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EN LA ESQUINA LATINA (CALI – COLOMBIA):
RETRATOS DE ALDEA
La obra que se estrenó en
2017 en el Teatro Esquina Latina “RETRATOS DE ALDEA”, con
dramaturgia y dirección de Orlando Cajamarca, continúa la puesta
escénica –45 años de Terquedad Teatral– todos los sábados de abril
a las 7:30 p.m. en la sala del teatro.
Esta puesta en escena es
una metáfora elaborada a partir de hechos y personajes de
historias recogidas en crónicas y en noticias de prensa, que
relata situaciones que surgen de la opacidad de ciertos
acontecimientos que dan cuenta de cómo la macroeconomía y los
medios de comunicación, como supra poderes, decretan y administran
hasta la más lejana aldea.
La obra:
Don Pablo Castaño,
obsesionado por un hijo varón, tiene una única hija, Carla, que es
camuflada por su madre como hijo varón –Carlo- hasta los trece
años, cuando Germán hijo del mayordomo descubre el secreto y se
enamora de ella. En una aventura de cacería, Carla seduce a German,
pero es sorprendido por Don Pablo quien lo tortura y lo da por
muerto. Carla logra huir. German sobrevive y confía en la promesa
de ella, que regresará.
En el pueblo Germán se
convierte en el secretario de una vieja agiotista –Juana- de la
central de abastos y enemiga de Don Pablo, quien la dejó plantada
a la hora del matrimonio. A German y a la Juana los une la
venganza y juntos planifican la ruina de Don Pablo. La ambición de
Germán lo lleva a deshacerse de ambos. Germán concentra todo el
poder y se convierte en un potentado sin escrúpulos: controla
todos los poderes políticos, además de los bancos y los medios de
comunicación. Carla acompañada de su sirviente, El Mudo, decide
regresar como Carlo, un empresario moderno, a vengarse de su padre
y reunirse con Germán, pero se encuentra con la noticia de que su
padre ha sido asesinado. Germán la espera para consumar su deseo y
consolidar su poder. Carla al enterarse a su llegada de la muerte
de su padre, desplaza su odio y su venganza contra Germán. Carla
elimina a Germán e instaura un nuevo orden en la Aldea.
“Retratos de Aldea” se
presentará los sábados 7, 14,
21 y 28 de abril, a las
7:30 p.m. en la sala del Teatro Esquina Latina. Calle 4ta
Oeste # 35-30, barrio: Tejares de San Fernando.
"Sala Concertada por el
Ministerio de Cultura y la Secretaría de Cultura Municipal.”
Esta programación
artística en la Sala del Teatro Esquina Latina cuenta con el apoyo
del Ministerio de Cultura y de la Secretaria de Cultura de
Santiago de Cali.
Para mayor información:
www.esquinalatina.org
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EL LEÓN Y EL CARPINTERO
LOS DOMINGOS INFANTILES DE ABRIL EN LA ESQUINA LATINA (CALI –
COLOMBIA)
El León y el Carpintero,
con dramaturgia y dirección de Alfredo Valderrama continuará la
Puesta Escénica 2018, del Teatro Esquina Latina,
los domingos de abril a
las 11:00 a.m.
El León y el Carpintero es un espectáculo músico-teatral de
cuentería teatral basado en un relato de “Las mil y una noches”,
llamado “La encantadora historia de las aves y los animales”
realizado para el disfrute de toda la familia.
La obra:
En esta historia, un joven león escucha a dos de sus súbditos, una
ratona y una pava, quejarse de las maldades y artimañas del
hombre; el león que es fuerte y orgulloso, sale a buscar a ese
extraño animal sin escuchar los consejos de sus pequeñas amigas
que le advierten que él no está preparado para semejante empresa.
El león que conoce muy poco del mundo y de las otras especies, se
topa con un caballo y un toro y los confunde con el hombre, pero
estos le aclaran que a pesar de su fuerza, el hombre también los
ha vencido.
Más adelante el león conoce a un ser débil y despreciable que dice
ser de la especie de los carpinteros, que su oficio es hacer casas
y que huye del hombre y busca al tigre para que a cambio de una
casa lo defienda. El león ofendido pide que se le haga primero una
casa a él, pues es el rey, mientras que el tigre no es más que uno
de sus cortesanos.
El carpintero fabrica una extraña casa, el león entra en ella y
tarde se da cuenta que es una trampa de la que no podrá escapar
sin ayuda.
Los animales vienen en su ayuda, lo liberan y persiguen al hombre
hasta llevarlo malherido fuera de la selva. El león aprende dos
lecciones, no debe subestimar a los pequeños y sí se debe temer a
la astucia del hombre, que es más poderosa que la fuerza bruta.
“El León y el Carpintero” se presentará los domingos 8, 15, 22 y
29 de abril a las 11:00 AM en el Teatro Esquina Latina, Calle 4
Oeste #35-30, barrio Tejares de San Fernando.
"Sala Concertada por el Ministerio de Cultura y la Secretaría de
Cultura Municipal.”
Esta programación artística en la Sala del Teatro Esquina Latina
cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura y de la Secretaria
de Cultura de Santiago de Cali.
Para Mayor Información: Teatro Esquina Latina -
www.esquinalatina.org
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LORCA
EN LAS TRINCHERAS DE MADRID
DE ADHEMAR BIANCHI, EN EL TEATRO EL GALPÓN - REITERADOS HOMENAJES
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
El
propósito de la obra es, según su autor “…homenajear a aquellos
actores, combatientes, artistas que en el frente de Madrid
representaron distintas obras –entre ellas “El retablillo de
Don Cristóbal” de García Lorca, organizados por Miguel Hernández,
el poeta…”, todo ello al cumplirse 120 años del nacimiento
del poeta.
“Lorca en las
trincheras de Madrid” es “El retablillo de don Cristóbal” con la
novedad de que los personajes son representados por títeres y
seres humanos. Sale un muñeco, entra un actor que continúa el
personaje. Ingenioso y bien sincronizado, con destreza; pero es un
brillo que no realza el texto original. A las escenas del
“retablillo” suele seguir una escena multitudinaria de soldados
republicanos con sus armas, comentando desde el curso de la
guerra, con la disolución de las “Brigadas Internacionales, a las
elecciones en Uruguay. Dada su mayor extensión, “El retablillo de
don Cristóbal” aparece más importante que las bombas, aviones,
cañones y ametralladoras que distraen de su acción.
Esta obra de García
Lorca, que al parecer conocemos expurgada de mayores crudezas por
el propio autor, no es el mejor fundamento de su gloria. En cuanto
a la visión de la guerra civil, “Lorca en las trincheras de
Madrid” reitera lugares comunes: todo está bien en Madrid. Los
breves textos asignados a los episodios de guerra aluden vagamente
a disensiones dentro de las filas republicanas; a más de ochenta
años, no hay reexamen de la historia, no se intenta una visión
original, no hay crítica en acción.
Conocíamos del autor
y codirector Adhemar Bianchi su vigorosa realización épica “El
fulgor argentino”, estrenada en 1998 en el galpón de Catalinas
Sur, en la Boca, Buenos Aires, todavía en cartel en 2017. “Lorca
en las trincheras de Madrid” es también multitudinaria y sucede
en medio de la guerra civil española, en Madrid y en 1937; pero
así como veíamos la historia de la Argentina en “El fulgor
Argentino” y vibrábamos con ella, se nos desdibuja aquí, en un
friso espectacular que padece todo el frío de los homenajes, la
heroica resistencia de Madrid. Algo de esta frialdad puede haber
sentido el autor de la pieza, que recurrió, en los últimos minutos
de “Lorca en las trincheras de Madrid” y para elevar la
temperatura de la platea, a la canción “El paso del Ebro” o
“Viva la XV Brigada” que oímos en “¡Ay, Carmela!”
En el elenco de “El
retablillo…” Dante Alfonso se luce en el papel de don Cristóbal.
LORCA
EN LAS TRINCHERAS DE MADRID, Adaptación de Adhemar Bianchi de “El
retablillo de Don Cristóbal”, de García Lorca. Directores, Adhemar
Bianchi y Ximena Bianchi. Ayudante de dirección, Claudio Lachowicz.
Directora musical, María José Bentancur. Con Marcos Acuña, Dante
Alfonso, Valeria Bauzá, Vladimir Bondiuk, Lucil Cáceres, Luciano
Chattón, Nahuel Delgado, Camila Durán, Francisco Esmoris, Luciana
González, Rafael Hernández, Tania Hernández, Soledad Lacassy,
Leonardo Lima, Clara Méndez, Federico Motta, Gianna Prenol,
Giuliano Rabino, Inés Rodríguez, Lucía Rossini, Leonardo Sosa,
Sofía Tardáguila y Rodrigo Tomé. Titiriteros en escena, Rodrigo
Abelenda, Tamara Couto. Escenografía de Andrés Guido. Vestuario de
Iván Arroqui. Iluminación de Rodrigo Novoa. Música de Paolo Grosso
y Gonzalo Varela. Diseño de títeres de Fernando Besozzi. Estreno
del 17 de marzo de 2018, teatro El Galpón.
 Jorge
Arias - (Uruguay)
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LA EXTRAVAGANCIA”
DE RAFAEL SPREGELBURD, EN ESPACIO TEATRO - RAFAEL EL TRAVIESO
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
“La
extravagancia” fue estrenada en Montevideo el 15 de octubre de
2000 con actuación de Susana Anselmi, dirección de Maria Dodera y
la presencia en la platea del mismo Rafael Spregelburd (Buenos
Aires, Argentina, 3 de abril de 1970). La faz de la pieza asoma
temible, pero es un monstruo de papel. Escribimos en “La
República” el 19 de octubre del mismo año:
“¿Qué pensar de esta
historia de tres hermanas gemelas, María Brujas, María Socorro y
María Axila, más una cuarta que murió sobre el parto, de las que
dos son legítimas y una adoptada, y donde las legítimas están
afectadas de un virus mortal trasmitido por una madre que agoniza?
Al lado de esta catástrofe triple o cuádruple, los desmayos de
Marguerite Gautier y las crisis nerviosas de su enamorado Armando
parecen sobrios documentales sobre la vida y la muerte en el siglo
XIX”.
Como era de prever,
ninguna de las hermanas sabe cuál de ellas es la adoptada: un
oportuno incendio colaboró con la intriga destruyendo los
documentos de estado civil que contestarían todas las preguntas; y
aquí termina nuestro conocimiento fidedigno de la trama, que en
parte se desarrolla en la escena, en parte en la pantalla de un
televisor que suele encenderse y apagarse solo, donde se ve a
María Axila y su programa de astrología y consejos. Socorro es
novelista de best sellers, María Brujas habla y consume
acetona. Aparece, también al teléfono, el padre, Armando, pero su
voz no se oye; la voz de la madre agonizante aparecerá en su
último momento y sólo alcanzará a un contestador.
Hemos leído que
Spregelburd elabora una “poética de la desintegración” con la
consiguiente “deconstrucción” del monólogo y la infaltable
alusión a la homóloga “familia disfuncional”. Nos imaginamos la
educada pero divertida sonrisa del autor, si llegó a leer estos
vuelos del pensamiento. Se divierte; no hay mucho más. Se
divierte cuando Inventa extraordinarias fantasías de la
conducta, cuando crea la “Heptalogía de Hyeronimus Bosch” con los
siete pecados capitales, se divierte con sus títulos caprichosos,
“La modestia”, “La estupidez”, “La terquedad”, “La paranoia”. Se
divirtió, superlativamente, con su cómica telenovela teatral, en
diez episodios, “Bizarra”, que dura unas once o doce horas en su
versión completa.
La prosa de
Spregelburd fluye con soltura y gracia; en particular hay allí una
delicada sensibilidad para la palabra, refinamiento del que se
habla, como al pasar, en “La extravagancia”. Ingenioso, prolífico
e inventivo, el autor abunda en giros inesperados, controlados
delirios y sensatas observaciones; aspira y logra el humor, un
humor nada ácido, leve y aéreo, intelectual y poco visible.
Domina con toda evidencia el idioma español, lo que no es
frecuente, además de varios otros; siempre es grato ver una obra
correctamente escrita por un hombre culto. Aparte de esto, que no
es poco, confesamos que no bien transcurren 24 horas de haber
dejado el teatro, nos es difícil recordar los argumentos de
Spregelburd, como si se nos evaporaran en la memoria..
La puesta en escena
de Daniel Romano, muy superior, por más comprensible y mejor
definida, que la del año 2000, tiene la necesaria agilidad y
rapidez que conviene al autor; no la vimos decidida por una sola
línea de interpretación. Por momentos el director pareció tomarse
en serio la obra, como si fuera un drama; por momentos se situó en
el plano que creemos propio de Spregelburd, el de la invención,
el sueño leve, libre y sin límites.
Un capítulo especial
merece Alicia Garateguy Tiene convicción y entusiasmo, mantiene
sin demasiado esfuerzo la atención del espectador e ilumina la
escena. Es posible que Spregelburd o la puesta, en escena hayan
definido a la protagonista como una mujer obsedida y hasta
exasperada, tesis para la que no faltan argumentos; no obstante,
encontramos a la actriz, siempre firme y comunicativa, un tanto
contraída en sus gestos y algo monocorde en su dicción, siempre
límpida y audible.
LA EXTRAVAGANCIA,
de Rafael Spregelburd, con actuación de Alicia Garateguy.
Escenografía y vestuario de Hugo Millán, luces de Lucía Tayler,
filmación de Pablo Alcántara, sonido de Álvaro Fiorito, dirección
de Daniel Romano. Estreno del 3 de febrero de 2018, teatro Espacio
Teatro.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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Pequeño Teatro de Medellín estrena El
solar de los mangos de Orlando Cajamarca
El Pequeño Teatro de Medellín estrenará la obra “EL SOLAR DE
LOS MANGOS” -Premio Latinoamericano de Dramaturgia George
Woodyard 2007- del dramaturgo Orlando Cajamarca, este montaje es
dirigido por Albeiro Pérez. Las funciones se iniciaron el 6 de
abril a las 7:30 p.m. en la
Sala Rodrigo Saldarriaga del Pequeño Teatro en Medellín.
Esta obra muestra un recorrido entre alegre y melancólico por el
pasado poético y la cruda realidad de una familia.
Sobre la obra:
La madre de Rosario y de Ana vuelve al solar de los mangos a
trasegar un pasado de sabores y sinsabores, un pasado tan dulce
como los árboles frutales que solía disfrutar y tan amargo como
las muertes violentas que ocurrieron en su familia. En su
recorrido entre alegre y melancólico por el lugar que la vio nacer
y crecer, rememora frutos de mil sabores, árboles multiformes y
músicas de cuerdas y de pájaros; evoca también a aquellos que
quizás murieron por no renunciar a su terruño. Y finalmente
recuerda a sus dos hijas que, aunque lejos, sabe que pronto se le
unirán en el lugar que ya no es y nunca será lo que fue antaño.
La obra es un breve resumen de muchas de las dolencias que han
afectado no solo al Valle del Cauca sino en general a Colombia en
los últimos 50 años: La pérdida de la tierra, el desplazamiento,
la migración, el narcotráfico, la trata de personas.
