Para ir al BUSCADOR, pulsa en la imagen15-11-2017

NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición del 15-4-2018

 

NOTICIAS TEATRALES
Elaboradas por Salvador Enríquez
(Optimizado para monitor con resolución 1024 X 768 píxeles)

PORTADA

MADRID

EN BREVE

PRÓXIMAMENTE

LA TABLILLA

HERRAMIENTAS

EN PRIMERA

LA SEGUNDA DE MADRID

ENSEÑANZA

LA CHÁCENA

AUTORES Y OBRAS

LA TERCERA DE MADRID

ÚLTIMA HORA

DESDE LA PLATEA

DE BOLOS

CONVOCATORIAS

LIBROS Y REVISTAS

 NOS ESCRIBEN LOS LECTORES

MI CAMERINO

¡A ESCENA!

ARCHIVO DOCUMENTAL

  TEXTOS TEATRALES

 

ENTREVISTAS

   LAS AMÉRICAS

 

 

LAS AMÉRICAS

 

El volumen de información que recibimos de América nos aconseja abrir este espacio específico que titulamos LAS AMÉRICAS. En él incluiremos, principalmente, todo lo relativo a representaciones teatrales así como otras gacetillas relativas a las Artes Escénicas. Lo concerniente a Convocatorias y Libros, entre otros temas, así como las Entrevistas, aparecerán en las correspondientes secciones. Deseamos con ello facilitar la lectura de nuestra revista.

 

Índice de noticias en LAS AMÉRICAS

Para leerlas pulsa en periódico de la izquierda

EN LA ESQUINA LATINA (CALI – COLOMBIA): RETRATOS DE ALDEA

EL LEÓN Y EL CARPINTERO LOS DOMINGOS INFANTILES DE ABRIL EN LA ESQUINA LATINA (CALI – COLOMBIA)

LORCA EN LAS TRINCHERAS DE MADRID DE ADHEMAR BIANCHI, EN EL TEATRO EL GALPÓN - REITERADOS HOMENAJES

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

LA EXTRAVAGANCIA” DE RAFAEL SPREGELBURD, EN ESPACIO TEATRO - RAFAEL EL TRAVIESO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

Pequeño Teatro de Medellín estrena El solar de los mangos de Orlando Cajamarca

BUFÉ DE YVONNE DENIS ROSARIO EN EL XL FESTIVAL DE TEATRO DEL ATENEO EN PUERTO RICO

Joel Prieto inaugura el curso de la Ópera Nacional de Chile

PASO  BAILANDO TAMBIÉN SE MUERE EN OLD MUTUAL (BOGOTÁ)

SILVA PRODUCCIÓN TEATRO. MARZO, ABRIL 2018 - BUENOS AIRES Y MADRID

TIEMPO  DE  FIESTA  DE HAROLD PINTER, EN EL TEATRO SOLÍS,  SALA ZAVALA MUNIZ - DANZA MACABRA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

RINOCERONTES DE IONESCO, POR LA COMEDIA NACIONAL, EN EL TEATRO SOLÍS - LOS RINOCERONTES SON CONTAGIOSOS

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

LA FIACA, DE RICARDO TALESNIK, EN EL TEATRO DEL NOTARIADO - RELIQUIAS DE ANTAÑO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

TU CUNA FUE UN CONVENTILLO DE ALBERTO VACAREZZA, EN EL TEATRO SOLÍS. - INMARCESIBLE VACAREZZA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

APENAS EL FIN DEL MUNDO DE JEAN – LUC LAGARCE, EN EL TEATRO SOLÍS SALA ZAVALA MUNIZ - EL REQUIEM DE LAGARCE

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

LA INCAPAZ DE CARLOS MARÍA DOMÍNGUEZ, EN EL TEATRO CIRCULAR - HISTORIAS TRISTES DE LA CLASE ALTA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

RÉPARER LES  VIVANTS  DE MAYLIS DE  KERANGAL, EN LA SALA VERDI - NUEVAS AVENTURAS DEL CORAZÓN HUMANO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

INESTABLE DE ANDRÉS CAMINOS Y GADIEL SZTRYK, EN LA SALA VERDI - TEATRO MERCURIAL

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

NIÑO EXPÓSITOS, DE RAFAEL BRUZA, EN EL  TEATRO CIRCULAR - EL HUMOR EN LA SACRISTÍA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

LA SUPLENTE, DE MARIANO MORO, EN LA SALA VERDI - PAYASO FEMENINO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

OTHELO DE SHAKESPEARE EN EL  TEATRO EL GALPÓN,  SALA CÉSAR  CAMPODÓNICO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

