con nuestra contemporaneidad, la de los roles masculinos y femeninos en lo social y en lo interpersonal. 

  • Que se dejen estimular por el teatro, que se permitan sentarse en una butaca y dejar trabajar al músculo de la imaginación de la mano de un espectáculo alegre, inteligente y pensado para el disfrute y la reflexión.

 

HAMLET: Cuánto nos complace este encuentro mi Sra. Vanessa Martínez... Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…    ¿no creéis, que este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias, sobre las tablas de 2019?

 

VM- (Risas)… Yo creo que esa es la pregunta que se hacen toooodos los directores de escena, ¿no? Parece que hay dos tipos de directores: los que han dirigido Hamlet, y los que lo van a dirigir, pero nadie se escapa. Es como una especie de DNI teatral, tu signo distintivo, “dime qué Hamlet diriges y te diré quién eres”. Para mí, lo más interesante de Hamlet es el dilema moral: debe hacer cosas que están mal, desde el punto de vista ético, para restaurar la justicia y vengar a su padre. Y a Hamlet, que tonto no era, no le gusta la idea; por eso se resiste, por eso inventa mil y una excusas para no matar a su tío hasta el quinto acto. No creo que dude, sino que lucha, creo que hay una procrastinación de lo inevitable: cumplir con su deber será su condena. Por eso Hamlet es una “rara avis” entre los gobernantes, porque ni en la época de Shakespeare ni en la actual suelen tener dilemas morales de ningún tipo, venden su alma al diablo al primer golpe de escaño. Y por eso es incomprensible para los demás y es tildado de pasivo, porque busca desesperadamente la compatibilidad entre su deber y su salvación.

 

H- Os agradezco el retrato… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…     

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos de vuestro intenso interés por nuestro padre… Aun así, perdonadme la osadía, os interrogo si ante un folio en blanco habéis sentido envidia de Shakespeare, por estar en sus zapatos...

 

VM- (Risas)… No sé si la palabra es envidia. Creo que lo que he sentido es vergüenza. Siempre me he sentido desautorizada como dramaturga, fraudulenta. Me ha costado muchísimo confiar en que lo que estaba escribiendo estaba bien y tenía sentido escribirlo. Pero a medida que me fui atreviendo a hacerlo, me di cuenta de que sabía más de lo que me imaginaba, y en gran parte es gracias a nuestro bardo amigo; traducir sus textos y versionarlos ha sido como abrir un reloj suizo de gran precisión y ver los mecanismos que lo mueven. Hay algo matemático/divino en la manera de abordar los conflictos de Shakespeare que hipnotiza y envuelve. Traducirlo es como poder ver Matrix.

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de las mujeres.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas.… Por eso os cuestiono… decidme mi señora en estos momentos, ¿qué podemos aprender de nuestros clásicos?

 

VM- Básicamente que cualquier tiempo pasado no fue mejor. Que los abusos de poder, la hipocresía, la indolencia de los tiranos, el sufrimiento de muchos para el beneficio de pocos… todo eso se repite. Representar a los clásicos es hacer una pequeña contribución a la ley de memoria histórica; ya se sabe que el pueblo que olvida su historia está condenado a repetirla.

 

H- Ya dijo el clásico… el teatro es uno de los más útiles instrumentos para la educación de un país, el barómetro que marca su grandeza o su descenso.

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos acercáis, presentáis a Orlando... Decidnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación de esta obra… aunque no hagan falta excusas para releer el original, de Virginia Woolf…

 

VM- El proyecto surge por la necesidad que teníamos como compañía de seguir explorando las líneas de creación colectiva que habíamos concretado en nuestro espectáculo anterior, “Los Atroces”, esta vez aplicadas a un texto ya escrito que despertara nuestro entusiasmo, como es el caso de Orlando. La tentación me la puso en bandeja Gemma Solé, actriz de la compañía, que fue quien primero me habló del texto y de la posibilidad de convertirlo en espectáculo. Si bien la idea original era transformarlo en monólogo, a medida que profundicé en la novela me di cuenta de que necesitaba de un esquema vertebrador distinto, más complejo y versátil, para mostrar todo el universo que Orlando encierra. Y así empezamos a investigar.

 

H- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…  

 

Risas a dúo

 

H- Perdonadme la impaciencia, pero nos corroe la curiosidad…. Contadme más sobre ese universo Orlando… ¿qué habéis descubierto de los personajes de Virginia Woolf al llevarlos a las tablas? ¿qué se van a encontrar en vuestro Orlando… los espectadores de este siglo XXI…?

 

VM- Se van a encontrar con una trepidante historia de cuatrocientos años llena de viajes, duelos, romances… todos los ingredientes de una novela de aventuras. Es una biografía que se cuestiona a sí misma mientras es escrita, una reflexión sobre el propio acto de escribir, una reflexión sobre la identidad. Orlando llega a la conclusión de que no somos una sola cosa, sino la superposición de los distintos yoes que habitan en nosotros. Yo he sentido eso de una manera profunda e íntima; al mirar hacia el pasado, al verme a mí misma en determinadas situaciones o con determinadas personas, me ha parecido que aquello había pasado en otra vida, que yo era otra persona. Orlando desarrolla este tema, así como el de la identidad del artista, a través de cuatrocientos años, y no sólo eso; es también una reflexión sobre la identidad de género. En mitad de esa vida, Orlando pasa de ser hombre a ser mujer. Creo sin duda que esta es la reflexión que más se conecta con nuestra contemporaneidad, la de los roles masculinos y femeninos en lo social y en lo interpersonal.

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que vuestro Orlando tiene mucho humor…. Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señora, ¿creéis que es más fácil que los dardos de la crítica, la ironía llegue a nuestro cerebro a través del humor?

 

VM- Sin duda alguna. Tengo una natural inclinación hacia la comedia… (risas)…  Todo se resume en el famoso principio de “tomar lo serio en broma y lo gracioso en serio”. La comedia en realidad lleva en sí el germen de una tragedia incomprendida. El personaje vive una tragedia, es el público el que ve una comedia. Es una manera de apelar a la inteligencia crítica del espectador, pero también a su empatía.

 

H- Esperemos que esta noche alguien vuelva a su casa con la cabeza clavada.

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un equipo, trabajáis en compañía, con Teatro de Fondo… Mas me planteo (ya conocéis nuestras tendencias) … cómo ha sido esta labor de construcción colectiva… los ensayos para dar vida, carne, en un mismo actor-actriz… a esos personajes heterogéneos, dispares... Y os interpelo si para conseguirlo habéis usado guante de seda, o puño de acero...

 

VM- (Risas)… No he necesitado hacer demasiado esfuerzo, he contado con un elenco maravilloso y creativo, actores que se saben artistas. Yo les proponía unas reglas del juego y ellos, al jugar, iban configurando las escenas y los personajes. De todo el material que improvisaban yo iba descartando aquello que se alejaba del discurso principal y dando forma a los hallazgos que ellos realizaban. Así iba escribiendo escenas, las probábamos, las corregíamos…  y así durante los ocho meses que duró el proceso de creación. Ha sido muy intenso y gratificante.

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.

 

Risas a dúo

 

H- Vuestras palabras despiertan nuestro apetito teatral… Os lo suplico mi señora, que ya nos asfixia el ansia… ¿Podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

VM- (Risas)… No quiero desvelar demasiado para no aguar la sorpresa, pero la idea es que asistimos al proceso por el cual cuatro biógrafos, cada uno con estilos literarios distintos, intentan ponerse de acuerdo para escribir la biografía de Orlando, al tiempo que van interpretando los distintos personajes que van surgiendo, algo que por momentos se complica extremadamente. Todo tiene que ver con libros y plumas. Y es el vestuario y especialmente la música quienes nos sirven para viajar en el tiempo con Orlando a través de los cuatro siglos que abarca su aventura. Hasta ahí puedo leer.

 

H- Para lograr éxito en cualquier asunto se necesita una cierta dosis de locura...

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme, mi señora… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

VM- Debe ser claro, juguetón, sorprendente y, sobre todo, empático. Siento que hay gran cantidad de propuestas escénicas hoy en día que adolecen de esto último. Yo no olvido nunca que el teatro es un acto comunicativo, que me implica tanto a mi (emisor) como al público(receptor), tanto al significado como al significante. Si el código en el que yo me muevo no traslada un significado concreto y comprensible, mi intención se queda en un significante hueco, más o menos estético o elaborado, pero siempre críptico. No me gusta el teatro inaccesible, me produce una profunda pereza y me parece egoísta.

 

H- El teatro como juego... Aplaudo el presente…

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro fervor, frenesí por el teatro… Mas os inquiero decidme, mi señora ¿qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera?

 

VM- El teatro es parte de quién soy, como lo es mi brazo derecho o mi páncreas. Incluso cuando no estoy en un teatro o en una sala de ensayo, el teatro sigue estando en mi cabeza y en los poros de mi piel. No ha sido una opción dedicarme a él; si hubiera podido elegir, me habría decantado por algo menos doloroso y más rentable, desde luego. Pero, honestamente, no hay ningún lugar donde me sienta tan feliz como en un teatro.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

H- Celebramos vuestra llegada a los Teatros del Canal… En este escenario os requiero  ¿qué rol representan, o deben representar los teatros públicos en la divulgación de este arte?

 

VM- No tengo muy claro qué papel desempeñan, pero sí cuál deberían desempeñar. Deberían ser foro de exposición de la diversidad, un sustento de las iniciativas que arriesgan y se decantan por espectáculos con una apuesta artística clara y pertinente, y no de aquellas de corte comercial, que enmascaran su ausencia de interés con cabezas de cartel y directores de moda. Ese teatro ya tiene su espacio, y no es el público. Las compañías, y en especial las compañías de Madrid, nos sentimos completamente desamparadas por parte de las instituciones. Para nosotros, poder estrenar en los Teatros del Canal es una victoria, la mayoría de las compañías madrileñas de características similares a las nuestras no tienen esa oportunidad. Y esto no debería ser así.

 

H- Ser honrada tal como anda el mundo, equivale a ser una mujer escogida entre diez mil.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Nos duele la precariedad, nos apena que sean tantos los proyectos que perecen en el intento… Unos piden subvenciones, otros mecenazgos… Vos lo vivís desde Teatro de Fondo… Como estamos en época de promesas… Os sugiero tomar la palabra… por si algún político toma nota…

 

VM- (Risas)… Para que los políticos pudieran adoptar medidas que ayuden a que el teatro no muera por inanición, (porque eso es lo que está pasando), primero hay dos conceptos que tendrían que estar muy claros:

El primero es que el teatro es parte de nuestra identidad cultural, e identidad cultural es aquello que nos define como sociedad. El teatro es patrimonio, no es cuestionable. Invisibilizarlo es es algo así como decir “soy una sociedad sin identidad”. Los ingleses lo tienen clarísimo: beben té a las 5, comen pescado rebozado con patatas fritas y van al teatro, esa es su identidad. La nuestra tiene más que ver con salir de cañas y jugar al mus. Debemos preguntarnos qué tipo de sociedad queremos ser.

El segundo concepto es que el teatro no puede ser un negocio, y muchísimo menos el teatro público. La cultura ha de ser forzosamente deficitaria. De otro modo estaremos sometiendo al teatro a las mismas leyes de la oferta y la demanda por las que se rige cualquier producto comercial. El teatro no es un producto, no puede serlo, si queremos que sea nutritivo, sorprendente, valiente y, sobre todo, libre.

Teniendo estos dos conceptos presentes, estoy segura de que nuestros gobernantes sabrían perfectamente qué hacer. Lo que hay que cambiar no son las políticas, sino las mentes.

 

H- Ya dijo el clásico que siempre merece la pena hacer una pregunta… aunque añadió, que los políticos no escuchan…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… para los que se resisten al teatro…. Podríais contagiar un poco de vuestro entusiasmo por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir este Orlando…

 

VM- Que se dejen estimular por el teatro, que se permitan sentarse en una butaca y dejar trabajar al músculo de la imaginación de la mano de un espectáculo alegre, inteligente y pensado para el disfrute y la reflexión.

 

H- Como espectador nos satisface… Festejamos un teatro que nos deleite y agite...

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sra. Vanessa Martínez, ha sido un honor esta charla teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés…

 

VM- A sus pies.

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE VIRGINIA Y WILLIAM

ORLANDO

De Virginia Woolf

Dirección escénica: Vanessa Martínez

Teatros del Canal

Reparto 

Gustavo Galindo: Biógrafo Poeta, Archiduquesa, Shelmerdine, Swift…

Pablo Huetos: Biógrafo Crítico, Greene, Lady R., Sra. Bartholomew…

Rebeca Sala: Orlando

Pedro Santos: Biógrafo Experto, Isabel I, Scrope, Sra. Grimsditch, Addison…

Gemma Solé: Biógrafo Aprendiz, Sasha, Penelope, Pope…

 

Equipo artístico y técnico 

Escenografía: Alessio Meloni (AAPEE)

Construcción: Miseria y Hambre SL

Vestuario: Paola de Diego

Ayudante de vestuario: Íñigo Álvarez de Lara Moreno

Ilustraciones: Luis Frutos

Animación: Chicken Assemble

Iluminación: David Martínez

Coordinación técnica: Miseria y Hambre SL

Ensemble grabación

Laura Salinas: Viola de gamba

Ramiro Morales: Guitarra barroca y archilaúd

Iván Mellén: Percusiones 

Roberto Terrón: Contrabajo 

Joan Espina: Violín

Antonio Toledo: Guitarra española y Bouzuki 

Daniel del Pino: Piano

Andreas Prittwitz: Director musical, flautas, clarinete y saxos

 

Asesoría de movimiento: Arnold Taraborrelli

Lucha escénica: Mon Ceballos

Una Producción de la Compañía Teatro Defondo (Comunidad de Madrid)
 
 

https://www.teatroscanal.com

 

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON LAURA ORTEGA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

OTRA MIRADA A LAS PINTURAS NEGRAS, LOS PERSONAJES Y SUS FANTASMAS

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Dinamarca, en las tablas, debe siempre oler a podrido. El teatro es ficción que, a pesar de serlo, nos sitúa frente a la necesidad de hacer algo con lo que sabemos, tomar cartas en lo que sucede a nuestro alrededor. Su tragedia, joven príncipe, es que no hace nada, solo sufre... Así que ¿por qué no convertirle en un hikikomori contemporáneo?

  • Se cumplen doscientos años de la adquisición de la Quinta del Sordo, donde Goya comienza a pintar los murales que hoy llamamos las Pinturas negras. Lo que me interesa es que, mientras las pintaba, como dice uno de los personajes en la función, lo que sucedía fuera de la casa las convierte en “Los desastres de la paz”.

  • Cuando Goya satiriza el comportamiento y la vida social de su época, con esa mirada bifocal, lo que busca es probablemente obligarnos a mirar una realidad alterna, subalterna y simultánea a la nuestra, como si lleváramos puestas unas gafas para desengañarnos. Lo fantástico es que Goya apunta también a eso, a lo que media entre nosotros y el mundo, en cómo nos comprendemos a través de las imágenes y cómo estas nos cuentan.