Paradójicamente, es también una especie de advertencia para
quienes creen que el mundo es mejor al otro lado del océano.
El desarraigo, aquel tema que durante los últimos ha ocupado las
más profundas reflexiones del actor, dramaturgo y director caleño
Orlando Cajamarca, le trajo a este creador el honor de ser el
primer colombiano ganador del II Premio Teatral George Woodyard de
Dramaturgia Latinoamericana. En sus palabras el premio “es una
aceptación de la dramaturgia colombiana en la academia
norteamericana y sintetiza el interés de esta escuela sobre el
quehacer teatral latinoamericano”.
Orlando Cajamarca Castro, es fundador, actor, director y
dramaturgo del Teatro Esquina Latina, de Cali, en 1973 en la
Universidad del Valle.
La temporada de estreno de “El solar de los mangos” se llevará a
cabo del 6 al 28 de abril
(martes a sábado) por elenco de “Pequeño Teatro” a las 7:30
p.m. en la Sala Rodrigo Saldarriaga del Pequeño Teatro de la
ciudad de Medellín.
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BUFÉ DE
YVONNE DENIS ROSARIO EN EL XL FESTIVAL DE TEATRO DEL ATENEO EN
PUERTO RICO
El XL Festival de Teatro del Ateneo (Puerto Rico) continúa,
desde, 12 de abril, su ciclo de estrenos con la adaptación para la
escena de la novela BUFÉ, de la aclamada novelista
puertorriqueña contemporánea Yvonne Denis Rosario.
El espectáculo es una adaptación escénica realizada y dirigida por
el dramaturgo puertorriqueño Roberto Ramos-Perea, del segundo
intertexto de la premiada novela homónima, que será llevada a
escena en una producción del Conservatorio de Arte Dramático en el
Teatro del Ateneo.
Muchos sospechan los mundos de corrupción e intrigas que se mueven
en la famosa “Milla de Oro” que es corazón económico de la ciudad
de San Juan. Un mundo donde los grandes bufetes de abogados ponen
precio a todo, hasta al alma humana. A este sórdido mundo llega la
joven abogada afropuertorriqueña Marina Algas. Llega llena de
ilusiones y hambrienta de pasiones y curiosidad. Carga como
herramientas las duras experiencias de su infancia y su
adolescencia en el Puerto Rico de los ochenta. Por su mirada a los
largos pasillos corporativos pasará el zoológico de ilustres
encorbatados que conspiran a sus espaldas, contra los que
reacciona antes de dejarse llevar por su madeja de mentiras. El
mundo descrito por Denis Rosario en su novela publicada en el año
2012, es uno donde la verdad tiene precio, donde las ambiciones,
el poder y la discriminación no tienen fronteras. Es un mundo de
caprichos y lujos donde lo único que puede salvarla es la pasión
por la verdad.
BUFÉ
cuenta con la protagonización de los actores Astrid Ayala como
Marina Algas, Israel Solla como Antulio Garza, y secundado por los
actores Javier Rivera Pastrana, Andrés López Sierra, Karla Malavé,
Mirnelis Flores, Josh Costales, Alexis Pedraza, Cybele Delgado,
entre una docena de actores, en una Producción Ejecutiva de
Caroline Vanessa Alicea y la Asistencia de Dirección de Bárbara
Guzmán.
La obra estará en funciones
desde el jueves 12 al
domingo al 22 de abril, por dos fines de semana, de jueves
a sábado a las 8:30 y domingos a las 4:30. Entrada libre sujeto al
cupo de la sala. No se recomienda para menos de edad. No se hacen
reservaciones.
Para mayor información debe llamar al Ateneo Puertorriqueño al
787-721-3877
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Joel Prieto inaugura el curso de la Ópera
Nacional de Chile
Mozart, uno de los
compositores que lideran la agenda de Joel Prieto, regresa a la
voz del afamado cantante
los días 16, 20, 23 y 26 de abril con una producción de la
segunda ópera de la trilogía Mozart/Da Ponte, Don Giovanni,
título con el que el Teatro Municipal de Santiago, sede de la
Ópera Nacional de Chile, levanta el telón de la temporada. Lo hará
en una puesta escena que firma Pierre Constant y con la dirección
musical de Attilio Cremonesi que intentará descubrir los secretos
que Mozart imaginó para su versión sobre el mito donjuanesco.
Junto a Joel Prieto en el papel de Don Ottavio cantarán Levent
Bakirci (Don Giovanni), Michelle Bradley (Donna Anna), Paulina
González (Donna Elvira), Edwin Crossley-Mercer (Leporello) y
Marcela González (Zerlina), entre otros.
Prieto debutó en
el Municipal de Santiago en 2009 con el Arlecchino de Pagliacci
volviendo en 2014 con La flauta mágica; afirma
encontrarse “encantado” con su regreso a Chile. “Tengo un
fantástico recuerdo de la labor que realizamos hace cuatro años en
el Municipal, un teatro en el que se trabaja maravillosamente y
estoy seguro de que el público lo pasará bien con este Don
Giovanni, lleno de frescura y sentido teatral”, apuntó.
Nacido en Madrid
(España), criado en Puerto Rico y formado en Nueva York, Joel
Prieto regresa a Santiago de Chile después de triunfar en el
Teatro Real madrileño como uno de los protagonistas de Street
Scene, de Kurt Weill, y de su vuelta a Puerto Rico para
clausurar el Festival Casals con el Requiem de Mozart junto
a la Sinfónica de Puerto Rico.
Tras el Don
Giovanni en Chile el ganador del concurso Operalia 2008 regresará
a la isla caribeña para ofrecer un concierto junto a la Coral de
niños de San Juan (mayo), volverá al Teatro Real madrileño para
interpretar una nueva tanda de funciones de Street Scene y
ofrecerá un recital en el Festival Málaga Clásica (España).
Más información:
http://joelprieto.com/
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PASO BAILANDO
TAMBIÉN SE MUERE EN OLD MUTUAL (BOGOTÁ)
“PASO”
Bailando también se muere. Coreografía dramática, un
espectáculo de teatro música y danza creado por
Alma de Tango y Mompa Producciones
en estreno desde el viernes 6 de abril 2018,
En el auditorio Old Mutual al norte de Bogotá.
Es un espectáculo que reune la danza, la música y el teatro en una
historia llena de fuerza y de pasión. La trama se desarrolla en
una sala de ensayos de un prestigioso coreógrafo, es en este
universo donde se encuentran el coreógrafo, una bailarina y un
músico que los acompaña con su piano y sus prolongados silencios.
La obra es toda una prueba de danza, vida y muerte. Los personajes
juegan en el filo de la vida y sus encuentros son explosiones de
amor, y desconcierto. Y como toda audición es exigente y
despiadada y en especial esta aún más, porque pretende crear una
nueva expresión en la danza para presentar en un importante
festival. Sesión
tras sesión la pareja se va moviendo a través de un laberinto de
relaciones y sentimientos encontrados que va desgastando poco a
poco la delicadeza y la ternura de la bailarina.
Elenco: Gina Medina(
Bailarina).German
Quintero (Actor
Coreógrafo).
Daniel López
(Músico al piano).
Matías Iván Van de Voorde
(Bailarín).
Funciones, los viernes
(hasta el 12
de mayo) a las 8:00 p.m. y sábados a las 6:00 p.m. (Avenida 19 #
109 A – 30 al norte de Bogotá.)
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SILVA PRODUCCIÓN TEATRO. MARZO, ABRIL 2018 -
BUENOS AIRES Y MADRID
CORONADO
DE GLORIA de
Mariano Cossa, dirección Daniel Marcove Viernes 2115 hs Teatro La
Comedia Entradas por Plateanet
UN JUDÍO COMÚN Y CORRIENTE Gerardo Romano – Dirección
Manuel González Gil Sábados 2030 hs Teatro Chacarerean –
Plateanet
LAS DESTRUCTORAS de Alfredo Megna dirección Matías Strafe
Sábados 21 hs Teatro El método Kairos – Entradas por Alternativa
teatral.com
2do FESTIVAL DE TEATRO y DISCAPACIDAD Abril – Mayo Teatro
El Tinglado
DORMIR EN EL AGUA de
Amancay Espindola, dirección Virginia Lombardo Domingos 20 hs
Teatro La Comedia
8vo FESTIVAL DEL AMOR 2019
– Recibimos material en julio y agosto-
A LA IZQUIERDA DEL ROBLE – Recordando s Mario
Benedetti
de Pacho O Donnell, con Ana María Piccio, músico
Sergio Vainikoff, dirección Daniel Marcove Agosto Teatro CC
Cooperación
En Madrid (España)
ALMAS GEMELAS de Eduardo Rovner – dirección
Diego Bergier – Teatro Estudio Madrid (España) – abril - mayo
Contacto Silva Producciones info@silva.com.ar
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TIEMPO DE FIESTA
DE HAROLD PINTER, EN EL TEATRO SOLÍS, SALA ZAVALA
MUNIZ - DANZA MACABRA
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Un
grupo de hombres y mujeres participa de una fiesta en un elegante
club deportivo Hay conversaciones triviales, como a propósito de
las toallas calientes de los barberos, que extraerían los puntos
negros de nuestras caras, entre Terry (Diego Arbelo) y Gavin
(Luis Martínez), otras son dramáticas, como el maltrato conyugal
de Terry a Dusty (Florencia Zabaleta), las hay cómicas como la
confesión de los frustrados deseos eróticos de Liz (Jimena Pérez)
y las divagaciones y fallidos coqueteos de Charlotte (Andrea
Davidovics) con Fred (Gabriel Hermano).Las hay de un dudoso
narcisismo familiar (Douglas, por Pablo Varrailhon y Liz), otras
son amenazadoras cuando, apretando los dientes, Douglas, que
posee una isla, habla de exigir de la autoridad mano de acero, ya
se sabe contra quiénes; hasta Melissa, (Isabel Legarra) que es
mayor, se deshace en elogios de la fiesta. Pero sucede que hay
helicópteros que zumban, tránsitos interrumpidos y disturbios;
cada tanto se oyen ruidos y los agonistas, por turno, aparecen
entre las sombras distorsionados y alcanzados por luces
relampagueantes; un personaje misterioso, Jimmy, por quien
pregunta con insistencia su hermana Dusty, aparece en la última
escena y, puesto que se alimenta de sombra, está muerto. La
invocada alegría de la fiesta, en la que nadie cree, se hace
visible. Es una danza macabra con personajes aún vivos; que se
dicen seguros y se evidencian débiles y patéticos.
El tema no es nuevo:
juguetes, vino, mujeres, canto y cocaína. El hombre, mal
conductor de la realidad, huye de un mundo que ya no soporta,
vuelve al cuarto de los niños. Es la orquesta del “Titanic” que
toca mientras el barco se hunde, son los actores de “Neva” de
Guillermo Calderón que ensayan en vano “El jardín de los cerezos”
en el San Petersburgo de 1905 hasta que uno de ellos se rebela
contra el teatro. La escritura de Pinter, como de costumbre es
directa y concisa y admite bien las repeticiones que son su marca
y muestran el habla devaluada a ruido.
En manos de la
directora Ana Pañella la pieza mantiene casi intacto el
dialogado, pero faltó más Pinter. Nos referimos a más impacto, más
dolor, mejor gradación de atmósferas, quizás un mejor contrapunto
entre las diversas melodías. Falta, entre otros, un personaje,
Pamela, que dice
“…es una
fruslería andarse con rodeos. Hay que ir al grano. ¿Qué es lo
importante? ¿Qué cosas merecen la pena? Esa es la pregunta.¿ Qué
valores hemos decidido preservar y por qué?” Sin ese sentido
general, suficientemente acentuado, mediante un golpe emocional
que la redondee, la pieza parece incomprensible. En particular el
final debe decir algo más que la aparición espectral de Jimmy,
escena que debió simbolizar la muerte en vida, nada distinta de su
muerte real, que lo ha rodeado.
En la actuación de un
elenco que cuenta con los mejores actores de nuestro medio,
Jimena Pérez (Liz) se lució especialmente.
TIEMPO DE
FIESTA, de Harold Pinter, en traducción de Carlos Fuentes, por
la Comedia Nacional Con Diego Arbelo, Luis Martínez, Florencia
Zabaleta, Isabel Legarra, Jimena Pérez, Andrea Davidovics, Gabriel
Hermano, Pablo Varrailhon, Luis Pazos y Federico Zaspe.
Escenografía de Osvaldo Reyno, iluminación de Lucía Acuña, sonido
de Federico Moreira, dirección de Ana Pañella. Estreno del 10 de
marzo de 2018, Teatro Solís, sala Zavala Muniz.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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RINOCERONTES
DE IONESCO, POR LA COMEDIA NACIONAL, EN EL TEATRO SOLÍS - LOS
RINOCERONTES SON CONTAGIOSOS
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Reponer
“Rinocerontes”, una obra que tuvo un éxito de público y crítica
como pocas, demuestra, paradójica y exactamente, la “tesis” de la
pieza. Sus admiradores, de ayer y de hoy, se han dejado llevar por
una ola de admiración tan ingenua que en la actualidad, a casi
sesenta años de su estreno, la pieza ha concluido por clavarse
su aguijón. Hay algo rinoceronte en la aceptación de
“Rinocerontes” tal cual; una versión musical, como en “La visita
de la vieja dama” de Dürrenmatt o una secuela critica, como en “Lo
que pasó cuando Nora dejo a su marido” sobre Ibsen, de Elfride
Jellinek, serían más frescas y mejores. Hay otros casos a
enjuiciar de innobles emociones colectivas y los admiradores de
Ionesco podrían intentar la sátira sobre públicos pasivos de hoy,
como el de los conciertos de rock, la plaza de Mayo de Buenos
Aires cuando la toma de las islas Falkland por la dictadura
militar argentina, las multitudes que aclaman al Papa, las
reuniones evangélicas a lo Jimmy Swaggart o “Pare de sufrir”,
nuestro “Teatro de Verano” con la apoteosis de la murga, el
público carnaval con las “Llamadas” y su meretricia exhibición de
carne femenina.
La obra comienza con
una cháchara general en un café, con su personal y parroquianos;
aparece, se le oye y algunos lo ven, un rinoceronte, luego otro,
uno africano, el otro asiático; la concurrencia absorbe la
sorpresa con nueva cháchara y aparece una desafortunada parodia de
la lógica. Pronto adivinamos toda la acción: toleraremos,
aceptaremos, amaremos, seremos rinocerontes. Al fin, el acorralado
protagonista, Bérenger (Fernando Dianesi), un burócrata borracho
abandonado hasta por su amor, Daisy (Stephanie Neukirch), empuñará
la bandera de la libertad y, en una escena que creemos inspirada,
no sólo en el cuadro de Delacroix “La libertad guiando al
pueblo”, que integra la escenografía para ser destruido por los
rinocerontes, sino también en la última escena de “Calígula” de
Albert Camus, nos ofrece un lugar común “humanista”.