OPERACIÓN CÓNDOR, EL VUELO  DE  LAURA DE LILIANA GARCÍA SOSA, EN EL TEATRO EL GALPÓN.- CAZA  MENOR

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

NUESTRAS   MUJERES DE  ERIC  ASSOUS, EN EL TEATRO DEL NOTARIADO - PEQUEÑAS MISERIAS DE LA VIDA CONYUGAL

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

ESQUINA LATINA (CALI - COLOMBIA) CELEBRA 45 AÑOS DE TERQUEDAD TEATRAL

la obra EL ESTIGMA ARDIENTE, DE ROGELIO BORRA GARCÍA, GENERA POLÉMICA EN MÉXICO

CONCEDIDOS LOS PREMIOS "FLORENCIO" EN URUGUAY

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

LÚCIDO DE  RAFAEL SPREGELBURD, EN EL TEATRO VICTORIA - EL PASADO QUE VUELVE

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

COMUNICADO DEL GREMIO TEATRAL COLOMBIANO A LA OPINIÓN PÚBLICA SOBRE LA PRESENCIA DEL TEATRO COLOMBIANO EN LA XVI EDICIÓN DEL FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE BOGOTÁ FITB 2018

PASIONARIAS DE DINO ARMAS EN TEATRO DE LA CANDELA - PASIÓN POR LA POLÍTICA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

AMA  DE CASA DE TONY KUSHNER,  EN EL TEATRO CIRCULAR - ALGO DE TONY

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

OCHO MUJERES DE ROBERT THOMAS, EN EL TEATRO CIRCULAR - LA  CALESITA DE LA VERDAD

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

LÍTOST, LA FRUSTRACIÓN DE JIMENA MÁRQUEZ, EN EL TEATRO VICTORIA - MESTER DE JUGLARÍA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

LA SOSPECHOSA PUNTUALIDAD DE LA CASUALIDAD DE JIMENA MÁRQUEZ, EN EL TEATRO SOLÍS, SALA ZAVALA MUNIZ.- DESENCUENTROS VOLÁTILES

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

MÁLAGA DE LUKAS BARFÜSS, EN LA SALA VERDI - LA FAMILIA DISFUNCIONAL ATACA  DE NUEVO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

OTELO, DE SHAKESPEARE, POR LA COMEDIA NACIONAL EN EL TEATRO SOLÍS - SHAKESPEARE A LA VISTA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

LAS AMARGAS LÁGRIMAS DE PETRA VON KANT, DE RAINER WERNER FASSBINDER, EN EL TEATRO EL GALPÓN. - NO LLORES POR MI, PETRA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

EL CUENTO DEL ZOO DE  EDWARD ALBEE, EN EL TEATRO ALIANZA - EL CUENTO DEL PARQUE MISTERIOSO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

EL DESEO ATRAPADO POR LA COLA, DE  PABLO  PICASSO, EN EL TINGLADO- PABLO PICASSO SOBRE LAS TABLAS

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

NUESTRA REVISTA, NOTICIAS TEATRALES, GALARDONADA EN ELDORADO (MISIONES - ARGENTINA)

 

EN LA ESQUINA LATINA (CALI – COLOMBIA): RETRATOS DE ALDEA

La obra que se estrenó en 2017 en el Teatro Esquina Latina “RETRATOS DE ALDEA”, con dramaturgia y dirección de Orlando Cajamarca, continúa la puesta escénica –45 años de Terquedad Teatral– todos los sábados de abril a las 7:30 p.m. en la sala del teatro.

Esta puesta en escena es una metáfora elaborada a partir de hechos y personajes de historias recogidas en crónicas y en noticias de prensa, que relata situaciones que surgen de la opacidad de ciertos acontecimientos que dan cuenta de cómo la macroeconomía y los medios de comunicación, como supra poderes, decretan y administran hasta la más lejana aldea.

La obra:

Don Pablo Castaño, obsesionado por un hijo varón, tiene una única hija, Carla, que es camuflada por su madre como hijo varón –Carlo-  hasta los trece años, cuando Germán hijo del mayordomo descubre el secreto y se enamora de ella. En una aventura de cacería, Carla seduce a German, pero es sorprendido por Don Pablo quien lo tortura y lo da por muerto. Carla logra huir.  German sobrevive y confía en la promesa de ella, que regresará.

En el pueblo Germán se convierte en el secretario de una vieja agiotista –Juana-  de la central de abastos y enemiga de Don Pablo, quien la dejó plantada a la hora del matrimonio. A German y a la Juana los une la venganza y juntos planifican la ruina de Don Pablo. La ambición de Germán lo lleva a deshacerse de ambos. Germán concentra todo el poder y se convierte en un potentado sin escrúpulos: controla todos los poderes políticos, además de los bancos y los medios de comunicación. Carla acompañada de su sirviente, El Mudo, decide regresar como Carlo, un empresario moderno, a vengarse de su padre y reunirse con Germán, pero se encuentra con la noticia de que su padre ha sido asesinado. Germán la espera para consumar su deseo y consolidar su poder. Carla al enterarse a su llegada de la muerte de su padre, desplaza su odio y su venganza contra Germán.  Carla elimina a Germán e instaura un nuevo orden en la Aldea.

“Retratos de Aldea” se presentará los sábados 7, 14, 21 y 28 de abril, a las 7:30 p.m. en la sala del Teatro Esquina Latina. Calle 4ta Oeste # 35-30, barrio: Tejares de San Fernando.

"Sala Concertada por el Ministerio de Cultura y la Secretaría de Cultura Municipal.”

