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LA IRA DE HERA, de Sonnia De
Monte y Patricia de la Torre, en la sala FRAY mocho (buenos aires)
“LA IRA DE HERA”, de Sonnia de Monte y
Patricia de la Torre, se presenta en el marco del Ciclo de obras elegidas
en el 6º Encuentro de Teatro de Humor Breve Fray Mocho 2011 organizado por
el mismo y la Red Iberoamericana de Artes Escénicas.
Obra distinguida como: “Mejor producción”
“Premio a la mejor actriz Protagónica: Paola Triñanes” “Premio a la mejor
actriz de Reparto: Andrea Giglio”
Reparto:
Cosmetólogo: Ignacio Cohen - Analizada: Susana Milito -
Divorciada: Elizabeth Villar - Ama de casa: Paola Triñanes
Voz Femenina de
la Tele: Eliza Rico - Voz Masculina: Guillermo Salmoral
Dirección
General y puesta en escena: Marta Silva
Funciones:Sábados
19 y 26 de mayo a las 22 Hs
CC Teatro Fray
Mocho - Perón 3644 Esq. Bulnes - Ciudad Autónoma de Buenos Aires –
Argentina
Síntesis
argumental
La tele
encendida desgrana los tormentosos amores trágicos de los dioses del
Olimpo, plenos de deseo, traición, venganza y muerte, al mismo tiempo que
3 mujeres mortales expertas en las lides del amor, pretenden eternizar su
juventud con un tratamiento intensivo de belleza, hablando de su tema
favorito: “los hombres” y confesando sus fantasías, su desconfianza,
celos, temor a la infidelidad y deseos de ser amadas con pasión...
Aunque ella, la
tímida “mujer de su casa”, secretamente, se prepara para una celebración
muy especial. Saborea por anticipado la noche-sorpresa que él le propuso,
donde sus dudas e inseguridades palidecerán ante el esplendor del romance
renovado!
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lanzamiento de bases de Entepach
18, en chile
Importante ceremonia implicó un auspicioso comienzo para la convocatoria a
las compañías chilenas y extranjeras. La presencia de la connotada actriz
Malucha Pinto, generó gran expectación, compartiendo un importante mensaje
sobre el teatro.
Sólo
elogios por su aporte a la cultura, recibió
Entepach 18 en la
Ceremonia de Lanzamiento de Bases realizada
en
el Mall Plaza El Roble, en Chillán (Chile). Dicha instancia marcó el
comienzo de una etapa clave, la convocatoria a las compañías chilenas y
extranjeras que participarán en la semana de muestra que
se llevará a cabo en enero de 2013.
“Lo que hace Entepach es extraordinario. Ha puesto a Chillán en un lugar
especial en torno al teatro, las compañías que participan se sienten
honradas. Su trayectoria lo dice por sí mismo, ya es un evento consolidado
de la provincia y la región. Como responsables de la cultura estamos
complacidos”, señaló Juan Eduardo King, director regional del Consejo
Nacional de la Cultura y las Artes, al comienzo de la ceremonia.
En
tanto, el administrador municipal Iván Badilla, destacó el trabajo que se
ha realizado durante estos años.”Entepach se ha transformado en una de las
actividades más importantes que la municipalidad desarrolla junto al
Consejo de la Cultura y Las Artes; además no puedo dejar de destacar el
trabajo de Viviana Moscoso en torno a este encuentro. Esperamos que esta
sea una versión exitosa y que siga proyectándose a nuevos horizontes”,
precisó desde la testera oficial, donde se encontraban los principales
auspiciadores del evento.
Especial atención entre el público generó la presencia de la invitada
especial de la jornada, la destacada actriz Malucha Pinto, quien recibió
un reconocimiento por su trayectoria con una obra del artista chillanejo
Richard Fonseca. “Es maravilloso que exista un festival que permanezca en
el tiempo, algo que es muy difícil en nuestro país. El teatro debe
encontrar su lugar y para eso son los festivales, necesitamos mirarnos en
ese espejo del alma”, precisó la actriz, quien concluyó sus palabras con
“¡Viva el teatro y viva el pueblo de Chillán!”.
Reflejando que este momento era una celebración para el
arte, se presentó el montaje dancístico “Desolada”,
a cargo de los bailarines Camila Villouta y Francisco Benjumea, quienes
crearon un especial momento gracias a la magia del movimiento.
Considerando las importantes sorpresas asociadas a la nueva versión, la
directora ejecutiva de Entepach 18, Viviana Moscoso, resaltó el patrocinio
a grupos de teatro escolar, las presentaciones de teatro callejero, el
taller de dramaturgia creativa con el connotado dramaturgo Juan Radrigán y
el renovado sitio web, www.entepach.cl,
cuyo diseño estuvo a cargo de la empresa Ideolab. “Estoy muy conforme
porque pude percibir de los auspiciadores y patrocinadores, un mayor
compromisos con Entepach y sus desafíos, porque lo cierto es que se
necesitan grandes apoyos para llevar adelante esta tarea”, destacó.
Entepach 18 es
organizado por la Compañía de Teatro “Temachi” y la Ilustre Municipalidad
de Chillán, contando además con el financiamiento del Fondo Nacional de
Desarrollo Cultural y las Artes, Fondart, perteneciente al Consejo
Nacional de la Cultura y las Artes de Chile (CNCA). A ello se suma el
auspicio de BCI, Mall Plaza El Roble, Diario La Discusión, Hotel Las
Terrazas, Coca Cola, Corporación Cultural Colegio Seminario Padre Alberto
Hurtado, Ideolab, Inacap, Universidad del Bío Bío, Universidad Mayor y
Productora El Azar; el patrocinio oficial de la Ley de Donaciones
Culturales, Alianza Francesa, Corporación Teatral de Chile (Cortech),
Sindicato Trabajadores del Teatro de la Región del Bío-Bío (Sitrat); y la
colaboración del Liceo Bicentenario Marta Brunet Caravés, Dirección de
Cultura y Oficina de Gestión Turística de la Ilustre Municipalidad de
Chillán, Ecomuseo de Cobquecura, la Ilustre Municipalidad de Quirihue y la
Ilustre Municipalidad de Yumbel.
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La
conciencia de la muerte: "El Mata Ché", dirigida por Marcos Malavia
Coproducción de Sourous Cie.; Escuela Nacional de Teatro y El Baúl
Teatro.
Teatro del
Paraninfo Universitario (Santa Cruz de la Sierra)
Inauguración del Festival de Teatro Independiente - FESTIN,
organizado
por la Asociación Sindical de Actores y Trabajadores del Teatro (ASATT).
Jueves 12
de abril de 2012, a horas 20.00.
No te afanes, alma mía,
por una vida inmortal, pero agota el ámbito de lo posible.
Píndaro.
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Foto: Gilberto Terceros |
Debemos
considerar al suicidio como un comportamiento exclusivamente humano,
ya que el hombre, a diferencia de los demás animales, puede dejar de
existir a voluntad después de un acto premeditado. Para poder hablar
de suicidio animal debería existir una consciencia de la
irreversibilidad del acto y de la propia muerte que le sobrevendrá.
Exceptuando el ser humano no podemos afirmar que en el mundo animal
se de esta certeza sobre la finitud de su existencia. El animal no
se reconoce como mortal, y no sabe que va a morir, por tanto, no
puede pensar en su muerte, ni desearla, ni planificarla, ni
finalmente llevarla a término.
En 1942 Albert Camus
publicaba su ensayo filosófico Le Mythe de Sisyphe (El
mito de Sísifo). El título del ensayo proviene de un atribulado
personaje de la mitología griega. En él, Camus discute la cuestión
del suicidio y el valor de la vida, presentando el mito de Sísifo
como metáfora del esfuerzo inútil e incesante del hombre. De esta
forma planteaba la filosofía del absurdo, que mantiene que nuestras
vidas son insignificantes y no tienen más valor que el de lo que
creamos. Siendo el mundo tan fútil, Camus se pregunta, ¿qué
alternativa hay al suicidio?
Me permito hablar del
suicidio, la muerte y Camus para comprender los conceptos que
planean en el montaje teatral de El Mata Ché, escrito por
el peruano Antonio Díaz-Florián, dirigido por el boliviano Marcos
Malavia e interpretado por el también boliviano Christian Castillo.
Tres nombres propios en la escena nacional e internacional que
fueron los responsables de abrir con broche de oro la primera
jornada del FESTIN, el primer Festival de Teatro Independiente de
Santa Cruz de la Sierra, organizado exclusivamente por la Asociación
Sindical de Actores y Trabajadores de Teatro de Bolivia.
El Mata Ché es una
obra compleja, poética y profunda. En ella asistimos a una larga
confesión de una terrible culpa, de una gran carga, que casi no
soporta el protagonista, y que, como Sísifo, debe sobrellevar hasta
el fin de los tiempos en una eterna tortura. En el universo
planteado por Díaz-Florián/Malavia nos encontramos a un
fantasmagórico bailarín de esa danza tan simbólica como lo es la
Diablada, borracho, beodo, que danza y trastabilla al pie de una
tumba, ¿la suya? ¿la del Ché Guevara? ¿la de la historia? y que no
para de sufrir el remordimiento de sus recuerdos.
El actor Christian Castillo
encarna al sargento boliviano Mario Terán, quien fue el encargado de
ejecutar armado con un fusil al revolucionario argentino Ernesto
Guevara, más conocido como el "Che Guevara", la noche del 9 de
octubre de 1967 en la escuela de la pequeña localidad cruceña de La
Higuera. La órden fue dada por el agente de la CIA Félix Rodríguez y
el Estado Mayor Boliviano, durante el gobierno militar del General
René Barrientos.
El gran acierto de la obra
es utilizar el personaje del bailarín borracho de la Diablada para
transformar la figura del sargento Terán. Esta danza, la de la
Diablada, representa el enfrentamiento entre las fuerzas del bien y
del mal, ángeles y diablos, mezclando tanto elementos propios de las
tradiciones católicas introducidas durante la conquista española
como los ritos ancestrales andinos. Gracias a este disfraz, el del
bailarín de Diablada, que carga su pesada máscara de latón, y quien
se va despojando de todos sus accesorios, el Mata Ché se va
liberando de todas sus vendas, de sus mortajas, de todo lo que no le
dejaba ver la realidad... la despiadada autoconfesión de su vida.
Así comprendemos el infierno en el que vive y asistimos, (casi)
impasibles, a su muerte... a su eterna muerte... ya que, como
Sísifo... la va a repetir en cada carnaval/función por el resto de
sus días.
El Mata Ché es
una obra áspera, triste, agobiante y, justamente por eso, necesaria
en una escena local y nacional plagada de obras fáciles y
comerciales. Contiene más interrogantes que respuestas, y sólo por
esa valentía ya la considero válida y urgente. Muy aplaudida por el
derroche interpretativo/metafórico que propone, engancha al
espectador porque, a mi parecer, logra transmitir ideas universales,
tales como que los seres humanos somos los únicos conscientes de la
muerte y que, además, somos los responsables de nuestros propios
actos, tales como asesinar o suicidarnos.