La puesta en escena
de Álvaro Ahunchain transcribe con fidelidad el texto de Ionesco,
con algunos agregados que vienen directamente de la página
editorial de “El País” donde escribe el mismo Ahunchain. Oímos el
mensaje del director: tanto respecto de la llamada “ideología de
género” como del marxismo (?) al estilo cubano – venezolano -
ecuatoriano – boliviano: cualquier poder genera manadas de
rinocerontes; también las ha generado la divinización de los
”mercados”, la reducción de la vida a la “economía”, la sumisión,
parecida a la reverencia de los teólogos ante el “derecho
divino de los reyes”, del máximo rinoceronte de nuestros días, el
capitalismo. De acuerdo; pero no se necesitaban estos pesados
“Rinocerontes” para rechazar los catecismos y defendernos del
poder.
Fernando Dianesi
cumple su papel a la perfección, con múltiples recursos de dicción
y gesto; hay una gracia especial en Leandro Ibero Núñez, en el
papel de un desatinado filósofo.
RINOCERONTES, de
Eugène Ionesco, por la Comedia Nacional, con Fernando Dianesi,
Levón, Stefanie Neukirch, Andrés Papaleo, Cristina Machado,
Claudia Rossi, Natalia Chiarelli, Fabricio Galbiati, Juan Antonio
Saraví y Leandro Ibero Núñez. Escenografía de Beatriz Arteaga,
iluminación de Ignacio Tenuta, vestuario de Ana Arrospide,
música de Carlos García, versión y dirección de Álvaro Ahunchain.
Estreno del 3 de febrero de 2018, teatro Solis.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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LA
FIACA, DE
RICARDO TALESNIK, EN EL TEATRO DEL NOTARIADO - RELIQUIAS DE
ANTAÑO
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Muy
pocas obras tuvieron el éxito de “La fiaca”, de Ricardo Talesnik
(Buenos Aires, 25 de diciembre de
1935).
“La fiaca”, cuyo título es un argentinismo por “pereza” o “acedia”,
fue estrenada en 1967 en Buenos Aires, reestrenada en Madrid en
1969 con dirección de Fernando Fernán Gómez, llevada al cine con
Norman Briski y Norma Aleandro, traducida a varios idiomas y
representada en varios países. La palabra, que frecuentó el habla
coloquial durante algunos años, pasó de moda: todo fue una
gigantesca burbuja que cubrió el horizonte y no dejó ver cuán
poca sustancia quedaba y cuánto viento la insuflaba. “La fiaca”
rozó, para su felicidad, muchos temas y muchos personajes: el
protagonista, Néstor Vignale, tenía algo del Eduardo de ”En
familia” de Florencio Sánchez, algo del “Bartleby” de Melville,
quizás un poco del “Wakefield” de Hawthorne; cosechó un brillo
reflejo del “teatro del absurdo”, de moda cuando su estreno. La
negativa a trabajar sonaba a rebelión, a salirse del “sistema”, a
rechazo del mundo del trabajo esclavizado y del capitalismo; era
el auge de hippies y beatniks, Timothy Leary y el ácido lisérgico,
Jack Kerouac y “Los vagabundos del Dharma”, Huxley y la
mescalina, Suzuki y el budismo Zen, Janis Joplin y Woodstock. Debe
ser posible y aún de interés sociológico determinar las causas de
su extraordinario éxito; pero confesamos que la sola idea de
ahondar en el vacío de las modas nos produce fiaca.
La puesta en escena
de Eduardo Virells, que ha tenido una destacada actuación en
nuestro teatro, es convencional: creeríamos estar, efectivamente,
hace cincuenta años. “La fiaca” desde la escenografía al estilo
de actuación es una antigualla.
LA FIACA, de
Ricardo Talesnik, con Kairo Herrera, Alessandra Moncalvo, Teresa
González, Nacho Duarte y Luis Lage. Iluminación de Rosina Daguerre,
escenografía de Rubén Rodríguez, selección musical, selección de
vestuario y dirección de Eduardo Virells. Estreno del 24 de enero
de 2018 en Teatro del Notariado.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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TU CUNA
FUE UN CONVENTILLO
DE ALBERTO VACAREZZA, EN EL TEATRO SOLÍS. -
INMARCESIBLE VACAREZZA
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Extraña
lozanía la de Alberto Vacarezza (Buenos Aires,
1 de abril
de
1886
-
6 de agosto
de
1959).
No la tiene su coetáneo José González Castillo, quizás más hondo y
con más sentido social, pero que a veces suena forzado, ni la
tienen sus amigos desde la infancia, y también dramaturgos,
Federico Mertens y Armando Discépolo. La gracia de Mertens, muy
real aún hoy, parece anclada en un pasado apenas recuperable;
Discépolo se perjudica por una ambición inasistida que, sin
embargo, la posteridad aceptó hasta como buena moneda. Los
diálogos de Vacarezza fluyen con única soltura; cuando versifica,
es natural y directo; sus personajes, no bien los nombra, tienen
vida, sangre y color; caminan, aman, sufren.
“Tu cuna fue un
conventillo” es casi una demostración de las impares facultades de
Vacarezza. Casi no hay argumento, pero también parece haber
demasiados; los personajes entran, se buscan, se desafían, se
reprochan se reencuentran, discuten, cantan; todo es ágil y
rápido; nada parece superficial. Al fin no ha pasado nada, la
familia criolla, el italiano, los españoles, la muchacha que dio
el mal paso, la que no lo dio, el ex convicto, siguen firmes en
sus trece, y para todos, justos y pecadores, tiene el autor un
gesto de cariño, auténtica comprensión.
La adaptación de José
María Novo, a cuyo cargo estuvo también la bien movida y medida
puesta en escena, es libre, y todo en la obra original invitaba a
ello. Con esto decimos que no importa demasiado la anécdota, lo
que es claro en el texto de Vacarezza, que parece hecho a vuela
pluma; importa la atmósfera, la exuberante vitalidad del
conventillo, firme y presente en la versión de Novo. Se ha dado
particular realce al tango, lo que rima muy bien con Vacarezza,
que fue letrista de Carlos Gardel y que incluyó en “Tu cuna fue un
conventillo” un gracioso fragmento en verso que podríamos llamar
la “apología del tango”. La canción popular, bien interpretada por
Nelson Pino, tiene un asidero social que aparece en la primera
escena no bien Sarita Natalia Melonio comienza a cantar, con fe,
“Acquaforte” de Pettorossi y Marambio Catán, tango que no figura
en el original de Vacarezza: estamos en un país auténtico y nada
importa su alevosa vulgaridad. Oímos “Un
viejo verde que gasta su dinero/ emborrachando a Lulú con el
champán/ hoy le negó el aumento a un pobre obrero/ que le pidió
un pedazo más de pan/…/ Y pienso en la vida/ las madres que
sufren/ .los hijos que vagan/ sin techo ni pan/ vendiendo “La
Prensa” / ganando dos guitas/ qué triste es todo esto/
quisiera llorar” y allí, en la sala principal del teatro
Solís, se abrió una ventana a la calle, entró aire y el público
lo reconoció y respiró hondo.
Este hálito de vida
aparece apoyado por los no menos de treinta personajes; y si no
hubiera otros méritos, alcanzaría con la electricidad y dinámica
que da el número. El conventillo es un mundo, y bulle de
sentimiento, de pasión y, probablemente, de muerte. En la
actuación destacaremos, como siempre que aparece en escena, a Luis
Lage, muy preciso en el acento, sobrio y medido de Don Antonio,
el italiano inmigrante ya patrón de la cancha; y siempre es bueno
ver en escena, como la activa “Prudencia”, a la encantadora
Cristina Morán, no menos fresca que “Tu cuna fue un conventillo”.
en sus 87 años.
TU CUNA FUE UN
CONVENTILLO, de Alberto Vacarezza, versión de José Mª. Novo, por
El Tinglado. Con Sarita Natalia Melonio, Lucía Acuña, Alvaro
Hagopián, Gustavo Imperial, Iahara Stolarsky, Rodrigo Fleitas,
Laura Echegoyen, Nelson Pino, Natalia Bolani, Gabriel Sánchez,
Luciano Gallardo, Leonardo Franco, Washington Sassi, Luis Lage,
Jorge Temponi, Ángel Carballedas, Camila Cayota, Carina Méndez,
Cintia Caballero, Cristina Morán, Nicolás Pereira, Leonardo
Gallardi y Anthony Méndez. Escenografía de Hugo Fernández,
Iluminación de Martín Blanchet, vestuario de Nelson Mancebo,
coreografía de Imperial, Stolarsky, Fleitas y Echegoyen, dirección
musical y arreglos de Luciano Gallardo, arreglos vocales de Lucia
Acuña, dirección general de José Ma. Novo. Estreno del 8 de
octubre de 2016 en el teatro El Tinglado, Reestreno del 2 de
febrero de 2018, teatro Solís.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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APENAS EL
FIN DEL MUNDO
DE JEAN – LUC LAGARCE, EN EL TEATRO SOLÍS SALA ZAVALA MUNIZ - EL
REQUIEM DE LAGARCE
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Como
en “Music hall”, también de Lagarce, estrenada con dirección de
Diego Arbelo, en 2011, teatro Circular, donde una proyectada
canción no empieza nunca, el protagonista de “Apenas el fin del
mundo”, que regresa al hogar para informar a su familia de su
próxima muerte, nunca puede hablar sobre su gran tema.
Las dos puestas en
escena de Diego Arbelo modificaron los originales de Lagarce.
“Music hall” se transformó en un espectáculo musical donde
Bettina Mondino cantaba, y muy bien, pero a pesar y en contra del
libreto original; en “Apenas el fin del mundo” lo que cambia y se
desdibuja, hasta el punto de que casi no lo percibimos, es el
evidente propósito de la pieza.
La pieza fue escrita
por Lagarce en Berlín, en 1990 cuando ya sabía que iba a morir de
sida; toda ella respira el grave temor de la muerte; pero un
temor de la muerte que no es comunicable. Todos los personajes
hablan sin parar, pero no hay contacto y el protagonista Luis
(Mauricio Chiesa) siente que su soledad, lejos de atenuarse con el
regreso a su familia, no hace más que crecer. En esta angustiosa
tensión entre lo que quiere trasmitirse y la muralla de palabras
que momento a momento bloquea la comunicación, está la
originalidad de esta obra patética.
No hay una particular
distinción ni elegancia en el vulgar sentimiento del temor a la
muerte (“…ese frívolo acto de morirse”, como escribió Marcel
Proust) y se aprecia a la obra, a partir de los sentimiento de
Lagarce, como su “Réquiem”. Este opresivo clima, un tanto fúnebre
y un tanto religioso, era muy nítido en la puesta en escena del
colombiano Manuel Orjuela que vimos en el Festival Internacional
de Teatro de Porto Alegre en el año 2009.
Dada cierta
indefinición, seguramente deliberada, del texto de Lagarce, que
carece, como de costumbre en el autor, de acotaciones, debe
admitirse más de una idea para la puesta en escena; pero lo que
no resulta eficaz es la yuxtaposición de momentos que
llamaríamos serios, con momentos de comedia y casi de sainete,
particularmente en los monólogos a cargo del buen actor que es
Fernando Amaral. Ambos climas no llegan a fundirse y se
experimenta una sensación híbrida, que no tiene ni los méritos
graves de la tragedia ni los agrados de la comedia.
APENAS EL FIN DEL
MUNDO, de Jean Luc Lagarce, con Mauricio Chiesa, Fernando Amaral,
Bettina Mondino, Camila Sanson y Mariela Maggioli. Escenografía
y vestuario de Gerardo Egea, iluminación de Ivana Domínguez,
dirección de Diego Arbelo. Estreno del 2 de febrero de 2018,
teatro Solís, sala Zavala Muniz.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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LA INCAPAZ
DE CARLOS MARÍA DOMÍNGUEZ, EN EL TEATRO CIRCULAR -
HISTORIAS TRISTES DE LA CLASE ALTA
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
La
gacetilla de prensa de “La incapaz” presenta una historia
triste, casi de terror, basada, según su decir, en una novela
de Carlos María Domínguez “El bastardo” sobre Roberto de las
Carreras (Montevideo, 1873-1963) y su
madre, Clara García de Zúñiga
(Montevideo,
1845-1896).
Clara es casada contra su voluntad (?) por razones de economía
familiar, a los 14años, padeció violencia de sus padres y de su
marido, José María Zuviría. Heredera de una fortuna, es declarada
incapaz, privada de sus bienes y separada de sus hijos mediante un
proceso judicial fraudulento, apoyado por el presidente de la
Argentina, Bartolomé Mitre) y el de Uruguay, Lorenzo Latorre.
En primer lugar debe
decirse que “El bastardo” no es una “novela” sino una
investigación histórica encargada por la editorial “Calicanto” a
Carlos María Domínguez, quien consultó una nutrida bibliografía,
documentos inéditos y el proceso judicial de incapacidad de
Clara, existente en el Archivo General de la Nación del Uruguay.
Es posible que algunos diálogos de “El bastardo” sean
reconstrucciones conjeturales; pero el autor no pretende la
transcripción literal y sigue con esmero las líneas que proponen
los documentos.
El lector puede
admirar el buen trabajo de investigación de Domínguez, pero le
será difícil compartir las apasionadas afirmaciones con que
desacredita a todos los médicos que intervinieron en la
declaración de incapacidad de Clara García de Zúñiga: “…(el)
esfuerzo de una sociedad de médicos intelectuales” (sic)
“empeñados en atrapar las vidas de Clara y Roberto en la
cadena” (sic) “ de una lógica que se disuelve en la sangre”(?).
“En ninguno de estos discursos asoman los conflictos reales que
padecieron…Nadie los enfermó. Nadie los volvió locos. Fue la
sangre, aseguran…” (pag. 462). En otras palabras, una conjura
social y plural los enloqueció; no obstante, el mismo prolijo
detalle con que Domínguez cumplió el encargo de la editorial, su
mismo libro, donde la locura de Clara García de Zúñiga está más
allá de cualquier discusión, hace ver a su epílogo como una
arriesgada teoría que vincula la demencia de sus personajes con
una siniestra conspiración, hipótesis expuesta sin más apoyo que
frases altisonantes.
Como un subproducto
de “El bastardo”, el mismo Carlos María Domínguez escribió el
libreto de “La incapaz”, que con dirección de Armando Halty y
actuación de Elisa Contreras se estrenó en el teatro de la
Gaviota en enero de 1998. El juicio que nos mereció (“La
República, 31 de enero de 1998) puede, reproducido tal cual,
valer para esta puesta en escena de Cecilia Baranda, con
actuación de Denise Daragnès, en el teatro Circular:
“…la elaboración
de “La incapaz” es insuficiente. El episodio pudo servir a
varios temas, pero debió tener uno. Tal vez Zola hubiera elegido
la locura hereditaria…Ibsen la lucha por salir del altillo de las
muñecas, Flaubert la demostración de la tontería humana y del
daño que causa el exceso de lecturas, producto del ocio. Domínguez
permanece deliberadamente en lo anecdótico como hilo conductor…
(una) estampa de época como único efecto, pero …las anécdotas
son muy pocas…toda la acción está suplantada por la narrativa”.