Esta programación artística en la Sala del Teatro Esquina Latina cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura y de la Secretaria de Cultura de Santiago de Cali.

Para mayor información: www.esquinalatina.org

Volver al SUMARIO

EL LEÓN Y EL CARPINTERO LOS DOMINGOS INFANTILES DE ABRIL EN LA ESQUINA LATINA (CALI – COLOMBIA)

El León y el Carpintero, con dramaturgia y dirección de Alfredo Valderrama continuará la Puesta Escénica 2018, del Teatro Esquina Latina, los domingos de abril a las 11:00 a.m.

El León y el Carpintero es un espectáculo músico-teatral de cuentería teatral basado en un relato de “Las mil y una noches”, llamado “La encantadora historia de las aves y los animales” realizado para el disfrute de toda la familia.

La obra:

En esta historia, un joven león escucha a dos de sus súbditos, una ratona y una pava, quejarse de las maldades y artimañas del hombre; el león que es fuerte y orgulloso, sale a buscar a ese extraño animal sin escuchar los consejos de sus pequeñas amigas que le advierten que él no está preparado para semejante empresa.

El león que conoce muy poco del mundo y de las otras especies, se topa con un caballo y un toro y los confunde con el hombre, pero estos le aclaran que a pesar de su fuerza, el hombre también los ha vencido.

Más adelante el león conoce a un ser débil y despreciable que dice ser de la especie de los carpinteros, que su oficio es hacer casas y que huye del hombre y busca al tigre para que a cambio de una casa lo defienda. El león ofendido pide que se le haga primero una casa a él, pues es el rey, mientras que el tigre no es más que uno de sus cortesanos.

El carpintero fabrica una extraña casa, el león entra en ella y tarde se da cuenta que es una trampa de la que no podrá escapar sin ayuda.

Los animales vienen en su ayuda, lo liberan y persiguen al hombre hasta llevarlo malherido fuera de la selva. El león aprende dos lecciones, no debe subestimar a los pequeños y sí se debe temer a la astucia del hombre, que es más poderosa que la fuerza bruta.

“El León y el Carpintero” se presentará los domingos 8, 15, 22 y 29 de abril a las 11:00 AM en el Teatro Esquina Latina, Calle 4 Oeste #35-30, barrio Tejares de San Fernando.

"Sala Concertada por el Ministerio de Cultura y la Secretaría de Cultura Municipal.”

Esta programación artística en la Sala del Teatro Esquina Latina cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura y de la Secretaria de Cultura de Santiago de Cali.

Para Mayor Información: Teatro Esquina Latina - www.esquinalatina.org

Volver al SUMARIO

LORCA EN LAS TRINCHERAS DE MADRID DE ADHEMAR BIANCHI, EN EL TEATRO EL GALPÓN - REITERADOS HOMENAJES

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

El propósito de la obra es, según su autor “…homenajear a aquellos actores, combatientes, artistas que en el frente de Madrid representaron distintas obras –entre ellas  “El  retablillo de  Don Cristóbal” de García Lorca, organizados por Miguel Hernández, el  poeta…”, todo  ello al cumplirse  120 años  del nacimiento  del poeta.

“Lorca en las trincheras de Madrid” es “El retablillo de don Cristóbal” con la novedad de que los personajes son representados por títeres y seres humanos. Sale un muñeco, entra un actor que continúa el personaje. Ingenioso y bien sincronizado, con destreza; pero es un brillo que no realza el texto original. A las  escenas del “retablillo” suele seguir una escena multitudinaria de soldados republicanos con sus armas, comentando desde el curso de la guerra, con la disolución  de las “Brigadas Internacionales, a las elecciones en Uruguay. Dada su mayor extensión, “El retablillo de don Cristóbal” aparece más importante que las bombas, aviones, cañones y ametralladoras que distraen de su acción.

Esta obra de García Lorca, que al parecer conocemos expurgada de mayores crudezas por el propio autor, no es el mejor fundamento de su gloria. En cuanto a la visión de la guerra civil, “Lorca en las trincheras de Madrid” reitera lugares comunes: todo está bien en Madrid. Los breves textos asignados a los episodios de guerra aluden vagamente a disensiones dentro de las filas republicanas; a más  de ochenta años, no hay reexamen de la historia, no se intenta una visión original, no hay crítica en acción.

Conocíamos del autor y codirector Adhemar Bianchi su vigorosa realización épica “El fulgor argentino”, estrenada en 1998 en el galpón de Catalinas Sur, en la Boca, Buenos Aires, todavía en cartel en 2017. “Lorca en las trincheras de Madrid”  es también multitudinaria y sucede en medio de la guerra civil española, en Madrid y en 1937; pero así como veíamos la historia  de la Argentina en “El fulgor Argentino” y vibrábamos con ella, se nos desdibuja aquí, en un friso espectacular que padece todo el frío de los homenajes, la heroica resistencia de Madrid. Algo de esta frialdad puede haber sentido el autor de la pieza, que recurrió, en los últimos minutos de “Lorca en las  trincheras  de Madrid”  y para elevar la temperatura de la platea, a la canción “El  paso  del Ebro” o “Viva  la XV Brigada” que oímos en “¡Ay, Carmela!”