  • Aunque en la obra de Sanchis Sinisterra hay apariciones y fantasmas, a estos se les puede mirar a la cara. ¿Hasta qué punto somos parte de una pintura negra? Dar respuesta a eso es tomar cartas en el asunto de aquello que no vemos y deberíamos ver para entonces medirnos con la superstición, la violencia y los otros temas de las Pinturas negras.

  • La puesta en escena remite a la mecánica de la linterna mágica y los espectáculos de fantasmagoría, que eran proyecciones sobre humo de calaveras y monstruos, un antecedente del cine. Lo interesante de la fantasmagoría es que el público, por primera vez casi a oscuras en el teatro, practica la simultaneidad de creencia e incredulidad… No hay brujas volando por los aires. Ahora bien, si las ves, no puedes negar que las ves…

  • Descubrir el coloso de Goya a partir de los “figurantes”, de sus cuadros, los personajes secundarios de su historia, huyendo así del ilusionismo típico de los biopics. Convertirse en voyeurs de los últimos años del pintor, sordo y enfermo, en un tiempo convulso y dialogar con su tiempo (y nuestro tiempo) desde la incertidumbre de quien no tiene todas las respuestas.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sra. Laura Ortega…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  si creéis mi señora, que en estos momentos en que el reino huele a podrido… este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias… Y decidme cómo lo llevaríais sobre las Tablas de 2019...

 

LAURA ORTEGA- (Risas)… Dinamarca, en las tablas, debe siempre oler a podrido. El teatro es ficción que, a pesar de serlo, nos sitúa frente a la necesidad de hacer algo con lo que sabemos, tomar cartas en lo que sucede a nuestro alrededor. Su tragedia, joven príncipe, es que no hace nada, solo sufre. Después de hablar con el fantasma de su padre y de que este le cuente cosas terribles, como, por ejemplo, que el reino se ha convertido en una fantasmagoría de la que asoma un estado policial, de vigilancia y control, se pierde usted. Así que ¿por qué no convertirle en un hikikomori contemporáneo?

 

HAMLET- Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…

 

Risas a dúo

 

LO- Por cierto... La primera traducción española de Hamlet, de 1794, se la debemos a Moratín. Ahí es nada… (risas)... Leandro Fernández Moratín, que pasó muchos años exiliado, dando tumbos por Europa, aparece en la función. Goya y él eran amigos y se reencuentran en Burdeos, en un exilio compartido.

 

H- Nos agrada el detalle y aplaudo el presente…

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. Bien conocemos vuestra querencia por los Clásicos… Mas nos carcome la curiosidad, y os consulto…  en estos momentos, qué podemos aprender de nuestros clásicos...

 

LO- (Risas)… Los clásicos, siempre con minúsculas, son esos libros que en realidad nadie lee, porque a lo sumo, como decía Italo Calvino, se pueden releer. Si no los reinterpretas, es difícil tratar con ellos, porque se acomodan bien a lo que ya sabemos ver y decir sobre ellos. Hablaba antes de Moratín, que es un ejemplo paradigmático. El sí de las niñas, o La comedia nueva, son clásicos, de una radicalidad incombustible. Cuando Goya satiriza el comportamiento y la vida social de su época, con esa mirada bifocal, lo que busca es probablemente obligarnos a mirar una realidad alterna, subalterna y simultánea a la nuestra, como si lleváramos puestas unas gafas para desengañarnos. Lo fantástico es que Goya apunta también a eso, a lo que media entre nosotros y el mundo, en cómo nos comprendemos a través de las imágenes y cómo estas nos cuentan. Hasta las representaciones del dolor o la miseria, frecuentes en su obra, conllevaban el riesgo de que los personajes, deformados, no parecieran tener autonomía, es decir, ser verdaderos personajes, que es uno de los temas de Monsieur Goya, pero su “aparato” óptico apunta a sí mismo y sacude nuestra percepción. Gracias a la ilusión, no solo a pesar de ella.

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Nos traéis a la villa y corte, al Teatro Fernán Gómez, a Monsieur Goya… una indagaciónde José Sanchis Sinisterra... (by the way… nuestros respetos al maestro)… Perdonadme la impaciencia, pero ya nos asfixia el ansia… Contadnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación de este autor, esta obra que rememora el génesis de las Pinturas Negras… aunque no hagan falta excusas…

 

LO- (Risas)… Eso es, no hace falta explicar el privilegio de embarcarse en una producción como esta. El texto de José Sanchis Sinisterra es prodigioso y ha permitido que investiguemos con todo el equipo artístico sobre aspectos muy diversos de la época y sobre la relación de los personajes con la historia que cuentan. Se cumplen doscientos años de la adquisición de la Quinta del Sordo, donde Goya comienza a pintar los murales que hoy llamamos las Pinturas negras. Difícilmente pudo ser un remanso de paz, eso es una versión probablemente sentimental de su retiro, centrada en el alcance de las intenciones de un genio.

Lo que me interesa es que, mientras las pintaba, como dice uno de los personajes en la función, lo que sucedía fuera de la casa las convierte en “Los desastres de la paz”. Goya, Leocadia Zorrilla y sus dos hijos, Rosario y Guillermo, huyen a Francia en 1824, como Leandro Fernández de Moratín o Antonio de Brugada. Y es esta familia “bastarda” la que tiene el protagonismo de contar “Monsieur Goya”.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Hace 200 años… vuestro protagonista M. Goya se enfrentaba a sus monstruos en Las pinturas negras… Nos resultan familiares las dudas, la desazón, ante la disyuntiva de decidir… Mas contadme… que ya nos corroen las cuestiones… ¿qué habéis descubierto al llevarlo a las tablas? ¿qué se van a encontrar bajo esa bruma… los espectadores de este siglo XXI…? ¿van a sentirse identificados con esos espectros, esas apariciones?

 

LO- Hamlet se lleva a su terreno la pregunta...  (risas)... Las dudas, la angustia existencial no se oponen a la acción. No, desde luego, en la obra de un artista que se expresa de manera enigmática, pero rotunda. Goya habla de cosas muy concretas, de la deriva de la sociedad en la que vive, las tensiones están siendo sometidos los cuerpos y las cabezas de los españoles: mujeres, niños, soldados. Hablar de sus intenciones, o de su biografía, buscar ahí la explicación de su contemporaneidad, es engañoso.

Aunque en la obra de Sanchis Sinisterra hay apariciones y fantasmas, a estos se les puede mirar a la cara. ¿Hasta qué punto somos parte de una pintura negra? Dar respuesta a eso es tomar cartas en el asunto de aquello que no vemos y deberíamos ver para entonces medirnos con la superstición, la violencia y los otros temas de las Pinturas negras.

 

H- Ya dijo el clásico que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir…

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un elenco de actores que han encarnado a los personajes dibujados por Sanchis Sinisterra… Me planteo… (ya conocéis nuestras tendencias)… cómo han sido los ensayos… para dar vida a esos personajes...

 

LO- El dibujo de los personajes en el texto ha servido para lanzar desde ahí infinidad de preguntas. Ha sido necesario mucho trabajo de investigación y de capas, en la creación. Hay un historiador cultural en el equipo artístico, Juan Menchero, y el trabajo de todos, tanto de los actores como del resto del equipo artístico, ha consistido en tomar decisiones arriesgadas para devolverles a los personajes históricos una razón para querer comparecer ante el público de hoy. Inma Cuevas, Alfonso Torregrosa, Andrea Trepat, Alfonso Delgado, Font García, Fernando Sainz de la Maza y María Mota, son los actores que encarnan esta “última familia” de Goya.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito.

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que como directora habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia de teatro, escrita dentro del teatro…  Mas os lo ruego, que con la demora se desata la desazón...  ¿Podéis avanzarnos detalles de la puesta en escena?

 

LO- Habla de muchas cosas, recogidas en momentos puntuales por un autor de hoy que intenta escribir una obra sobre Goya y las Pinturas negras. La puesta en escena remite a la mecánica de la linterna mágica y los espectáculos de fantasmagoría, que eran proyecciones sobre humo de calaveras y monstruos, un antecedente del cine. Lo interesante de la fantasmagoría es que el público, por primera vez casi a oscuras en el teatro, practica la simultaneidad de creencia e incredulidad. Los sentidos contradicen lo que se sabía que era verdad, como que los fantasmas no existen o que no hay brujas volando por los aires. Ahora bien, si las ves, no puedes negar que las ves… (risas)...

Todos razonamos un poco así cuando sentimos y pensamos algo en nuestro teatrillo y nos lo imaginamos y lo hacemos presente. A este autor contemporáneo le sucede justamente esto. Mientras intenta escribir una obra sobre Goya, se enfrenta al resultado de su trabajo. Le cuesta reconocerlo, porque aparecen estos personajes del pasado que, aun siendo suyos, se le resisten, no los puede controlar. Quiere contar algo que sea verdad, pero la verdad sobre eso que busca es la desilusión que forma parte de la fantasmagoría.

 

H- La diferencia entre el pasado, el presente y el futuro es solo una ilusión persistente… dijo el clásico...

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que Daniel Canogar ha creado su primera videoescena para teatro... La expectación nos provoca el apetito… os lo pido, decidnos qué papel juega en la representación…

 

LO- No puedo decir mucho… (risas)... hay que verlo. Daniel Canogar ha realizado una serie de piezas impecable que habla de las imágenes y nuestra relación con ellas y con la tecnología que las produce y las hace circular. Es una mirada, no solo sobre Goya y su mundo, sino sobre el presente.

 

H- Cuanto más grande es la prueba, más glorioso es el triunfo...  Suso Saiz ha ideado la música y el espacio sonoro… deducimos que envuelven a los personajes y su historia...

 

LO- (Sonrisas)... El trabajo de Suso es igualmente brillante, tiene capas alucinantes que recorren esa bruma de tiempo en que se desarrolla parte de la obra, que nos aleja de estos fantasmas y nos agrupa con ellos, todo a la vez.  Es una caverna sonora.

 

H- Una mujer que no se alimenta de sus sueños envejece pronto...  Imaginamos que escenografía y vestuario conjuntarán con el relato… 

 

LO- (Sonrisas)… El vestuario y la escenografía juegan con lo contemporáneo. El espacio es una máquina óptica, una especie de zootropo, como una lente, atravesada por una grieta que sirve como río y estanque, a orillas del Manzanares y del Garona, en Burdeos. El vestuario, de Almudena Bautista, tiene esa misma función, de corte, por el que aparece la contemporaneidad de los personajes creados por este autor.

 

H- Al bien hacer jamás le falta premio... La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre el protagonista…

 

LO- (Sonrisas)… La iluminación de Sarri es otro de los aspectos que más va a sorprender. La luz, dice uno de los personajes, es la condición de las imágenes.

 

H- Ante los artistas nos quitamos el sombrero...

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme, mi señora… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

LO- (Risas)… Difícil saberlo. Lo que se echa de menos en el teatro siempre es la verdad, que como decía antes, puede ser precisamente el desengaño o la desilusión respecto de lo que vemos, sentimos, cómo nos pensamos a nosotros mismos.

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de las mujeres…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro… podríais mi Señora contagiar un poco de vuestra pasión por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir a M. Goya…

 

LO- El mejor argumento es que es una gran oportunidad descubrir el coloso de Goya a partir de los “figurantes”, de sus cuadros, los personajes secundarios de su historia, huyendo así del ilusionismo típico de los biopics. Convertirse en voyeurs de los últimos años del pintor, sordo y enfermo, en un tiempo convulso y dialogar con su tiempo (y nuestro tiempo) desde la incertidumbre de quien no tiene todas las respuestas.

 

H- Os tomo el consejo, y prometo seguirlo…

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sra. Ortega, ha sido un placer esta charla… espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

LO- Así lo espero.

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO.  RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE Y SANCHIS SINISTERRA

 

MONSIEUR GOYA, UNA INDAGACIÓN

Autor: José Sanchis Sinisterra

ElencoAlfonso Delgado, Inma Cuevas, Alfonso Torregrosa, María Mota, Andrea Trepat, Fernando Sainz de la Maza Font García

DirecciónLaura Ortega

VideoescenaDaniel Canogar

Música y espacio sonoro: Suso Saiz

Una producción del teatro Fernán Gómez. CC de la Villa

 

https://www.teatrofernangomez.es/actividades/monsieur-goya-una-indagacion

 

Titania  

 

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TEODORO GRACIA, DIRECTOR DEL FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO VEGAS BAJAS

 (Una entrevista de Francisco Collado)

Teodoro Gracia es director del Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas que cumple su 38 edición. El teatro le viene de genética, pero también conoce de cerca otros terrenos como la música o la fotografía. Esta experiencia le ha servido para gestionar cultura con gran acierto.

 

- Con usted se cumple aquel dicho de “Cocinero antes que fraile”. Ha recorrido diversos senderos literarios (poesía narrativa), antes de arribar a su labor, cercana a la cultura y la política o a la dirección del Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas. Me refiero a obras como “La Herencia de Sixto” o “Trastos Viejos”. Está claro que el amor al teatro le viene de lejos…

- A los 8 años me subí por primera vez a un escenario siendo alumno del Colegio Salesiano de Puebla de la Calzada y así comenzó todo. Recuerdo que la obra era en latín, me aprendí el texto y por supuesto, no sabía lo que estaba diciendo… ¡como para saberlo interpretar!

 

- Tuvo también ocasión de vivir una época en que florecían los grupos de Neo-Folk, con un carácter netamente extremeño. Agrupaciones que creaban sus propias canciones, basadas en el terruño, o rescataban lo popular y lo transmutaban. Algunas de aquellas, aún continúan sobre los escenarios como Acetre o Manantial Folk. Otros han desaparecido como Adarve, Siembra, Pueblo, Alba ¿Que recuerdos tiene de aquellos días con el grupo Verbum, cuando se realizaban festivales como “Voces Nuevas” y muchos otros por nuestra geografía?

- En cultura he tocado casi todos los palos y por eso, también formé parte durante muchos años del Grupo de Folk Verbum. Recuerdo que en el festival de “Voces Nuevas”, cuya final se llevó a cabo en Almendralejo, conseguimos el segundo premio. En los años 70, nuestro grupo ofreció muchos conciertos y dentro de nuestro repertorio estaban nuestras propias creaciones.

 

- Existe una corriente que propugna que los políticos que ocupan determinados cargos deberían ser técnicos o profesionales de aquello que coordinan. El caso de la cultura es uno de los más diáfanos en este sentido. Usted se encuentra en una situación híbrida, ya que es de los pocos que tiene conocimiento del mundo en que se mueve ¿Piensa que los encargados de la cultura deberían ser gestores culturales y que estos cargos deberían ser ocupados por concurso de méritos u oposición, y no estar al libre albedrío de los distintos ejecutivos? Esto facilita que personas válidas sean sustituidas por el afiliado de turno

- Sin duda alguna, conocer el proyecto desde la base es primordial y necesario; conoces la materia de propia mano y eso hace que estés mucho más sensibilizado con el desarrollo del mismo. El conocer y trabajar un proyecto desde sus inicios te hace gozar de cierta respetabilidad ante los demás. Personalmente, yo jamás aceptaría un cargo o un puesto de trabajo sino estoy seguro que puedo desarrollarlo perfectamente. Siempre me ha gustado vivir para mi trabajo y no de mi trabajo.