La puesta en escena
de hoy viene bajo las banderas del actual feminismo y su lucha
por la igualdad fincada en la desaparición de las diferencias de
género, que serían una “construcción” social arbitraria; pero no
nos convence que las triviales “libertades”, a lo Emma Bovary, de
una mujer acaudalada de nuestro siglo XIX puedan integrar un
discurso válido sobre el tema, en particular teniendo en cuenta
que simultáneamente con sus poblados ocios existieron, amaron y
sufrieron las misérrimas trabajadoras a domicilio de las que se
ocupó Florencio Sánchez en “La pobre gente” y aún, en “Marta
Gruni”, de las mujeres de pueblo en general, de cuyos amores,
adulterios, embarazos, abortos, tifus y crímenes no hay registro;
diferencias de clase que este curioso interés de la pequeña
burguesía por las frivolidades de las clases altas tiende a
ocultar. Hay mucho más feminismo, y más auténtico, tanto en
“Los muertos” de Florencio Sánchez (1905) como en “La hija de
Iorio” de D’Annunzio (1904).
En la versión actual
no hay nada nuevo y Denise Daragnès, cuyas aptitudes son
sobresalientes, hace lo mejor que puede con un personaje que
sólo alude a los acontecimientos de su vida, entre
interjecciones, sacudidas e incómodas risotadas.
LA INCAPAZ, de
Carlos María Domínguez, con Denise Daragnès. Escenografía y
vestuario de Paula Villalba, luces de Martín Blanchet, dirección
de Cecilia Baranda. Estreno del 12 de enero 2018, teatro
Circular.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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RÉPARER LES VIVANTS DE MAYLIS DE
KERANGAL, EN LA SALA VERDI - NUEVAS
AVENTURAS DEL CORAZÓN HUMANO
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Esta adaptación
por Emmanuel Noblet de la novela de Maylis de Kerangal (Toulon,
Francia, 16 de junio de 1967) nos puso en contacto con una
escritora muy fuera de lo común. Kerangal tiene estilo, muy
personal, y, con toda evidencia, conquistado luego de una larga
trayectoria sobre el alma y el idioma. No nos es fácil definirlo:
acuden al teclado los primeros términos, como elegante, rítmico,
poético, sugerente; es todo eso, pero luego debemos decir de su
prosa que tiene algo de oratorio, de palabra solemne; que su
devoción hipnótica por la realidad corre pareja con su trato
íntimo con la fantasía y las metáforas. Su sentido extrasensorial
del hechizo del mar, cargado de presagios, y la magia de sus
espléndidos horizontes, nos trajeron a la memoria el movimiento,
como del océano, en marcha o al acecho, de algunos poemas de
Saint – John Perse.
Luego de una exitosa sesión de
surf al romper el día, con sus amigos Christopher Alba y Johan
Rocher, Simón Limbers, de 19 años. fallece víctima de un accidente
de tránsito. Su corazón, que parece sobrevivirlo, puede,
trasplantado, reparar la vida de una mujer. En el punto, Kerangal
enriquece su novela con buenos planteos sobre los temas éticos
involucrados en el trasplante, el trato con los familiares, las
decisiones difíciles, el sentido profesional, el silencioso
heroísmo y, nuevamente, un conocimiento en profundidad de la
técnica del trasplante, no menos firme que sus conocimientos de
las emociones del surf; hay, aún, una delicada alusión a los
temas que llamaríamos metafísicos y que el trasplante de un
órgano como el corazón no puede sino suscitar.
La puesta en escena va a lo
esencial, en línea con el estilo terso y preciso de la autora. El
actor Thomas Germaine, que se siente muy cómodo y suelto en la
escena, dice todo, sin exagerar lo que podrían ser diversas
caracterizaciones. El poderoso ritmo de la novela está conservado,
y nada mejor podemos decir.
RÉPARER LES
VIVANTS, adaptación y puesta en escena de Emmanuel Noblet, sobre
novela de Maylis de Kerangal, con actuación de Thomas Germaine.
Colaboración en puesta en escena y dirección actoral de Benjamin
Guillard, producción del Centro Dramático Nacional de Rouen
Normandie. Estreno del 30 de enero de 2018, sala Verdi.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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INESTABLE DE
ANDRÉS CAMINOS Y GADIEL SZTRYK, EN LA SALA VERDI - TEATRO
MERCURIAL
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Andrés
Caminos y Gadiel Sztryk son dos jóvenes actores argentinos que
comenzaron sus carreras, aún adolescentes, con esquicios en bares
de Buenos Aires y pasillos de la Universidad Nacional del Arte;
surgieron a la plena luz pública con “Sutottos”, una palabra
inventada, en el año 2005. “Inestable”, con su pulcro y poco
visible acabado, tiene aún algo de unión de episodios y
fragmentos.
Los autores y actores
se han centrado en distorsiones benignas de la conducta, como
miedos y obsesiones. Sus dos personajes son parejamente
neuróticos, pero no enfermos psiquiátricos; tienen la simpatía
del espectador, que suele ver en ellos manías y fobias propias
pero marcan distancia, porque, más allá del apunte, han levantado
vuelo y han aterrizado, con equilibrio y compostura, en pleno
territorio del absurdo. A los pocos segundos de comenzar, con un
patético y breve monólogo de Caminos sobre los temores que les
impedirán ofrecer la misma obra que presenciamos, la escena
conquista a la platea. Los actores se desarman, hablan defectuosa
pero controladamente, gesticulan de más pero con precisión,
abundan en cómicos tics y en buenos recursos expresivos. Tienen
tacto en su relación con el público: abrevian, compendian, suelen
ser originales, siempre son comunicativos y paradojales. Su
comicidad propia les ha permitido omitir los lugares comunes de
los teatros de comedia de Buenos Aires.
Es un arte difícil,
refinado y menor. Fue inevitable pensar que Caminos y Sztryk están
para más y mejor, que sus condiciones histriónicas e
intelectuales pueden servir a más ambiciosas realizaciones. Pero
ellos conocen, mejor que nadie, sus horizontes, sus límites y el
camino a seguir.
INESTABLE, por la Compañía Sutottos, dramaturgia, dirección y
actuación de Andrés Caminos y Gadiel Sztryk. Escenografía e
iluminación de Fernando Dopazo y vestuario de Ana Cristina
Morales. Escenografía e iluminación de Fernando Dopazo y vestuario
de Ana Cristina Morales. Estreno del 17 de enero de 2018, sala
Verdi.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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NIÑO EXPÓSITOS,
DE RAFAEL BRUZA, EN EL TEATRO CIRCULAR - EL
HUMOR EN LA SACRISTÍA
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Nadie
reprochará al dramaturgo argentino contemporáneo Rafael Bruza
exceso de ambición; debe acreditársele, en cambio, una
sorprendente y tranquila originalidad. Encontramos en su texto
algo de la lúcida ternura de Arniches, en particular en “El padre
Pitillo”, también sobre eclesiásticos; hay la misma visión,
equilibrada pero no indiferente, de la vida en religión, en este
caso la de dos ex monaguillos (Eustaquio, por Carlos Rodríguez y
Heriberto, por Félix Correa), también ex niños expósitos y hoy
quincuagenarios, recogidos y criados en la parroquia de Santa
Eludiges por el párroco, en la actualidad el senil y resistente
padre Roberto.
El tacto del autor es
exquisito. En un tema que en cualquier otra mano resultaría
insulso y gris, Bruza encuentra sal y color. Sabe, al detalle de
sacristanes, de sacerdotes, de feligreses y sus entretelones, de
vísperas y maitines; tal vez no cree, pero comprende; sus
agonistas lanzan, como al azar, algunos dardos sobre la Iglesia
Católica, pero las puntas no tienen veneno; al autor le interesa
más la humanidad del religioso que el catecismo y los dogmas;
acecha los raptos de sinceridad de los personajes y se olvida del
rosario; la vida espiritual aparece transparente, humana,
prosaica. También se muestran en “Niños expósitos” los aspectos
más terrestres de nuestras vidas, como la marrullería de Eustaquio
y el patético impulso de amor que siente Heriberto por la
feligresa María Schmidtalter, que será seducida, en el penúltimo
cuadro, por un pastor evangélico.
En un escenario
elegante y corpóreo (Alicia Lores y Eduardo Cervieri), el
director Eduardo Cervieri mueve la acción con el ritmo, un
tanto intemporal pero no menos real de las sacristías; en
especial acierta en el tono de suave humor que quiere la pieza. La
interpretación de Carlos Rodríguez y Félix Correa, ambos con una
difícil composición física, está a la altura de los buenos
momentos de estos dos excelentes actores.
NIÑOS EXPÓSITOS, de Rafael Bruza, con Carlos Rodríguez y Félix
Correa. Escenografía de Alicia Lores y Eduardo Cervieri, vestuario
de Alicia Lores, banda sonora de Rafael Hofstadter, luces de Pablo
Caballero, dirección de Eduardo Cervieri, estreno del 13 de enero
de 2018, teatro Circular.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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LA
SUPLENTE, DE
MARIANO MORO, EN LA SALA VERDI - PAYASO FEMENINO
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
El autor presenta
a la solterona profesora de literatura, Azucena Marchitte (María
Rosa Frega), a punto de dar una clase como suplente de la
profesora Josefa Urrutia; no bien empieza a hablar, difama
abiertamente a la titular, tanto en lo docente como en las
intimidades de su vida privada. Comprendemos de inmediato que
Azucena, mezquina e insignificante, no es ni será una profesora
suplente de carne y hueso, humilde pero viable, sino un fantoche.
Lo que sigue a la presentación y primeras
acotaciones sobre vida y milagros de Josefa Urrutia es una
sucesión de escenas desmadejadas que avanzan, como es forzoso
cuando no hay una idea consistente, hacia el circo y los payasos.
El autor (Mariano Moro) se empeña, además, en redactar parte del
libreto en verso; el resultado es la previsible penuria de
rimas e ideas, que con toda injusticia el autor quiere atribuir
a Azucena. Como ejemplo del arte poético de “La suplente”
reproducimos este terceto: “si es hirsuto /y viste de luto/ es
puto”. Como se ve, todo se prepara para rematar
vigorosamente con “puto”, ya que ni los pelos ni el color negro
denotan, que sepamos, a los hijos de Sodoma. Siguen muchas
otras estrofas con el mismo pie forzado de la rima en “uto” y en
general, una procesión homofóbica de chistes arcaicos a costa de
los homosexuales.
Las alusiones del texto en el terreno de la
literatura son adocenadas; y no vale decir que la protagonista
lo es, porque ahí está Flaubert para demostrar cómo se puede
escribir una obra maestra con dos imbéciles como héroes, “Bouvard
y Pecuchet”. De Quevedo “Azucena” recuerda el soneto que
comienza con “Erase un hombre a una nariz pegado…”; de Juana
Inés de la Cruz “Hombres necios…”. “Salomé”, de Oscar Wilde,
además de incluir algunas previsibles referencias a la
homosexualidad del autor, le sirve a Azucena para zangolotear
lúbricamente con la cabeza del Bautista. Hacia el final el autor
abre los todos diques de la grosería y no hay interjección
malsonante e inútil que no quepa en su obra.
Si comparamos esta pieza con las recientes
“Nuestras mujeres” de Eric Assous (dirección de Mario Morgan) y
“Othelo” de Chamé Buendia, hallamos que parecen escritas por el
mismo autor, posiblemente por alguien similar a “Azucena
Marchitte”. Hay la misma descarada vulgaridad, el mismo lenguaje
sucio y a la vez incoloro, la misma busca de la risa fácil, el
mismo desprecio por el arte.
La actriz María Rosa Frega, que interpreta la
pieza con gran éxito desde hace dieciséis años, tiene escaso
aplomo, demérito que no se debe del todo a la estulticia del
personaje y un repertorio muy limitado de gestos e inflexiones.
LA
SUPLENTE, texto y dirección de Mariano Moro, actuación de María
Rosa Frega, escenografía y vestuario de “Los del verso”. Estreno
del 24 de enero de 2018, sala Verdi.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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OTHELO
DE SHAKESPEARE
EN EL TEATRO EL GALPÓN, SALA CÉSAR CAMPODÓNICO
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Hay proyectos
difíciles: este “Othelo” figura entre los imposibles. Lo que tal
vez comenzó como entrenamiento actoral, improvisaciones estilo
“clown” sobre el “Othello” de Shakespeare, creció y tentó al
director Gabriel Chamé Buendía (Buenos Aires, Argentina,
21 de abril de 1961) con la idea
de una creación colectiva, una obra entera, primero de 100
minutos y hoy de unas dos horas de duración, con tendencia a
crecer. El autor y director sigue con patética fidelidad al texto
original; pero la tragedia de Shakespeare no rima con el arte del
circo y la vemos pasar, distante, misteriosa aún, como el ómnibus
que no se detuvo a esperarnos y no nos pertenece; no hay
verdadero contacto, no hay una auténtica “adaptación” que
modifique la pieza en algún sentido. Chamé Buendía salpica el
texto de Shakespeare con agregados, apartes, chistes, aspavientos,
visajes por decenas, bromas de entre casa, gags, payasadas y
groserías; los actores entran y salen de unos cubos y hasta se
visten con ellos, despliegan sombrillas, escupen cintas de
colores: son aderezos, bordados, caireles, no elaboraciones, todo
prendido con alfileres. Era posible, y más interesante, una
parodia crítica de Shakespeare, que implicaría asumir su estilo,
competir con él y enjuiciarlo entre líneas. En este “Othelo” no
se revisa al clásico y se le trata con más temor reverencial del
que podía esperarse. Shakespeare por un lado, en su reino,
nosotros por este otro.
Los hallazgos, siempre laterales, de Chamé
Buendía son, por lo menos, discutibles. Por ejemplo, creemos que
la falta de buenas ideas lo inclina a pobres juegos de palabras.
Se nos informa que alguien está “abatido” y se agrega, con el
gesto de batir un huevo, que “ha batido”; se resuelve que
Desdémona está “de moño” para acotar que es un “demonio”; se le
dice que en el lugar adonde se dirige la van a “acoger”, tosco
juego con el afligente sentido rioplatense del vocablo “coger”
(tener relaciones sexuales; “follar”, en el español europeo); se
califica a la víctima de “pura” para agregar que “cambió la “t”
por una “r”. Obviamente, Chamé Buendía consigue risas, que vienen
desde lo más grueso de sus espectadores. Risas epidérmicas,
cosquillas potenciadas.
OTHELO, de Shakespeare, adaptación de Gabriel Chamé Buendía, con
Matías Bassi, Elvira Gómez, Gabriel Beck y Martín López Carzolio.