En el elenco de “El retablillo…” Dante Alfonso se luce en el papel de don Cristóbal. 

LORCA EN LAS TRINCHERAS DE MADRID, Adaptación de Adhemar Bianchi de “El retablillo de Don Cristóbal”, de García Lorca. Directores, Adhemar Bianchi y Ximena Bianchi. Ayudante de dirección, Claudio Lachowicz. Directora musical, María José Bentancur. Con Marcos Acuña, Dante Alfonso, Valeria Bauzá, Vladimir Bondiuk, Lucil Cáceres, Luciano Chattón, Nahuel Delgado, Camila Durán, Francisco Esmoris, Luciana González, Rafael Hernández, Tania Hernández, Soledad Lacassy, Leonardo Lima, Clara Méndez, Federico Motta, Gianna Prenol, Giuliano Rabino, Inés Rodríguez, Lucía Rossini, Leonardo Sosa, Sofía Tardáguila  y Rodrigo Tomé. Titiriteros en escena, Rodrigo Abelenda, Tamara Couto. Escenografía de Andrés Guido. Vestuario de Iván Arroqui. Iluminación de Rodrigo Novoa. Música de Paolo Grosso y Gonzalo Varela. Diseño de títeres de Fernando Besozzi. Estreno del 17 de marzo de 2018, teatro El Galpón.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

LA EXTRAVAGANCIA” DE RAFAEL SPREGELBURD, EN ESPACIO TEATRO - RAFAEL EL TRAVIESO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

“La extravagancia”  fue estrenada en Montevideo el 15 de octubre de 2000 con actuación de Susana Anselmi, dirección de Maria Dodera y la  presencia en la platea del mismo Rafael Spregelburd (Buenos Aires, Argentina, 3 de abril de 1970). La faz de la pieza asoma temible, pero es un monstruo de papel. Escribimos en “La República” el 19 de octubre del mismo año:

“¿Qué pensar de esta historia de tres hermanas gemelas, María Brujas, María Socorro y María Axila, más una cuarta que murió sobre el parto, de las que dos son legítimas y una adoptada, y donde las legítimas están afectadas de un virus mortal trasmitido por una madre que agoniza? Al lado de esta catástrofe triple o cuádruple, los desmayos de Marguerite Gautier y las crisis nerviosas de su enamorado Armando parecen sobrios documentales sobre la vida y la muerte en el siglo XIX”.

Como era de prever, ninguna de las hermanas sabe cuál de ellas es la adoptada: un oportuno incendio colaboró con la intriga destruyendo los documentos de estado civil que contestarían todas las preguntas; y aquí termina nuestro conocimiento fidedigno de la trama, que en parte se desarrolla en la escena, en parte en la pantalla de un televisor que suele encenderse y apagarse solo, donde se ve a María Axila y su programa de astrología y consejos. Socorro es novelista de  best  sellers, María Brujas habla y consume acetona. Aparece, también al teléfono, el padre, Armando, pero su voz no se oye; la voz de la madre agonizante aparecerá en su último  momento y sólo alcanzará a un contestador.

Hemos leído que Spregelburd elabora una “poética de la desintegración” con la consiguiente “deconstrucción” del monólogo y la infaltable alusión  a la homóloga “familia disfuncional”. Nos imaginamos la educada pero divertida sonrisa del autor, si llegó a leer estos vuelos del pensamiento. Se divierte; no hay mucho más. Se  divierte cuando Inventa extraordinarias  fantasías  de la  conducta, cuando crea la “Heptalogía de Hyeronimus Bosch” con los siete pecados capitales, se divierte con sus títulos caprichosos, “La modestia”, “La estupidez”, “La  terquedad”, “La paranoia”. Se divirtió, superlativamente, con su cómica telenovela teatral, en diez episodios, “Bizarra”, que dura unas once o doce horas  en su  versión completa.

La prosa de Spregelburd fluye con soltura y gracia; en particular hay allí una delicada sensibilidad para la palabra, refinamiento del que se habla, como al pasar, en “La extravagancia”. Ingenioso, prolífico e inventivo, el autor abunda en giros inesperados, controlados delirios y sensatas  observaciones; aspira  y logra el humor, un  humor nada ácido, leve y aéreo, intelectual y poco  visible. Domina con toda evidencia el idioma español, lo que no es frecuente, además de varios otros; siempre es grato ver una obra correctamente escrita por un hombre culto. Aparte de esto, que no es poco, confesamos que no bien transcurren 24 horas de haber dejado el teatro, nos es difícil recordar los  argumentos de Spregelburd, como si se nos evaporaran en la memoria..

La puesta en escena de Daniel Romano, muy superior, por más comprensible y mejor definida, que la del  año 2000, tiene la necesaria  agilidad y rapidez  que conviene al autor; no la vimos  decidida por una sola línea de interpretación. Por momentos el director pareció tomarse en serio la obra, como si fuera un drama; por momentos se situó en el plano que creemos propio de  Spregelburd, el  de la invención, el sueño leve, libre y sin límites.