 Daniel
González Gómez-Acebo ( Bolivia)
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La mueca
insoportable del horror: "El Mercader", escrita y dirigida por Antonio
Díaz-Florián
Coproducción de la Escuela Nacional de Teatro de Santa Cruz, la
Compañía Sourous y Théâtre de l’Epée de Bois.
Teatro del
Paraninfo Universitario (Santa Cruz de la Sierra)
2ª Jornada
del Festival de Teatro Independiente - FESTIN,
organizado
por la Asociación Sindical de Actores y Trabajadores del Teatro (ASATT).
Viernes 13
de abril de 2012, a horas 20.00.
"Aquello para lo que
encontramos palabras
es algo ya muerto en
nuestros corazones.
Hay siempre una especie
de desprecio
en el acto de hablar".
Nietzsche, El crepúsculo
de los ídolos.
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Foto: Gilberto Terceros |
Pocas
veces he salido más incómodo de un montaje teatral y por lo que
provocaba en mí como con El Mercader. La adaptación
libérrima de Antonio Díaz-Florián desbanca cualquier apuesta teatral
previa que haya visto de Shakespesare. Posiblemente porque en
ciertos pasajes de El Mercader las imágenes planteadas
rebasaron los límites de la decencia, de lo "políticamente
correcto", y me ofrecían ideas ásperas, crudas, desnudas, de lo que
podría denominar la mueca insoportable del odio, del racismo, de la
intolerancia hacia el otro. Un reflejo de lo que aún pasa en
Bolivia, y, es justo reconocerlo, también en el resto del mundo.
Partamos por considerar que
El mercader de Venecia es una de las obras más complejas y
oscuras de Shakespeare. Podría considerarse una comedia sombría, un
drama sobre la intolerancia, pero lo que en realidad se convierte,
con fuerza chocante, es en una profecía moral, que nadie está
preparado o autorizado para asumir: el odio racista es parte del
hombre, del boliviano, y en esta obra se destapa eso de la forma más
brutal, hasta las últimas consecuencias, como en esa mueca final de
Shylock, terrible y desgarradora, del personaje quebrado por el
horror humano.
Ésta no es una obra fácil.
No hay ganadores ni vencidos. Todos quedan horriblemente retratados
y no hay quien se salve. Vibrantemente interpretada por los alumnos
de tercer año de la Escuela Nacional de Teatro, la obra es una nueva
vuelta de tuerca al texto del bardo de Stratford. En la historia
original, El mercader de Venecia, Bassanio, un
veneciano que pertenece a la nobleza pero es pobre, le pide a su
mejor amigo, Antonio, un rico mercader, que le preste 3.000 ducados
que le permitan enamorar a la rica heredera Porcia. Antonio, que
tiene todo su dinero empleado en sus barcos en el extranjero, decide
pedirle prestada la suma a Shylock, un judío usurero. Shylock acepta
prestar el dinero con la condición de que, si la suma no es devuelta
en la fecha fijada, Antonio tendrá que dar una libra de su propia
carne de la parte del cuerpo que Shylock dispusiera.
Antonio Díaz-Florián
propone una revolución en El Mercader. Así, asistimos a la
transformación de los venecianos en mujeres cristianas, vestidas de
Caporales, quienes denigran diariamente a los judíos, transformados
en "negro-indios", escupiéndolos e insultándolos, y que también
están vestidos con esta guisa. El público boliviano asiste así a una
extraña fiesta, a un carnaval, a un juego, en donde los personajes
de Shakespeare son adaptados al contexto local, en donde esta fiesta
se baila, y en donde sus lenguajes, acentos y personificaciones
dirigen su mirada a los andinos, a los kollas. El personaje del
Caporal, que nace a su vez de la danza folklórica afroboliviana de
la Saya, es un tipo oscuro, peligroso: es, ni más ni menos, que el
capataz de los esclavos negros, el hombre que a fuerza del látigo,
presionaba a los esclavos a seguir trabajando, hasta la humillación,
tortura o muerte. No hay que perder de vista en este análisis que el
caporal era, además, mestizo o mulato. Así uno entiende el acierto
del director al escoger esta danza en concreto, muy propia de los
bailarines de las clases altas bolivianas, y, muchas veces,
marcadamente racista.
Además, descubrimos
azorados que Shylock pasa de ser el judío veneciano al negro -
indio aymará andino, acusado de usura durante la obra y quien cae
en desgracia finalmente al ser degradado/humillado/denigrado a la
conversión católica forzada.
La adaptación libre que
hace el director y dramaturgo Antonio Díaz-Florián es
sencillamente magistral. Me quedo con la ductilidad interpretativa
de actrices noveles como Lis Andia Miranda y Carola Urioste y la
sorprendente crueldad de Hugo Velásquez Rosso y Óscar Leaño, en
sus papeles de antihéroes de este oscuro montaje.
La actualidad y potencia
de El Mercader de Venecia es tal que merece una última
reflexión. El montaje araña una roca de creencias sobre las
diferencias raciales, nacionales, sexuales y religiosas de los
otros. No veo ninguna otra obra artística o literaria que haga eso
de una manera tan infatigable y honesta. Apartar la mirada de lo
que la obra revela sobre la relación entre mitos culturales e
identidades de las gentes no hará desaparecer las actitudes
irracionales y excluyentes. De hecho, esos impulsos oscuros siguen
siendo tan elusivos, tan difíciles de identificar en el curso
normal de las cosas, que sólo en ciertas ocasiones como los
montajes de esta obra logramos vislumbrar estas líneas de fractura
culturales. Por eso censurar la obra es siempre más peligroso que
representarla.
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La gran conspiración:
"La Hermandad", de Salamandra Teatro
Teatro del Paraninfo
Universitario (Santa Cruz de la Sierra)
3ª Jornada del Festival de
Teatro Independiente - FESTIN,
organizado por la Asociación
Sindical de Actores y Trabajadores del Teatro (ASATT).
Sábado 14 de abril de 2012, a
horas 20.00.
“La gente se turbaría al
conocer una conspiración
tan monstruosa que no
podría creer que existe”
Edgar Hoover, 1956.
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Foto: Gilberto Terceros |
Una
teoría de la conspiración puede definirse como la tentativa de
explicar un evento, o cadena de eventos, sucedidos o todavía por
suceder, ya sea percibidos o reales, comúnmente de importancia
política, social, económica o histórica, por medio de la existencia de
un grupo secreto muy poderoso, extenso, de larga duración y,
generalmente, mal intencionado.
La tesis general de las
teorías conspirativas es que sucesos importantes en la historia han
sido controlados por manipuladores que organizan los acontecimientos
desde "detrás de escena" y/o con motivos nefastos. En general, las
teorías conspirativas son basadas en la ignorancia, en la carencia de
sentido crítico de los destinatarios y en la oscuridad de los hechos y
de enlaces entre ellos; por tanto tales teorías son basadas en la
imposibilidad de verificación de tales hechos. Los autores de las
teorías completan estas oscuridades con los argumentos, que dan la
impresión de ser precisos, aunque ellos tampoco tienen que basarse en
hechos y en fuentes seguras.
Fuerzas poderosas gobiernan
el mundo más allá de los estados, familias ricas o banqueros
inescrupulosos que manipular a sus anchas las bolsas de valores del
mundo y hacen caer naciones a su antojo... Sobre eso habla La
Hermandad.
Éste es el argumento de la
primera obra escrita por la actriz paceña Andrea Ibáñez. Perfectamente
contextualizada al nivel local, a los últimos sucesos políticos, como
los desternillantes diálogos sobre el "gasolinazo" o las estrategias
de presión al estado, la obra es una sátira sobre la gran
conspiración, una teoría de un complot universal que circula, como
arquetipo, entre la gran mayoría de la población.
Así, un oscuro dirigente pide
ayuda a un psicoanalista porque sufre un ataque de ansiedad, de temor,
de pánico. Este dirigente confiesa a su médico que trabaja para una
sociedad ultrasecreta, encargada de generar el caos, en Bolivia y en
el mundo. Se infiltran en las marchas, en la política y canalizan la
violencia a través de la televisión, que es lugar donde las mentiras
se vuelven verdades. Una trama muy divertida se transforma en una
crítica a un mundo que gira, cada vez más enloquecido, en una espiral
de violencia y caos organizada por La Hermandad.
La Hermandad es un
delirio, una diversión, una mofa a las teorías conspirativas.
Por eso no hay que tomársela
en serio.
Ahora bien, creo que los
directores que han llevado a esta escena esta pieza sí lo hacen.
Complican la idea. Jamás hallan el tono adecuado para la pieza. Y ése
fue el camino seguido por Ricardo Guillén, director de Salamandra
Teatro.
La lectura de Guillén hace
que se produzcan varias lecturas a la obra: primero, cambia el sexo de
los personajes - algo que ya se está volviendo una costumbre en las
últimas obras nacionales, y que no siempre está justificado, como pasa
en este caso -; segundo, divide las escenas con cambios de luz no
siempre limpios, en donde el golpe de efecto, el silencio necesario
para entender una frase, es cortado, cercenado abruptamente, y algo
más del complot interno se pierde; tercero, presenta a cuatro
personajes, las conspiradoras, que no se entiende por qué cantan (¿a
quién?) y bailan (¿a santo de qué?) de manera "seductora", o al menos
ésa es su intención; cuarto, en la puesta enchufan una música a tal
volumen, con tal fuerza, que tapa la voz de las propias actrices y, en
lugar de ayudar, molesta sobre manera. Con todo ese batiburrillo de
distracciones, de errores en la dirección, que provocan un ritmo
desacompasado, el público no pudo por menos que bostezar en varias
partes de la obra
Y así, uno piensa, ¿no será
que existe un complot para que no podamos entender La Hermandad?
Daniel
González Gómez-Acebo ( Bolivia)
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La
luz de la oscuridad :
"El Triciclo", de SERES - Soluciones Artísticas
Sala de Teatro "Nosotros Dos"
(Santa Cruz de la Sierra - Bolivia).
4ª Jornada del Festival de
Teatro Independiente - FESTIN,
organizado por la Asociación
Sindical de Actores y Trabajadores del Teatro (ASATT).
Domingo 15 de abril de 2012,
a horas 15.30.
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Foto: Gilberto Terceros |
Entender
la obra teatral de Fernando Arrabal implica comprender las condiciones
en que esa obra se produce. Uno debe saber el papel fundamental de la
guerra civil española y lo que esto significó en su biografía, además
de la contradicción sentida y asumida entre su filiación burguesa y su
desafiliación de la burguesía. No hablaré aquí de las condiciones
sociales que hicieron posible el fenómeno Arrabal y gestaron una
cultura de la revuelta, ni de las condiciones particulares que
hicieron posible al Arrabal individuo.