Escenografía y luz de Jorge Pastorino, música de Sebastián Furman,
vestuario de Gabriel Chamé Buendía, iluminación de David Seiras,
dirección de Gabriel Chamé Buendía. Esta pieza se estrenó, con
otro elenco, el 3 de mayo de 2015 en la Sala Verdi, restreno
del 20 de enero 2018, teatro El Galpón.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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OPERACIÓN CÓNDOR, EL VUELO DE LAURA
DE LILIANA GARCÍA SOSA, EN EL
TEATRO EL GALPÓN.- CAZA MENOR
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Se
apagan las luces. Aparece una actriz que llega desde el hall de
entrada y avanza hacia la escena. Porta una poderosa linterna con
que deslumbra a algunos espectadores; nos informa que el cóndor es
un ave de rapiña y que, en particular, es un ave carroñera. que se
alimenta solo de animales muertos. Sube al escenario y conversa
con otra mujer, su hija. El diálogo es confuso y “literario”; la
madre habla en español y la hija en italiano, con títulos en
español. La madre relata su cautiverio en el centro clandestino de
reclusión “Automotores Orletti” (Buenos Aires, Argentina, desde
1976); menciona las diversas formas de tortura que padeció y no
le impidieron dar a luz; su hija le es de inmediato secuestrada
y entregada a un oficial del ejército chileno que la adopta. La
madre muere en prisión y la hija, que debió llamarse Tamara y se
llamará Paloma; ya mayor, viaja a Italia para presenciar un juicio
contra oficiales del ejército chileno por crímenes de lesa
humanidad cometidos durante la dictadura de Pinochet; sospecha,
averigua, conoce su verdadera identidad. Sigue parte del juicio
contra su padre adoptivo.
La obra es la utilización superficial de un tema que merece mejor
trato. Para empezar, la “Operación Cóndor” fue, según toda
probabilidad, un acuerdo de coordinación de los regímenes
militares del Cono Sur (Uruguay y Chile 1973; Argentina, 1976)
para trasladar disidentes y “subversivos” de un país a otro. Los
militares de Uruguay, Argentina y Chile cometieron los delitos de
lesiones graves (torturas), privación de libertad, secuestro de
los niños nacidos en cautiverio y, más tarde, suposición de
estado civil; pero por más repelentes que sean, estos crímenes,
no pertenecen necesariamente a ninguna coordinación internacional.
Nos resulta extraña la inútil proeza técnica del largo diálogo
ítalo – español (italiano la hija, español la madre) con prolijos
letreros traductores:si la madre hablaba español por ser
argentina, la hija, criada por un militar chileno, podría hablar
italiano, pero forzosamente sabía hablar español…Para concluir,
el catálogo de las torturas que relata la madre es un ejercicio
de compilación, una semisuma o común denominador del maltrato en
las cárceles militares, solo para demostrar conocimiento de las
siniestras realidades carcelarias de la era militar. Finalmente
la obra, que no tiene valor documental ni lo pretende, se
presenta, en palabras de la autora, como “…la historia del amor
entre una madre y una hija”, lo que entendemos aún menos, dado
que madre e hija tuvieron ocasión de tratarse solo por horas o
minutos.
La obra es tan “políticamente correcta” como oportunista y
desactualizada. La historia de las torturas de los regímenes
militares ya está escrita. Esta es la obra de una residente en
Italia que según su mismo decir, “durante 2015 y 2016 estuvo en
las audiencias sobre el Plan Cóndor, acompañando allegados que
iban a declarar; decidió allí “…contar, desde su “trinchera”, una
historia en la que la denuncia pasa a través de la emoción” (sic).
Muy “militante” lo de la “trinchera”; pero en las obras que
trataron seriamente el tema, el tono es distinto. En la narrativa
las “Memorias del calabozo” de Mauricio Rosencof y Eleuterio
Fernández Huidobro (1985) suenan con el sonido de la verdad, en
teatro “Memoria para armar” de Horacio Buscaglia (2002, teatro
Circular), con testimonios de hechos reales, entre ellos la
conmovedora escena de “La espera” de María Condenanza y
finalmente “Antígona oriental” (Marianella Morena y Volker Losch,
2012) también con testimonios de presas políticas. En su momento
estas obras valieron, entre otras cosas, como denuncia de crímenes
impunes; pero el regreso de estos temas en la pluma de la Sra.
García Sosa, repitiendo lo sabido, tiene muy escasa
justificación. Como obra de teatro es un fracaso, porque no hay
tensión y el espectador conoce toda la trama de comienzo a fin;no
hay nada del forzoso conflicto entre la mujer y su padre adoptivo,
de quien se revela una oculta faz, y nada el conflicto íntimo de
la mujer cuyos sentimientos filiales debieron chocarse. Si la
obra quiso ser, lo que no creemos, de agitación y propaganda
(“agit – prop”) no se ve a dónde apunta, porque, algunos
condenados y otros absueltos, la cosa juzgada ha cristalizado
muchas narraciones personales y no se advierten avances al día de
hoy.
Tal vez la obra pudo valer como denuncia de una situación aún no
resuelta, como es la determinación exacta de lo sucedido, con
todos los nombres y todos los apellidos: pudo ser, y no fue, un
llamado a la responsabilidad colectiva ante los crímenes impunes
de las dictaduras. En el caso de Uruguay, precisamente, es
mucho mayor que en la Argentina la relación entre el número de
militares criminales impunes y el número de militares condenados;
esta obra pudo perseguir un blanco mejor que un militar chileno
de alto rango que, además, no existió. En lo que atañe al
Uruguay, la autora, agregada cultural honoraria de la embajada
del Uruguay en Chile desde 2008, pudo abandonar al polvo la
carroña, ya exhausta; pudo dejar a los muertos enterrar a los
muertos; pudo, y quizás debió, ir a la caza mayor de presas vivas,
a la caza de todos los militares criminales impunes; y sobre todo
a la caza de los gobernantes que pactaron clandestinamente esa
impunidad de que aquellos gozan y que los gobernantes encubrieron
y encubren todavía, luego del “regreso” del Uruguay a la
democracia (1985).
El público aplaudió de pie. Tal vez quiso homenajear a las
víctimas del terror, ausentes y lejanamente aludidas por una
anécdota ingrávida. En el fondo quiere justicia, saber qué se hizo
y por quiénes; quiénes lo traicionaron, cómo y por qué lo
hicieron.
OPERACIÓN CÓNDOR, EL VUELO DE LAURA. Idea original de Liliana
García Sosa, dramaturgia de Daniella Lillo Traverso, dirección y
puesta en escena de Liliana García Sosa y Ugo Bentivegna. Con
Liliana García Sosa, María Cristina Moglia, Roberto Burgio, Ugo
Bentivegna, Nibia López Balao (testimonio audiovisual) .Música
original de Inti Illimani, histórico de Camilo Salinas, escenas y
vestuario de Erminia Palmieri, diseño de iluminación de Luca
Barbati, asistente de dirección Gianluca Mazzanti, dirección de
producción Rosina Zímbaro y Paolo Monaci Freguglia, productora
para América Latina María Fernanda García Iribarren, productor Fattore
K, Coproductores Soc. Coop. Teatro Stabile delle Arti Medioevali, Forteresse
asbl, Polifemo S.r.l., Patrocinadores Europeos Eu Collective Plays!, Creative
Europe Program of The European Union, Comune di Roma – Estate
Romana, Ministero dei Beni e delle Attività Culturali
e del Turismo italiano. Patrocinadores en Latinoamérica Embajada
de Chile en Italia, Embajada de Uruguay en Italia. Estreno Teatro
Marcello, Roma, septiembre 2017. Estreno uruguayo teatro El
Galpón, 13 de enero de 2018.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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NUESTRAS MUJERES
DE ERIC ASSOUS, EN EL TEATRO DEL NOTARIADO - PEQUEÑAS MISERIAS
DE LA VIDA CONYUGAL
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
A
Paulo (César Troncoso), Max (Franklin Rodríguez) y Simón (Diego
Delgrossi) los vincula una amistad basada en jugar a las cartas y
denostar a sus mujeres, unas arpías que, al parecer, saben
soportar. Simón llega tarde: estaba estrangulando a Estela, su
mujer, luego de una rencilla doméstica; pide a Paulo y a Max que
mientan sobre la hora de su arribo, lo que le daría una coartada.
Paulo y Max debaten si deben denunciarlo o mentir sobre la hora
de llegada; Paulo está por callar y aún por mentir; cambiará de
postura a un puritanismo rígido cuando se entera de que su hija
tiene relaciones sexuales con Simón; Max está siempre en pro de
denunciarlo, y cansa un poco su repetida perorata. Al fin
Estela, que no estaba muerta, denuncia a su marido. Buena parte de
la obra se va en aquella discusión, que no progresa ni se eleva.
Como es de orden, en el curso de la charla se revelan tanto los
fracasos matrimoniales de Paulo y de Simón como los tropiezos
galantes de Max.
El desarrollo de la
fláccida trama no contiene un solo rasgo de ingenio ni nos ahorra
un solo lugar común; la escritura de Assous es pobre; la versión
local está afeada por la erupción, en cualquier momento, de un
pesado magma de groserías ociosas que interfieren con la trama y
que por su impronta de payasada de circo, nos suscita lástima, y
al público una miserable hilaridad. Todas las obras “de éxito” que
llamaríamos “pasadas por Buenos Aires”, como esta “Nuestras
mujeres”, parecen todas del mismo árido e impersonal autor.
La dirección de
Morgan no tiene las cualidades que lo distinguieron hasta hoy:
energía, rapidez, ese staccato que llevaba sin dar respiro
de una escena a otra; Morgan, además, dejó estirar la obra, por
encima de lo previsto en los ensayos, por mor del morcilleo que
al parecer viene con el libreto, a una hora y cuarenta minutos:
fue demasiado. La interpretación estuvo a cargo de buenos actores,
quincuagenarios, lo que no coincide con los treinta y cinco años,
aproximadamente, de los agonistas de la pieza original, lo que
hace poco creíble a más de una escena. César Troncoso, que tiene
las mejores cualidades de intérprete, como lo demostró en “Marx in
Soho”, está, como Paulo, fuera de personaje: no creemos en un
médico de una fragilidad que ronda la tontería. Franklin Rodríguez
está más en el papel, como Max, el seductor a medias que en su
soledad busca el sostén de sus amigos; Diego Delgrossi, como
Simón, debe a su frecuentación de los programas cómicos de la
televisión la ingrata consecuencia de que no es fácil tomar en
serio lo que dice: cuando anuncia el asesinato de su cónyuge,
parece contar un chiste para justificar su impuntualidad.
NUESTRAS
MUJERES, de Eric Assous, versión de Fernando Masllorens y
Federico González del Pino, con César Troncoso, Franklin
Rodríguez y Diego Delgrossi. Escenografía realizada por Rubén
Rodríguez, Maximiliano Leymonie y Alejandro Hualde, luces operadas
por Agustín Romero y Alejandro Barboza, sonido operado por José
Martínez, dirección de Mario Morgan. Estreno del 11 de enero de
2018, teatro del Notariado.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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ESQUINA LATINA (CALI - COLOMBIA) CELEBRA 45
AÑOS DE TERQUEDAD TEATRAL
El Teatro Esquina Latina (TEL) contará
con una programación artística especial, en honor a la celebración
de sus 45 años, que podrá ser apreciada por el público en general
a partir del mes de marzo de 2018 y que incluirá sus más
reconocidas obras teatrales de repertorio para adultos, jóvenes y
niños, programación musical y las noches de “Poesía en la Esquina”
coordinadas por la poeta venezolana Betsimar Sepúlveda.
El Teatro Esquina Latina surgió en
1973 por iniciativa de algunos estudiantes de la Universidad del
Valle. Hoy, luego de cuarenta y cinco años de trabajo artístico
experimental y más de treinta años de Animación Sociocultural, ha
logrado consolidarse como grupo teatral independiente y en
permanente actividad artística.
Todos los fines de semana a partir del
mes de marzo hasta octubre de este año, los caleños podrán
disfrutar de la puesta en escena de reconocidas obras del TEL,
todas de creación, dirección y dramartugia propia.
“Poesía en la Esquina” se realizará el
último jueves de cada mes, a partir de febrero, donde se
continuarán invitando a reconocidos poetas para que realicen
encuentros, recitales y lanzamientos de libros del género.
Por otro lado, el programa Jóvenes,
Teatro y Comunidad (JTC) que es desarrollado por el TEL en asocio
con la Asociación Red Popular de Teatro desde hace más de treinta
años, continuará difundiendo el teatro como estrategia
sociocultural con jóvenes, niños y adultos en las once localidades
donde actualmente opera, pertenecientes a 6 comunas de Cali y 5
municipios del Valle y Norte del Cauca; e inaugurará la plataforma
virtual
http://radioteatro.esquinalatina.org/, donde se
encuentran alojados diferentes programas de radioteatro realizados
por el equipo artístico y de comunidad del TEL y que contienen
historias con la temática alusiva a la pedagogía de paz y la
convivencia. En esta plataforma los oyentes podrán escuchar,
comentar y descargar los audios sin restricciones.
El Programa JTC le apuesta a sostener
grupos que operan en red desde la acción cultural, como
alternativa creativa que busca contrarrestar las consecuencias de
las violencias que se presentan en los territorios y en pro de la
construcción de una cultura de paz.
La puesta escénica del Teatro Esquina
Latina dará inicio en el mes de marzo hasta octubre y tendrá lugar
en su sede en la calle 4ta Oeste # 35-30, barrio: Tejares de San
Fernando.
Más información:
www.esquinalatina.org
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la obra EL ESTIGMA ARDIENTE, DE
ROGELIO BORRA GARCÍA, GENERA POLÉMICA EN MÉXICO
La obra
“El Estigma Ardiente”, del dramaturgo argentino Rogelio Borra
García, que fuera premiada en Italia en el año 2004 y estrenada en
Roma, con actores italianos y en lengua italiana, se presentó en
Puerto Vallarta, México, en una versión a cargo del Grupo de
Teatro Dionisio de esa ciudad.
Con el
anuncio de nuevas funciones, el cartel de difusión de la obra
generó rechazo y polémica en las redes sociales.
Un grupo
de supuestos cristianos ortodoxos lanzaron voces de protesta sobre
lo que consideraron una blasfemia y una provocación.
A pesar
de las aclaraciones del director de la pieza, Juan Carlos Ramírez
Ruiz, y del propio autor, la polémica cobró mayor fuerza, llegando
incluso a insinuar la posibilidad de una bomba en la sala donde se
exhibe la obra.
“A ver
si un día los cristianos nos cansamos de esto y hacemos algo, que
por mucho menos los islámicos ya algo habrían hecho.” “(…) los
islámicos hubieran ido en plena función con una bomba y listo!”
“El
INADI en Argentina es cómplice de toda esta basura, hay miles de
obras blasfemas, o perdón cierto que la palabra "blasfemia" no
está en el diccionario de estas bestias…”
La trama
de la obra gira en torno a un cura acusado por dos menores, por
actos de violencia y abuso sexual. En medio de un inexplicable
episodio místico y con la presión del periodismo sensacionalista,
un comisario pretende llegar al fondo de los hechos. Pero la
verdad rara vez es pura y nunca sencilla.
No
obstante las amenazas de acciones legales recibidas, los
responsables de la puesta en México decidieron mantener sin
cambios la difusión del espectáculo, conservando la imagen de
promoción que desató la ira y la intolerancia de grupos
extremistas.