 

- Nos mojamos un poco. En el año 83, en declaraciones a la publicación teatral Pipirijaina, se lamentaba de que no existía un teatro que se pudiera denominar netamente extremeño, excepción hecha de Chamizo ¿Cree que hemos avanzado algo en el hecho diferencial? ¿Actualmente existen unos rasgos identificativos o un lenguaje netamente extremeño en nuestra dramaturgia? ¿Se fomentan los temas relativos a nuestra región en los textos y montajes?

- Desde el año 1983, que fue cuando yo realicé este comentario, al día de hoy las artes escénicas en Extremadura han dado un cambio considerable, no precisamente en el lenguaje, pero sí en sus montajes, sus textos, la profesionalidad de sus compañías… El teatro extremeño, a nivel nacional, ha conseguido el lugar que le corresponde en las Artes Escénicas. Con un simple ejemplo apoyo esta teoría: En el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, este año, ¿Cuál ha sido la obra que la mayoría del público ha considerado la mejor? Tito Andrónico, una de las dos apuestas extremeñas en esta edición, eso quiere decir que el teatro extremeño goza de muy buena salud.

 

- El teatro es magia, es alquimia, es el verbo y la expresión del cuerpo. Un instante fugaz que impregna la piel del espectador. Pero también tiene otra cara menos atractiva ¿Hay demasiada dependencia de lo institucional para poder poner en marcha actividades de calidad? El aficionado que ama el teatro es capaz de disfrutar de un monólogo con una silla y una mesa ¿Es necesario el fuego de artificio y la pirotecnia para atraer espectadores masivamente?

- Yo conozco montajes de mucha calidad sin dependencia institucional y sin fuego de artificio, capaces de enamorar al espectador desde el minuto uno y también he visto, sobre el escenario, todo lo contrario, obras o actividades que se montan para sorprender visualmente, pero sin ninguna calidad artística. No me gusta generalizar y mi filosofía personal es ver mucho teatro para disfrutar y aprender con el bueno y saber lo que no tengo que hacer cuando veo algo que no merece la pena.

 

- Llama la atención una población de 6.000 habitantes que mantiene un nivel cultural tan elevado. Grupos de teatro aficionados, el Festival Vegas Bajas, Festival de Teatro Infantil, Jarancio, Escuela de Teatro, Coro Amadeus ¿Me he dejado algo?

- Sí, te has dejado un montón de colectivos que son los que le dan vida social, cultural y deportiva a Puebla de la Calzada. Existen más de 60 asociaciones en la localidad y en lo que se refiere a lo cultural, si tiramos de datos del 2018, se realizaron 199 eventos culturales (Teatro, Danza, música, presentaciones de libro, recitales, cine, talleres…) y lo más digno de destacar es que esta labor se está haciendo desde hace más de 40 años ininterrumpidamente. Hemos tenido, por suerte, un Ayuntamiento que desde siempre ha venido apostando e invirtiendo en cultura y ahí está el resultado. Por supuesto, sin olvidarnos de la Junta de Extremadura y la Diputación de Badajoz que siempre han estado colaborando con nosotros.

 

- La mayoría de espectadores del festival son personas jóvenes para un aforo que siempre se llena, lo cual denota una certera selección de las obras ¿Hay un trabajo de visionado de las obras en festivales y certámenes?

- El 90% de las obras que se programan en nuestros festivales o en la programación anual las hemos ido a ver en sala. Nos gusta conocer bien el espectáculo para luego programarlo a un público determinado. Cada colectivo tiene sus propias preferencias y eso lo tenemos muy en cuenta. Sabemos, por experiencia, cómo llegar y crear público, por este motivo intentamos que prime la calidad, ante todo. No nos conformamos con un buen dossier sobre la mesa, preferimos ver lo que vamos a programar. Es nuestra filosofía de trabajo.

 

- ¿Hubo peores tiempos en los que había que pegar carteles y colocar sillas?

- Literalmente lo seguimos haciendo. Ahora estamos promocionando el Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas y los organizadores, yo el primero, buzoneando estamos la publicidad por los pueblos de la comarca. Colocamos sillas, pegamos carteles… prácticamente igual que cuando empezamos hace 37 años. Es lo bonito de todo esto, considerarlo algo nuestro que queremos esté cuidado al mínimo detalle. No dejar nada a la improvisación

 

-Hay una anécdota con Manolo Tena que se retrasaba para el concierto…

-Sí, lo recuerdo como una de las peores experiencias. Llegó la hora de la actuación, el público, que llenaba el campo de fútbol, gritando su nombre para que saliera al escenario y Adela Cupido, alcaldesa en aquellos años, y yo esperando que llegara y sabiendo que tardaría en hacerlo más de una hora. Teníamos tal enfado que ni catering ni nada, cuando llegó lo mandamos directamente al escenario… es mucho más larga la historia, pero ahí va una pequeña pincelada. El resto es mejor olvidarlo.

 

-También es miembro del grupo Jarancio, nacido en el año 59 ¿De las obras de Chamizo a la llegada de la democracia, hubo algún cambio social en los textos o propuestas de la agrupación?

- Todo comenzó en el 1959 con “Las brujas” de Chamizo y siguió, años después, con la comedia. En la actualidad, aunque el referente del grupo es principalmente la comedia, desde los años 90, el grupo está haciendo más teatro reivindicativo, mucho camuflado entre risas, pero poniendo sobre el escenario temas sociales como la igualdad, la inmigración, la intolerancia… las injusticias en general.

 

- Premio Grada Cultura en el 2009. La satisfacción del trabajo bien hecho…

- Aunque nosotros trabajamos de vocación y sin esperar nada, que te reconozcan tu labor nos llenó de alegría porque este reconocimiento nos hizo ver que estábamos en el buen camino. Sinceramente fue una gran sorpresa y un placer recibir un premio tan importante como es el Premio Grada.

 

- Una de las tendencias actuales de la dramaturgia es intentar acercar a un mayor número de espectadores a las obras. Para ello se busca la “adaptación” o el “pulido” para convertir el texto en algo más ligero o cercano ¿Qué piensa de esta tendencia, o del hecho de introducir situaciones coyunturales y conceptos actuales que no estaban en la obra primigenia?

- Sinceramente, no la comparto demasiado porque, al menos para mí, no hay que bajar la calidad de un espectáculo para acercar a un mayor número de espectadores al teatro ¡hay que ofrecer a cada colectivo el texto que sepa asimilar y disfrutar!... así se aprende a ver teatro en estado puro y a diferenciar un buen texto de otro ligeramente adaptado, que en algunos casos se convierte en una ridícula pantomima. Yo sí apruebo ese texto creado sin otra pretensión de arrancar sonrisas, porque se ha montado con ese único fin. Pero hacer vulgar un buen texto solo para llegar a un público mayoritario, me revuelve las tripas.

 

- Han conseguido estar entre las mejores ofertas culturales de Extremadura. Para esto tiene que existir un buen equipo tras las bambalinas…

- Que el Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas lo haya considerado el Observatorio de la Cultura de la Fundación Contemporánea como una de las 10 mejores ofertas culturales de Extremadura es algo que nos enorgullece porque es un reconocimiento a todo un grupo de personas que dedican muchas horas y mucho esfuerzo a este evento cultural.

 

- ¿Qué lugar ocupa la fotografía en su lista de preferentes?

- Como comentaba al principio todo lo referente a cultura y creatividad me gusta y por ello, he intentado tocarlo todo: escritura, pintura, música, fotografía… puede que mi madre tenía razón cuando me comentaba: “Dedica todo tu tiempo y tu fuerza perfeccionándote en algo en concreto porque si no vas a ser aprendiz de todo y oficial de nada”… ¡cuánta razón tenía! Volviendo a tu pregunta, no tengo una lista de preferente, hago cada cosa en el momento que lo considero oportuno. Simplemente me rijo y selecciono la actividad por la necesidad de expresarme que tenga en cada momento...

 

- ¿Han levantado el teatro en Extremadura los grupos aficionados?

- No. Los grupos amateur tienen su puesto en el espacio teatral, son necesarios porque yo los considero un vivero de actores y actrices que más adelante formarán parte de los equipos artísticos de las compañías profesionales. Pero el teatro en Extremadura se ha levantado entre todos los que de una u otra manera trabajan o promocionan nuestras artes escénicas.

 

-Volviendo a sus declaraciones en Pipirijaina ¿Podría analizar si hemos avanzado en alguno de los puntos que denunciaba entonces?

- Escaso apoyo a los autores extremeños

- Potenciación de los grupos teatrales

- Teatro en los colegios

- Si, hemos avanzado mucho en estos campos. Actualmente, las instituciones apoyan a las compañías y a sus autores, se potencian las artes escénicas, tanto profesional como amateur con programas meramente teatrales y el teatro en los colegios, a través de las campañas escolares y las actividades que se les ofrece, tienen unas expectativas que antes no existían. Por supuesto, todo es mejorable y espero se sigan ofreciendo más programas de este tipo, pero 36 años después no denunciaría estos puntos.

 

- ¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? ¿Hablamos ahora de la Cátedra “Torres Naharro” con sus premios, cursos y representaciones por los pueblos o aquellos camiones teatrales del Centro Dramático de Badajoz, que impartieron cultura por caminos y senderos sólo aptos para las cabras?

- Todos los tiempos son buenos siempre que sean aportaciones positivas para promocionar el teatro. Hay que reconocer la gran labor de la Cátedra “Torres Naharro”, del Centro Dramático de Badajoz y de esos carros de cómicos que recorrían nuestra región por caminos intransitables. Ellos forman parte de ese ayer que sembró la semilla del teatro en Extremadura. Ahora se trabaja de distinta forma, pero la esencia es la misma: vivir y amar el teatro ¿Qué tiempo fue mejor?... cualquier tiempo es maravilloso si impregnamos nuestro espíritu de cultura.

 Francisco ColladoFrancisco Collado 

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HAMLET CHARLA CON JUAN CARLOS RUBIO SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS INVITA A VIVIR JUNTOS NUESTRA ANORMALIDAD, CON TERNURA, CON EMPATÍA

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • La historia de Hamlet será eterna precisamente porque representa, mejor que cualquier otra, esas dudas, errores y ¿por qué no? atrocidades que cometemos los seres humanos una y otra vez.

  • He descubierto que el término "normalidad" no se puede aplicar a nada en la vida.  Y desde luego, la familia, no escapa a esa "anormalidad"... También he vuelto a comprobar, gracias a esta obra, que la ternura y la empatía son los valores humanos más importantes.    

  • El humor allana el terreno, nos coloca a favor de una historia, de unos personajes… Es mucho más fácil que cualquier mensaje nos cale más hondo. Marra combina con maestría el dolor y el humor, me encantó esa combinación desde el primer momento.

  • Debe ser un teatro hecho desde el corazón y para el corazón de los espectadores. Como decía el gran Federico García Lorca: que el público venga al teatro no a ver lo que pasa sino a ver "qué les pasa". 

  • A los políticos les pediría que vayan más al teatro y aprendan. Allí nos ponemos todos de acuerdo porque tenemos un objetivo común: hacer feliz al público. Ellos deberían buscar la felicidad de los ciudadanos, esa es su verdadera misión, aunque no lo sepan.

  • Juntos les reconciliará con sus propias carencias, con sus propios miedos y "anormalidades", porque se habla de temas y situaciones que todos conocemos. Que nos pongan un espejo delante y nos hagan pensar (y reír y emocionarnos) es siempre una maravilla.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este reencuentro mi Señor Rubio…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… si creéis que en estos momentos en que el reino huele a podrido, este joven príncipe bien podría representar nuestras incertidumbres y furias...

 

JUAN CARLOS RUBIO- El placer del reencuentro es mutuo, querido Hamlet... (Risas)…  Creo que la historia de Hamlet será eterna precisamente porque representa, mejor que cualquier otra, esas dudas, errores y ¿por qué no? atrocidades que cometemos los seres humanos una y otra vez. Y nuestra época no se escapa a ese ciclo. Lo llevaría a las tablas con sumo placer, no creo que haya que variar una coma, Shakespeare lo dejó todo muy bien escrito. (Risas)...Quizá cambiaría la corte real por un Parlamento francamente dividido…

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. Bien conocemos vuestra querencia por los clásicos… por eso os inquiero… en estos momentos, qué podemos aprender de nuestros clásicos...

 

JCR- Todo. El ciclo de la vida, como decía antes, nos trae una y otra vez los mismos temas que preocupan a los seres humanos. Han cambiado las formas, pero no el contenido. Nuestros clásicos supieron analizar con certeza la naturaleza humana.

 

H- Ya dijo el clásico… La diferencia entre el pasado, el presente y el futuro es solo una ilusión persistente...

 

Risas a dúo

 

H- Nos traéis a Madrid, Juntos, de Fabio Marra... Una obra que ganó el fervor de público y crítica en Francia… Nos puede la impaciencia… decidnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación con este autor, con esta obra… aunque no hagan falta excusas…

 

JCR- Como dices estrenamos en Madrid esta maravillosa obra, con la que ya hemos recorrido buena parte de España (80 ciudades) desde que estrenamos en Vitoria en agosto del año pasado. El público disfruta mucho con esa perfecta mezcla de humor y dolor que Fabio Marra escribió hace años y que ya tuvo mucho éxito en Francia…(Sonrisas)…   Txalo Producciones, con quienes llevo trabajando muchos años, me ofreció la dirección y la posibilidad de hacer la versión y no dude un momento.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Juntos nos cuenta una historia contemporánea, muy actual, con un estilo clásico… de aunar las pequeñas tragedias familiares, personales, con la comedia… Mas contadme… que nos corroe la curiosidad… qué habéis descubierto al versionar el texto, al llevarlo a las tablas…

 

JCR- (Risas)… He descubierto que el término "normalidad" no se puede aplicar a nada en la vida. Todo somos "anormales" en nuestros sentimientos y en nuestras relaciones, no hay una norma que unifique la complejidad de las relaciones humanas. Y desde luego, la familia, como núcleo fundamental en nuestra vida, no escapa a esa "anormalidad". También he vuelto a comprobar, gracias a esta obra, que la ternura y la empatía son los valores humanos más importantes.    

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de los hombres.

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que Marra dibuja a sus personajes, con pinceladas de ternura... y mucho humor…. Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor... ¿creéis que es más fácil que los dardos de la ironía lleguen a nuestro cerebro a través del humor?

 

JCR- Sin duda… (Risas)... El humor allana el terreno, nos coloca a favor de una historia, de unos personajes, y desde esa plataforma es mucho más fácil que cualquier mensaje nos cale más hondo. Marra combina con maestría el dolor y el humor, me encantó esa combinación desde el primer momento que la leí.  

 

H- Esperemos que esta noche alguien vuelva a su casa con la cabeza clavada.

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un elenco de actores que han encarnado a los personajes dibujados por Marra… Me interrogo (ya conocéis nuestras tendencias)… cómo han sido los ensayos… para dar vida a esos personajes... si con mano de hierro o con guante de seda...