En Sartre, tanto como en
Arrabal, el teatro es un arma de combate contra una sociedad que ha
hecho del humanismo una forma de implementar la dominación, la pérdida
de libertad, que ha hecho del humanismo una máquina de cosificar
sujetos. El escenario es una tribuna y, por lo tanto, tribunal.
Desde este planteamiento, el
de mostrar extrañamente a la sociedad, un poco a lo Bertolt Brecht,
sale la propuesta escénica de Seres: iluminar la tragedia mostrándonos
los bizarros comportamientos de la sociedad... mirarla a los ojos con
extrañeza, de lejos.
De esta manera, la compañía
cruceña Seres se las ingenia para proponer, con valentía, una puesta
en escena en clave de clown para contar, como "para niños",
una muerte trágica. El Triciclo es la historia de un
asesinato cometido por unos individuos marginales en la persona de un
ciudadano para robarle, y el proceso de su detención. Se supone que el
castigo, la muerte, será ejecutado y, por ello, los asesinos reparten
sus ridículos bienes entre sus compañeros también marginales.
La compañía que dirige María
Delicia Landívar propone una libre adaptación que sigue esta regla, la
de transformar a casi todos sus personajes en payasos o bufones,
excepto el hombre que es asesinado, porque sabemos que, precisamente,
una de las características de este tipo de personajes teatrales, del
clown, es el de desmitificar conductas, reglas y normas sociales y/o
culturales. De esta manera simpatizamos con un personaje inicialmente.
O, como diría Henri Bergson, en su ensayo sobre La Risa,
decía: " Quiero decir que por un breve instante nos ponemos en su
lugar, adoptamos sus palabras, sus gestos y sus actos, y si nos
divierte lo que hay en él de risible, lo invitamos, con la
imaginación, a divertirse con nosotros".
Ahora bien, del dicho al
hecho media la calidad de la puesta en escena, y si bien, la propuesta
propone atmósferas bien logradas, como la de la entrada del triciclo o
el propio asesinato, los actores que no alcanzan la meta en su
totalidad. Ni Carlos Coba, ni Fernando Azogue ni Edson Maraz logran
resultados convincentes y la obra se sostiene gracias a la actuación
meritoria de Mariana Sueldo... la única que no flaquea en la
composición de su personaje y en la fe en lo que hace. La idea
funciona bien, pero la obra se resiente al faltar cierto riesgo entre
los actores.
Daniel
González Gómez-Acebo ( Bolivia)
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Sufrir
para pertenecer: "I
Love Bolivia", de Teatro Animal
Manzana Uno
(Santa Cruz de la Sierra - Bolivia).
4ª Jornada del
Festival de Teatro Independiente - FESTIN,
organizado por la
Asociación Sindical de Actores y Trabajadores del Teatro (ASATT).
Domingo 15 de
abril de 2012, a horas 18.30.
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Foto: Gilberto Terceros |
Cae
el sol. La gente camina despreocupada por el centro de Santa Cruz. De
pronto, se crea un círculo en esa plaza denominada Manzana Uno y un
grupo de actores toma por sorpresa su espacio. Silencio absoluto. El
Teatro Animal hace su entrada triunfal en el espacio ciudadano y lo
hace suyo. I Love Bolivia se denomina el espectáculo de calle
que propone César Estrada, dramaturgo y director del Teatro Animal,
una delicada poesía visual que hipnotizó durante casi una hora a la
audiencia.
I Love Bolivia se
ofrece a los ojos del público como una fábula muda en donde asistimos
a una historia de amor con final feliz. La obra se desarrolla en una
pensión familiar, en donde vive doña Martha con sus dos hijas
solteras, Mery y Maiga. Su madre está cansada de criarlas pero el
problema es que ninguno de los clientes se lleva a Maiga que ha sido
desfavorecida por la naturaleza, por ese motivo su madre no deja
casarse a Mery, pero para suerte de ambas llega un turista a la ciudad
y cansado va y se toma un refresco a la pensión desde ahí se
desencadenarán un sin fin de conflictos.
Bajo la capa de una obra
ligera, diáfana, se esconde una metáfora sobre la migración y la
soledad, dos males que afectan sobremanera a una gran cantidad de
bolivianos. El uso de las máscaras por parte de una gran mayoría de
los personajes... menos los que ofrecen pedazos de realidad o ayudan a
acelerar o retrasar la acción... produce que esos personajes sean un
concepto o una totalidad... todos somos la madre... todos somos la
hija... la que se casa... la que se queda... el cliente rechazado...
el amor imposible... Todo, a ritmo acompasado, y en tono
melodramático.
Decía el maestro mexicano
Carlos Monsiváis "que el melodrama es la más convincente explicación
despolitizada del universo: todos hemos nacido para el dolor; quizás,
en la apariencia, los ricos se duelan menos, pero por dentro, están
solos y destrozados. Vínculo familiar es también solicitud de ingreso
a la nación (quiero sufrir para pertenecer) y, por lo mismo,
proceso de catarsis al mayoreo (con descargas emocionales aptas para
todo público). En el melodrama se conjugan la impotencia y la
aspiración heroica de una colectividad sin salidas públicas. Como
corresponde, el abismo ético es elemental: o la luz o las tinieblas,
no hay matices ni gradaciones. La complejidad de juicio es imposible e
indeseable: los buenos y los malos deben serlo estentóreamente porque
la industria cultural se hace a ras de la tierra, teniendo como
límites precisos y monstruosos el cielo y el infierno, el limbo y el
purgatorio. Prevalece un catolicismo fácil, de perdones, de milagros
que se multiplican como si fueran milagros".
Esta cita, extraída de su
ensayo Zócalo, la villa y zonas anexas, escrito por Monsiváis
el primero de enero de 1978, me permite diseccionar con mayor
profundidad esta pieza que podría pasar casi desapercibida. Pienso
que, efectivamente, Estrada propone argumentalmente a la familia como
una metáfora de la nación, a la familia en su relación afectiva con
los otros, en su relación equívoca con el extranjero... y en su forma
de aceptar el regreso lloroso... "quiero sufrir para pertenecer",
diría el pensador...
La sociedad boliviana se
convierte en I Love Bolivia, como por arte de magia, en un
compendio de elementos cercanos, reconocibles, de tipos que podrían
ser perfectamente tus vecinos, con sus miserias y grandiosidades, pero
también, desde ese silencio enmascarado, la sociedad boliviana se
descubre majestuosa en un vuelo poético... desnudada de sus miserias,
así, sin más, sin palabras, en un puro baile de situaciones, de idas,
de vueltas, de bodas, de regresos, de risas y de lágrimas. Todo eso
aparece en I Love Bolivia. La puesta en escena, que contó con
la ayuda del fondo concursable Impulsando Talentos de la Asociación
Pro Arte y Cultural (APAC), recibió lo que merecía: un aplauso largo y
cerrado de todos los presentes. Justo cuando la luna comenzaba a
despertarse en el cielo.
Daniel
González Gómez-Acebo ( Bolivia)
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El dilema del riesgo: "Treinta
grados de frío", de Teatro del Astillero (España)
Sala de teatro del Centro de Formación del
AECID (Santa Cruz de la Sierra)
Viernes 30 de marzo de 2012, a horas 20.00.
Un dilema es un problema que puede resolverse
mediante dos soluciones, ninguna de las cuales es completamente aceptable.
El montaje del Teatro del Astilllero parte de un texto tradicional,
estructuralmente clásico, Treinta grados de frío, para introducirnos en la
historia disparatada del Duque de Osuna y su secretario, Juan Valera, por
tierras rusas. Y el resultado es una obra que funciona, que divierte, pero
que le falta, en el fondo, ritmo y riesgo. Además de eso, me genera como
crítico un dilema.
La obra parte, como señalaba más arriba, de
la increíble historia real de don Mariano Téllez Girón, Duque de Osuna,
quien en 1856 y durante seis meses ejerció como Embajador de España en San
Petersburgo (Rusia), costeándose todos los gastos y dilapidando en el
intento toda su fortuna de la forma más inverosímil y absurda... eso sí,
acompañado por un testigo de excepción, un jovencísimo Juan Valera, famoso
escritor y diplomático cordobés, quien publicaría años más tarde sus
cartas (en forma de Epistolario), gracias a las cuales conocemos de
primera mano la aventura rusa.
El dilema que confesaba líneas arriba es
éste: ¿Por qué la obra no (me) funcionó? Porque pese a proponer una
fantástica metáfora del momento de crisis español, es lo que cuenta de
otra forma el argumento de la obra, en términos escénicos circula entre la
tradición y la ruptura sin nunca afianzarse. Nunca se decide por una de
esas vías, o al menos así me lo parece.
Sí, es un dilema irresuelto, me parece... Sí,
eso es lo que me pasa, en el fondo, con la propuesta escénica de Luis
Miguel González Cruz, lo que me ocurre con el texto "Treinta grados de
frío", escrito por José Ramón Fernández, Ángel Soto y el propio Luis
Miguel González Cruz: nunca se arriesga, por lo tanto, me aburre.
Me pasa que estéticamente me propone una cosa
y textualmente me ofrece una muy diferente. Me parece que no termina de
cerrarse teatralmente la propuesta, y eso también se ve con la propuesta
interpretativa. Actoralmente busca una ruptura e interiormente no me mueve
un pelo. Por lo tanto, me genera una duda en la idoneidad en la dirección
de la puesta... y acabo creyendo que el camino elegido no fue el correcto.
Decía también en el párrafo introductorio que
al montaje le falta ritmo y riesgo. Efectivamente, el montaje del viernes
circulaba por un ritmo lento, cansino hasta que se produjo un desgraciado
accidente y el actor Chema Ruiz tuvo que salir de escena... a la que
regresó hora y media más tarde para finalizar la lidia teatral. Lo que me
provocó la puesta en escena de Luis Miguel fue un juego escénico ágil pero
muy frío, con una coreografía rápida, muy calculada... no previsible, pero
sí carente de lo orgánico, de la vivencia escénica... y, además, me
faltaba riesgo.
Entonces, ¿en qué quedamos? Puntos favor: la
puesta en escena y la agilidad interpretativa de Juan Valera (Chema Ruiz)
y el narrador/tramoyista/secretario/capitán/portero/zar de Rusia/Madeleine/Brohan/Gortchakov/Cocinero/Tolstoi
(Daniel Martos)... Y puntos en contra: la dirección escénica, la
narratividad del texto teatral y la falta de riesgo.
Daniel
González Gómez-Acebo ( Bolivia)
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el Taller de Teatro de Paysandú de
Uruguay presenta Crimen y Castigo
El Taller de Teatro de Paysandú de Uruguay
(Premio Morosoli Institucional 2010) presenta CRIMEN Y CASTIGO,
adaptación teatral de la novela de Fedor Dostoievski A los 190 años
de su nacimiento y 130 de su fallecimiento.