Más
información:
www.rogelioborra.com
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CONCEDIDOS LOS PREMIOS
"FLORENCIO" EN URUGUAY
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Mejor espectáculo y dirección:
Ex aequo: "La resistible
ascensión de Arturo Ui", de Bertolt Brecht, dirección de
Villanueva Cosse, y "El deseo atrapado por la cola", de Pablo
Picasso, dirección de José María Novo.
Mejor actor:
Ex aequo: Héctor Guido, por "La
resistible ascensión de Arturo Ui", y Álvaro Armand Ugon por "El
cuento del zoo".
Mejor actriz:
Roxana Blanco por "La travesía"
de Josep M. Miró.
Mejor obra de autor nacional:
"La heladera sueca", de Fernando
Buttazzoni.
Distinciones del suscrito:
Mejor espectáculo y dirección:
"El cuento del zoo", de Edward
Albee, dirección de Jorge Denevi.
Mejor actor:
Jorge Denevi por "El cuento del
zoo".
Mejor actriz:
Leticia Scottini por "Bitch boxer".
Mejor obra de autor nacional:
"Otelo, la tanguedia" de Enrique
Permuy.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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LÚCIDO DE
RAFAEL SPREGELBURD, EN EL TEATRO VICTORIA - EL PASADO QUE VUELVE
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Rafael
Spregelburd (Buenos Aires, 3 de abril de 1970) mantiene a lo largo
de su extensa obra dramática un estilo coherente y original. Sin
excepción, sus obras están bien escritas, lo que concuerda con su
vasto conocimiento de varios idiomas; se expresa en un español
sencillo y diáfano que omite prolijamente las interjecciones
maleducadas que afean al teatro argentino de hoy. “Lúcido” cuenta
una historia conmovedora, que comienza cuando, aparentemente,
Lucrecia (Natalia Sogbe) vuelve al hogar a reclamarle a su hermano
Lucas (Joaquín Mauad) el riñón que le ha donado y con el que Lucas
salvó su vida. Spregelburd oculta el conmovedor argumento hasta el
final; con cauta probidad, nos advirtió al principio que veremos
episodios posibles y nunca sucedidos, salvo en neurosis, sueños o
divagaciones, tan “reales”, ay, como los hechos. Hay, por ejemplo,
un padre ausente (Darío, por Pablo Isasmendi) que reaparece como
mozo del restaurant “La Piedad”, hay cortantes cruces de palabras
entre la madre, Teté (Adriana Ardoguein) y su hija que evidencian
una familia que padece una fractura que sus integrantes no
quieren o no pueden identificar.
Todo es claro,
inteligente y admirable, pero esa misma lucidez del autor parece
conspirar contra el impacto dramático de la obra. Como en otras
obras de Spregelburd, “La estupidez”, “La extravagancia”, “La
modestia!, “Acasusso” y “Un momento argentino”, el efecto final,
muy bien ideado siempre, parece evaporarse cuando la obra
concluye: con el último apagón toda la magia ha terminado.
Admiramos, no recordamos; la última escena de “Lúcido”,
conmovedora, parece deber la mayor parte de su eficacia al sutil
arte de intérprete de Adriana Ardoguein.
La pieza cuenta con
un sólido elenco de actores y está muy pulcramente ambientada y
fue dirigida con precisión, inventiva y elegancia por Marcel
Sawchik.
LÚCIDO, de Rafael
Spregelburd, con Adriana Ardoguein, Pablo Isasmendi, Joaquín Mauad
y Natalia Sogbe. Escenografía de Julio Tabárez, sonido de Diego
Cotelo, vestuario de Adriana Ardoguein y Julio Tabárez,
iluminación de Marcel Sawchik y Julio Tabárez, dirección general
de Marcel Sawchik. Estreno del 17 de noviembre de 2017 Teatro
Victoria.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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COMUNICADO DEL GREMIO TEATRAL
COLOMBIANO A LA OPINIÓN PÚBLICA SOBRE LA PRESENCIA DEL TEATRO
COLOMBIANO EN LA XVI EDICIÓN DEL FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO
DE BOGOTÁ FITB 2018
ANTECEDENTES:
La
Asociación colombiana de actores ACA representada por Julio Hernán
Correal, Ramsés Ramos y Adriana Romero H., fue convocada por la
Junta del Festival Iberoamericano de Teatro 2018, para llevar a
cabo una alianza y de esa manera encontrar caminos que
garantizaran la presencia del teatro colombiano en la programación
del FITB.
Después de seis encuentros llegamos a algunos acuerdos, pero nunca
logramos que se pudieran expresar de manera formal en una carta de
compromiso dirigida al público, el gremio y los medios. Por esa
razón, los representantes de la Junta de ACA dimos por terminadas
las conversaciones y decidimos convocar a una gran reunión para
que el gremio teatral del país, conociera la verdad acerca de la
situación del festival y la manera en la que recibiría los apoyos
económicos por parte de las instituciones públicas.
Asistimos a una cita histórica. Por primera vez en muchos años,
representantes de más de ciento cincuenta grupos y compañías
teatrales del país se encontraron de manera presencial y virtual,
para debatir sobre la participación del teatro colombiano en la
próxima edición del FITB. A esa reunión, asistieron representantes
del Ministerio de Cultura, del Instituto Distrital de las Artes
IDARTES y de la Junta del FITB 2018.
Los
temas que se trataron durante la reunión giraron en torno a:
-
El desinterés de la Junta del festival en patrocinar la presencia
del teatro colombiano dentro de la programación al no ser un
ejercicio económico rentable.
-
La convocatoria de Idartes para las compañías a nivel distrital
que obligaba a los grupos a ocuparse de labores de autogestión en
producción y promoción de sus obras, siendo estas
responsabilidades del festival.
-
La falta de claridad por parte de la nueva administración del FITB
acerca de la manera como ejecutarán el presupuesto entregado por
el Ministerio de Cultura al festival.
- Y
lo más grave quizás, el olvido total hacia el teatro por fuera de
la capital que ninguna entidad pública ni mucho menos la
organización del festival ha querido garantizar o gestionar.
RAZONES
Luego de más de cuatro horas de discusión, debate y análisis, la
comunidad teatral no encontró respuestas satisfactorias a sus
inquietudes y reconoce no estar alineada ni con los principios
actuales de la organización del Festival Iberoamericano de Teatro
–cuyo objetivo fundamental es el lucro y el rescate financiero del
festival, sumido en una profunda crisis por la gestión de la junta
directiva que administró las últimas cuatro ediciones,
responsables directos del detrimento que este patrimonio
inmaterial de la nación ha sufrido, y quienes siguen teniendo
asiento en la nueva administración, como ocurre con la señora Ana
Marta de Pizarro, antigua directora del festival, quien según
palabras de la nueva gerente es asesora y socia de la versión
actual –, ni con los mecanismos que hasta el momento han definido
Idartes y el Ministerio de Cultura para apoyar el festival. Para
ver la transmisión completa de la reunión, ingresa aquí: http://images.masterbase.com/v1/tdeteatromktco/b/1/ACA-FITB2018image1.jpeg
LA DECISIÓN
Los
firmantes, representantes del gremio teatral en Colombia
decidimos:
NO
PARTICIPAR EN LA XVI EDICIÓN DEL FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO
DE BOGOTÁ FITB 2018.
PROPUESTA
El
gremio teatral y la Asociación colombiana de Actores ACA estamos
dispuestos a iniciar procesos de diálogo para de esa manera
encontrar caminos que nos lleven a solucionar el estado actual de
la situación. Este es solo un primer paso en un proceso que nos ha
unido como gremio. Queremos lograr que el teatro colombiano tenga
el lugar que se merece, no solo en la programación del FITB, sino
en la política pública del distrito y del país.
Firman a los 4 días del mes diciembre de 2017
Origen
de el comunicado: Fundación T de Teatro -
t@tdeteatro.com
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PASIONARIAS DE
DINO ARMAS EN TEATRO DE LA CANDELA - PASIÓN POR LA POLÍTICA
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
La pieza anota la
vida de Julia Arévalo de Roche (Barriga Negra,
Lavalleja,
Uruguay,
1° de julio
de
1898;
Montevideo,
18 de
agosto de
1985),
la primera senadora por el Partido Comunista en América
Latina (1946). El autor, Dino Armas (Montevideo,
20 de noviembre de 1941) la presenta doméstica y anciana
(Susana Castro) atendida y protegida por su hija Alma Roche
(Cecilia Patrón) en tanto es entrevistada por Vilma (Alejandra
Menéndez) que escribirá la pieza que veremos. La conversación
conduce como es forzoso, a evocaciones de Julia joven a cargo de
la actriz Valeria Odini que monologa entre las artísticas
trasparencias escenográficas de Tesa Cruzado.
Adivinamos o entrevemos la dimensión política
de Julia Arévalo de Roche en sus encuentros con “La Pasionaria”,
la española Dolores Ibárruri, reunión de donde viene el título de
la pieza, y, nada menos, que con Pablo Picasso. Descendido de esas
alturas políticas y artísticas, Armas, como le es habitual, se
demora en detalles ociosos, como resolver si la anciana Julia
tomará el café con cafeína o descafeinado, si consumirá las muy
azucaradas masitas que le llevó Vilma, o, aún, si la
entrevistadora recompondrá su matrimonio en crisis; pero el autor
ha sido consciente de sus límites y se restringe a reunir
anécdotas sencillas, en general estereotipos del anciano rebelde
más algunas páginas de historia, relatos que, sin profundizar en
el carácter, singularizan adecuadamente al personaje.
La obra se deja ver, es amena y fluida y por
esta vez Armas nos presenta personajes amables. El ambiente local
está dado mediante diálogos naturales y precisos; por sobre todo
es Susana Castro, en el papel protagónico, quien pone a la obra de
pie.
PASIONARIAS, de
Dino Armas, con Susana Castro, Valeria Odini, Alejandra Menéndez y
Cecilia Patrón. Vestuario y escenografía de Tesa Cruzado,
iluminación de Nicolás Ausserbauer, ambientación sonora de Carlos
García, dirección de Myriam Campos. Estreno del 11 de agosto de
2017, teatro de La Candela.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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AMA DE
CASA DE TONY
KUSHNER, EN EL TEATRO CIRCULAR - ALGO DE TONY
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
“Ama
de casa” es el monólogo de una mujer inglesa en la mitad de sus
años cuarenta, a quien el autor llama “Homebody”, o “casera” o
“ama de casa”. A partir de una vieja guía de turismo, ella se
interesa, un tanto frívolamente, en Kabul, Afghanistán.
Lo que se vio en el
teatro Circular es la primera escena del primer acto de
“Homebody/Kabul”, de Tony Kushner (Nueva York, 16 de julio de
1956) pieza que se extiende por unas cuatro horas y que tiene,
además de la casi anónima “Homebody” que no volverá a aparecer,
unos once personajes, entre ellos Milton Ceiling, su marido, su
hija Priscilla Ceiling y varios afghanos que hablan los extraños
idiomas “Dari” y Pashtun”; hay un “mullah” inquisidor, Aftar Ali
Durranni y guardias fronterizos armados con rifles Kalashnikov. A
partir de la escena siguiente al monólogo, la pieza sucederá en
Afghanistán: “Ama de casa”, o bien ha sido asesinada entre las
escenas 1 y 2, por no respetar las costumbres islámicas o bien
ha desaparecido, quizás secretamente casada con un afghano.
La obra original, en
palabras del mismo Tony Kushner, es “una obra sobre Afghanistán y
la relación histórica y contemporánea del Oeste con ese país. Es
una pieza sobre viajar, sobre conocer y aprender a través de
buscar lo extranjero, sobre tratar de escapar de la infelicidad de
nuestras vidas a través del encuentro con la Otredad; es sobre el
narcisismo y la autorreferencialidad como inescapable trampa
cazabobos en cualquiera de dichos encuentros …”
La ambiciosa pieza
original apenas puede vislumbrarse en “Ama de casa”, que creemos
provenir de una reciente versión española. La mujer está muy
claramente definida: errática, con sus antidepresivos, su
relación incierta con su marido, su falta de dirección en la
conducta; vemos los trazos seguros, distintivos de Kushner, cuyo
talento el espectador local recordará por “Ángeles en América”
(1994, dirección de Antonio Larreta).
Lo que los
espectadores del Teatro Circular vieron es, con todo, un buen
unipersonal. Margarita Musto tiene a su cargo el monólogo y lo ha
hecho con lo mejor de sus aptitudes escénicas. Tiene una voz
hermosa y expresiva, físicamente es elegante y atractiva, su
mímica y gestos son precisos y sobrios. La puesta en escena de
Gabriel Calderón es adecuada a los propósitos del autor.
AMA DE CASA, de
Tony Kushner, dramaturgia de Laura Pouso, con actuación de
Margarita Musto. Vestuario de Virginia Sosa, iluminación y
escenografía de Pablo Caballero, sonido de Fernando (Tato) Castro,
dirección de Gabriel Calderón. Estreno del 11 de octubre de
2017. Teatro Circular, sala 2.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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OCHO
MUJERES DE
ROBERT THOMAS, EN EL TEATRO CIRCULAR - LA CALESITA DE LA
VERDAD
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Un muerto con un
cuchillo clavado, ocho sospechosas que no pueden salir de una casa
de campo ni llamar a la policía; no bien se infiere que “una de
nosotras es la asesina”, un grato escalofrío nos recorre. Estamos
en un “Expreso de Oriente” inmóvil; esperamos ver impostoras
desenmascaradas, inesperadas revelaciones, verdades incómodas.
Tendremos eso y mucho más: infidelidades, amores y parientes
ocultos, herencias y testamentos, acciones de sociedades anónimas
hurtadas, negocios en quiebra, perros envenenados, teléfonos
cortados; tendremos hasta una reminiscencia de “Hamlet”, con una
ficción en escena que revelará una verdad. Como era de esperar, la
atareada víctima se había reunido con todas las mujeres, de a
una: conversó, jugó a las cartas, discutió; todo ello allá por la
medianoche o la madrugada.
Mediante un diálogo vivo y suelto, el
dramaturgo francés Robert Thomas. (Gap,
Altos Alpes,
28 de
septiembre de
1927
-
París,
3 de enero
de
1989)
define rápidamente a los personajes y sigue, sin parar, el pie en
el acelerador, a razón de una sorpresa por cuadro. El espectador
puede elegir entre dos niveles de atención: si repara en el
diálogo, lo encontrará vulgar; si repara en los personajes, los
verá esquemáticos; si atiende a la lógica de la situación, a
poco de andar abandonará la empresa por forzada; inevitablemente
sentirá que esta pieza de 1958 es una antigualla a la que no
redime alguna escenita risquée, que creemos adosada este
año. En cambio, si el espectador se acomoda a los barquinazos de
este tren, si acompaña el ir y venir de los personajes, tan
movedizos que hasta veremos caminar una paralítica, si se deja
llevar por un puro ritmo, puede disfrutar de un rato de
entretenimiento: siempre pasa algo; el autor, intrascendente pero
nunca latoso, no nos deja pensar; nos hemos dejado desconectar el
piloto automático. Es como una buena siesta, pero alertas y
despiertos.