Un capítulo especial merece Alicia Garateguy Tiene convicción y  entusiasmo, mantiene sin demasiado esfuerzo la  atención del  espectador e ilumina la escena. Es posible que Spregelburd o la puesta, en escena hayan definido a la protagonista como una mujer obsedida y hasta exasperada, tesis para la que no faltan argumentos; no obstante, encontramos a la actriz, siempre firme y comunicativa, un tanto contraída en sus gestos y algo monocorde en su dicción, siempre límpida y audible.

LA EXTRAVAGANCIA, de Rafael Spregelburd, con actuación de Alicia Garateguy. Escenografía y vestuario de Hugo Millán, luces de Lucía Tayler, filmación de Pablo Alcántara, sonido de Álvaro Fiorito, dirección de Daniel Romano. Estreno del 3 de febrero de 2018, teatro Espacio Teatro.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

Pequeño Teatro de Medellín estrena El solar de los mangos de Orlando Cajamarca

El Pequeño Teatro de Medellín estrenará la obra “EL SOLAR DE LOS MANGOS” -Premio Latinoamericano de Dramaturgia George Woodyard 2007- del dramaturgo Orlando Cajamarca, este montaje es dirigido por Albeiro Pérez. Las funciones se iniciaron el 6 de abril a las 7:30 p.m. en la Sala Rodrigo Saldarriaga del Pequeño Teatro en Medellín.

Esta obra muestra un recorrido entre alegre y melancólico por el pasado poético y la cruda realidad de una familia.

Sobre la obra:

La madre de Rosario y de Ana vuelve al solar de los mangos a trasegar un pasado de sabores y sinsabores, un pasado tan dulce como los árboles frutales que solía disfrutar y tan amargo como las muertes violentas que ocurrieron en su familia. En su recorrido entre alegre y melancólico por el lugar que la vio nacer y crecer, rememora frutos de mil sabores, árboles multiformes y músicas de cuerdas y de pájaros; evoca también a aquellos que quizás murieron por no renunciar a su terruño. Y finalmente recuerda a sus dos hijas que, aunque lejos, sabe que pronto se le unirán en el lugar que ya no es y nunca será lo que fue antaño.

La obra es un breve resumen de muchas de las dolencias que han afectado no solo al Valle del Cauca sino en general a Colombia en los últimos 50 años: La pérdida de la tierra, el desplazamiento, la migración, el narcotráfico, la trata de personas. Paradójicamente, es también una especie de advertencia para quienes creen que el mundo es mejor al otro lado del océano.

El desarraigo, aquel tema que durante los últimos ha ocupado las más profundas reflexiones del actor, dramaturgo y director caleño Orlando Cajamarca, le trajo a este creador el honor de ser el primer colombiano ganador del II Premio Teatral George Woodyard de Dramaturgia Latinoamericana. En sus palabras el premio “es una aceptación de la dramaturgia colombiana en la academia norteamericana y sintetiza el interés de esta escuela sobre el quehacer teatral latinoamericano”.

Orlando Cajamarca Castro, es fundador, actor, director y dramaturgo del Teatro Esquina Latina, de Cali, en 1973 en la Universidad del Valle.

La temporada de estreno de “El solar de los mangos” se llevará a cabo del 6 al 28 de abril (martes a sábado) por elenco de “Pequeño Teatro” a las 7:30 p.m. en la Sala Rodrigo Saldarriaga del Pequeño Teatro de la ciudad de Medellín.

Volver al SUMARIO

BUFÉ DE YVONNE DENIS ROSARIO EN EL XL FESTIVAL DE TEATRO DEL ATENEO EN PUERTO RICO

El XL Festival de Teatro del Ateneo (Puerto Rico) continúa, desde, 12 de abril, su ciclo de estrenos con la adaptación para la escena de la novela BUFÉ, de la aclamada novelista puertorriqueña contemporánea Yvonne Denis Rosario.

El espectáculo es una adaptación escénica realizada y dirigida por el dramaturgo puertorriqueño Roberto Ramos-Perea, del segundo intertexto de la premiada novela homónima, que será llevada a escena en una producción del Conservatorio de Arte Dramático en el Teatro del Ateneo.

Muchos sospechan los mundos de corrupción e intrigas que se mueven en la famosa “Milla de Oro” que es corazón económico de la ciudad de San Juan. Un mundo donde los grandes bufetes de abogados ponen precio a todo, hasta al alma humana. A este sórdido mundo llega la joven abogada afropuertorriqueña Marina Algas. Llega llena de ilusiones y hambrienta de pasiones y curiosidad. Carga como herramientas las duras experiencias de su infancia y su adolescencia en el Puerto Rico de los ochenta. Por su mirada a los largos pasillos corporativos pasará el zoológico de ilustres encorbatados que conspiran a sus espaldas, contra los que reacciona antes de dejarse llevar por su madeja de mentiras. El mundo descrito por Denis Rosario en su novela publicada en el año 2012, es uno donde la verdad tiene precio, donde las ambiciones, el poder y la discriminación no tienen fronteras. Es un mundo de caprichos y lujos donde lo único que puede salvarla es la pasión por la verdad.