En principio, será representada, entre junio y
julio en Moscú y en Minsk, Bielorrusia, donde fueron seleccionados para
participar en el IX Festival Internacional Teatralny Koufar.
Posteriormente acudirán al Festival FESTIN
2012 de Lima, que se realizará entre el 19 y el 26 de agosto.
Este trabajo fue estrenado el año pasado en la
Embajada de Rusia en Montevideo, el 11 de noviembre, fecha aniversario del
natalicio de Fedor Dostievski. Entre noviembre y diciembre hicieron una
gira por Ecuador y Colombia, invitados a algunos festivales.
Elenco:
Rodion Romanovich Raskolnikov:
Luis Oroná - Dimitri Prokovich Razumikhin: Augusto Colombo -
Porfiria Petrovna: Amanda Gómez - Sonia Semionovna: Bettina
Sánchez (Actriz invitada de Pequeño Teatro de Durazno) - Pulqueria
Alexandrovna: Martha Oroná - Advotia Romanovna: Zully García -
Nicolas: Leonardo Romano - Natasha: Aikuavée Sacarmatto -
Piotr Petrovich Lujine: Raúl Rodríguez
Texto y Dirección Integral: Raúl Rodríguez
Sinopsis del texto original
Juzgada por muchos como la obra maestra de
Fedor Dostoievski, Crimen y Castigo narra el doble asesinato que comete
Rodión Romanovich Raskolnikov , y las terribles consecuencias que este
hecho tiene para él. Toda la novela, salvo el epílogo, transcurre en una
semana. A lo largo de los acontecimientos de esa semana, el escritor ruso
trata a la perfección una de las cuestiones más importantes de su obra: la
trasgresión de las leyes morales en busca de una mayor libertad, y las
dramáticas consecuencias de ese accionar. Raskolnikov se cree superior a
los demás y cree que esa superioridad lo habilita para ignorar las leyes
que rigen a la generalidad de los hombres. No es un malvado tipo, no
comete su crimen por avaricia, sino para ponerse a prueba según su teoría
de los hombres superiores y los hombres inferiores. Descubrirá que la
grandeza y la verdadera libertad sólo llega por otros caminos.
Concepción dramatúrgica
El texto final y la partitura de la puesta en
escena han partido de varios meses de trabajo en ejercicios sobre las
escenas.
Optamos, dentro de los temas propuestos en el
texto literario, el privilegiar el tema de la necesidad de justicia. La
novela desde su título nos habla de un crimen y de su correspondiente
castigo, pero para que ese castigo sea posible es imprescindible que la
justicia actúe realmente. En nuestra realidad, su vigencia o su ausencia,
han influenciado e influyen enormemente en nuestras vidas. Desde este
ángulo nuestra propuesta dramatúrgica reivindica el rol de la justicia y
de sus ejecutantes: los jueces. Sin jueces honestos no es posible la
vigencia de la justicia y la erradicación de la impunidad. Procuramos con
esta adaptación teatral de la novela, reflexionar junto a los espectadores
sobre la necesidad que nuestras sociedades tienen de una justicia sana,
independiente y no manipulada por los detentadores del poder de turno,
tanto en las dictaduras como en las democracias.
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PROGRAMACIÓN DE MAYO TEATRO DEL
RAYO
Salta 2991 – 2000 - Rosario – Argentina –
Telefax: + 54 (341) 4360454
Los viernes de mayo a las 22 hs “MUZ”.
MUZ es la búsqueda de los orígenes, de la
identidad perdida en un mundo extremadamente violento donde la estructura
familiar deviene en modelo de violencia. La denominación de los
personajes: Mater Machaka Manipula, Mekapater Hipópelo, Tías Tutuka
Putrika, Neneka Bofe Bufín y Yosapa Hijokánico traducen la personalidad y
el comportamiento absurdo y repetitivo de una familia predecesora de una
sociedad conflictiva, violenta y autodestructiva.
La brutal armadura de agresión, es decir, la
imposibilidad de satisfacer el deseo, la imposibilidad de chupar, deviene
en una mueca bucal detenida: MUZ
Dramatis Dramatis Personae:
Mekapater Hipópelo: Sebastián Arriete.
Mater Machaka Manipula: Ada Cottu. Tias Tutuka Putrika:
María de los Ángeles Oliver –Julia Feroglio– Catalina Balbi. Neneka Bofe
Bufín: Maywa Vargas. Yosapa Hijokánico: Hani El-Jatib.
Producción: “EL RAYO MISTERIOSO”. Operador
Técnico: Iván Oakley. - Dramaturgia y Dirección: Aldo El-Jatib. Duración:
60 minutos.
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LA MAGIA DEL
TEATRO EN MERCEDES
Por Susana
Spano
El 1 de marzo en Mercedes,
Provincia de Buenos Aires – Argentina - comenzó El Encuentro Regional
de Teatro Martín Caracoche Mercedes 2012, organizado por el Consejo
Provincial de Teatro Independiente de la Provincia de Buenos Aires.
Los espectáculos, así como los talleres que se dictaron en
el Teatro Talía, fueron gratuitos y contaron con una variada gama
de temáticas. Muchas de las obras participarán en un concurso organizado
por el Consejo Provincial y, otras, se representaron fuera de concurso.
En la primera jornada se presentó el Grupo Face Teatro -
Pilar, con la obra “Pugliese y D’Arienzo” de Alberto Cattan,
con la dirección de Jorge “Titi” Villar.
La temática de la pieza bucea sobre la problemática de la
vejez, con fuertes pinceladas críticas sobre el papel de los mayores
dentro de una sociedad en la que todo es vértigo y consumismo. Belladona
(Hugo Alba) y Pérez (Ernesto Sigaud) son dos viejos jubilados que
un día, por casualidad, se encuentran en el parque. Cada uno aparenta una
situación familiar que dista de la real y, con el paso de los días, tejen
una amistad que nutre la necesidad de afecto de la que ambos carecen.
La obra se inicia en un tono distendido y afable que
evoluciona hacia la dura realidad que corre el velo y deja al descubierto
la soledad de estos hombres, que solo se tienen el uno al otro.
El conflicto llega a su centro cuando Belladonna revela
que su hija va a internarlo en un geriátrico. Las máscaras caen, Peréz
también cuenta su verdad y una idea loca toma forma dentro de él:
escaparse juntos, lejos, hacia el sur, donde el mar es eterno y la
vida diferente. No hay objeción ni razonamiento que pueda con la voluntad
soñadora de Pérez que arrastra a su amigo a imaginar cómo será tener una
“vida”…
El día llega por fin. El encuentro es en el parque; el
mismo que los reunió por primera vez. Algunas peripecias, un momento de
profunda emoción y un final inesperado, son el corolario de la anécdota de
estos dos seres que estaban condenados a ser arrumbados como trastos
inservibles y que, en cambio, deciden soñar, vibrar, tener esperanza
El texto propuesto por Alberto Cattan, de una profunda
belleza, fue jugado de manera admirable por dos grandes actores. Hugo Alba
compuso a Belladonna, maravilloso, tierno y travieso, al que le dio el
manejo escénico exacto y la plasticidad corporal que el personaje requiere
y Ernesto Sigaud dio vida a Pérez, duro y engolado, que poco a poco,
descubre su lado tierno y necesitado de afecto.
Acertada, en cada detalle y en la marcación de los
personajes, fue la dirección de Jorge Villar, bien jugados los efectos
lumínicos y la ambientación general.
El Grupo Face Teatro – Pilar, subió a escena una obra
emotiva, un verdadero canto a la libertad que, a través de un descollante
trabajo actoral, movilizó a los espectadores y dejó en ellos un espacio
para la reflexión.
Susana Spano (Argentina)
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SEGUNDA
JORNADA DEL ENCUENTRO REGIONAL DE TEATRO “MARTÍN CARACOCHE”: ¿Y AHORA…
A QUIÉN LE TOCA?
Por Susana
Spano
En el marco del Encuentro
Regional “Martín Caracoche” que organiza el Consejo Provincial de la
Cultura de la Provincia de Buenos Aires se cumplió, en Mercedes, una nueva
jornada en la que se presentaron una variada gama de piezas teatrales.
El grupo “Talía”, de Mercedes, subió a escena una obra
policial, que se representa por primera vez en nuestro país: “¿Y ahora
a quién le toca?”, de Diego Mileo y Déborah Sincovich.
La trama parece sencilla pero, a medida que la acción
avanza, se suceden acontecimientos imprevistos que cambiarán el rumbo del
planteo inicial.
Gloria (Stella Siri) está casada con Máximo (Ricardo Boffi),
renombrado crítico teatral, pedante y desaprensivo y planea eliminarlo con
la ayuda de su hermano gemelo Martín (Ricardo Boffi) un marino asustadizo
y timorato, perdidamente enamorado de ella. A partir de esta premisa
comienza a desarrollarse la acción a través de escenas de intriga,
suspenso y humor que se resolverán de una manera totalmente inesperada.
La acción transcurre en la noche previa al Año Nuevo y los
implicados cuentan con la ausencia de la criada para llevar adelante sus
planes. Todo parece estar perfectamente ajustado pero los imponderables
comienzan a surgir. Inopinadamente llega Herminia (Marita Iglesias) una
mucama gallega, demasiado curiosa que, por las inclemencias del tiempo, ha
decidido volver a la casa de sus patrones.
A partir de aquí se sucederán marchas y contramarchas que
mantendrán suspenso al espectador y donde nada ocurre como había sido
previsto.
Una comedia de estas características requiere de mucho
ritmo, pues son numerosas las entradas y salidas de los personajes
(particularmente los gemelos). La idea de los autores es no darle tregua
al espectador y jugar con el factor sorpresa, como es tradición en este
género. Para ello es necesario contar con actores dúctiles que puedan
enfrentar el desafío.
Ricardo Boffi es un excelente actor que supo jugar
acertadamente los requerimientos de la obra. Su composición de los papeles
de los gemelos antitéticos fue acertada, dándole a cada uno la
caracterización requerida.
Stella Siri compuso a una Gloria cínica e inescrupulosa,
calculadora y fría que ha pensado cuidadosamente en cada detalle y vistió
a su personaje con lo necesario para convencer.
Marita Iglesias interpretó una criada gallega, inquisitiva
e imprudente, con solvencia y logró los momentos de mayor hilaridad en la
platea.
Guillermo Traverso representó convincente inspector de
policía, que sorprende en un final insólito.
La dirección de Roberto Altieri fue acertada, marcó a cada
personaje con rigor y logró de ellos un buen desempeño.
La escenografía fue equilibrada, buena la iluminación.
Un párrafo especial para la música que creara Ricardo
Boffi para la obra. Es sugerente y marca un clima perfecto para que el
espectador se encuentre en situación
Un espectáculo de buen nivel que contribuyó a prestar
brillo a este excepcional Encuentro de Teatro.