La dirección de Gerardo Begérez atiende
eficazmente a la necesaria velocidad; cuenta con un diestro cuadro
de intérpretes donde se destacan Myriam Glerjer, Paola Venditto,
Alma Claudio, Denise Daragnès y Cecilia Baranda.
OCHO MUJERES, de
Robert Thomas, por el Teatro Circular. Con Cecilia Baranda, Alma
Claudio,Denise Daragnés, Valeria Dos Santos, Myriam Gleijer,
Julieta Lucena, Elina Marighett y Paola Venditto, Escenografía de
Rodolfo da Costa, vestuario de Nelson Mancebo, luces de Martín
Blanchet, ayudantía de dirección de Felisa Jezier, versión y
dirección de Gerardo Begérez. Estreno del 23 de setiembre de
2017, teatro Circular.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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LÍTOST, LA
FRUSTRACIÓN DE
JIMENA MÁRQUEZ, EN EL TEATRO VICTORIA - MESTER DE JUGLARÍA
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Creemos
que la primera de las muchas bromas que nos gasta Jimena Márquez
en esta pieza es la gacetilla de prensa de “Lítost”:
“La obra trata sobre
una madre que no ha conseguido realizarse, y con su frustración
tuerce los destinos de la vida de sus dos hijos… el varón es un
bailarín, mientras que la hija es una coleccionista de palabras
que no tienen traducción en otro idioma”.
Pero nada hay, sea
loado el Todopoderoso, de la “familia disfuncional”, y en más de
una réplica, como al pasar, Márquez se burla del tema. La familia
funciona a su sorprendente manera, pero funciona. Sabemos lo
mínimo de su historia, un accidente doméstico en que un niño es
herido por una tijera. Pero todo, sin esfuerzo, está de pie y
vive. La madre (Gabriela Iribarren) es autoritaria pero jocunda y
feliz, convencional y desenvuelta; el hijo se ha callado y no se
le oirá hablar; pero baila como un acróbata; nadie se preocupa, ni
por sus danzas ni por su silencio. La hija (Jimena Vázquez) no
menos segura de sí misma, habla en hipérbaton (por ejemplo, “el
libro sobre la mesa está” o “una niña inquieta soy”); no conforme
con este pararse de manos busca y encuentra, en otros idiomas,
palabras y expresiones que no tienen traducción directa a ningún
otro y obligan a dar su equivalencia en frases enteras: entre
ellas figura la palabra checa “lítost” que dice el momento en que
somos conscientes de nuestra decadencia. Por supuesto, ninguno de
los personajes es desdichado, ninguno está en “lítost”.
Tres personas
distintas, tres actores, un solo autor. La protagonista es, bajo
tres transparentes máscaras, Jimena Márquez; la pieza es su
espectáculo, su show; es siempre fiel a sí misma, alegre,
distendida, dueña de una rara destreza verbal y de una exquisita
sensibilidad para la palabra. Terminada la pieza el espectador se
puede preguntar, ociosamente, qué quiere decir la obra: no hay
nada que entender. Hemos visto una notable volatinera que nos ha
entretenido durante más de una hora con juegos malabares con
palabras contradictorias o deformadas, con oraciones construidas
al revés, con modismos de seis o siete idiomas a los que siempre
se define y trae a tierra. Como el volatinero de “Las apariencias
engañan” de Thomas Bernhard, Jimena Márquez es capaz de sostener
veinticinco platos en el aire y recogerlos luego, con una sonrisa
y sin que se rompan.
Gabriela Iribarren,
en un papel de comedia, capta con precisión el nada común tono de
la obra e irradia gracia, expresividad, insuperable don de
comunicación. Desde otro ángulo, Jimena Vázquez ofrece a la
perfección su extraña y aplomada hija y Santiago Duarte exhibe
sus notables dotes de coreógrafo y bailarín.
LÍTOST, LA FRUSTRACIÓN,
de
Jimena Márquez, con Gabriela Iribarren, Jimena Vázquez y Santiago
Duarte.
Vestuario y Escenografía de
Gerardo
Egea,
Iluminación de
Inés Iglesias selección
musical de
Santiago Duarte, dirección de Jimena Márquez. Estreno del 19 de
noviembre de 2017, teatro Solís, sala Zavala Muniz, reestreno del
14 de noviembre de 2017, teatro Victoria.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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LA SOSPECHOSA PUNTUALIDAD DE LA
CASUALIDAD DE
JIMENA MÁRQUEZ, EN EL TEATRO SOLÍS, SALA ZAVALA MUNIZ.-
DESENCUENTROS VOLÁTILES
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
La
Comedia Nacional, luego de “Tarascones” de Gonzalo Demaría, vuelve
este mismo año al teatro en verso con esta obra, que intenta más
de un rasgo original. Los protagonistas son cuatro pájaros y un
rubio murciélago narrador (Leandro Ibero Núñez); a las
dificultades del metro y la rima se suman partes cantadas, música
en vivo y una escenografía metálica (Sebastián Barcelona), una
pajarera más vertiginosa que aérea. La versificación es correcta y
fluente, aunque a poco de andar quedamos sumergidos en palabras
que riman y no se sabe bien qué es lo que fluye o se cuenta. La
narración habla del amor del modesto urutaú, el pájaro poeta (Luis
Martínez) por la majestuosa ave del paraíso (Alejandra Wolff)
inalcanzable quizás porque, entre otras cosas, no existe en
América; una abubilla (Lucia Sommer), también ave de otros
continentes, parece amar en secreto y sin duda a la distancia, al
sudamericano urutaú. Las rimas son pobres y la eufonía del verso
español sufre ante el parvo contenido de diálogos y monólogos;
esperamos las tensiones anejas a los desencuentros amorosos;
encontramos la opaca presencia de una lechuza observadora, pájaro
cuya personalidad pedía mejores líneas (Andrea Davidovics);
encontramos más versos y más música y más canciones. El planteo
prometía, pero acontece como si la autora creyera que, ideada una
trama novedosa y superadas las dificultades de forma, todo lo
demás se le daría por añadidura.
En la interpretación
Leandro Ibero Núñez encarna, con su incomparable gracia, el
murciélago; le pertenece toda la eficacia del verso. Lucía Sommer,
da chispa, vida y movimiento a un personaje tenue y Alejandra
Wolff mostró su inmarcesible elegancia.
LA SOSPECHOSA
PUNTUALIDAD DE LA CASUALIDAD, de Jimena Márquez, por la Comedia
Nacional. Con Leandro Ibero Núñez, Andrea Davidovics, Luis
Martínez, Alejandra Wolff y Lucia Sommer. Escenografía de
Sebastián Barcelona, iluminación de Inés Iglesias, vestuario
de Erika del Pino, música de Pablo Machado, músicos en escena
Pablo Machado, Mariana Porley y Virginia Rodríguez, dirección de
Jimena Márquez. Estreno del 7 de octubre de 2017, teatro Solís,
sala Zavala Muniz.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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MÁLAGA DE
LUKAS BARFÜSS, EN LA SALA VERDI - LA FAMILIA DISFUNCIONAL ATACA
DE NUEVO
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Luego
de ver “Málaga” la primera idea que nos viene a la cabeza es pedir
una moratoria, por diez años, para el “teatro de la víctima”. Como
padres, magistrados, administradores, hemos sido condenados, en
las tablas; hemos confesado nuestros fracasos, que son muchos;
cumpliremos la condena; pero pedimos una tregua, como
espectadores. Añoramos un teatro donde no se exhiban los
espantajos de la hora, “la familia autoritaria”, siempre
“disfuncional”. “la sociedad discriminatoria”, etc. Es extraño,
pero de los últimos espectáculos que vimos, sólo “Otelo”, una
tragedia con varios muertos y “El deseo atrapado por la cola” de
Picasso nos trajeron, sin ocultar los bajos fondos y las penas del
día, belleza, vida, alegría de vivir, fuego y pasión. Sólo hay
víctimas, por todas partes. Hemos hecho la lista, exclusivamente
del año 2016; es más larga de lo que creíamos. “Mi hijo sólo
camina un poco más lento”, “Bang Bang, estás muerto”, “De algún
tiempo a esta parte”, “Día 16”, “El accidente”, “Encuentro en la
estación del Este”, “El feo”, “La fiera”, “La mujer puerca”,” El
nudo de Gidion”, “Terrenal”, “Los pequeños burgueses” (en la
versión de “El Galpón”), “Todo por culpa de ella”, “Tengo una
muñeca en el ropero”, ”Viejo, solo y puto”. Los victimarios son
los nazis, siempre útiles como tales, el “bullying”, la
discriminación de los homosexuales, los maestros que no
comprenden, la escuela, el machismo, la religión organizada, los
padres, los patrones autoritarios.
De Lukas Barfuss, un
autor de moda en estos últimos tiempos, vimos “La prueba” (teatro
Circular, 2013) y “Las neurosis sexuales de nuestros padres” (El
Galpón, 2016) sobre la que ya escribimos en estas páginas. En
“Málaga” aparecen dos padres, ya separados o aún divorciados, Vera
(Jimena Pérez) y Michael (Gabriel Hermano) que disputan, en el
estilo más crudo de la riña post conyugal. Él quiere ir a un
congreso en Innsbruck, ella quiere ir con un amante a Málaga… pero
tuvieron una hija. ¿qué hacer con ella? La solución de Vera, al
fin adoptada, es dejarla al cuidado de Alex, (Ernesto Álvarez) un
joven de 19 años, cineasta en proyecto y representante de la
nueva generación. Uno se pregunta si el joven no tiene nada mejor
que hacer que cuidar una niña; Michael resiste a Alex y hay una
larga conversación entre ellos, claramente “los viejos” contra
“los jóvenes”; al fin Michael cede. Se va a Insbruck, Vera a
Málaga con su amante y…nunca mejor los puntos suspensivos: no se
sabe ni se sabrá qué pasó: sólo es claro que la hija sufrió un
accidente y está en un hospital; en la escena final los padres
dicen que todavía tienen tiempo, no sabemos para qué, la obra
termina. Todo lo verbosa que fue en la introducción, la obra es
parca y elíptica en el desenlace, como si faltaran una o dos
escenas.
Hemos leído el
comentario de una actriz española que interpretó la obra Ana
Wagener, que dice, en son de encomio: “’Málaga’ nos pone
frente a muchas cosas, pero el autor no entra a juzgar, sitúa a
los personajes con todas las aristas que tiene el ser humano y nos
cuenta cómo va este mundo, esta sociedad en la que parece que
estamos, no sé si enfermos, pero sí muy tocados, sometidos al
estrés de la incomunicación, de la falta de contacto, de tacto,
donde todos vamos hacia el abismo, caminando por una línea muy
delgada a punto de caernos hacia un
lado o hacia
otro”. No nos dimos cuenta de que la obra trata, nada menos, de
“todas las aristas que tiene el ser humano”, pero sí comprendimos
que ya estamos en el infierno, caigamos “hacia un lado o hacia
otro” (sic).
Cuando vimos el
reparto pensamos que, por lo menos, veríamos a dos de nuestros
mejores actores, los admirables Gabriel Hermano y Jimena Pérez:
frustrada esperanza. Los vimos, pero muy por debajo de sus
posibilidades, diciendo con exagerado énfasis un texto vulgar en
que no pueden creer; ella afligida, además, por un vestuario
desagradable.
MÁLAGA, de Lukas
Barfüss, traducción de Cecilia Bassano, por la Comedia Nacional,
con Gabriel Hermano, Jimena Pérez y Ernesto Álvarez. Escenografía
de Osvaldo Reyno, Iluminación de Fernando Scorsela, vestuario de
Leticia Sotura, música de Fernando Ulivi, dirección de Bettina
Mondino. Estreno del 16 de setiembre de 2017, sala Verdi.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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OTELO,
DE SHAKESPEARE, POR LA COMEDIA NACIONAL EN EL TEATRO SOLÍS -
SHAKESPEARE A LA VISTA
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
“Otelo”
es un acierto de la Comedia Nacional. Para renovar Shakespeare
nada mejor que un inglés: Dan Jemmett (Londres, 1967), yerno de
Peter Brook y director de obras de vanguardia como “Ubu rey” de
Alfred Jarry y “Medea material” de Heiner Müller.
Hemos oído furiosas
diatribas contra ese espectáculo. Diremos como suficiente defensa
que en él encontramos a Shakespeare; por lo menos la idea que
tenemos de Shakespeare, distendido y tétrico, feliz e impío,
vertiginoso y casi amoral. Demmett arrancó a Shakespeare del museo
de antigüedades y lo puso de pie en el presente; su puesta en
escena se inscribe en la línea de los filmes de Kenneth Brannagh,
que modificó detalles y fue fiel al contenido.
Encontramos, además
de Shakespeare, a Otelo, uno de sus personajes más misteriosos,
con sus aventuras en países exóticos, sus desiertos, su
esclavitud, su meteórico ascenso al más alto grado militar en
Venecia y sus pañuelos mágicos; también encontramos una de las
tragedias mejor construidas del autor y aún oímos, en las ráfagas
que lo permiten, fulgores de su genio poético. Esto es mucho y
podríamos sentirnos satisfechos, pero hay que agregar la mayor
virtud: este Otelo, desde el punto de vista del espectador por
lo menos, es una de las obras más entretenidas que hayamos visto
últimamente. Esta cualidad proviene de un enérgico ritmo
narrativo, que nunca pierde de vista el argumento principal, una
admirable precisión en los cambios de escenario e iluminación y un
trabajo muy preciso e insistente sobre la interpretación que la
uniformiza y lleva a un efecto único
Sin embargo, hay un
punto en que este “Otelo” nos plantea una interrogante. El
director ha concebido a la tragedia como “un sueño o una visión
que éste” (Otelo) “tiene la noche antes de su casamiento con
Desdémona. Casarse con esta mujer joven, blanca y aristócrata,
es para él el último acto de inclusión en la sociedad de su
Venecia adoptiva”. Tal vez en esta línea el personaje de Yago, a
quien el reparto define como “un villano, anterior alférez de
Otelo”, adquiere una rapidez de movimientos y una levedad casi
cómica, a lo Puck, que no encaja bien con las imágenes, tal vez
estereotipadas, del vulgar villano, del malvado absoluto, de un
poeta que no logra expresarse (Swinburne), del un original amateur
de acciones peligrosas en las que “se deleita con destreza de
artista” (Andrew.C. Bradley) o sencillamente de un “artista de la
maldad” (Harold Bloom). Quizás por este propósito de expresar
“Otelo” como un sueño guiado por un artista con dificultades
expresivas se explica la sobreexcitación de Emilia (Stefanie
Neukirch) en el último acto, con palabras que indudablemente se
han medido y pesado, una tirada irreal, casi fantástica, torpe
como propia de un libreto que escribiera Yago.