BUFÉ cuenta con la protagonización de los actores Astrid Ayala como Marina Algas, Israel Solla como Antulio Garza, y secundado por los actores Javier Rivera Pastrana, Andrés López Sierra, Karla Malavé, Mirnelis Flores, Josh Costales, Alexis Pedraza, Cybele Delgado, entre una docena de actores, en una Producción Ejecutiva de Caroline Vanessa Alicea y la Asistencia de Dirección de Bárbara Guzmán.

La obra estará en funciones desde el jueves 12 al domingo al 22 de abril, por dos fines de semana, de jueves a sábado a las 8:30 y domingos a las 4:30. Entrada libre sujeto al cupo de la sala. No se recomienda para menos de edad. No se hacen reservaciones.

Para mayor información debe llamar al Ateneo Puertorriqueño al 787-721-3877

Volver al SUMARIO

Joel Prieto inaugura el curso de la Ópera Nacional de Chile

Mozart, uno de los compositores que lideran la agenda de Joel Prieto, regresa a la voz del afamado cantante los días 16, 20, 23 y 26 de abril con una producción de la segunda ópera de la trilogía Mozart/Da Ponte, Don Giovanni, título con el que el Teatro Municipal de Santiago, sede de la Ópera Nacional de Chile, levanta el telón de la temporada. Lo hará en una puesta escena que firma Pierre Constant y con la dirección musical de Attilio Cremonesi que intentará descubrir los secretos que Mozart imaginó para su versión sobre el mito donjuanesco. Junto a Joel Prieto en el papel de Don Ottavio cantarán Levent Bakirci (Don Giovanni), Michelle Bradley (Donna Anna), Paulina González (Donna Elvira), Edwin Crossley-Mercer (Leporello) y Marcela González (Zerlina), entre otros.

Prieto debutó en el Municipal de Santiago en 2009 con el Arlecchino de Pagliacci volviendo en 2014 con La flauta mágica; afirma encontrarse “encantado” con su regreso a Chile. “Tengo un fantástico recuerdo de la labor que realizamos hace cuatro años en el Municipal, un teatro en el que se trabaja maravillosamente y estoy seguro de que el público lo pasará bien con este Don Giovanni, lleno de frescura y sentido teatral”, apuntó.

Nacido en Madrid (España), criado en Puerto Rico y formado en Nueva York, Joel Prieto regresa a Santiago de Chile después de triunfar en el Teatro Real madrileño como uno de los protagonistas de Street Scene, de Kurt Weill, y de su vuelta a Puerto Rico para clausurar el Festival Casals con el Requiem de Mozart junto a la Sinfónica de Puerto Rico.

Tras el Don Giovanni en Chile el ganador del concurso Operalia 2008 regresará a la isla caribeña para ofrecer un concierto junto a la Coral de niños de San Juan (mayo), volverá al Teatro Real madrileño para interpretar una nueva tanda de funciones de Street Scene y ofrecerá un recital en el Festival Málaga Clásica (España).

 Más información: http://joelprieto.com/

Volver al SUMARIO

PASO  BAILANDO TAMBIÉN SE MUERE EN OLD MUTUAL (BOGOTÁ)

PASO” Bailando también se muere. Coreografía dramática, un espectáculo de teatro música y danza creado por Alma de Tango y Mompa Producciones en estreno desde el viernes 6 de abril 2018, En el auditorio Old Mutual al norte de Bogotá.

Es un espectáculo que reune la danza, la música y el teatro en una historia llena de fuerza y de pasión. La trama se desarrolla en una sala de ensayos de un prestigioso coreógrafo, es en este universo donde se encuentran el coreógrafo, una bailarina y un músico que los acompaña con su piano y sus prolongados silencios. La obra es toda una prueba de danza, vida y muerte. Los personajes juegan en el filo de la vida y sus encuentros son explosiones de amor, y desconcierto. Y como toda audición es exigente y despiadada y en especial esta aún más, porque  pretende crear una nueva expresión en la danza para presentar en un importante festival. Sesión tras sesión la pareja se va moviendo a través de un laberinto de relaciones y sentimientos encontrados que va desgastando poco a poco la delicadeza y la ternura de la bailarina.

Elenco: Gina Medina( Bailarina).German Quintero (Actor Coreógrafo). Daniel López (Músico al piano). Matías Iván Van de Voorde (Bailarín).

Funciones, los viernes (hasta el 12 de mayo) a las 8:00 p.m. y sábados a las 6:00 p.m. (Avenida 19 # 109 A – 30 al norte de Bogotá.)