Susana Spano (Argentina)
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DIARIO DE UN LOCO…
UNA CLASE DE ACTUACIÓN
Por Susana
Spano
Basado en el cuento de
Nicolás Gogol,
se representó fuera de concurso, en el Teatro Talía, “Diario de un
loco”, un texto que
pone al descubierto un profundo estudio de la condición humana.
Fabián Morales –actor y director- construyó un Aksanti
Ivanovich por momentos desafiante en su delirio y, por otros, tierno y
extremadamente vulnerable. Esa permanente fluctuación enriqueció una
puesta que no dio respiro al espectador, obligándolo a fluctuar entre la
risa y la emoción.
Ivanovich trabaja en el ministerio de anexos y varios. Un
día, queda atrapado entre la locura el y romanticismo -se enamora de la
hija del Señor Director, de la que recibe noticias gracias a la
correspondencia que existe entre dos perritas- estableciendo distintos
tipos de conexiones con la realidad y el lirismo de su enajenada
sensibilidad.
Su caótico “Diario” nos introduce en la burocratización de
la existencia y pone al descubierto los aspectos más negativos de una
sociedad compleja, hipócrita y estratificada.
Fabián Morales ofreció una extraordinaria creación del
personaje de Gogol, a través de la respetuosa y creativa adaptación del
texto, donde nuestra cómo, a través de la locura, el personaje se adueña
de la pasión por las causas injustificadas y comunes del ser humano.
La orfandad de Ivanovich recala en el único lugar posible
en el que dar rienda suelta al amor y a las ansias de vivir, imposibles en
el estrecho mundo en que vive y, finalmente llega al estallido final: se
corona como Rey de España. Se rebela, al fin, de la opresión que
día a día ha terminado por destruirlo
En la escenografía mínima que propone la obra, todo se
centra en el personaje y su vestuario, las medallas, el paraguas, su
sobretodo estilo militar… pero, la libertad no dura mucho; los hombres de
blanco llegan a buscarlo, lo despojan de sus “tesoros” y queda
vencido y más desvalido que nunca, retornando al mundo de la infancia,
sumergido en los primeros recuerdos, los más seguros y bellos.
El texto de Gogol – que además guarda relación con
aspectos de su vida personal, pues murió recluido y al borde de la locura
– tuvo en Fabián Morales un meticuloso adaptador que supo dar al texto
infinitas posibilidades actorales, como las de introducirse en una de las
situaciones más complejas de la vida que pueda enfrentar un ser humano:
la locura. Tema difícil que puede tener serias acechanzas a la hora
de subir a escena pero, nada de esto ocurrió. Morales le dio al personaje
“el tempo” exacto, la vibración justa y la hondura del final que,
con una estupenda vuelta de tuerca, retorna a la locura salvífica, en la
que Ivanovich decide no aceptar la realidad gris y opta por el deseo de
ser “otro”.
“Diario de un Loco” es una joya de la literatura
universal. La versión que ofreciera el sábado 3 de marzo Fabián Morales
en el Teatro Talía, estuvo a la altura de las circunstancias.
Susana Spano (Argentina)
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UN GUAPO DEL 900
Por Susana
Spano
Dentro de la dramaturgia
argentina, “Un Guapo del 900”
marca la tensión entre civilización y barbarie, en un contexto violento de
caudillos y cuchilleros ligados a la figura del político fuerte que
ejercía poder en la parroquia.
El guapo ha ocupado un amplio
espacio dentro de la Literatura Argentina, basta solo con mencionar a
Borges quien dedica a su figura, extensas páginas.
Eichelbaum retoma esa figura, casi
trágica, del guapo al crear el personaje de Ecuménico López (Marcelo
Orce). El coraje, la nobleza y la fidelidad son los
valores que el personaje pone al servicio de don Alejo Garay (Jorge
Villar), el político que lo ha contratado como su guardaespaldas y hombre
de confianza.
La fidelidad de Ecuménico es ciega. Al comprobar las
relaciones amorosas que la esposa de Don Alejo (Gabriela Ledesma) mantiene
con el político opositor de su marido -el Dr. Ordoñez- (Hugo Alba) se
ciega y al mantener una discusión con éste, lo mata.
A partir de la muerte de Ordoñez, aparece la lucha interna
de Ecuménico que se verá tironeado por emociones encontradas: silenciar
ante su patrón la falta de la mujer y desobedecerlo, por primera vez.
Entre ambos hombres aparece una figura que dominará la
escena y que simboliza para Ecuménico el primer mandato: Doña Natividad,
su madre. Mujer fuerte y bravía que ha entregado a Don Alejo a sus hijos y
entiende, que la fidelidad y el honor descansan en la servidumbre al amo
pero que no se doblega ante él, cuando defiende al hijo que ha sido
encarcelado injustamente, según su parecer. En una escena intensa
Natividad plantea a Don Alejo la “necesidad” de que su hijo salga
libre y le recuerda que siempre le ha sido fiel. Natividad no implora,
exige determina y doblega, incluso, la voluntad de Alejo que, ante ella,
sucumbe.
La escena más intensa de la obra es la vuelta de Ecuménico
a su casa cuando recupera la libertad. La madre lo recibe alborozada pero
él tiene un problema de conciencia: no sabe si está bien que quede libre
pues ha matado y así se lo plantea a Natividad.
Ante la revelación, madre e hijo pasan del drama a la
ternura, los recuerdos de infancia, en que se evoca el pasado, los une y
aleja al mismo tiempo en un descarnado juego de pasión y miedo por el
porvenir.
Jorge Villar realizó una buena adaptación de la obra y en
su puesta se advierte la parquedad de una tragedia griega donde el cuerpo
y el gesto sugieren más que la palabra.
La escenografía también fue resuelta con ingenio: una
vestidora (Silvia Guarino) realiza los cambios de ambiente, dando a la
puesta un carácter ceremonial; la escena en que viste a Ecuménico, antes
de que éste mate a Ordoñez, es una prueba de ello y marca acertadamente el
ritual del guapo y su carga de muerte.
Marcelo Orce, dio a Ecuménico el ritmo y el decir justos,
su apostura y su nervio, dotándolo de las características particulares que
éste requiere
Gabriela Ledesma compuso a una Edelmira que fue,
alternativamente, amante exaltada y devota esposa, mostrando las aristas
de la actitud solapada de su personaje.
Hugo Alba fue el temerario Ordoñez, apasionado amante y
ensoberbecido defensor de su querida frente a Ecuménico.
Jorge Villar compuso un correcto Don Alejo
Silvina Guenino fue la vestidora y cumplió adecuadamente
con su cometido en la obra.
Para el final dejamos la actuación de Elena Boggar en el
papel de Doña Natividad.
No es fácil componer un papel que ha
tenido intérpretes geniales, tanto en el cine cono en el teatro; sin
embargo ella pudo afrontar el desafío porque su interpretación de la madre
rompió con todos los preconceptos, en una verdadera creación.
Su Natividad fue fiera e indómita,
cruel y apasionada, tierna y temerosa, frente a su hijo, en la escena
final. La actuación de Boggar dominó la escena acaparando la atención del
público que, aún conocedor el texto, quedó suspenso en sus parlamentos. Su
dominio de la escena, su voz e intencionalidad dieron los matices justos a
un personaje muy difícil de jugar. Sin embargo salió airosa de la prueba y
deslumbró con una actuación en la que dejo todo.
La escena final, entre Natividad y
Ecuménico marcó el momento de mayor tensión de la obra. Ambos intérpretes
supieron manejar la energía, llevando la intensidad hasta su punto más
alto.
La dirección de Jorge “Titi” Villar
aprovechó todos los resquicios del texto, su adaptación fue justa y
aprovechó al máximo las posibilidades de este excelente grupo que dirige.
Un espectáculo de altísima calidad
con el que la Muestra de Teatro Independiente clausuró una jornada de
teatro de gran nivel.
Susana Spano (Argentina)
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Con las
premiaciones, finalizó el Encuentro Regional de Teatro Independiente de
Mercedes
Por Susana
Spano
El Encuentro Regional de Teatro
Independiente, “Martín Caracoche”, que se realizó desde el 1 al 4 de marzo
en la ciudad de Mercedes finalizó este domingo.
El sábado estuvo presente en la ciudad el Director Ejecutivo del Consejo
Provincial de Teatro Independiente, Lito Cruz, quien lo hizo en compañía
del Secretario del Consejo –Fabián Morales– y Representantes de la Región
de la Fe: Omar Fanucci; Guillermo Parodi; Osvaldo Chazarreta y otros.
Después de la alocución de Lito Cruz, se hizo entrega de los subsidios
correspondientes a distintos grupos teatrales de la región.
Dos grupos de teatro de Mercedes recibieron sus cheques: Roberto Altieri
lo hizo por el grupo del “Teatro Talía” (que además fue el anfitrión del
evento); y Eduardo Grinovero, por el grupo “Entretelones”, quien dijo que
el grupo cumple veinticinco años y es la primera vez que recibe un aporte
de este tipo.
Los grupos teatrales de Luján, Pilar, Chivilcoy y General Rodríguez
también recibieron los suyos.
El domingo, por la noche, después de la representación de “Un Guapo del
900”, de Samuel Eichelbaum, se entregaron los premios y quedó determinada
la obra que representará a la región en el próximo festival de Baradero,
desde el 21 hasta el 25 de marzo: “Descamados” de Hugo Men (Grupo
Comedia del Pilar, de Pilar) fue la seleccionada y su director, Martín
Simeón, resultó el mejor director de la muestra.
“La Sucesión” del Grupo C-So de Luján y “La Empresa”, del
Grupo La Cueva de Chivilcoy, fueron seleccionadas como obras suplentes.
El jurado entregó también menciones especiales para mejores actuaciones,
femeninas y masculinas, destacándose a Elena Bogar por “Un Guapo del 900”
y Marcelo Orse por la misma obra, entre otros.
El Encuentro Regional de Teatro Independiente fue muy significativo para
la ciudad de Mercedes, no sólo por la entrega de los tan esperados
subsidios que contribuirán al mejoramiento de las salas teatrales de los
grupos de teatro, sino por la excelencia de las obras representadas y por
la confraternización de los diferentes grupos que compartieron cuatro días
a puro teatro.
Susana Spano (Argentina)
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EL TEATRO ESQUINA LATINA,
de Cali (Colombia), prepara SEIS MESES DE TEMPORADA TEATRAL
El grupo de Teatro Esquina Latina y su equipo
artístico, técnico y administrativo se encuentran en ensayos y
preparativos para lo que será su Puesta Escénica 2012,
a realizarse del 11 de mayo al 28 de octubre de 2012.
Durante los próximos seis meses, el Teatro
Esquina Latina presentará en su sede ubicada en la Calle 4 oeste # 35 – 30
del barrio Tejares de San Fernando-Cali (Colombia), una completa
programación para jóvenes y adultos los días sábados a las 7:30 p.m. y,
para niños los domingos a las 11:00 a.m. en el marco del programa Salas
Concertadas del Ministerio de Cultura y la Secretaria Municipal de
Cultura.