 

JCR- (Risas)… Han sido ensayos muy fáciles porque son unos intérpretes maravillosos, cada uno de ellos es perfecto para encarnar a sus personajes. Con Kiti Mánver esta es ya mi octava colaboración en las tablas, nuestra relación es muy íntima, sabemos lo que queremos el uno del otro tan solo con mirarnos. Pero he de decir que con el resto del fabuloso elenco (Gorka Otxoa, María Castro e Inés Sánchez) me ha pasado lo mismo. Son actores superdotados, tanto para el drama como para la comedia. Creo que merece la pena pasarse por el Teatro Amaya a verles, su trabajo es de una altura insuperable.      

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que como director habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia… Como ya nos abruma la zozobra… os lo ruego, avanzadnos detalles de la puesta en escena...

 

JCR- Para la puesta en escena he contado con la colaboración de mi equipo habitual en estos últimos tiempos: Curt Allen Wilmer (escenógrafo) y José Manuel Guerra (iluminador). Ambos son fundamentales a la hora de enfocar mi trabajo de dirección, sus ideas son brillantes y reveladoras... La puesta en escena es un gran "efecto especial… (Risas)... Juntos esconde más de una sorpresa en su puesta en escena y eso es bueno para el desarrollo de la trama.  

 

H- Ya dijo el clásico, que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir, y algo debe ocurrir…

 

Risas a dúo

 

H- Como conocemos vuestra inclinación por las bandas musicales, os interpelo qué papel juega la música en esta obra... 

 

JCR- La música ayuda mucho a las transiciones... (Risas)... Lo siento, mi señor Hamlet, mi abogado no me deja decir nada más: tiene usted que ir el Teatro Amaya a ver Juntos para comprobarlo. 

 

H- La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía… dijo el clásico.

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

JCR- (Sonrisas)… Debe ser un teatro hecho desde el corazón y para el corazón de los espectadores. Como decía el gran Federico García Lorca: que el público venga al teatro no a ver lo que pasa sino a ver "qué les pasa".  

 

H- El teatro como espejo... Aplaudo el presente…

 

Risas a dúo

 

H- Aunque queda claro vuestro entusiasmo, vuestro frenesí… me cuestiono,  y os cuestiono… Cómo vivís el teatro en estos momentos, de vuestra carrera...

 

JCR- El teatro es parte fundamental de mi vida. Amo mi profesión… (Risas)... A veces discuto un poco con ella, a veces estoy en perfecta armonía, pero no me imagino haciendo otra cosa que no sea contar historias. Me considero un privilegiado.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

 

H- Celebramos vuestra llegada al Teatro Amaya… En este escenario os requiero qué rol representan o deben representar los teatros privados en la divulgación de este arte...

 

JCR- Los teatros privados son los verdaderos paladines del teatro, los que luchan a pecho descubierto, los que arriesgan su propio dinero. Y desde luego invertir en teatro es siempre un negocio complicado, aunque maravilloso. En Madrid tenemos unos empresarios privados de primera línea. Son héroes. Ojalá la Administración les ayude más, es muy difícil mantener en pie un teatro.   

 

H- Hacemos votos para que vuestros sueños se hagan realidad…

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para la cultura, para el teatro, que dijo el clásico... algunos demandan subvenciones, mecenazgos… Vos mi señor, qué pediríais a los políticos… por si alguien toma nota…

 

JCR- (Risas)… Les pediría que vayan más al teatro y aprendan. Allí nos ponemos todos de acuerdo porque tenemos un objetivo común: hacer feliz al público. Ellos deberían buscar la felicidad de los ciudadanos, esa es su verdadera misión, aunque no lo sepan. 

 

H- Siempre merece la pena hacer una pregunta...

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro…. Podríais mi Señor, contagiar un poco de vuestra afición por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir Juntos

 

JCR- (Risas)… Deben ir porque es una obra que les reconciliará con sus propias carencias, con sus propios miedos y "anormalidades", porque en Juntos se habla de temas y situaciones que todos conocemos. Que nos pongan un espejo delante y nos hagan pensar (y reír y emocionarnos) es siempre una maravilla.

 

H- Aplaudo el presente… Reconocemos que ya nos asfixia el ansia...

 

Risas dúo

 

H- Mi Sr. Rubio, ha sido un placer, esta charla humana y teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

JCR- Querido Hamlet, soy su más ferviente admirador. Nos veremos siempre que usted lo desee. A sus pies.

 

SE FUNDEN EN UN FOGOSO ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE SHAKESPEARE

 

JUNTOS

Autor: Fabio Marra

Traducción: Fabio Marra y Mariví Arrieta

Versión y dirección: Juan Carlos Rubio

 

Reparto

Kiti Mánver

María Castro

Gorka Otxoa

Inés Sánchez

 

Ficha técnica y artística

Ayudante de dirección: Isabel Romero De León

Escenógrafo: Curt Allen Wilmer

Iluminador: José Manuel Guerra

Figurinista: La Alegría Producciones

Fotografías: Sergio Parra

 

Titania  

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ENTREVISTA A JOSÉ VICENTE MOIRÓN

 Por Francisco Collado

P- Existen personajes que se te aferran a la piel. Que permanecen más allá de los aplausos desde la platea, de las horas de ensayo. Unos por su densidad humana o su simbolismo antropológico. Otros por el recorrido humano y la exigencia vital a que somete al actor ¿En que parámetros situaría a Cosme, el protagonista de “El Otro”, esa incursión unamuniana en el mito de Caín y Abel?

 

R- El personaje de “El Otro” es de una profundidad extraordinaria, alguien que vive una experiencia sobrenatural muy lejos de la comprensión humana, y eso a ojos de los demás lo convierte en un loco; pero… ¿es un loco porque ha perdido la cordura o porque razona demasiado? En esas profundidades se mueve el personaje. Ha sido un viaje maravilloso. He aprendido que todos llevamos dentro una versión de nosotros que no nos gusta, un gemelo al que podemos llegar a odiar, nos molesta, incluso nos angustia y que escondemos, pero pervive en nosotros hasta que morimos y debemos aceptarlo para  ser felices . He llegado casi a la obsesión con Cosme y Damián, por serle sincero al personaje; me he puesto como actor  a su servicio y he rehusado caer en el artificio a la hora de interpretarlo. Esa ha sido mi intención. Por otro lado he pensado mucho en su autor: su inteligencia, su obsesión por la otredad, por la duplicidad de la personalidad; y por todo esto he llegado a entenderme, a aceptarme y a quererme más.

 

P- Alberto Conejero ha añadido un sesgo histórico de profunda raíz hispana. Las referencias al conflicto civil, ya desde el primer cuadro, son numerosas. Desde esa radio que transmite noticias del bando vencedor, hasta las profundas metáforas universales sobre enfrentamientos fratricidas ¿Considera que el teatro es una textura que solicita renovación o adaptación a los tiempos?

 

R- Debemos tener en cuenta las necesidades del espectador del siglo XXI. Qué le interesa en este momento, qué puede atraparle; y por otro lado, qué podemos aportar los creadores en la actualidad que nos diferencie de anteriores versiones o puestas en escena. El teatro de Unamuno es singular y en “El Otro” se habla de la personalidad, un tema que obsesiona al ser humano desde que el mundo es mundo, es decir que goza de una vigencia absoluta. Sin ninguna duda, la renovación teniendo en cuenta todos estos aspectos es muy positiva; se puede preservar la esencia pero desde una mirada contemporánea que cohabite con ella. Considero un acierto situar el drama de Unamuno en la posguerra española, se entiende mucho mejor un texto que se resiente por el paso del tiempo, podemos jugar con la ambientación -algo muy atractivo de cara al espectador-, las metáforas, una guerra civil fratricida con el odio de los dos hermanos protagonistas de la obra… Los clásicos perduran en el tiempo pero las formas cambian y debemos mostrarlos acorde a la actualidad.

 

P- ¿El teatro como arma, como revulsivo del espectador, como tesis? ¿O un teatro como cultura en estado puro, que no se inmiscuya en lo coyuntural y sirva únicamente como expresión artística? Pienso ahora directamente en mucho del Teatro del Siglo de Oro (excepción de Fuenteovejuna), enfrentado; por ejemplo; al teatro comprometido de  Bertolt Brecht o el social de Buero Vallejo.

 

R- El teatro debe ser un reflejo de la sociedad actual, una obligación. Debe ser el altavoz imparcial del ciudadano, el formador popular, no debe alejarse de su cometido. Considero que todo el teatro es político, hasta la comedia más irrelevante, por mucho que se disfrace únicamente de entretenimiento. El compromiso teatral está vinculado a defendernos de las injusticias de manera pacífica y sublime; a través del talento, elevarnos y emocionarnos, mostrándonos cómo actuamos los seres humanos en diferentes circunstancias; acercarnos a los grandes dramaturgos de la historia de la literatura que siguen siendo referentes, y de la misma manera a los noveles. Es un escaparate que nos advierte de las miserias humanas y pone en alza los grandes logros. Estoy convencido de la labor y el compromiso social con el hombre.

 

R- ¿Qué diferencias técnicas encuentra para su trabajo en teatro, en series (Aída, Los Hombres de Paco, Un paso Adelante) o en el orbe cinematográfico (El mal del arriero)?

 

P- Muchas, la televisión y el cine son dos medios que también me apasionan. No me dejan  prodigarme tanto como en el teatro, pero disfruto mucho trabajando para la cámara. Depende mucho también del personaje y por supuesto del guión. Trabajar en cine te obliga a hacer el ejercicio contrario que en el teatro. Es minimizar cada gesto, delegar en la mirada tan difícil de captar en el teatro, equilibrar la voz, dejar de proyectarla… No es nada fácil para un actor que viene del teatro y se entrena cada día en él. Los primeros días de un rodaje me siento incómodo, tímido, midiéndome en exceso y por tanto no disfrutando plenamente; pero una vez que te haces con el equipo y el tono, y acabo entrando en la dinámica sin tener que observarme, lo disfruto extraordinariamente. Es tan difícil llegar con tu personaje a la última fila del patio de butacas en el teatro como soportar un primer plano ante la cámara.

 

P- Un personaje difícil el de Elías Redondo, llevado por el viento de los acontecimientos. Una parábola sobre La impunidad de la élite social. Le valió la candidatura al Goya a “Mejor Actor Protagonista”

 

R- Lo disfruté muchísimo. Me encantó descubrir como crecía el personaje día tras día, adaptarme al anacronismo del plan de rodaje; inicié el rodaje grabando la última secuencia de la película. Tienes que tener una memoria  de elefante para recordar el estado emocional en que dejas al personaje tras rodar una secuencia y grabar la que le sigue días o semanas después. Fue una experiencia inolvidable y muy dura. Espero que no suene a tópico pero, por ejemplo, estaba ambientada en primavera y rodamos en uno de los peores inviernos que se recuerda: frío, lluvia, y vestidos con camisas y calzado fresquito; tuve que bañarme desnudo bajo cero  en el lago de la cantera de Alcántara y salir del agua como si nada… Fue más de un mes de rodaje donde no hubo un solo día en el que yo no estuviera presente. Recuerdo madrugar mucho y acabar muy tarde. En fin, todo por mi primer protagonista en el cine, por una película con la que quedé muy contento y con un galón más de experiencia.

 

P- Se atreve usted con todo. Dentro del ciclo de Música Actual, que desarrolla la sociedad Filarmónica de Badajoz, se simbiotizó con una de las agrupaciones punteras en el campo de la música contemporánea: Sonido Extremo. “Coming Together” es una experiencia cargada de contenido social y humano, donde recreaba las cartas que escribió un preso estadounidense a su hermano, contándole la vida y el paso del tiempo en la prisión de Attica (Nueva York). Imagino que un caramelo para cualquier actor…

 

R- Desde luego que sí, lo disfruté muchísimo. Me encantó la obra,  cómo está compuesta, lo que cuenta y cómo lo cuenta: una estructura espiral que repite frase tras frase entrando en un bucle inacabable… Ahí hay una obra de teatro que espero algún día poder hacer. Yo tenía experiencia previa con otras formaciones musicales, como es el caso de la OEX. Con ella y con Jesús Amigo grabé “Los Cuentos Fantásticos” de Terry Jones, “El camino hacia el jazz” y “La Guía de Orquesta para Jóvenes” de Britten, por tanto había roto el hielo, sabía lo que era formar parte de una obra musical donde el recitador es  un instrumento más de la orquesta. Eso me animó a aceptar la propuesta, aunque en el caso de “Coming Together” uno de los retos más significativos fue tener que recitar en inglés. En cuanto a trabajar con el equipo humano de Sonido Extremo, sus músicos, Javier González Pereira a la cabeza y Jordi Francés en la dirección, fue una pasada.

 

P- Las piedras milenarias del Teatro Romano de Mérida le han visto en la piel de ese Edipo atormentado que adaptó Miguel Murillo, (del que tuve el placer de hacer la reseña), o del heroico Ayax. Ahora se enfrenta a un montaje arriesgado, de intensa violencia y crueldad ¿Levantará ampollas su “Tito Andrónico”, vía Shakespeare?

 

R- Espero que sí. Me gusta no dejar al público indiferente. Yo debuté profesionalmente con esta obra de Shakespeare a los 21 años. Interpretaba a  Quirón, uno de los príncipes godos. Esta vez haré de Tito. “Tito Andrónico” no es una obra inofensiva, es la historia de una venganza muy cruel, muy sanguinaria. Es el primer drama de Shakespeare, aunque no su primera obra. Me fascinó siempre. Somos muchos en este proyecto y todos estamos magnetizados por él. Nando López ha tejido una versión maravillosa. Tito no es un héroe como lo es Ayax, ni un ejemplar gobernante como es Edipo; ni forma parte del ideario grecolatino, entre otras cosas porque no pertenece a ese repertorio. Es un soldado que ha perdido a muchos hijos en las contiendas de Roma. No emociona tanto a simple vista, pero está lleno de aristas que lo hacen grande y ahí es donde quiero explorar y encontrar, porque intuyo que dentro de él alberga un tesoro que quiero descubrir.

 

P –“Edipo” le colocó en el trayecto a los premios MAX, como mejor actor protagonista ¿Utiliza algún truco para no llevarse a casa estos personajes atormentados? Si no hay sinceridad en la interpretación, estos iconos no funcionan. Y para esto hay que dejarse la piel…

 

R-Tengo cierta empatía con estos personajes. Me apasionan y sí, me los llevo a casa. Forman parte de mí durante el proceso de ensayos a todas horas. Me encanta imaginar qué haría José Vicente Moirón si le ocurriera lo que le ocurre a Edipo, a Ayax o a Tito; y esa máxima es la que me permite acercarme de manera sincera al personaje. Me los llevo a casa y les doy la bienvenida de manera amistosa. Me cambian la vida por un tiempo y lo acepto como un regalo. Sé convivir con ellos sin que me causen perjuicio.

 

P- Desde el teatro desnudo de “Algo en el aire”, huyendo del artificio, casi sin acción, caminando hacia obras con profusión de recursos y escenografías impactantes ¿En qué territorios se siente más cómodo?