La escena final, con
Desdémona inerme muerta por el hombre que ama, es para helar la
sangre en la venas y tanto el director en la construcción de la
escena como los actores que encarnan los dos trágicos personajes
rayan a la necesaria altura. En particular queremos resaltar,
dentro de un elenco de primeras figuras, la impecable composición
de Lucio Hernández en el papel protagónico, las de Diego Arbelo
como Yago, Fernando Dianesi como Casio y Juan Worobiov como
Brabancio.
OTELO, de William
Shakespeare, por la Comedia Nacional, con Lucio Hernández, Juan
Worobiov, Fernando Dianesi, Diego
Arbelo, Pablo Varrailhon, Daniel Espino Lara, Fernando Vannet,
Valentin Dalmao, Julio Garay, Fabricio Galbiati, Juan Antonio
Saraví, Andrés Papaleo, Florencia Zabaleta, Stefanie Neukirch y
Natalia Chiarelli. Escenografía de Adán Torres, iluminación de
Martín Blanchet, vestuario de Paula Villalba, coreografía de
Andrés Papaleo, selección musical y dirección de Dan Jemmet.
Estreno del 2 de octubre de 2017, teatro Solís.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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LAS
AMARGAS LÁGRIMAS DE PETRA VON KANT,
DE RAINER WERNER FASSBINDER, EN
EL TEATRO EL GALPÓN - NO LLORES POR MI, PETRA
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Cuando
vimos esta pieza, el día del estreno, recordamos que en el diario
“La República” de Montevideo habíamos comentado “Libertad en
Bremen” del mismo Fassbinder, en ocasión de su estreno el 14 de
abril de 1989, por la Comedia Nacional. Fuimos, por curiosidad,
a nuestro archivo; aquella reseña es adecuada, mutatis mutandi, a
estas “Las amargas lágrimas de Petra von Kant”:
“Rainer Werner
Fassbinder no tiene sentimiento, pero tampoco nervio; no tiene
gracia, pero tampoco sustancia o profundidad; no tiene interés
pero tampoco arte o artificio y su abrumadora vulgaridad sólo es
sobrepasada por su increíble torpeza narrativa... una obra carente
de toda fineza de observación, de todo detalle auténtico que haga
vivir aunque más no fuera un momento a la acción, de todo rasgo de
ingenio. El desarrollo es, además, absolutamente lineal, chato
reducido a la exposición directa de los hechos… Para peor este
producto frío está adornado con frases ante las cuales cualquiera
de nuestros teleteatros podría sonreír con cierto legitimo
sentimiento de superioridad intelectual….” En este punto,
señalamos que “Las amargas lágrimas de Petra von Kant”, exhibe
también una notable colección de lugares comunes, sí que solemnes,
como “En la vida es fundamental aspirar a algo”.
Petra (Alicia
Alfonso), una diseñadora de modas de gran éxito, se despierta se
despereza, da órdenes a su secretaria, mucama y limpiadora
Marlene (Maruja Fernández), cuenta largamente a su amiga Sidonie
(Serrana Ibarra Alemany) algunos pormenores triviales de su
fracasado matrimonio y filosofa sobre diversos tópicos. Aparece,
rutilante y desenvuelta, la ambiciosa Karin (Victoria González
Natero) con ajustadas ropas: ya adivinamos el desarrollo, nudo y
desenlace: Petra pasa en segundos de su postura heterosexual a una
apasionada y posesiva inclinación por Karin; la joven, promiscua y
egoísta, reduce a Petra a un estado de humillación y vasallaje. Al
fin Petra, enfrentada con su hija (Eliana Recchia) y su madre
(Julia Moller) las desprecia abiertamente; todos la abandonan y
hasta su secretaria rehúsa su trato.
Como en “Libertad en
Bremen” los caracteres son estereotipos: la exitosa dama,
autoritaria y superficial, la secretaria maquinal e impertérrita,
la amiga inquisitiva, la jovencita objeto sexual devastador, la
hija abandonada, la madre perpleja. El “desafortunado encuentro y
desencuentro de dos seres” que menciona la licenciada Gabriela
Sapriza en el programa de mano, comprueba que se nos cuenta una
historia triste, como tantas, y no alcanza para justificar una
obra. Por lo demás, el desarrollo de la pieza transita por escenas
demasiado largas las unas y demasiado cortas las otras: así, el
flirt de Karin y Petra ocupa demasiado tiempo y espacio, y el
desenlace es abrupto.
En cuanto a la
actuación, es curioso que digamos de Alicia Alfonso, una actriz
admirable, lo mismo que dijimos de la no menos notable Gloria
Demassi a propósito de “Libertad en Bremen”: ”La actriz es
demasiado inteligente…no puede hacer un personaje inexistente…
que no es más que una superficie fría, resbalosa”.. La
interpretación es correcta lo mismo cabe decir de Victoria
González Natero. Maruja Fernández muestra su solvencia profesional
en un personaje, la secretaria, que no tiene matices, y las
partes de Julia Möller y Eliana Rechia son harto breves para ser
apreciadas justamente.
LAS AMARGAS
LÁGRIMAS DE PETRA VON KANT, de Rainer Werner Fassbinder,
traducción y versión de Nicolás Costa, por El Galpón. Con Alicia
Alfonso, Maruja Fernández, Serrana Ibarra Alemañy, Victoria
González Natero, Eliana Recchia y Julia Möller. Escenografía y
vestuario de Ana Arrospide, iluminación de Leonardo Hualde, música
de Fernando Ulivi, dirección de Graciela Escuder. Estreno del 7 de
octubre de 2017, Teatro El Galpón, sala Atahualpa.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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EL
CUENTO DEL ZOO
DE EDWARD ALBEE, EN EL TEATRO ALIANZA - EL
CUENTO DEL PARQUE MISTERIOSO
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Se encienden las
luces y aparece un banco de un parque. No se oye un ruido; nos
recorre un estremecimiento de inquietud. Las avenidas del parque
se ven oscuras. No hay nadie en el banco, pero, puesto que
estamos en un teatro, sabemos que además de ver y estar en un
parque solitario, alguien, que querríamos adivinar entre los
árboles, vendrá. El que aparece, Peter, por Jorge Denevi, no nos
satisface la curiosidad; es un hombre mayor, posiblemente
aburrido, que leerá un libro; es decir que se evadirá del banco y
sus misterios. Llega Jerry (Alvaro Armand Ugon) y reconocemos en
él al personaje que nos traerá la inquietud y la incomodidad que
vienen del parque. Es joven, demasiado decidido y sobre sí; como
Peter es opaco, Jerry brilla, pero brilla con un resplandor
metálico; hay un fuego que lo devora; nos hace reír con sus
salidas, que también nos perturban. La obra, un prodigio de
construcción, nos irá revelando el alma de Jerry en tanto,
también, nos la va ocultando; nos conmueve con su marginación
social, que no sabemos explicarnos y que no parece interesar a
Peter. Hay un momento en que casi no soportamos la incertidumbre
y, algo más que a Peter, comienza a exasperarnos el prometido
cuento del zoo que nunca se narra, en tanto Jerry nos relata y
oculta el verdadero cuento, el de su vida; creemos saber cómo
terminará, pero volvemos a equivocarnos. El banco del parque ha
cobrado dos víctimas: no hay seres felices en las obras de Albee,
y la perpetua conclusión es que la felicidad no es posible, que
el mundo del absurdo, con sus frustraciones, su reinado del azar,
inteligible pero sólo a medias, opaco y cruel, es el único
verdadero. Ninguno de los personajes sobrevivirá realmente, ni
siquiera a medias, cuando la obra finaliza. Lo que mejor hace la
vida es lo que hacía la Esfinge con los tebanos: se planteaba como
enigma, los desconcertaba y después los mataba .
La puesta en escena es digna de la pulcritud y
afán de perfección de Jorge Denevi, como actor y director. Hay
el ritmo adecuado, los desplazamientos son medidos y
significativos, la iluminación, generalmente estática, sugiere una
acción fuera del tiempo, una impermanencia; la puesta en
escena induce la idea de que lo que vemos ya está más allá de su
muerte; y muy probablemente sea así. El papel más complejo es el
de Armand Ugon, que cumple con todos los términos del personaje,
con una variada gama de recursos interpretativos: cada tanto
dulce y desvalido, otras veces rudo y desafiante, al fin patético
y quizás trágico.
EL CUENTO DEL
ZOO, de Edward Albee, con Jorge Denevi y Álvaro Armand Ugon,
traducción y dirección de Jorge Denevi. Estreno del 23 de
setiembre de 2017, teatro Alianza, sala 2.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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EL DESEO ATRAPADO POR LA COLA,
DE PABLO PICASSO, EN EL TINGLADO - PABLO PICASSO SOBRE LAS
TABLAS
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
“El
Tinglado”, con la dirección de José María Novo, ha celebrado el
70° aniversario en la mejor tradición del teatro de arte con el
estreno, que entendemos un estreno absoluto en nuestro medio, de
“El deseo atrapado por la cola” de Pablo Picasso. Es una obra
audaz, no convencional y provocativa en la que se percibe el
entusiasmo innovador y aún la técnica de los movimientos poéticos
de comienzos del siglo XX, como el dadaísmo (Tristan Tzara,
1916), el surrealismo (André Breton,1924) y hasta el futurismo;
aún hoy, que hemos visto todo en materia de innovaciones
estéticas, buenas y de las otras, esta pieza, que lleva con
frescura su aire de época, nos sorprende y conmueve.
Somos lectores
escépticos las gacetillas de prensa y hemos utilizado su frecuente
ingenuidad para discurrir sobre la relación entre propósitos,
sueños, ilusiones y realizaciones; esta vez tenemos la
satisfacción de adoptar casi totalmente la gacetilla de “El
Tinglado” para “El deseo atrapado por la cola”:
“Le
Desir attrapé par la queue”
está
dividida en seis escenas. El argumento parece indecible, ya que
una idea lleva a otra y las palabras se combinan como juegos de
malabarismo con un ritmo que no sabemos hacia donde nos lleva. El
hilo de la narración está ausente, los personajes son seres
orgánicos que están en permanente cambio listos para tomar aliento
y empezar nuevamente en un presente continuo... El texto está
cargado de poesía, humor y erotismo, donde reinan sus propias
reglas, al margen de la gramática, la lógica y la puntuación…Picasso
compone a modo de collage, pequeñas viñetas donde lo fantástico se
alterna con la música, la danza o la pantomima, así cada escena
tiene un tono entre serio y cómico, simbólico y real.”
Con su habitual
energía, Picasso ha trabajado y moldeado a su gusto materiales tan
poco dúctiles como la verosimilitud, la naturaleza y la sintaxis.
Sus personajes cuestionan, por su sola existencia, el sentido
común: hay un protagónico “El Patón” (Crtistian Amacoria) del que
no se sabe de qué hombre o animal es el pie, un vegetal, la
cebolla, que en la versión de “El Tinglado”, quizás por las
dificultades de caracterización, es un puerro (Nicolás Pereyra),
una comida preparada (la Tarta, por Florencia Sacco), parte de un
objeto físico, que puede corresponder tanto a un puñal como a una
sartén (“El mango redondo”, por Leonardo Franco), unos cortinados
(Angel Carballedas) dos abstracciones, la Angustia Gorda
(Washington Sassi) y la Angustia Flaca (Rosario Fernández Chaves);
pudieron ser, además, conforme al texto del autor, dos perritos.
El lenguaje varía de una escena a otra: desde una serie de
inventivas metáforas, que nos recordaron los poemas de Breton, a
frases en una media lengua infantil, a interjecciones, gritos y
ruidos. Picasso nunca se propone objetos fáciles y suministra
acotaciones escénicas complejas, si no imposibles, como la
aparición de una bañera inmensa llena de espuma de jabón de donde
salen varios personajes o, en el fin de la escena segunda del
primer acto donde, bajo luz de tormenta y lluvia que cae, se oye
la “Danza macabra” de Saint Saëns y unos fuegos fatuos corren
sobre el escenario.
Este smorsgabord de
objetos, ideas, imágenes, sentimientos y provocaciones nos
sugiere, y aquí nuestra percepción difiere un tanto de la
inteligente gacetilla, una glorificación de la sola existencia,
una aceptación del inexplicable universo tal como es, compuesto
con hombres, puerros, emociones, energía, abstracciones y luces
que, suprema humildad y supremo realismo, se equivalen. Ese
carácter múltiple y, sospechamos, un tanto aleatorio, invita,
inevitablemente, a la improvisación y a las variaciones; y el
director José María Novo, que ha seguido fielmente el texto hasta
donde fue posible, ha adaptado la pieza, con imaginación y von
el auxilio de la inspirada iluminación de Martin Blanchet, a las
posibilidades físicas de un teatro. El resultado es una puesta en
escena innovadora, ágil, siempre sorprendente e imprevisible,
llena de la fuerza, sangre y vida que tienen las obras
pictóricas de su extraordinario autor.
En la interpretación
sobresale Cristian Amacoria, que tiene facilidad o afinidad para
lo extraordinario; entendemos un grato homenaje al mejor teatro de
arte que, junto a dotados jóvenes, esté la presencia de quienes
fueron puntales del teatro de arte en los buenos tiempos, los
calificados actores Washington Sassi y Luis Lage.
EL DESEO
ATRAPADO POR LA COLA, de Pablo Picasso en traducción de Rosa
Álvarez y versión de José María Novo, con Cristian Amacoria,
Nicolás Pereyra, Florencia Sacco, Carina Méndez, Leonardo Franco,
Luis Lage, Washington Sassi, Rosario Fernández Chaves, Angel
Carballedas, Sasha Acosta, Serrana Sequeira, Joaquín Silvestre y
Pablo Rodríguez. Escenografía de Hugo Fernández, iluminación de
Martín Blanchet, vestuario de Paula Villalba, música de Agustín
Ferreyra, coreografía de Fernando Imperial, dirección general de
José Ma. Novo. Estreno del 28 de setiembre de 2017, teatro El
Tinglado.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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NUESTRA REVISTA, NOTICIAS TEATRALES,
GALARDONADA EN ELDORADO (MISIONES - ARGENTINA)
Dentro de la programación del VI Encuentro del Arte y la Cultura -
Teatro 2005, organizado por el Club de Teatro Eldorado, celebrado en
dicha ciudad argentina del 8 al 14 de agosto de 2005, hubo un apartado
dedicado a la entrega de premios y galardones. El acto de entrega se
celebró el día 9 de agosto de 2005 en el Teatro del Pueblo, y en el mismo
se entregaron diversas distinciones, entre otras a nuestra revistas
NOTICIAS TEATRALES "por su aporte al
teatro del mundo, y su permanente y generoso trabajo de difusión del
teatro, especializada en las Artes Escénicas y a su director, el autor
Salvador Enríquez".
El galardón a NOTICIAS TEATRALES fue
recogido por la autora, actriz y directora española Antonia Bueno en
representación de Salvador Enríquez, que le fue entregado por Marcelo
Calier, director del Club de Teatro Eldorado.
Desde aquí nuestro agradecimiento a los organizadores. Recibimos la
distinción con alegría y orgullo (un orgullo que quisiéramos disimular
para que no huela a incienso) pero que nos compromete aún más en nuestro
compromiso de dar difusión a todo lo relacionado con las Artes Escénicas.
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