Esta Puesta Escénica 2012 comenzará con el
grupo TATUAS, invitado especial que llega de Sinaloa, México para
presentar los días viernes 11 y sábado 12 de mayo a las 7:30 p.m. una obra
basada en la vida de Frida Kahlo: “Árbol
de la Esperanza”, dirigida por Lázaro Rodríguez. Ese mismo fin
de semana, el día domingo y todos los de mayo 13, 20 y 27 a las 11:00
a.m., la programación infantil tendrá la obra “El
Lenguaje de los Animales”, escrita y dirigida por Alfredo
Valderrama.
Continuamos luego con la programación para
jóvenes y adultos, los sábados 19 y 26 de mayo con la presentación de la
obra “Desencuentros”,
puesta en escena en la que el espectador encontrará cuatro cuadros
teatrales en los cuales se entablan diálogos entre personajes como: Caín y
Abel, Simone de Beauvoir y Sor teresa de Calcuta, Freud y Newton y, entre
el Che y Marylin. Esta pieza escrita y dirigida por Orlando Cajamarca
continuará en temporada todos los sábados del mes de junio.
La cuota infantil para los domingos de junio,
estará a cargo de un espectáculo con títeres de guante que representarán
la obra “El Diablo, la rana y
el tucán cantor” del director cubano Julio Cordero.
Para los sábados de Julio, tercer mes de la
Puesta Escénica 2012 del Teatro Esquina Latina, se presentará
“Ritornelos de Amor”,
obra que incluye escenas a cuadros sueltos sobre el amor y el desamor en
un lenguaje cotidiano donde la violencia salta en cada palabra, en cada
acción, acudiendo a situaciones abiertas enigmáticas quizás, sin comienzo
ni final. Para los amantes de la cuentería teatral, todos los domingos de
este mes se presentará la obra escrita y dirigida por Alfredo Valderrama:
“El Lenguaje de los Animales”,
inspirada en cuentos de las mil y una noches y en otros cuentos de la edad
media del oriente.
En agosto se presentará los sábados en la
franja para jóvenes y adultos la obra “Caína”,
ganadora del premio de dramaturgia Jorge Isaac 2007 y los domingos en la
franja para niños, la obra de títeres: “¿De
dónde venimos?” que relata la historia de Pipa, una niña de
cinco años que va de un lado a otro preguntando de dónde vienen los niños,
sin encontrar respuesta porque ni sus padres, ni sus maestros están
preparados para contestarle.
La Puesta Escénica 2012 concluirá su
programación para jóvenes y adultos con dos obras de estreno: “Ritornelos
II” a presentarse en el mes de septiembre y “Encarnación”,
obra de teatro de máscaras que cerrará la temporada teatral en octubre. Y
en la franja infantil tendrá para el mes de amor y amistad una historia
escrita y dirigida por Orlando Cajamarca: “Joselito
Buscalavida”. Y cerrará la temporada en Octubre con la obra de
títeres “Historia de un Desdén”,
dirigida por Julio Cordero.
Esta será una programación cultural teatral
donde el espectador podrá disfrutar de la magia y colorido que brindan las
máscaras, los títeres, la cuentería teatral, el drama y la comedia que se
verá reflejado en las tablas del Teatro Esquina Latina, un teatro con
proyección social y 39 años de experiencia.
La Puesta Escénica 2012, cuenta con el apoyo
del Ministerio de Cultura, Universidad del Valle, Gobernación del Valle
del Cauca, El Fondo Mixto para la promoción y las artes del Valle del
Cauca, Corpovalle, la Secretaria de Cultura y Turismo Municipal, Eucol y
El País.
Boletería general $20.000 – Estudiantes,
tercera edad y discapacitados $10.000
Mayor información en
www.esquinalatina.org -
5542450 - Síguenos en Twitter @esquinalatina
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el Grupo de Teatro Fray Mocho presenta LAS
González de Hugo Saccoccia
Grupo de Teatro Fray Mocho presenta
todos los sábados de mayo a
las 20:30 hs. en el Teatro Fray Mocho (J.D.Peron 3644 - Buenos Aires)
“LAS GONZÁLEZ” de Hugo Saccoccia
Intérpretes: Norma Alarcón, Alicia Vecchio,
Alicia Toker y Liliana Cabanes.
Asistente: Juan Manuel Suáez - Dirección
General y Puesta en escena: Ernesto Michel
Sinopsis:
Dentro de toda mujer, incluso la más
reprimida, alienta una vida secreta, un fuerza poderosa llena de buenos
instintos, creatividad apasionada y sabiduría eterna.
La mujer puede recuperar los regalos de su
naturaleza, a pesar de los constantes esfuerzos de la sociedad por
“civilizarlas” y constreñirlas a roles rígidos. El deseo nunca se pierde.
Una historia de 4 hermanas en una pequeña ciudad de provincia de Buenos
Aires. Sus vínculos y conflictos, sus rebeliones y la decisión sobre su
futuro. Una comedia exquisita y tierna donde la hilaridad supera lo
patético.
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EL Grupo
“Los Inimputables” repone la comedia de Adela Sorrentino
Respirar Hondo en buenos aires
El Grupo “Los Inimputables” repone la comedia
de Adela Sorrentino Respirar
Hondo, con dirección y puesta en escena de Marta Silva.
La misma se presentará
los domingos a las 19 hs.
en el espacio teatral PETRArte Teatro, Güemes 4382, Palermo Soho, en la
Ciudad Autónoma de Buenos Aires - República Argentina
Fecha del reestreno: Domingo 15 de abril de
2012 a las 19 hs
Elenco: Matías Alarcón - Lita de Angelis -
Gladys Pereyra Alonso - Carolina Lastra
Una clase de yoga es un remanso para que
cuerpo y espíritu enfrenten los problemas cotidianos con menos tensiones.
Eso pensaba ingenuamente Dante cuando se incorporó al grupo. Pero, ¿qué
pasó? ¿Por qué está cada vez más lejos de encontrar esa paz que buscaba?.
En medio de reclamos infundados, propuestas delirantes y redes de
seducción, Juliana, Antonia y Maia, las tres mujeres con las que comparte
esa práctica, parecen haberse conjurado solo para sumar complicaciones
disparatadas a su vida. Entonces, respirar hondo ya no resulta
suficiente...
Síntesis argumental:
En el ámbito de una clase de gimnasia yoga
tres mujeres giran alrededor del mismo hombre con el que están
relacionadas de diferentes maneras. Una es su ex mujer, otra, la bonita
instructora de la clase por la que se siente atraído y la tercera, una
señora mayor que practica esa gimnasia y que también quiere influir en su
vida. El hombre, Dante, atraviesa una situación laboral y afectiva
desfavorable y se encuentra al mismo tiempo presionado e ilusionado por
las demandas y los ofrecimientos que ellas le proponen.
Sin que se abandone el tono humorístico conque
se desarrollan las situaciones, una revelación final enfrentará a Dante
con una realidad que lo lleva a hacer un replanteo y a verse a sí mismo
con una nueva mirada, la que cree que esas mujeres y -casi por extensión-
todas las mujeres, tienen sobre él y su género.
En última instancia, la obra invita a observar
-tratando de evitar los estereotipos- los nuevos roles que hombres y
mujeres han ido adquiriendo en los últimos años.
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Otelo, de W. Shakespeare, en
el TEATRO EL CONVENTO, de buenos aires
Otelo, de W. Shakespeare
desde el 14 de abril a las
21:00hs en el Teatro El Convento (Reconquista 269, C1003ABE Buenos Aires)
Otelo es la lucha constante de la noche con el
día. La eterna e insondable interacción humana reducida a su expresión
mínima: amor-odio. Las eternas palabras de un autor tan profundo como
dramático, tan esencial como enigmático. Pero también, es un notable
ejercicio de la seducción. Shakespeare le otorga al héroe un lugar de
privilegio en un mundo intolerante para un extranjero: ser general de
ejércitos en guerra. También lo dota de la seducción necesaria ante la
cual sucumben las mayorías, incluso Desdémona, vista como "la perfección"
de ese mundo. Eso lo conduce inexorablemente al borde del precipicio.
Entonces inventa a Yago, un seductor aun mayor, maléfico maestro de
ceremonia con la habilidad necesaria para empujarlo al abismo, doblegando
voluntades y provocando la devastación. Nadie como él sabe inocular odio y
alimentar lo monstruoso que se adueña de la trama cuando la tragedia
sobreviene. La adaptación y puesta en escena de Martín Barreiro está
basada en el movimiento coreográfico, el canto y el desdoblamiento de Yago
con una sorprendente invasión a la audiencia, acrecentando su malicia y
convirtiendo al espectador en testigo y cómplice necesario de la ruina del
héroe.
Ponemos en escena Otelo porque su trama es tan
vigente como lo fue en su estreno, en 1604. Su protagonista ha superado en
nuestro tiempo su condición de minoría. Hoy el desamor, el odio y el
crimen atraviesan nuestros sentidos y nos convierten también en cómplices
y testigos de una época donde el horror forma parte de lo cotidiano. Una
vez más Shakespeare nos hace reflexionar sobre lo monstruoso, eso que
aparece en los momentos más oscuros de la vida.
Autor: William Shakespeare - Adaptación:
Martín Barreiro - Coreografía: Rocío Melonaro
Actúan: Diego Verni, Graciela Rovero, Fernando
Blanes, Fernando López, Sergio Faya, Lilia Cruz, Cristian Cabrera y Matías
Payer
Puesta en escena y dirección general: Martín
Barreiro
Funciones: desde: sábado 14 de abril de 2012
hasta: sábado 28 de julio de 2012 - Valor de la entrada: $50
Informes y reservas: (5411) 4264-1101
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NUEVA
TEMPORADA EN el CC BORGES (BUENOS AIRES) CON PINTANDO A BERNI
Pintando a Berni
retoma sus funciones para escuelas en el marco del PROGRAMA EDUCATIVO
BORGES.
Jueves 19 de Abril, 10 y 14 hs. CC BORGES -Viamonte y San Martín. Ciudad
Autónoma de Buenos Aires.
Pintando a Berni es el resultado de una investigación exhaustiva sobre la
vida y la obra de Antonio Berni. Incluye proyecciones de la obra original
del artista, muñecos, títeres, objetos realizados con material reciclado y
un corto de animación sobre sus monstruos.
Con
el auspicio del SUTEBA está recorriendo teatros de la Provincia de Buenos
Aires, en donde ya la han visto más de 40.000 chicos de escuelas públicas
en forma gratuita.
Realiza funciones en el Centro Cultural Borges de la ciudad de Buenos
Aires para el programa Escuelas y en las pasadas vacaciones de invierno
2011 realizó temporada en el Centro Cultural CARAS Y CARETAS.