 

R- En ambos. Siempre y cuando el protagonista no sea el continente. El contenido es lo que debe primar. Lo que me atrapa y hace que esté cómodo, al margen de como lo vistan. Soy amante de lo sencillo y no de los fuegos artificiales, pues se esfuman rápido y tiene que ver más con el “espectáculo” que con el teatro. Soy partidario del minimalismo en el teatro, de sugerir más que de mostrar. El teatro es imaginación y debemos dejar que el público se inspire con lo que ve, no darle las tareas hechas y quitarles ese placer.

 

P– ¿Hay espectáculos y personas que de un modo u otro representen un hito en su vida artística. Le doy unos nombres: El Búfalo Americano (premio Max), José Manuel Villafaina, Muerte de un Viajante, Pedro y el Capitán, El Hombre Almohada (Premio Extremadura a la Creación 2008, Premio Arcipreste de Hita a la mejor interpretación)…

 

R- Son momentos inolvidables y personas que afortunadamente aún forman parte de mi vida, a las que sigo admirando y recurriendo cuando las necesito. La vida por otro lado me ha quitado otras personas demasiado pronto, por eso valoro la amistad por encima de todo. Los premios y los espectáculos más relevantes en mi trayectoria hasta el momento, son como muescas en las botas, me recuerdan la veteranía que ya me acompaña. Son momentos y períodos mágicos, destellos de luz que me ayudan a disipar y desechar los momentos oscuros de esta profesión, y me ayudan a continuar.  Cuando los recuerdo, pienso en todos los compañeros y amigos que he podido hacer y pienso: “Esta profesión crea una familia nueva por montaje, una forma de vivir maravillosa, una filosofía de vida, y soy el tío más suertudo del mundo”.

 

P- Sitúe en su vida “Teatro del Noctámbulo”…

 

R- Es mi columna vertebral profesionalmente hablando. Qué difícil fue empezar y qué difícil mantenerse… pero cuánta satisfacciones me ha dado y espero me siga dando. Teatro del Noctambulo es un proyecto que nace de la necesidad de poner en pie textos comprometidos con la sociedad de hoy y donde abordar personajes que difícilmente te van a ofrecer. En la Red Nacional, y por supuesto en Extremadura, hablan del sello “Noctámbulo”. Comercialmente esto puede ser bueno o puede ser malo, según los gustos y necesidades de los programadores, pero artísticamente es un orgullo que cualquier profesional nos sitúe rápidamente en nuestra línea de trabajo, muy reconocida, por la calidad de los espectáculos y por la búsqueda de nuevos textos teatrales. Soy fan de Teatro del Noctámbulo, de quienes trabajan a mi lado codo con codo, de cada actor, cada creativo, cada director que ha pasado por la compañía; a todos ellos les debo que se hayan sumado a la exigencia que marcamos con cada proyecto.

 

P- El actor (al igual que los músicos) es un nómada vocacional, un itinerante en el camino de la vida ¿En algún instante se arrepiente y añora una estabilidad vital? ¿Cambiaría la adrenalina del estreno por la quietud y la serenidad de otras profesiones?

 

R- Es uno de los peores aspectos de mi profesión, la itinerancia, ni siquiera la temporalidad. Estoy tan acostumbrado a esa dinámica que ya no me asusta, pero es muy injusta y el motivo de que muchos actores hayan tirado la toalla. Sé que si he tenido un año bueno, tengo que ahorrar para el siguiente que puede que sea ruinoso. Es uno de los problemas que planteamos en el Estatuto del Artista. No puedo añorar la estabilidad económica porque nunca la he tenido, pero el bienestar emocional que me proporciona esta profesión de alguna manera “compensa” el otro aspecto. Hoy por hoy no me veo haciendo algo diferente, no cambiaría el estreno de una obra de teatro por otra cosa, pero también estoy seguro de que si  tuviera que dedicarme a otros menesteres acabaría adaptándome. Hay otras muchas cosas que me gustan y no hago por mi dedicación exclusiva al teatro.

 

P– Su primer estreno fue “Mi Rival” de Helder Costa con “A Barraca” de Lisboa. Allí se narraba la relación entre un travestí (Leandro Rey) y usted en la piel de un policía ¿Si poseyera una máquina del tiempo, cambiaría algo en sus interpretaciones, aportando la experiencia y sabiduría posteriores?

 

R–No, no lo haría. Me enternece mirar atrás y cuando me veo interpretar en un vídeo de veinticinco años atrás, me doy cuenta de cuánto he aprendido. Esta profesión es una carrera de fondo, no un sprint y los veteranos del teatro dicen que se trata de un oficio que se aprende y estoy de acuerdo. No soy el mismo actor que hace treinta años, he ganado en experiencia y he perdido quizá en frescura.

 

P- Para finalizar. Me atrevería a asegurar que una de las obras que más piel le arranca es “Contra la Democracia”. Esa dualidad del actor debe causar dolor, especialmente el personaje del genocida Leopoldo de Bélgica…

 

R- Estoy de gira con ese espectáculo. Qué gran texto y qué necesario en estos momentos. Es un disparo de sal gorda. Aún nos sorprendemos con las lecturas que hacen los espectadores: algunas cercanas a las nuestras y otras muy alejadas de lo que nos proponemos. Pero así es el teatro descarnado, sin filtros, sin suavizante… Es una denuncia muy seria de la manipulación política a la que estamos sometidos, y no hablo de colores, ni de partidos, me refiero a la corrupción del poder político que llevamos sufriendo desde hace mucho tiempo. Cualquier ciudadano que se sienta a ver “Contra la democracia” se revuelve en la butaca porque es muy difícil que no se sienta reflejado en cualquiera de las siete historias que contamos. Una de ellas versa sobre el discurso de dos dirigentes políticos de distintas épocas: Dick Cheney y Leopoldo II de Bélgica. Es incomprensible que con tanta distancia generacional, ambos tengan el mismo discurso cruel e inhumano. Eso demuestra que no aprendemos de nuestros errores, sino que volvemos a repetirlos. Me toca interpretar a Leopoldo. El personaje entra en escena poniendo en valor La Familia, como pieza angular de la sociedad y se le cae la baba hablando de sus dos hijos pequeños. Al final de la escena acaba forzando y violando a una camarera de veinte años…

No recuerdo haberlo pasado tan mal con otro personaje, la vergüenza que sentía en los ensayos con la actriz con la que interactuaba, con el director y el resto de actores. Y no quiero recordar con el público en las primeras funciones; aún hoy después de muchos bolos, lo sigo pasando fatal. Me reconforta el mensaje que queremos enviar, eso lo justifica todo. El actor debe defender siempre su personaje, pero en este caso se me hace imposible.

 Francisco ColladoFrancisco Collado 

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HAMLET CHARLA CON NATALIA MENÉNDEZ SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

ANSIAS, SUEÑOS, SORPRESAS, ABSURDO... A LA SOMBRA DE UN SOMBRERO

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Las crisis forman parte del ser humano... Los clásicos te enseñan otros puntos de vista diferentes al tuyo y eso puede ensanchar tu pensar, te aporta conocimiento y sensibilidades distintas, siempre desde la belleza.

  • Mihura mete en la cama al protagonista, la noche previa a su boda, con un sombrero de copa y cierra los ojos. Empieza el sueño. Necesitaba crear ese sueño mezcla de pesadilla tanto con el espacio, con el vestuario, la música y la luz.

  • Habla sobre el miedo al compromiso, lo hace renovando la comedia a través del absurdo, bebiendo de las vanguardias… No se atrevieron a estrenarla hasta 1952 por lo atrevida que era. Los miedos que se plantean ante un compromiso de boda son vigentes y la necesidad de elegir qué vida se desea también.

  • La comedia es una manera ágil y divertida de afrontar las miserias humanas. A todos nos gusta reír y sonreír, es profundo el calado que ciertos temas serios nos provocan con la risa. Para muchas personas es más fácil y más agradable aprender así, pues nos relajamos.

  • Entiendo el espectáculo como un vaivén de personas, como un tiovivo de emociones fruto de un sueño...  Busco la credibilidad, la emoción, la espontaneidad, la sorpresa y el humor. Por suerte, este reparto se ha involucrado al máximo.

  • Tres sombreros de copa es una obra divertida, sorprendente, mágica y conmovedora. Aventúrense en esta comedia como un viaje de épocas entre la infancia y la madurez.

HAMLET- Cuánto nos complace este reencuentro mi Sra. Natalia Menéndez…  Qué joven tan dubitativo…. Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto…  cómo llevaríais a este joven príncipe sobre las tablas de 2019...

 

NATALIA MENÉNDEZ- (Risas)...Yo le llevaría a las tablas con un puñado de estupendos actores y grandes creadores.

 

H- Confieso la quemazón de la inquietud, perdonadme por la impaciencia...

 

Risas a dúo

 

H- Vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas. Bien conocemos vuestra querencia por nuestros grandes autores… Mas os cuestiono… en esta barahúnda, qué podemos aprender de nuestros clásicos...

 

NM- (Risas)… Las crisis forman parte del ser humano, no debemos extrañarnos ni darles un valor superlativo. Los clásicos te ilustran eso y muchas más cosas. Sobre todo, te enseñan otros puntos de vista diferentes al tuyo y eso puede ensanchar tu pensar, te aporta conocimiento y sensibilidades distintas, siempre desde la belleza.

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de las mujeres.

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente nos traéis todo un clásico vanguardista, innovador del humor... Tres Sombreros de copa de Miguel Mihura... Contadnos cómo ha surgido este proyecto… aunque sospechamos que sentiréis cariño por esta obra… ya que vuestro padre participó en su estreno…

 

NM- Le propuse a Ernesto Caballero este gran clásico de la comedia del siglo XX porque hace tiempo que no se monta y la obra lo merece… Y porque como decís, quiero hacerle un homenaje a mi padre... y porque nunca la he visto como la he imaginado…

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Vuestro protagonista nos recuerda a alguien…  con sus sueños, dilemas, desazón, desasosiego ante la disyuntiva de decidir… Mas decidme… qué habéis descubierto al llevarlo a las tablas… ¿qué se van a encontrar debajo de estos sombreros… los espectadores…?

 

NM- (Risas)… Es una obra vinculada a las vivencias de Miguel Mihura puesto que la escribió con 27 años, la misma edad que el protagonista. Su creación se produjo cuando tuvo que volver a Madrid para operarse de una pierna después de una aparatosa caída cuando hacía acrobacias con una compañía llamada Alady. Él tenía una novia gallega, pero se enamoró de una bailarina cántabra. Todo concluyó, su novia le dejó, la historia de la bailarina acabó y estuvo postrado tres meses en una cama y ahí se lanzó a escribir su primera obra: Tres sombreros de copa, en 1932. Habla sobre el miedo al compromiso, lo hace renovando la comedia a través del absurdo, bebiendo de las vanguardias… No se atrevieron a estrenarla hasta 1952 por lo atrevida que era. Los miedos que se plantean ante un compromiso de boda son vigentes y la necesidad de elegir qué vida se desea también.

 

H- Como dijo el clásico… lo único molesto del matrimonio son esos primeros cincuenta años que siguen a la luna de miel...  

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que Mihura dibuja a sus personajes, con pinceladas de poesía, ternura... y mucho humor disparatado... Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi señora, ¿creéis que es más fácil que los mensajes, lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

NM- (Risas)… La comedia es una manera ágil y divertida de afrontar las miserias humanas. A todos nos gusta reír y sonreír, es profundo el calado que ciertos temas serios nos provocan con la risa. Para muchas personas es más fácil y más agradable aprender así, pues nos relajamos.

 

H- El humor es la gracia envuelta en papel de celofán… dijo el clásico...

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con un gran elenco, y numeroso, de actores, actrices…  que han encarnado a los personajes dibujados por Mihura… Os interpelo (ya conocéis nuestras tendencias) … cómo han sido los ensayos… para dar vida a esos personajes...

 

NM- (Risas)… Entiendo el espectáculo como un vaivén de personas, como un tiovivo de emociones fruto de un sueño, provocado por el miedo al compromiso matrimonial. Necesitaba un elenco considerable y de calidad para poderlo realizar. Los ensayos están siendo alegres y exigentes. Los actores deben entrar en esta clave de comicidad que no es fácil porque en muy pocas escuelas se trabaja. Además, muchos tienen que bailar y que tener una fisicidad veloz y precisa o suave y sugerente. Busco la credibilidad, la emoción, la espontaneidad, la sorpresa y el humor. Por suerte, este reparto se ha involucrado al máximo. Es un placer ir a ensayar.

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.

 

Risas a dúo

 

H- Bien sabemos que como directora habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia escrita a principios del XX, empapada en las vanguardias, sumergida en el absurdo… Como nos corroe la curiosidad… os lo ruego, contadnos… avanzadnos detalles de la puesta en escena...

 

NM- (Risas)… Mihura mete en la cama al protagonista, la noche previa a su boda, con un sombrero de copa y cierra los ojos. Empieza el sueño. Considero que entre bromas y veras todo está en el anhelo de un chico que teme formar parte de una vida calculada, llena de costumbres y de normas prefijadas. Se desespera y sueña con todo lo que él considera contrario: la bohemia, el circo, la magia. Pero nada es perfecto, todo tiene una cara oculta… (Risas)...

Necesitaba crear ese sueño mezcla de pesadilla tanto con el espacio, con el vestuario, la música y la luz. El movimiento y las posibilidades escénicas que se ofrecen transitan por todo ello, sugiriendo y apostando.

 

H- Una mujer que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- Deducimos, o mejor… imaginamos que escenografía y vestuario arroparán el relato… 

 

NM- Quería un espacio que se moviera, que cambiara, que sugiriera, que ocultara, que nos invitara a soñar y lo consigue, además de lo hermoso que es. El vestuario está ubicado en casi su totalidad en el año en que fue escrita la obra 1932, aunque se hace un pequeño guiño en el inicio a 1952, año en que se estrenó. Eso quiere decir que todo el sueño bebe de las vanguardias: del modernismo, surrealismo, simbolismo, etc. Es de una belleza extraordinaria.

 

H- Como dijo el clásico… La diferencia entre el pasado, el presente y el futuro es solo una ilusión persistente…

 

Risas a dúo

 

H- La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre los sueños del protagonista…

 

NM- La iluminación baila con la escenografía y el vestuario, aporta emoción, se infiltra por los personajes, asoma aquello que no nos atrevemos a ver de ellos.

 

H- Ante los artistas nos quitamos el sombrero.

 

Risas a dúo

 

H- Bien conocemos vuestro gusto por envolver las fábulas en una buena banda sonora… mas os planteo qué papel juega la música en esta obra...

 

NM- En una gran parte de la obra se desarrolla una fiesta en la habitación contigua de un hotel. La música transita por diferentes países, mantenemos la época, los años treinta. El amor por el music hall y el circo era también una manera de descubrir los sonidos que venían de otros mundos. Lo divertido era cómo los recreaban en España en esa época, aunque todo lo que se escuche sea original para este montaje.

 

H- La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía.

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

NM- Hacer un teatro de calidad, plural, diferente, renovador e innovador. Poder ver teatro desde muy diferentes formas y espacios.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro fervor por el teatro… Mas decidme, ¿qué es para vos este arte, en estos momentos, de vuestra carrera?