Volver al SUMARIO

SILVA PRODUCCIÓN TEATRO. MARZO, ABRIL 2018 - BUENOS AIRES Y MADRID

CORONADO DE GLORIA de Mariano Cossa, dirección Daniel Marcove Viernes 2115 hs Teatro La Comedia Entradas por Plateanet
UN JUDÍO COMÚN Y CORRIENTE Gerardo Romano – Dirección Manuel González Gil  Sábados 2030 hs Teatro Chacarerean – Plateanet
LAS DESTRUCTORAS de Alfredo Megna dirección Matías Strafe Sábados 21 hs Teatro El método Kairos – Entradas por Alternativa teatral.com
2do FESTIVAL DE TEATRO y DISCAPACIDAD Abril – Mayo Teatro El Tinglado

DORMIR EN EL AGUA de Amancay Espindola, dirección Virginia Lombardo Domingos 20 hs Teatro La Comedia

8vo FESTIVAL DEL AMOR 2019 – Recibimos material en julio y agosto-

A LA IZQUIERDA DEL ROBLE – Recordando s Mario Benedetti de Pacho O Donnell, con Ana María Piccio, músico Sergio Vainikoff, dirección Daniel Marcove Agosto Teatro CC Cooperación

En Madrid (España)

ALMAS GEMELAS de Eduardo Rovner – dirección Diego Bergier – Teatro Estudio Madrid (España) – abril - mayo

Contacto Silva Producciones  info@silva.com.ar

Volver al SUMARIO

TIEMPO  DE  FIESTA  DE HAROLD PINTER, EN EL TEATRO SOLÍS,  SALA ZAVALA MUNIZ - DANZA MACABRA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Un grupo de hombres y mujeres participa de una fiesta en un elegante club deportivo Hay conversaciones triviales, como a propósito de las toallas calientes de los barberos, que extraerían los puntos negros de nuestras caras, entre Terry (Diego  Arbelo) y Gavin (Luis Martínez), otras son dramáticas, como el maltrato conyugal de Terry a Dusty (Florencia Zabaleta), las  hay cómicas como la confesión de los frustrados deseos eróticos de Liz (Jimena Pérez) y las  divagaciones y fallidos coqueteos de Charlotte (Andrea Davidovics) con Fred  (Gabriel Hermano).Las hay de un dudoso narcisismo familiar (Douglas, por Pablo Varrailhon y Liz), otras son amenazadoras cuando, apretando los dientes, Douglas, que  posee una isla, habla de exigir de la  autoridad mano de acero, ya se sabe contra quiénes; hasta Melissa, (Isabel Legarra) que es mayor, se deshace en elogios de la fiesta. Pero sucede que hay helicópteros que zumban, tránsitos interrumpidos y disturbios; cada  tanto se oyen ruidos y los agonistas, por turno, aparecen entre las sombras distorsionados y alcanzados por luces relampagueantes; un personaje misterioso, Jimmy, por quien pregunta con insistencia su hermana Dusty, aparece en la  última escena y, puesto que se alimenta de sombra, está muerto. La invocada alegría de la  fiesta, en la que nadie cree, se hace visible. Es una danza macabra con personajes aún vivos; que se dicen seguros y se evidencian débiles y patéticos.

El tema no es nuevo: juguetes, vino, mujeres, canto y cocaína. El    hombre, mal conductor de la realidad, huye  de un mundo que ya  no soporta, vuelve al cuarto de los niños. Es la orquesta del “Titanic”  que toca mientras el barco se hunde, son los actores de “Neva” de Guillermo Calderón que ensayan en vano “El jardín de los cerezos” en el San Petersburgo de 1905 hasta que uno de ellos se rebela contra el teatro. La escritura de Pinter, como de costumbre es directa y concisa y admite bien las repeticiones que son su marca y  muestran el habla  devaluada a ruido.

En manos de la  directora  Ana Pañella la pieza  mantiene casi intacto el dialogado, pero faltó más Pinter. Nos referimos a más impacto, más dolor, mejor gradación de atmósferas, quizás un mejor contrapunto entre las  diversas  melodías. Falta, entre otros, un personaje, Pamela, que dice “…es una fruslería andarse con rodeos. Hay que ir al grano. ¿Qué es lo importante? ¿Qué cosas merecen la pena? Esa es la pregunta.¿ Qué valores hemos decidido preservar y por qué?” Sin  ese sentido general, suficientemente  acentuado, mediante un  golpe emocional que la redondee, la pieza parece incomprensible. En particular el final debe decir algo más que la aparición  espectral de Jimmy, escena que debió simbolizar la muerte en vida, nada distinta de su muerte real, que lo ha rodeado.

En la actuación de un elenco que  cuenta con los mejores  actores  de nuestro medio,  Jimena  Pérez (Liz) se  lució  especialmente.

TIEMPO DE FIESTA, de Harold Pinter, en  traducción  de Carlos Fuentes, por la Comedia Nacional Con Diego Arbelo, Luis Martínez, Florencia Zabaleta, Isabel Legarra, Jimena Pérez, Andrea Davidovics, Gabriel Hermano, Pablo Varrailhon, Luis Pazos y Federico Zaspe. Escenografía de Osvaldo Reyno, iluminación de Lucía Acuña, sonido de Federico Moreira, dirección de Ana Pañella. Estreno del 10 de marzo  de  2018, Teatro Solís, sala Zavala Muniz.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