Pintando a Berni, estrenada en 2007 se ha presentado desde entonces en la
Feria del Libro Infantil, Teatro Municipal de Morón, Teatro Diagonal de
Mar del Plata, Municipal de Necochea, Santa Rosa de la Pampa, Neuquén,
Entre Ríos, entre muchos otros.
Más información:
www.pintandoaberni.blogspot.com -
pintandoaberni@gmail.com
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COMUNICADO DESDE ARGENTINA DEL
EQUIPO DELTA – TRABAJO TEATRAL
A los
grupos teatrales argentinos e internacionales, al público en general,
instituciones y personas que nos apoyan:
El Equipo
Delta – Trabajo Teatral lamenta mucho comunicarles que debido a no
disponer de los recursos económicos básicos otorgados siempre por el
municipio a través de la Secretaría de Cultura para realizar la
convocatoria en tiempo y forma, se ve imposibilitado de realizar como
estaba previsto Otoño Azul XIII edición –
Encuentro Internacional de Teatro – Argentina 2012.
Pedimos
disculpas por la demora en dar respuesta a todos los grupos interesados en
enviar su propuesta.
Desencantados ante la carencia de un esperado aumento de apoyo de la
nueva gestión cultural local intentamos recuperarnos del desaliento.
Agradecemos
el respaldo brindado por sectores políticos tanto oficiales como de la
oposición, de la prensa local en general, de entidades del turismo y el
comercio, del público y de cuantos valoran el compromiso y la lucha de
doce años consecutivos para la afirmación y desarrollo del encuentro.
Históricamente, Otoño Azul se ha realizado a un costo
ínfimo en relación a la significación de un evento cultural y social de su
trascendencia.
La
organización siempre estuvo a cargo de un simple grupo teatral de esta
ciudad que puso sus desvelos, el trabajo gratuito y hasta el aporte y
riesgo económico personal de sus integrantes.
Esta falta
de amparo es difícilmente comprendida por los funcionarios de turno que
tienen la obligación de viabilizar recursos y cuyas decisiones parecen no
afectar los fondos públicos cuando se trata de llevar a cabo los proyectos
oficiales.
En estos
momentos hay un acuerdo para conversar sobre la edición del año próximo.
Hay mucho que evaluar y por hacer después de sobreponerse al golpe. Hay
que afirmar como hasta ahora ha sido, la condición de organización
independiente de la “intervención” oficial, por más que el municipio sea
el principal auspiciante.
Más que
nunca es fundamental la voz de todos afín de no perder este humilde pero a
la vez importante espacio, arduamente construido para el desarrollo
socio-cultural de la región y la expresión escénica de la “diversidad
cultural” del mundo.
Hoy por hoy,
las luces del Encuentro están apagadas.
Hoy por hoy,
nuestro Otoño Azul es Otoño
Gris.
Un abrazo a
todos,
Equipo
Delta – Trabajo Teatral - e-mail:
encuentroazulteatro@yahoo.com.ar
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Gaviotas habaneras: Akuara Teatro - Sala
Avellaneda, en Miami (USA)
"Gaviotas
habaneras" de Yvonne López Arenal trata del reencuentro entre
Ignacio y María, que estudiaron juntos en la Escuela de Arte en Cuba a
finales de los 80. Ambos abandonaron la Isla en diferentes épocas y por
azar sus destinos se cruzan en la ciudad de Miami. Entonces descubren con
sorpresa el rumbo tan diferente que han tomado sus vidas. Ignacio que
sobrevive como mesero hace un pacto con Ochún deidad del amor en el
panteón Yoruba para poder volver hacer teatro, en ese momento María que es
una próspera empresaria reaparece en su vida ayudándolo a materializar su
sueño. El inesperado reencuentro hace revivir viejas quimeras y comienzan
una complicada contienda por recuperar lo perdido.
"Gaviotas Habaneras" se estrenó en Miami en
función especial en Marzo 27 a las 8 y 30 pm "Día Internacional del
Teatro" y aniversario de apertura de la sala. Antes de comenzar la función
el destacado dramaturgo Matías Montes Huidobro leería un mensaje por el
"Día Internacional del Teatro".
Las
funciones continuarán todos los viernes y sábados a las 8 y 30 PM.
Dirección y texto de Yvonne López Arenal
Elenco: Yvonne López Arenal, Carlos Alberto
Pérez, - Actuaciones especiales: Miriam Bermúdez y Christian Ocón
Producción de "Akuara Teatro": Mario García
Joya, Alba Borrego y Carlos Rodríguez.
Akuara Teatro: Sala Avellaneda - 4599 SW 75
Ave - Miami, FL 33155 - tel / 786 8531283 -
Akuarateatro1@gmail.com
Boletos $ 20.00 - Reserve, aforo limitado.
Estacionamiento gratis. –
http://akuarateatro.blogspot.com/
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LA VOZ DE LOS AUTORES Lecturas Dramatizadas de Siete
Obras Nuevas en nueva york
Exhibiendo una
electrizante gala de piezas teatrales nunca antes vistas y fomentando las
voces de los escritores que están definiendo el teatro internacional en
Nueva York, IATI Theater está orgulloso en presentar las lecturas
dramatizadas de siete trabajos nuevos. Cada obra ha sido escogida
específicamente por sus vibrantes y conmovedoras características y por su
dedicación a dramaturgia innovadora.
Las lecturas se
realizaran en el Gershwin Hotel: 7 East 27th Street - New York, NY 10016
desde el 19 de Marzo a el 18 de
Junio de el 2012. Dependiendo en la obra, la lectura será en Ingles
o Español.
Admisión: pague
$5 en la entrada y reciba una copa de vinotinto.
Las siguientes
obras son parte de el programa de desarrollo de obras de IATI, La Voz
de los Autores, el cual ha resaltado más de 100 dramaturgos desde el
2001 al presentar sus más recientes e inquietantes trabajos. La misión de
este programa es exponer obras nuevas que invitan a la reflexión profunda
a través de cuestiones que exploran la experiencia universal humana. Esta
serie de siete obras será conducida bajo la dirección de John Gould Rubin,
Walter Ventosilla y Lou Moreno, entre otros.
Un panel de
discusión vendrá después de cada función.
Marzo 19, 2012 – 7:30pm
UNA VIDA DE
CALIDAD una obra de JAIME ROBERT CARRILLO Dirigida por Lou Moreno
Un adefesio
fenómeno conecta cuatro infelices almas, haciendo que escuchen los
pensamientos de cada uno. Una triste romántica, un policía paranoico, un
comediante desempleado y un hombre en el cuerpo de una mujer son enlazados
por sus pensamientos y quedan vulnerables y a la merced de la neurosis de
cada uno. En Inglés con algo de Español
Abril 02, 2012 – 7:30pm
UN PAR DE
OBRAS DE UN ACTO de CECILIA COPELAND Dirigida por John Gould Rubin
Dos obras breves:
un juego de amor, falta de anteojeras, vulnerabilidad y sexualidad.
PLAYING: una pieza realística sobre una joven pareja, Dana y Donny,
quienes tratan de ganar en algo. Al jugar el juego de el amor contra cada
uno, ninguno de los dos parece adquirir lo que desean. Cuando los anteojos
se remueven, los dos deben dejar de jugar y empezar a vivir. VELVET EGGS:
esta pieza realista, poética es un romance multigeneracional que sobrepone
el sistema político en el cuerpo y amalgama la sexualidad con la
personalidad y vulnerabilidad. Cuando el columpio de la confianza y el
deseo llega a su punto más alto, la conclusión puede ir en cualquier
dirección. En Inglés
Abril 23, 2012 – 7:30pm
EXISTING FOR
PROLEPSIS una obra de HAYDN DÍAZ Dirigida por Julián J. Mesri
Poesía, un
espacio blanco, una columna, un corazón espinado, un pálpito y una bolsa
de basura a punto de estallar: eso es todo lo que tienen Gaudi y Tristi y
nada más. Están atrapados. Esperan una repuesta de el cielo. Están
angustiados. Añoran saber que está afuera. No tienen respuestas pero si
tienen una regla. Oesterus aparece—y trajinándolos a la locura—los hostiga
a romper la una y única regla. Así descubren que es lo que significa
existir por prolepsis y las pavorosas consecuencias de escapar de el
espacio que los salvaguardaba de el mundo de afuera.En Inglés
Mayo 07, 2012 – 7:30pm
MARIANA
PINEDA, una obra de ANTONIO CÉSAR MORÓN Dirigida por Walter Ventosilla
Mariana Pineda
cuenta la historia de una heroína de la ciudad de Granada (España), que
fue acusada de haber bordado una bandera con el lema de la causa liberal
“Igualdad, libertad y ley”, contrario al régimen monárquico absolutista
que fue impuesto por el rey Fernando VII. Mariana Pineda fue detenida,
encarcelada y ejecutada por orden del propio rey cuando tenía tan solo 26
años de edad. Su encarcelamiento y muerte han sido tratados por autores
granadinos tan prestigiosos como Federico García Lorca o José Martín
Recuerda. Antonio César Morón ha expuesto el tema desde un punto de vista
radicalmente distinto pero su aportación más novedosa al tema de Mariana
Pineda ha sido la de trabajar la historia utilizando una técnica dramática
severamente innovadora. La técnica utilizada en esta pieza es la que él
mismo ha dado en denominar dramaturgia cuántica, la cual consiste en
explorar la posible transducción desde las teorías desarrolladas por la
física cuántica hacia la composición de textos dramáticos. En Español
Mayo 21, 2012 – 7:30pm
BELIEVE
una obra de JONATHAN VIDAL Dirigida por Rubén Dario Cruz II
Canchas de
baloncesto, fracaso, éxito, la NBA, demonios internos. Como sus
precedentes, Kobe Bryant, Kevin Garnett y LeBron James, Peter Thomas
quiere hacer el paso de su equipo de bachillerato a la NBA. No es su falta
de experiencia o una lesión que lo previene de alcanzar sus metas si no
sus demonios internos. ¿Aceptara su fracaso o lidiara consigo mismo? Esta
pieza fue escrita como un largometraje—pero IATI, en el espíritu de “todo
vanguardia” toma el reto de presentarlo como una puesta en escena. En
Inglés
Junio 04, 2012 – 7:30pm
PALISADE 2515
una obra de KISHA TIKINA BURGOS Dirigida por Arí Maniel Cruz
Palisade 2515
cuenta la historia de una mujer Mexicana quien después de muchos años de
arduo trabajo en los Estados Unidos obtiene su primera propiedad en la
Avenida Palisade de Nueva Jersey. Pucho, un "handyman" puertorriqueño
encargado de arreglarle una simple filtración, la convence de hacerle
mayores arreglos a la casa con el supuesto fin de mejorar la propiedad. La
casa representa el sueño americano el cual se vuelve frágil ante la
premonición de lo que será la experiencia de su hijo Cuauhtemoc en éste
país. Daniela debe enfrentar el mundo imaginario de su hijo, quien asegura
tener "un amigo a quien le han puesto otra cabeza". Mientras tanto Daniela
se encuentra a punto de perder su casa. De manera mística y espiritual
Daniela y su hijo Cuauhtemoc enfrentan su miedo a perderse uno del otro
tanto como perderse de sí mismos. En Español con algo de Inglés
Junio 18, 2012 – 7:30pm
CUCARACHAS
una obra de CRISTIAN CORTÉZ Dirigida por Memo
Walter, Billy y
John son tres migrantes ilegales-indocumentados ecuatorianos, comparten un
sucio sótano infestado de cucarachas en Corona, Queens, NYC. Viven
encerrados mientras transcurre el más crudo invierno de las últimas
décadas. Walter y John son hermanos, otro un amigo cercano, los tres
tratan de erradicar las cucarachas del sótano, pero no saben que las
verdaderas cucarachas a punto de ser erradicadas son ellos, por las leyes
migratorias, por el odio a los hispanos, por la xenofobia. Cortez recrea
la historia de cientos de migrantes ecuatorianos en solo tres
protagonistas, entre los que se refleja de manera mordaz la tragedia del
fenómeno de la migración, el coyoterismo, las redadas, la lucha por la
supervivencia, la situación de los ilegales, el odio racial. En Español
Para más
información: www.iatitheater.org
/ 212-505-6757
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PRÓXIMO ESTRENO DE ESTO NO ES LO QUE PARECE,
DE JAVIER REYES, EN SANTO DOMINGO
Javier Reyes en el ensayo de uno de
sus montajes |
"Esto
no es lo que parece" es una pieza de teatro filosófica que
cuestiona el pensamiento humano, colocando cierta duda sobre ¿Qué es la
verdad? tocando con cierta comicidad, la ironía de los personajes, esta
obra cuenta la situación de un hombre que sueña con exponer sus tormentos,
los tormentos de sus compañeros y sus compañeros con los tormentos de este
personaje llamado DAN, quienes se enfrascan en un sinnúmero de situaciones
absurdas, irónicas, como una mujer que ama un chocolate, un ciego que
vende pomada para ciego, o una mujer maltratada enamorada del más temido
hombre en el planeta, que no sabe leer ni escribir y (dependiendo el punto
de vista desde el que se mire), casi ha perdido el juicio, pero sus amigos
no dejan de defenderlo al defenderse de los prejuicios de la gente que los
llama locos.