 

NM- El teatro forma parte de mi vida, me siento mujer de teatro, y con la edad me siento más libre de hacerlo.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Celebramos vuestra llegada al María Guerrero… en este escenario os requiero qué rol representan o deben representar los teatros públicos en la divulgación de este arte...

 

NM- Los teatros públicos deben apostar y arriesgar por lo que no se puede hacer en los teatros privados y en las salas alternativas.

 

H- Al bien hacer jamás le falta premio.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico...  Atravesamos una primavera de promesas electorales… Vos mi señora, qué pediríais a los políticos… por si alguien toma nota…

 

NM- (Risas)… La cultura es necesaria para vivir con calidad, aporta riqueza y beneficia a la salud.

 

H- Las sentencias cortas se derivan de una gran experiencia.

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro, a los clásicos… Podríais mi señora, contagiar un poco de vuestro entusiasmo por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir estos Sombreros…

 

NM- Tres sombreros de copa es una obra divertida, sorprendente, mágica y conmovedora. Aventúrense en esta comedia como un viaje de épocas entre la infancia y la madurez.

 

H- Acepto el consejo, y lo paso…

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sra. Natalia Menéndez, espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

NM- Todo llegará caballero…

 

SE FUNDEN EN UN FRATERNAL ABRAZO. AL FONDO RESUENAN LAS RISAS DE MIHURA Y SHAKESPEARE

 

TRES SOMBREROS DE COPA

De: Miguel Mihura

Dirección: Natalia Menéndez

Reparto (por orden alfabético)

El forzudo ingenioso: Óscar Alló

Don Rosario: Roger Álvarez

Fanny: María Besant

El cazador furtivo: César Camino

Trudy: Lucía Estévez

El romántico enamorado: Cayetano Fernández

Dionisio: Pablo Gómez-Pando

Frusky: Alba Gutiérrez

Sagra: Tusti de las Heras

El odioso señor: Mariano Llorente

Paula: Laia Manzanares

Madame Olga: Rocío Marín Álvarez

El romántico enamorado: Manuel Moya

Carmela: Carmen Peña

Anciano militar: Chema Pizarro

Don Sacramento: Arturo Querejeta

Alegre explorador: Fernando Sainz de la Maza

Buby: Malcolm T. Sitté

Equipo artístico

Escenografía: Alfonso Barajas

Iluminación: Juan Gómez-Cornejo

Vestuario: Mireia Llatge

Música y espacio sonoro: Mariano Marín

Coreografía: Mónica Runde

Ayudante de dirección: Pilar Valenciano

Fotos: marcosGpunto

Diseño cartel: Javier Jaén

 

Producción

Centro Dramático Nacional - http://cdn.mcu.es/ 

 

 

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON RULO PARDO SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

EL PLACER DE PRESENTAR SU PERSONAL PASIÓN POR UN PLANETA PRECIOSO

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

 

  • Ponemos el discurso en boca de elefantes… pero no buscaba ver elefantes animalizados… La pieza se mueve en un universo muy metafórico no queríamos encontrar unos personajes comunes en el imaginario, sino plantear un universo físico propio para la pieza.

  • Para mí, el vehículo de la comedia siempre es más fácil para hacer llegar los mensajes porque el receptor siempre está más relajado. Soy de los que opino que es mejor reírte de ti mismo que acabar sufriendo el drama de los otros.

  • Contamos varias historias dentro de una historia, es como un cuento de cuentos.  Una de las cosas que más me gustan es descubrir ideas dentro de las escenas, descubrirlo en el proceso de ensayo... Hay muchos efectos visuales y sonoros que hacen que la puesta en escena cobre otra dimensión.

  • Bueno ha habido de todo… (Risas)… Pero yo vengo de tener compañía propia y sé lo que es tener que currarte tú mismo las cosas, y es bonito además el hacerlo, porque crea un equipo más unido, y las cosas se van consiguiendo poco a poco y van saliendo, esa es una energía muy hermosa de ver.

  • Estas salas han sido y deben seguir siendo los pilares en los que se apoye el resto del teatro. Personajes secundarios de películas sin los cuales el resto del elenco daría igual. Son contenedores de sangre fresca, esa especie de bichitos que andan cerca de los dinosaurios y que les saben guiar por el sendero.

  •  “PRECIOSO” Es el cuento de siempre que tristemente se sigue contando de la misma manera.  Es una alarma para atender a lo que se tiene aún... Es un canto a la libertad donde se dicen animaladas de animales. Es esa hambre de almendra amarga que encuentras en la bolsa y no te impide seguir comiendo.

 

 HAMLET- Cuánto nos complace este reencuentro mi Sr. Rulo Pardo… Qué personaje tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… llevaríais a este joven príncipe sobre las tablas de 2019...

 

RULO PARDO- (Risas)… Creo que lo más interesante de Hamlet sería marcarse el reto de no hacerlo nadie en el mundo en todo un año. Eso me parecería además de un reto, una acción performativa en sí.

 

H- Agradezco la franqueza, el detalle... aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…

 

Risas a dúo

 

H- Bien conocemos vuestra maestría… Aun así, perdonadme la osadía, os interpelo si ante un folio en blanco habéis sentido envidia de Shakespeare...

 

RP- No suelo tener envidia la verdad... (Risas) ... Tengo más prisa que envidia de hecho.

 

H- Os felicito... Ser honrado tal como anda el mundo, equivale a ser un hombre escogido entre diez mil.

 

Risas a dúo

 

H- Precisamente os personáis en PRECIOSO... Contadnos cómo ha surgido este proyecto…con La Compañía de Teatro Malditos... y por qué habéis caído en la tentación de lanzaros a esta hazaña… Aunque no hagan falta excusas para reflexionar sobre la urgencia de cuidar del planeta…

 

RP-La compañía y yo nos conocimos en su primer proyecto “DANZAD MALDITOS” y tras eso dijimos que alguna vez tendríamos que hacer algo juntos. Ellos querían trabajar algo más cercano al teatro de comedia y yo por mi lado tenía muchas ganas de enfrentar mi mundo a actores con los que no suelo trabajar. Y el resultado no puede ser más ARTE... (Risas) ...

 

H- El ver mucho y leer mucho aviva los ingenios de los hombres.

 

Risas a dúo

 

H- Vuestro cuento tiene química, y física... mezcla el circo, y el humor absurdo… Nos encanta el coctel… más contadme… que nos puede la impaciencia... ¿qué se van a encontrar en este Precioso Planeta… los espectadores…?

 

RP- (Risas)… Pues, lo que te puedo asegurar es que no es una historia fácil de asimilar de entrada. Ponemos el discurso en boca de elefantes, pero no buscaba ver elefantes animalizados, para mi es muy importante la teatralización de los mismos, por eso no tienen trompas, ni orejas, o patas de elefantes, tienen un maquillaje que se acerca a ese aspecto, pero desde un lugar más artístico, al igual que las orejas o las extremidades, estamos más cerca de que el público empatice con la forma en la que hemos creado a estos elefantes. Al igual que la pieza se mueve en un universo muy metafórico no queríamos encontrar unos personajes comunes en el imaginario, sino plantear un universo físico propio para la pieza.

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que dibujáis a vuestros personajes con grandes dosis de amor, pinceladas de poesía y mucho humor disparatado… Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, creéis que es más fácil que los mensajes, lleguen a nuestro cerebro través del humor...

 

RP- Las palabras y los mensajes están ahí... Las palabras se dicen y se escuchan. Para mí el vehículo de la comedia siempre es más fácil para hacer llegar los mensajes porque el receptor siempre está más relajado. Soy de los que opino que es mejor reírte de ti mismo que acabar sufriendo el drama de los otros.

 

H- Aprecio el presente… como dijo el clásico... no reírse de nada es de tontos…

 

Risas a dúo

 

H- Habéis escrito el texto, y lo dirigís… perdonadme la impertinencia, pero me planteo… si lo hacéis para que no os discutan… o igual peleáis con vos mismo...

 

RP- (Risas)… Ni lo uno ni lo otro. Simplemente tengo cosas que decir y mi vehículo es el teatro. No suelo trabajar desde ningún conflicto, ni personal ni social. Mis textos, en ocasiones, no sé por qué aparecen, pero están ahí, y cada vez son más directos y fuertes. Me impresiono a mí mismo a veces descubriéndolos. Lo que más me sorprende de todo ello es encontrar palabras que ni yo mismo las utilizo, no sé cómo han llegado a materializarse de esa forma.

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un elenco, grande y numeroso... de actores Malditos que han encarnado a los personajes que vos como autor nos dibujáis… Me cuestiono (ya conocéis nuestras tendencias) … cómo han sido los ensayos… para construir el texto sobre las tablas… si para lograrlo habéis recurrido al látigo, o ponéis sentido común con mano izquierda…

 

RP- (Risas)… Bueno ha habido de todo, no es bueno ni malo, es como se dan las cosas. Ten en cuenta que no estamos hablando de una producción que tenga un respaldo económico fuerte detrás, es una compañía que se lo paga todo y no hay ninguna institución apoyando. Eso crea siempre tensiones a la hora de hablar de la producción. Pero yo vengo de tener compañía propia y se lo que es tener que currarte tú mismo las cosas, y es bonito además el hacerlo porque crea un equipo más unido, y las cosas se van consiguiendo poco a poco y van saliendo, esa es una energía muy hermosa de ver.

 

H- El andar tierras y comunicar con diversas gentes hace a los hombres discretos.

 

Risas a dúo

 

H- Bien conocemos que, como autor y director, habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia escrita con tanto amor por Precioso… os lo ruego que nos ahoga la desazón… avanzadnos detalles de la puesta en escena...

 

RP- Contamos varias historias dentro de una historia, es como un cuento de cuentos.  Una de las cosas que más me gustan es descubrir ideas dentro de las escenas, descubrirlo en el proceso de ensayos y que, con solo un sonido de látigo, por ejemplo, tu cabeza aterriza una escena que en principio parecía mera diversión y gracias a ese sonido se convierte en una prisión. Hay mucho de eso en la pieza, muchos efectos visuales y sonoros que hacen que la puesta en escena cobre otra dimensión.

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que…  escenografía, vestuario y maquillaje colaborarán, construirán el relato… 

 

RP- Completamente, piensa que estamos creando una historia que se mueve entre el cuento y lo fantástico, al ser un marco circense todo necesita tener un punto elevado de color y fantasía... (Risas) ... Soy muy fan del CHORIZO/TARTA (definición que no es nada a priori, pero hace arrugar la cara)

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre la narración…

 

RP- (Risas)… Como cabría de esperar... la luz es PRECIOSA, y uno de los puntos más complejos en los que estamos ahora es encontrar el paso de un espacio lumínico de 3 dimensiones a 2 dimensiones. Habrá que verlo.

 

H- Confieso que nos consume el ansia…

 

Risas a dúo

 

H- Bien conocemos vuestra querencia por las bandas musicales… os inquiero qué papel juegan la música y la danza en esta obra...

 

RP- La música, como en todos mis espectáculos es un elemento narrativo muy importante. En este caso es un elemento muy atmosférico el que hay que crear, hay que entrar en unos espacios muy oníricos al hablar de sueños e ilusión. La danza en este caso no tiene un papel importante, desde el principio hablamos de que trabajaríamos en una pieza puramente teatral, lo que se aleja del estilo que la compañía ha llevado hasta ahora… (Risas)… Aunque he de confesarte que no me puedo resistir nunca a meter un número de revista, una Cata de Karate y alguna canción al estilo del viejo oeste que se canta en el directo y se baila de una manera bien rara.

 

H- Tales nuevas alegran el ánimo, despiertan el seso.

 

Risas a dúo

 

H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

RP- Redondo, relleno de crema y de gente con sueldos que merezcan la pena.

 

H- Hacemos votos para que vuestros sueños se hagan realidad...

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro fervor, frenesí por el teatro… Mas decidme ¿qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera?

 

RP- (Risas)... Pues como estamos entre amigos, le diré a usted que últimamente estoy bastante tranquilo con el arte en general. Como no veo un sentido claro en la programación teatral de una ciudad como Madrid, me encuentro muy contemplativo y rellenando mis ilusiones con otros colores que no sean los puramente teatrales.

 

H- Donde una puerta se cierra, otra se abre...

 

Risas a dúo

 

H- Celebramos vuestra llegada a la Cuarta Pared… en este escenario os requiero qué rol representan o deben representar los teatros alternativos, en la divulgación de este Arte...

 

RP- Estas salas han sido y deben seguir siendo los pilares en los que se apoye el resto del teatro. Personajes secundarios de películas sin los cuales el resto del elenco daría igual. Son contenedores de sangre fresca, esa especie de bichitos que andan cerca de los dinosaurios y que les saben guiar por el sendero.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... Atravesamos una primavera de promesas electorales… Vos mi señor, qué pediríais a los políticos… por si alguien toma nota…

 

RP- Yo no creo que sean malos tiempos para el teatro… (Risas)... Son malos tiempos para los creadores si acaso... A los políticos no les pido nada, nunca he visto a ninguno y nunca hablaría con ninguno tampoco.

 

H- Ya dijo el clásico que los políticos no escuchan…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro, al humor… podríais mi Señor, contagiar un poco de vuestra devoción, afición por el teatro, para que los lectores se animen a conocer a Precioso…

 

RP- “PRECIOSO” es el cuento de siempre que tristemente se sigue contando de la misma manera. Una comedia terrible. Es una manera muy hermosa para sentirse pequeño. Es una alarma para atender a lo que se tiene aún, pese a que se salga con el pecho hacia dentro. Es un canto a la libertad donde se dicen animaladas de animales. Es una comedia con unos maquillajes muy chulos. Es esa hambre de almendra amarga que encuentras en la bolsa y no te impide seguir comiendo.

 

H- Como dijo el clásico… es mejor encender una vela que maldecir la oscuridad.

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sr. Rulo Pardo, tengo que declarar que ha sido un placer, y toda una experiencia humana y teatral esta charla…

 

RP- Un placer como siempre. ¡¡¡CUÍDESE MUCHO y ABRÍGUESE CUANTO!!!

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO. AL FONDO RESUENA LA RISA DE SHAKESPEARE

 

PRECIOSO

Malditos Compañía

Autor y Director: Rulo Pardo

Elenco

Chema Adeva, Guillermo Barrientos, Sam Slade, Rubén Frías, Ana Telenti, Sara Párbole, Nuria López

 

www.malditoscompania.com

 

Sala CUARTA PARED

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON JULIO SALVATIERRA SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

SE VENDE, SE COMPRA: LA CORRUPCIÓN CERCA CADA CASA

 (Una entrevista de Titania)

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

  • Yo les quitaría las dignidades de príncipe (a Hamlet) y de rey (a su padre) y transformaría a toda la familia en una familia de ciudadanos conscientes (o no) de las barbaridades que la actual cúpula dirigente está cometiendo...

  • Se Vende es sin duda una comedia. Nada mejor que la comedia para reírnos de nosotros mismos, y para hacernos pensar en que no somos tan buenos como nos creemos. Nada mejor que la comedia para intentar hacernos mejores.

  • No se fija en la corrupción de otros, de políticos o empresarios… Hay una lucha anti-corrupción que está dentro de nuestras casas, con nuestros hijos, hermanos, amigos, y aún más cerca, en nuestro propio interior.