Esta pieza pretende golpear la sociedad
lógica, exponer las verdades absurdas en las que el mundo se enfrasca,
trata de animar a la persona a pensar, por si mismos, esta obra dice la
verdad, y la verdad es que la verdad no existe, eso hace que esa verdad
sea una mentira, pero tengo razón… así que piense lo que quiera.
La puesta en escena está prevista para la sala
Máximo Avilés Blonda, en el palacio de Bellas Artes de Santo Domingo,
República Dominicana, dentro del marco del Festival Nacional de Santo
Domingo 2012, que inicia en el mes de Junio, dirección y dramaturgia:
Javier Reyes.
Contacto con el autor.
tesencia@gmail.com
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REESTRENO de Babilonia, TEMPORADA 2012, en
la plata (argentina)
Todos
los sábados a las 21 hs. “BABILONIA, UNA HORA ENTRE CRIADOS”
Tercera Temporada, en el Teatro de la UNLP (10 nº 1076 e/ 54 y 55).
El Taller de Teatro de la UNLP presenta
“Babilonia, una hora entre criados”, de Armando Discépolo. Dirección:
Norberto Barruti. Escenografía: Quique Cáceres.
Con: Ignacio Ardaiz, Adrián Di Pietro, Pablo
Espinosa, Omar Gioiosa, Alicia Julianez, Laura Lago, Horacio Martínez,
Oscar Molinari, María Soledad Navarro, Ariel Perera, Gustavo Sala Espiell,
Oscar Sierra, Sonia Simó, Paola Tzivelecon y Mónica Wlasiuk.
Reservas de 14 a 20 hs. al 4232283. Entrada
general $20.
Sobre la obra:
“Es ya posible formularlo: Todo el universo
del sainete se ha tornado grotesco; el patio inicial, fracturado y
arqueado sobre sí, es `gruta´ y en la dimensión de `Babilonia´, el
grotesco se da definitivamente como `infierno´ del sainete… porque el mito
de hacer l’América se ha convertido en la realidad de la dependencia.”
David Viñas.
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Teagrupo necesita sede en argentina
Teagrupo, elenco teatral creado el 24 de junio
de 1991 en Buenos Aires – Argentina, necesita una sede permanente para
desarrollar sus actividades teatrales, como ser talleres de formación e
investigación teatral, ensayos de las obras que subirán a escena durante
el año y la posibilidad de estrenarlas en el mismo espacio.
El lugar requerido puede ser de diversa
índole. Teatro, centro cultural, club, sociedad barrial, asociación
mutual, organización social, etc. En principio puede estar ubicado en
Capital o Gran Buenos Aires. La única condición excluyente es que desee
albergar a un elenco teatral que se compromete a realizar una basta
actividad cultural integrada a la institución que lo acepte. Las
condiciones de la relación serán acordadas de común acuerdo.
En los veinte años de trayectoria Teagrupo
estrenó sesenta espectáculos diferentes y realizó más de seiscientas
funciones.
Durante este tiempo tuvo diversas sedes, desde
el Centro Cultural Spilimbergo, la Unión Vecinal de Saavedra, la
Biblioteca Popular Cornelio Saavedra hasta la Asociación Mutual
Sentimiento.
En todos los espacios se realizaron talleres
de aprendizaje teatral en sus diversas disciplinas y se realizaron
funciones de teatro en forma permanente. Teagrupo actuó durante siete
temporadas en la Sala Spilimbergo del Banco Credicoop de Saavedra. Se
presentó en teatros, escuelas, centros culturales, salas teatrales,
centros comunitarios, organizaciones barriales y en la Sala Enrique Muiño
del Centro Cultural San Martín. Los interesados pueden Comunicarse con :
Adolfo Valerga -
teagrupo@yahoo.com.ar -
teagrupoteatro@gmail.com -
cel. 15-5116-9393
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LAS BRUJITAS FLAMENCAS LLEGAN A LA CALLE
CORRIENTES (BUENOS AIRES)
A
partir del 14 de enero, todos los Domingos a las 16,15 hs. en la sala
Liberarte, Bodega Cultural, en Av. Corrientes 1555 (Buenos Aires) se
ofrece LAS BRUJITAS FLAMENCAS.
"Enrica y Vicenta, la increíble historia de
las brujitas flamencas" el PRIMER MUSICAL FLAMENCO PARA CHICOS vuelve a
las tablas luego de una exitosa temporada de invierno en el Centro
Cultural Borges.
Seguiremos compartiendo música, danza, arte,
hechizos y encantamientos con esta propuesta novedosa hecha para disfrutar
con toda la familia.
El espectáculo ha obtenido la declaración de
interés cultural de la Secretaría de Cultura de la Nación y fue
seleccionado por la Secretaría de Cultura del Gobierno de las Ciudad a
través del régimen de Mecenazgo para realizar un ciclo en escuelas
primarias.
También ha sumado importantísimos avales de
instituciones como: Centro Cultural de España en Buenos Aires (CECEBA),
APEA Asociación de la Prensa Española en Argentina, Centro Cultural
Andalucía (CECABA), La Consejería de Turismo de la Embajada de España.
Contacto:
brujitasflamencas@gmail.com
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AGÜEYBANÁ EL BRAVO disponible para presentarse
en escuelas, universidades y Teatros Municipales
Producciones Artificium (Puerto Rico)
presenta, Agüeybaná El Bravo,
del dramaturgo puertorriqueño Ricardo Magriñá Vélez, obra de teatro que se
está ofreciendo para presentarse en comunidades, escuelas, universidades y
teatros municipales.
La obra teatral Agüeybaná El Bravo
explora el enfrentamiento entre las visiones y formas de operar ante la
amenaza y la represión cultural. Expone el conflicto entre el cacique
Agüeybana El Viejo y su sobrino, a quien la historia conocerá como
Agüeybaná El Bravo. El primero auspicia la convivencia con los recién
llegados, mientras el segundo propone la toma de armas y la defensa de la
patria ante los abusos de los conquistadores.
Agüeybaná El Bravo es una apropiación
dramática de los más trascendentales hechos de nuestra historia indígena
que invita a reflexionar sobre lo acontecido en estos 500 años de
resistencia y formación de identidad. La pieza esta escrita por el
dramaturgo puertorriqueño Ricardo Magriñá Vélez, cuya obra es el resultado
de largos meses de trabajo e investigación en los Talleres de Dramaturgia
del Conservatorio de Arte Dramático el Ateneo Puertorriqueño y como parte
de su formación como arqueólogo en el Centro de Estudios Avanzados de
Puerto Rico y el Caribe fundado por Don Ricardo Alegría.
El elenco está compuesto por Rolando Reyes
como Agüeybaná El Bravo, Zulaika Ginés, Israel Solla, Antonio Rivera
Malavé, Emilio Graciano, Andrés López Sierra y Luis Javier López, quien en
es también el director de la pieza, como Agüeybaná el Viejo.
La pieza conmemora el V Centenario de la
Revolución Taína de 1511, levantamiento que marca el inicio de una larga
historia de resistencia puertorriqueña en contra de la opresión de los
poderes imperiales que han llegado a nuestras costas.
De interesarle esta pieza para su comunidad,
pude comunicarse al 787-461-6890, al 787-391-4541 o al siguiente correo
electrónico
olgavegafontanez@gmail.com
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NUESTRA REVISTA, NOTICIAS TEATRALES,
GALARDONADA EN ELDORADO (MISIONES - ARGENTINA)
Dentro de la programación del VI Encuentro del Arte y la Cultura -
Teatro 2005, organizado por el Club de Teatro Eldorado, celebrado en
dicha ciudad argentina del 8 al 14 de agosto de 2005, hubo un apartado dedicado a
la entrega de premios y galardones. El acto de entrega se celebró el día 9
de agosto de 2005 en el Teatro del Pueblo, y en el mismo se entregaron
diversas distinciones, entre otras a nuestra revistas
NOTICIAS TEATRALES "por su aporte al teatro del mundo, y su permanente y generoso
trabajo de difusión del teatro, especializada en las Artes Escénicas y a su
director, el autor Salvador Enríquez".
El galardón a NOTICIAS TEATRALES fue recogido por la autora, actriz y
directora española Antonia Bueno en representación de Salvador Enríquez, que
le fue entregado por Marcelo Calier, director del Club de Teatro Eldorado.
Desde aquí nuestro agradecimiento a los organizadores. Recibimos la
distinción con alegría y orgullo (un orgullo que quisiéramos disimular
para que no huela a incienso) pero que nos compromete aún más en nuestro
compromiso de dar difusión a todo lo relacionado con las Artes Escénicas.
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Para
ir al BUSCADOR, pulsa en la imagen
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