  • Hacer reír al público es siempre un compromiso con la parte más humana de nuestra naturaleza, único animal capaz de reír. El desfase propio del humor es una búsqueda de un más allá en la realidad que nos rodea y, lleva implícito un mensaje de otro mundo es posible.

  • Critiquemos, denunciemos si hace falta, pero sin renunciar a la vertiente social que este arte debe tener. Enganchemos a nuestros conciudadanos, incluso a los que no le interesamos... No podemos tirar la toalla si queremos tener un teatro pujante, independiente y de interés.

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sr. Julio Salvatierra…  Qué joven tan dubitativo… Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… si creéis que en estos días en los que el reino huele a podrido… este joven príncipe podría representar nuestras incertidumbres y furias... y cómo lo llevaríais sobre las tablas de 2019...

 

JULIO SALVATIERRA- (Risas)… Lo bueno de los clásicos, a mi modo de ver, es que admiten (y a veces piden a gritos) muchas interpretaciones, ya que han dado pie sobradamente a todas las propuestas imaginables, con lo cual su sentido original ya está bastante trabajado... En estos momentos, por ejemplo, yo les quitaría las dignidades de príncipe (a Hamlet) y de rey (a su padre) y transformaría a toda la familia en una familia de ciudadanos conscientes (o no) de las barbaridades que la actual cúpula dirigente está cometiendo... ¿Deben actuar? ¿Deben arrasar con los representantes de un sistema injusto, o hay que tomárselo con calma?

 

H- Alabo y agradezco el retrato… aunque ya nos invaden los dilemas, la incertidumbre…

 

Risas a dúo

 

H- Como bien decís… vivimos tiempos difíciles, de crisis financieras y humanas... Precisamente nos traéis a la Villa y Corte, una comedia sobre la corrupción, en compañía de Pangea... Contadnos cómo ha surgido este proyecto… y por qué habéis caído en la tentación… aunque no hagan falta excusas…

 

JS- (Risas)… Pangea es una nueva línea de producción de Meridional, la productora que fundamos Álvaro y yo (y más gente y a la que luego se incorporó Marina Seresesky) hace 27 años. Una línea que busca planificar las producciones con más tiempo, prestar más atención a los repartos, para sumar a la calidad un plus de promoción. Replantear la propuesta artística admitiendo que no basta con tocar temas interesantes, hay que hacerlos accesibles a un público más amplio. Cuidar más la publicidad y la exhibición, aunque esto obligue a reducir los tiempos de explotación de las producciones.

Todo ello con el objetivo de encontrar una nueva mezcla propia de forma y contenido que nos permita llegar a más gente sin perder la cualidad de agitador de ideas que es también una de las esencias de nuestro teatro, y que nos permita también entrar en Madrid en salas de mediano aforo.

 

H- Para lograr éxito en cualquier asunto se necesita una cierta dosis de locura...

 

Risas a dúo

 

H- Se vende… está protagonizada, encarnada por cuatro mujeres, con nombres que empiezan por la letra C… como Corrupción… la culpa de nuestros males, el gran pecado de estos tiempos… Como nos corroe la curiosidad… contadme... cómo son estos caracteres…. Y os cuestiono… de qué va el cuento...

 

JS- (Risas)… Camila, Celia, Carol y Casilda empiezan por la “C” de codicia, sí. Este espectáculo, segunda parte de una trilogía sobre la corrupción, es una comedia que no se fija en la corrupción de otros, de políticos o empresarios -ya tratada en Iberian Gangsters-... sino en la corrupción de personas de a pie, tan cercanas que podríamos ser nosotros mismos. Hay una lucha anti-corrupción que está dentro de nuestras casas, con nuestros hijos, hermanos, amigos, y aún más cerca, en nuestro propio interior. Y que muchas veces gira en torno al elemento en el que la gente de a pie atesora sus pequeñas fortunas: el pisito… (Risas)… Dicho esto hay que aclarar que Se Vende es sin duda una comedia. Escrita para hacer reír, para sorprender y para enganchar al espectador con unos personajes que actúan de formas inesperadas...

Nada mejor que la comedia para reírnos de nosotros mismos, y para hacernos pensar en que no somos tan buenos como nos creemos. Nada mejor que la comedia para intentar hacernos mejores.

 

H- Esperemos que esta noche alguien vuelva a su casa con la cabeza clavada.

 

Risas a dúo

 

H- Sabemos que dibujáis a vuestros personajes, con ironía, con mucho humor… Hemos tenido el placer de escuchar al propio M. Moliére, defender la comedia, porque creía que la risa abría a la vez la boca y la mente. Vos mi Señor, ¿creéis que es más fácil que los mensajes, los dardos de la crítica, lleguen a nuestro cerebro través del humor?

 

JS- (Risas)… Yo creo que una buena comedia no lo es solo por lo que cuenta, por su trama, sus personajes o su ironía. El espíritu del humor, el distanciamiento de las cosas que necesita la Comedia para funcionar, es ya en sí una mirada política y espiritual al mundo. Transmitir esa relatividad que necesita la risa, esa juguetona distancia que toma respecto del espíritu solemne del buscador de sentidos lleva en sí, y siempre lo ha llevado, una cualidad revolucionaria, dinamitadora, catártica y frecuentemente comprometida, -paradójicamente- con el sentido de la vida, más allá de los estereotipos.

Hacer reír al público es siempre un compromiso con la parte más humana de nuestra naturaleza -único animal capaz de reír-. El desfase propio del humor es, intrínsecamente, siempre una búsqueda de un más allá en la realidad que nos rodea y, por ello mismo, siempre lleva implícito un mensaje de otro mundo es posible. Un mundo que, además, se manifiesta cercano, al alcance de todas las personas. Mensaje nada despreciable, en nuestra opinión.

 

H- Un hombre que no se alimenta de sus sueños envejece pronto.

 

Risas a dúo

 

H- Habéis escrito el texto, y lo dirigís… Tras tantos años concentrado en las tareas de autor… Perdonadme la impertinencia, pero os planteo… si lo hacéis para que no os discutan… o igual peleáis con vos mismo...

 

JS- (Risas)… No, es bueno que te discutan, te hace crecer y mejorar. Lo he hecho por ser un proyecto más personal, por dinámicas logísticas internas de la compañía y porque hace tiempo quería probarme en estas lides, y este proyecto me ha dado la oportunidad perfecta. La experiencia ha sido muy instructiva e interesante. Desde luego gracias a la paciencia y buena energía de estas cuatro fantásticas actrices, y ha servido para abrir boca, para plantearse nuevas dudas y para hacer ganas de más…

 

H- El que no sabe gozar de la ventura cuando le viene, no debe quejarse si se pasa.

 

Risas a dúo

 

H- Contáis con todo un elenco de actrices que han interpretado a los personajes que vos como escritor habéis construido… Os interpelo (ya conocéis nuestras tendencias) … si para lograrlo habéis recurrido al látigo en los ensayos... o ponéis sentido común con mano izquierda…

 

JS- Enriqueta Carballeira, Blanca Oteyza, Esperanza Elipe y Helena Lanza se han prestado con toda su energía y sabiduría para este proyecto… (Risas)... sufriendo, seguro, a un director que hace años delegó toda la función directora en otras personas y que llevaba mucho sin asumir esa responsabilidad. Yo siempre he creído que actores y actrices son los protagonistas absolutos del teatro, en pie de igualdad sólo con el público, la otra pata fundamental del teatro. Por eso creo que un proceso de ensayos es sobre todo un proceso de crecimiento de los intérpretes, que tienen que asumir y construir su protagonismo absoluto, ayudados de todos los demás (director, ayudante, escenógrafo, iluminador, vestuarista, etc). No sé si en esta primera dirección desde hace tantos años he estado a la altura como “guía”, o como “establecedor de directrices” de ese proceso… (Risas)

 

H- Las improvisaciones son mejores cuando se las prepara.

 

Risas a dúo

 

H- Bien conocemos que, como autor y director, habréis buscado la mejor forma de acercarnos esta historia... Os lo ruego, avanzadnos detalles de la puesta en escena… que nos ahoga el ansia...

 

JS- Hemos buscado los personajes dentro de las actrices, dejando que cada una compusiera el personaje con los recursos que tiene (que son muchos). La trama ya es complicada de por sí, así que hemos buscado hacerla clara para el público, enredando lo menos posible con efectos externos. Una apuesta más cercana al naturalismo, pero siempre con esa distancia que tiene la Comedia.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito...

 

Risas a dúo

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario acompañarán, conjuntarán con el relato… 

 

JS- También hemos intentado que cuenten la historia tal y cual es, hoy día, sin buscar florituras ni excesos. Se trata de una historia de gente cercana: el espacio y el vestuario transmiten esa misma sensación: cercanía. Lupe Valero ha hecho un buen trabajo en el vestuario añadiendo a esa sencillez ese punto de humor y alegría que siempre tiene su trabajo.

 

H- La iluminación suponemos que también arrojará luz sobre las protagonistas…

 

JS- Luis Perdiguero ha realizado una iluminación cuidada, como es su estilo, y también adaptándose a lo que se le pedía desde la historia: claridad, luminosidad para la comedia y una cierta naturalidad. No es una obra efectista, ni en la que la luz asuma un papel narrativo, como podía suceder en otras obras nuestras, como Romeo, o Cyrano. Aquí lo que hay es una buena, cuidada y matizada luz natural.

 

H- Conociendo vuestra querencia por las bandas sonoras… os inquiero qué papel juega la música en esta obra...

 

JS- El trabajo de Mariano Marín ayuda mucho a subrayar el tono fundamental de la propuesta, como siempre. Esa mezcla de humor (negro a veces), gansterismo y glamour como puede haber en las músicas de algunas películas de Tarantino, ha sido la guía. Y Mariano ha dado con una buena clave. Estamos contentos con el tema original.

 

H- Ante tales artistas, nos quitamos el sombrero…

 

Risas a dúo


H- Con la confianza que da sentirse entre amigos, os demando, decidme… cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público...

 

 

JS- (Risas)… El teatro tiene mucha energía, y mucho futuro. En esta época de transmisión digital de información, creo que cada vez estaremos más necesitados de presencias, de momentos de piel, sudor y respiración compartidas, aunque vayan apoyados por unos medios técnicos cada vez más impresionantes, así que le auguro larga vida... (Risas) ... Creo que debe buscar por ahí, por ese contacto y complicidad con el público, sin complejos frente a otros medios. Y debe recuperar un gran público, comprometiéndose a fondo con la sociedad que tenemos, aunque en algunos aspectos no nos guste… Critiquemos, denunciemos si hace falta, pero sin renunciar a la vertiente social que este arte debe tener… Enganchemos a nuestros conciudadanos, incluso a los que no le interesamos… No podemos tirar la toalla ahí, si queremos tener un teatro pujante, independiente y de interés.

 

H- Ya dijo el clásico... Nuestras dudas son traidores que muchas veces nos hacen perder el bien que podríamos ganar si no temiéramos buscarlo.

 

Risas a dúo

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro fervor, frenesí por el teatro…Más decidme mi señor, qué es para vos este arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera, con esta nueva aventura...

 

JS- Sigue siendo un misterio fascinante y lo vivo con las mismas ganas que hace veinte años. Es cierto que la experiencia te brinda una distancia, una capacidad de renunciar a los aspectos que no te interesan, mostrándote caminos escondidos que ahora te parecen interesantes. Estoy deseando poder concentrarme más en la escritura pura y dura, y si se puede compaginar con la producción de forma paralela y positiva, bien, y si no, ardo en deseos de dedicarme sobre todo a inventar historias.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

H- Celebramos vuestra llegada al LUCHANA… En ese escenario os requiero qué rol representan o deben representar los teatros privados en la divulgación del Teatro…

 

JS- La defensa del sector por parte del estado es parte necesaria, dentro de la visión que considera que la Cultura debe ser tratada como la Educación, la Ciencia y la Sanidad, prioridades del estado, son el futuro, lo más importante que tenemos... Dicho esto, el cómo se repartan las tareas es algo mucho más opinable. Seguramente el estado debe reforzar su apoyo más a la difusión, la creación de públicos y los sectores más delicados (nueva creación, danza, teatro experimental), y menos a la producción de forma directa, como hace ahora. En este posible escenario la iniciativa privada podría ser una fuente de riqueza y de renovación del panorama teatral, como hacen las salas alternativas ahora. ¿Por qué no imaginar algo parecido, pero en locales de 500 butacas? En este sentido aún queda mucho por hacer. Pero creo que, lentamente, una nueva creatividad se va abriendo paso en la exhibición privada. Ojalá.

 

H- Hacemos votos para que vuestros sueños se hagan realidad…

 

Risas a dúo

 

H- No son buenos tiempos para el teatro, que dijo el clásico... atravesamos una primavera de promesas electorales… Vos mi señor, qué pediríais a los políticos… por si alguien toma nota...

 

JS- Imaginación en la forma y compromiso en el fondo con la defensa de la cultura como bien público. Honestidad en la gestión y renuncia al uso partidista del sector. Un gran pacto entre partidos para la Cultura, la Educación y la Sanidad, es tercermundista este vaivén que tenemos desde hace cuarenta años.

 

H- Ya dijo el clásico que siempre merece la pena hacer una pregunta…

 

Risas a dúo

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro, a las comedias… Podríais mi Señor, contagiar un poco de vuestro entusiasmo por el teatro, para que los lectores se animen a descubrir SE VENDE…

 

JS- Repito que la Comedia es siempre, intrínsecamente, una búsqueda de un más allá en la realidad que nos rodea, muchas veces enervante. Lleva implícito un mensaje de otro mundo es posible. En concreto Se Vende, además de demostrar que las mujeres son iguales a los hombres y pueden ser tan corruptas como ellos (lo cual, aun desde la comedia y la paradoja, es un mensaje positivo (¿o no?)), (Risas)… habla a la gente de a pie sobre algo que a todos nos preocupa, la corrupción propia de toda la sociedad, pero desde el humor y una inesperada peripecia.

 

H- Bravo, mi señor por la elocuencia… Con tales ingredientes ya se nos hace la boca agua… Aplaudimos el presente

 

Risas a dúo

 

H- Mi Sr. Julio Salvatierra, tengo que declarar que ha sido un honor, y un placer esta charla humana y teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

JS- Igualmente y así sea, mi querido Hamlet.

 

 

SE FUNDEN EN UN FERVIENTE ABRAZO. AL FONDO RESUENA LA RISA DE SHAKESPEARE

 

SE VENDE

Dirección y dramaturgia: Julio Salvatierr

Elenco: Enriqueta Carballeira, Blanca Oteyza, Esperanza Elipe y Helena Lanza

Música original: Mariano Marín

Iluminación: Luis Perdiguero

Vestuario: Lupe Valero

Ayt dirección: Iván Villanueva

Espacio escénico: Pangea Producciones

Realización técnica: Sonia Sanz

Fotografía y diseño gráfico: Marialacartelera

Producción: Pangea Producciones

 

https://pangeaproducciones.com

http://www.meridionalproducciones.com/

 

Titania  

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HAMLET CHARLA CON EDUARDO VASCO E IGNACIO DEL MORAL SOBRE SU AMOR POR EL TEATRO

NOS ENFRENTAN A NUESTRO REFLEJO EN ESPEJO DE VICTIMA: UN RETRATO CON DOS CARAS

 (Una entrevista de Titania)

EDUARDO VASCO

Ser o no ser, esa es la cuestión:

si es más noble para el alma soportar

las flechas y pedradas de la áspera fortuna

o armarse contra un mar de adversidades

y darles fin en el encuentro.

Morir, dormir, nada más.

Y si durmiendo terminaran las angustias y

los mil ataques naturales herencia de la carne,

sería una conclusión seriamente deseable.

 Morir, dormir; dormir, tal vez soñar.

IGNACIO DEL MORAL

  • Esos temas surgen en el texto al hilo de sendos enfrentamientos… Y al hablar del mundo, aparecen todas esas plagas sociales, que deterioran terriblemente la convivencia y hacen difícil el ejercicio de la bondad, que es un tema que me preocupa mucho.

  • La primera lectura me atrapó y vi claramente que era carne de escenario. Cuenta muchas cosas que me inquietan desde hace tiempo, y de una manera muy acertada, sin dogmatismos.

  • Yo creo, y espero, que se vean reflejados en negativo, que vean expuestos en el escenario pensamientos y opiniones de las que normalmente uno se autocensura... Espero que la función haga aflorar algunas contradicciones de esas que todos llevamos dentro.

  • Yo espero que el espectador salga con muchas cosas que plantearse sobre nuestra manera de vivir… Nuestra manera de ver las cosas tiene mucho de impostación, de construcción previa, somos poco flexibles y bastante previsibles.

  • Es un trabajo al servicio del texto. Hemos intentado que se entienda y se sigan lo mejor posible los motivos, las ideas y las emociones de los personajes. Es un espectáculo a dos bandas para un espacio en el que el espectador va a estar muy cerca del actor...

  • El trabajo de Eduardo con los actores ha consistido en un cuidadoso desentrañamiento del texto, obteniendo como resultado una absoluta fluidez y la sensación de esgrima verbal que como autor perseguía... ver a los personajes en feroz confrontación.

  • Dos de los mejores actores de España interpretan dos textos fantásticos… ¡No se lo pierdan!

 

HAMLET- Cuánto nos complace este encuentro mi Sr. Vasco, mi Sr. Del Moral…  Qué joven tan dubitativo…. Cómo ya nos atenazan las dudas, os pregunto… en estos días en los que el reino huele a podrido…  creéis que este joven príncipe podría representar nuestras incertidumbres y furias… Decidme cómo lo llevaríais sobre las tablas...

 

EV- Yo tuve la ocasión de acompañarlo a las tablas en el año 2004, tiempo atribulado aquel… No me importaría hacerlo una segunda vez. Un tipo simpático aquel, aunque un poco indeciso, la verdad... (Risas)

 

IDM- No sólo el reino... (Risas)…  el planeta entero desprende cierto hedor. Nuestro príncipe, en efecto, es una encarnación de todas las dudas y, también, de la respuesta apasionada, equivocada y, en cierta forma inútil y destructiva. Si yo tuviera que escribir una nueva versión, si me atreviera a ello, dejaría claro que Hamlet ha sido víctima de una trampa, urdida quizá por Polonio: la aparición del fantasma de su padre es una farsa que le representan para provocar su rebelión. Lamentablemente, las reacciones de Hamlet no son las esperadas y lo lía todo... (Risas)... Creo que con frecuencia se olvida que los personajes de muchas de las obras de Shakespeare son muy jóvenes, y sus reacciones muy inmaduras.

 

H- Agradezco la franqueza… Confieso que os admiro y felicito por pasar de las dudas a la acción…  Ya conocéis mis indecisiones…

 

Trío de risas

 

H- Nos traéis al María Guerrero, Espejo de Víctima, un espejo con dos caras La Lástima y La Odiosa…. Retratos del mundo real, el acoso escolar, la violencia sexual, el terrorismo, el salvajismo de las redes...  Asuntos que nos duelen y preocupan… Aplaudimos un teatro que nos agite y conmueva… más contadnos cómo han surgido este texto, este montaje…

 

IDM- Esos temas surgen en el texto, al hilo de sendos enfrentamientos (son dos obras cortas de similar estructura) en los que, al hilo de la confrontación, van surgiendo visiones del mundo. Y al hablar del mundo, aparecen todas esas plagas sociales que mencionas, que deterioran terriblemente la convivencia y, sobre todo, hacen difícil el ejercicio de la bondad, que es un tema que me preocupa mucho.

 

EV- La primera lectura me atrapó y vi claramente que era carne de escenario. Cuenta muchas cosas que me inquietan desde hace tiempo, y de una manera muy acertada, sin dogmatismos. Que fuera de Ignacio ya me predisponía a trabajar en ello; tenemos muchas afinidades y le admiro como profesional. Es un placer trabajar con él.

 

H- Al bien hacer jamás le falta premio.


Trío de risas


H- Dijo el clásico que el teatro es el espejo en que nos vemos reflejados… Os cuestiono, ya conocéis nuestro carácter… Los espectadores… van a sentirse expuestos, representados en vuestro Espejo...

 

EV- Yo espero que el espectador salga con muchas cosas que plantearse sobre nuestra manera de vivir; sobre lo que esperamos de los demás en determinadas circunstancias. Nuestra manera de ver las cosas tiene mucho de impostación, de construcción previa, somos poco flexibles y bastante previsibles.

 

IDM- Yo creo, y espero, que pase algo aún más interesante: que se vean reflejados en negativo, que vean expuestos en el escenario pensamientos y opiniones de las que normalmente uno se autocensura y que dichos de determinada manera, los arrastren hacia posiciones que no quieren compartir. Espero que la función haga aflorar algunas contradicciones de esas que todos llevamos dentro.

 

H- Como dijo el clásico… ningún legado es tan rico como la honestidad.

 

Trío de risas

 

H- Habéis colaborado de nuevo, veinte años después, como los mosqueteros... llevando un tercero, el texto, sobre las tablas… Perdonadme la impertinencia, os planteo cómo ha sido la experiencia… Si el entendimiento… ha sido de guante blanco, o habéis llegado a calzaros los guantes del Marqués de Queensberry… 

 

EV- Trabajar con Ignacio, alguien que sabe tanto del oficio, que trabaja al pie del cañón siempre es sencillo y enriquecedor. Él siempre está a favor de escena… (Risas)… Nada de guantes, la amabilidad, la afinidad y el respeto son las mejores herramientas.

 

IDM- (Risas)… No he tenido, ni hace 20 años ni ahora, ninguna discrepancia con Eduardo cuando he visto cómo pone en pie los textos. Creo que parte de una profunda comprensión de los mismos, para llegar a la cual me hace partícipe de sus dudas y le animo a que las resolvamos juntos, incluso las que yo pueda conservar, porque el autor no siempre lo sabe todo.  Lo que he visto en los ensayos supera mis expectativas, y creo que han incrementado la potencia del texto.

 

H- La excelencia no es un acto, sino un hábito...

 

Trío de risas

 

H- Contáis con dos grandes actores, Eva Rufo y Jesús Noguero, que han prestado su carne y su sangre a los personajes que vos como autor y director habíais imaginado… Me interrogo (ya conocéis nuestras tendencias) … cómo han sido los ensayos, la construcción del texto sobre las tablas...

 

EV- Todos trabajábamos partiendo de un texto que nos parecía extraordinario, así que ha sido fácil construir. Trabajar a favor de obra con dos actores tan espléndidos es un lujo. Dialogamos de una manera intensa pero fundamentada y, sobre todo, queriendo todos lo mismo.

 

IDM- Son dos actores que me entusiasman desde hace mucho tiempo. Han encontrado, junto con Eduardo, excelentes soluciones a las dificultades que el texto planteaba. Cada uno de ellos encarna dos personajes completamente diferentes con un convencimiento y una capacidad de defender lo casi indefendible que pone a los espectadores ante un verdadero espejo en el que a lo mejor les cuesta o no quieren reconocerse.

 

H- Dos linajes solos hay en el mundo, como decía el clásico, que son el tener y el no tener.

 

Trío de risas

 

H- Bien sabemos que…  como autor y director, habéis colaborado, buscado mano a mano, a dúo, la mejor forma de acercarnos esta historia… Mas os lo ruego, que nos ahoga el ansía...  avanzadnos detalles de la puesta en escena...

 

EV- Es un trabajo al servicio del texto. Hemos intentado que se entienda y se sigan lo mejor posible los motivos, las ideas y las emociones de los personajes. Es un espectáculo a dos bandas para un espacio en el que el espectador va a estar muy cerca del actor, así que la honestidad en el trabajo interpretativo y la narrativa del texto son fundamentales.

 

IDM- El trabajo de Eduardo con los actores, como decía, ha consistido en un cuidadoso desentrañamiento del texto, obteniendo como resultado una absoluta fluidez y la sensación de esgrima verbal que como autor perseguía. Y ello con muy poco artificio, pues el atractivo fundamental de la escena es ver a los personajes en feroz confrontación.

 

H- Ya dijo el clásico, que sobre un escenario cualquier cosa puede ocurrir, y algo debe ocurrir…

 

Trío de risas

 

H- Imaginamos que escenografía y vestuario se adaptan al relato de este fiero enfrentamiento… 

 

EV- Están hechos para que la historia sea posible, aunque el espectador debe interpretar el espacio como un espacio de juego donde se van a narrar dos historias muy diferentes. Toda la plástica se ha diseñado en función de la historia.

 

H- La iluminación suponemos que también se acomoda al combate entre los protagonistas…

 

EV- Es un trabajo delicado, ya que en un espacio tan pequeño como la Princesa hay que ser muy preciso para que el espectador no quede abrumado. Es tan importante la luz con los matices que cada obra requiere.

 

H- De nuevo orquestáis el espacio sonoro… contadme… ¿qué papel juega la música en esta obra?

 

EV- Un papel de contexto, de subrayado y apoyo a la acción. Nada espectacular. Detalles.

 

H- Reconocemos que vuestras palabras, vuestros argumentos despiertan nuestro apetito teatral...    Con la confianza que da sentirse entre amigos… os pido, decidme… ¿cómo creéis que debe ser el teatro de este siglo XXI para llegar a su público?

 

EV- Diverso para cada tipo de espectador. Consciente de su papel como transformador de individuos, pero sin darse tanta importancia… (Risas)…

 

IDM- Creo que no sólo hay varios tipos de público, sino que cada uno de nosotros somos diferente público según el lugar o la ocasión, así que no se puede hablar de “público” como si fuera un grupo homogéneo. Sea cual sea el tipo de público, o sea cual sea el momento o lugar en el que como espectadores nos encontremos, lo único indispensable es que lo que ocurra en el escenario no nos sea indiferente, que nos provoque sensaciones (risa, dolor, intriga, emoción) y pensamientos o ideas, y, en el mejor de los casos, que nos ofrezca una nueva forma de considerar determinados asuntos, removiendo nuestras conciencia o nuestros prejuicios. Nada de ello es posible si ofrecemos un teatro ensimismado y narcisista, que ignora la necesidad de establecer una comunicación con el espectador.

 

H- Ser honrado tal como anda el mundo, equivale a ser un hombre escogido entre diez mil.

 

Trío de risas

 

H- A estas alturas de nuestra charla, queda claro vuestro fervor, frenesí por el teatro… más os requiero… qué es para vos este Arte, y cómo lo vivís en estos momentos, de vuestra carrera...

 

EV- El teatro es un privilegio. Vivir de esto en cualquiera de sus aspectos es algo por lo que hay que sentirse afortunado cada día. 

 

IDM- No sé si por suerte o por desgracia, parte de mi tiempo lo dedico a otro tipo de escritura dramática que no va destinado al teatro. En esos otros medios me pagan bien, cosa que agradezco, y me permiten explorar y crear ficciones en ocasiones muy exitosas y gratificantes, pero donde de verdad me siento libre y como en casa es cuando regreso al teatro... (Risas)... No soporto un rodaje, pero amo los ensayos.

 

H- Nada grande se ha hecho en el mundo sin una gran pasión.

 

Trío de risas

 

H- Celebramos vuestra llegada al María Guerrero… En ese escenario os inquiero… qué rol representan o deben representar los teatros públicos en la divulgación de este arte...

 

 

IDM- Es una pregunta que puede obtener diferentes respuestas. ¿Debe ofrecerse teatro económico e intelectualmente accesible, pero de calidad, para el público que es, al fin y al cabo, quien lo sufraga? ¿O debe servir de campo de experimentación y acoger propuestas que no tienen cabida en los teatros comerciales o de empresa? Parece que una cierta combinación de ambas cosas sería lo lógico, y me parece que así se está haciendo en la actualidad. Se potencian nuevas voces de la (brillante) dramaturgia actual, se reponen obras de repertorio español y europeo... La colaboración con empresas privadas para algunos de los montajes más interesantes de las últimas temporadas ha permitido que los espectáculos se vean por todo el país. Cada opción puede ser discutida, y lo es, a veces con virulencia... Confieso que no envidio a los directores de las unidades de producción del INAEM… (Risas)…

 

EV- Todo. El teatro público es un servicio a los ciudadanos que debe garantizar el desarrollo del arte escénico al margen de sus vertientes comerciales.

 

H- Hacemos votos para que los políticos os escuchen…

 

Trío de risas

 

H- Antes de poner fin a esta charla, que nos ha convencido, a los ya entregados… Para los que se resisten al teatro, a los contemporáneos… podríais mis Señores, contagiar un poco de vuestro entusiasmo, para que los lectores se animen a descubrir este Espejo…

 

IDM- (Risas)… Cuesta un poco recomendar un texto propio, pero creo que si alguien quiere ver a dos excelentes actores en un intenso duelo interpretativo... lo encontrará en la Sala de la Princesa a partir del 20 de marzo.

 

EV- Dos de los mejores actores de España interpretan dos textos fantásticos… ¡No se lo pierdan!

 

H- Acepto el consejo, y lo paso…

 

Trío de risas

 

H- Mi Sr. del Moral, mi Sr. Vasco, ha sido un honor, un placer, esta charla humana y teatral… y espero que nos encontremos pronto sobre las tablas... con el príncipe danés...

 

IDM- Igualmente. Todo un honor.

 

EV- O sin él. Hay personajes más allá de Hamlet, afortunadamente… (Risas)…

 

SALUDAN SACUDIENDO LOS SOMBREROS AL AIRE. EN EL AIRE RESUENA LA RISA DE SHAKESPEARE

 

ESPEJO DE VÍCTIMA

Texto: Ignacio del Moral

Dirección: Eduardo Vasco

Reparto (por orden alfabético): Él / Hombre: Jesús Noguero; Ella / Mujer: Eva Rufo

 

Equipo artístico

Escenografía: Carolina González

Iluminación: Miguel Ángel Camacho

Vestuario: Lorenzo Caprile

Espacio sonoro: Eduardo Vasco

Ayudante de dirección: Álvaro Nogales

Fotos: marcosGpunto

Diseño cartel: Javier Jaén

Producción: Centro Dramático Nacional

 

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Titania  

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