RINOCERONTES DE IONESCO, POR LA COMEDIA NACIONAL, EN EL TEATRO SOLÍS - LOS RINOCERONTES SON CONTAGIOSOS

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Reponer “Rinocerontes”, una  obra que tuvo un éxito de  público y  crítica como pocas, demuestra, paradójica y exactamente, la “tesis” de la pieza. Sus admiradores, de ayer y de hoy, se han dejado llevar por una ola de admiración tan ingenua que en la actualidad, a casi sesenta años de su estreno, la pieza  ha  concluido por  clavarse su aguijón. Hay algo rinoceronte en la  aceptación  de “Rinocerontes” tal cual; una versión musical, como en “La visita de la vieja dama” de Dürrenmatt o una secuela critica, como en “Lo que pasó cuando Nora dejo a su marido” sobre Ibsen, de Elfride Jellinek, serían más frescas y mejores. Hay otros casos a enjuiciar de innobles emociones colectivas y los admiradores de Ionesco podrían intentar la sátira sobre públicos pasivos de hoy, como el de los conciertos de rock, la plaza de Mayo de Buenos Aires cuando la  toma de las islas Falkland por la dictadura militar argentina, las multitudes que aclaman al Papa, las reuniones evangélicas a lo Jimmy Swaggart o “Pare de sufrir”, nuestro “Teatro de Verano” con la apoteosis de la murga, el público carnaval con las “Llamadas” y su meretricia exhibición de carne femenina.

La obra comienza con una cháchara general en un café, con su personal y parroquianos; aparece, se le  oye y algunos lo ven, un rinoceronte,  luego otro, uno  africano, el otro asiático; la concurrencia  absorbe la sorpresa con nueva cháchara y aparece una desafortunada parodia de la lógica. Pronto  adivinamos toda la acción: toleraremos, aceptaremos, amaremos, seremos rinocerontes. Al fin, el acorralado protagonista, Bérenger (Fernando Dianesi), un burócrata borracho abandonado hasta por su amor, Daisy (Stephanie Neukirch), empuñará la bandera de la libertad y, en una escena que creemos inspirada, no  sólo en el cuadro de Delacroix “La libertad  guiando al pueblo”, que integra la escenografía para ser destruido por los rinocerontes, sino  también en la última escena de “Calígula” de Albert Camus, nos ofrece un lugar común “humanista”.

La puesta en escena de Álvaro Ahunchain  transcribe con fidelidad el texto de Ionesco, con algunos agregados que vienen directamente de la  página editorial de “El País” donde escribe el mismo Ahunchain. Oímos el mensaje del director: tanto respecto de la llamada “ideología de género” como del marxismo (?) al estilo cubano – venezolano - ecuatoriano – boliviano: cualquier poder genera manadas de rinocerontes; también las ha generado la divinización de los ”mercados”, la reducción de la vida a la “economía”, la  sumisión, parecida  a la reverencia  de los teólogos ante  el “derecho divino de los reyes”, del máximo rinoceronte de nuestros días, el capitalismo. De acuerdo; pero no se necesitaban estos pesados “Rinocerontes” para rechazar los catecismos y defendernos  del poder.

Fernando Dianesi cumple su papel a la perfección, con múltiples recursos de dicción y gesto; hay una gracia especial en Leandro Ibero Núñez, en el papel de un desatinado filósofo.

RINOCERONTES, de Eugène Ionesco, por la Comedia Nacional, con Fernando Dianesi, Levón, Stefanie Neukirch, Andrés Papaleo, Cristina Machado, Claudia Rossi, Natalia Chiarelli, Fabricio Galbiati, Juan Antonio Saraví y Leandro Ibero Núñez. Escenografía de Beatriz Arteaga, iluminación de Ignacio Tenuta, vestuario de  Ana Arrospide, música  de Carlos García, versión y dirección de Álvaro Ahunchain. Estreno del 3 de febrero de 2018, teatro Solis.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

LA FIACA, DE RICARDO TALESNIK, EN EL TEATRO DEL NOTARIADO - RELIQUIAS DE ANTAÑO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Muy pocas obras tuvieron el éxito de “La fiaca”, de Ricardo Talesnik (Buenos Aires, 25 de diciembre de 1935). “La fiaca”, cuyo título es un argentinismo por “pereza” o “acedia”, fue estrenada en 1967 en Buenos Aires, reestrenada en Madrid en 1969 con dirección de Fernando Fernán Gómez, llevada al cine con Norman Briski y Norma Aleandro, traducida a varios idiomas y representada en varios países. La palabra, que frecuentó el habla coloquial durante algunos años, pasó de moda: todo fue una gigantesca  burbuja que cubrió el  horizonte y no dejó ver cuán poca sustancia quedaba y cuánto viento la insuflaba. “La fiaca” rozó, para su felicidad, muchos temas y muchos personajes: el protagonista, Néstor Vignale, tenía algo del Eduardo de ”En familia” de  Florencio Sánchez, algo del “Bartleby” de Melville, quizás un poco del “Wakefield” de Hawthorne; cosechó un brillo reflejo del “teatro del absurdo”, de moda cuando su estreno. La negativa a trabajar sonaba a rebelión, a salirse del “sistema”, a rechazo del mundo del trabajo esclavizado y del capitalismo; era el auge de hippies y beatniks, Timothy Leary y el ácido lisérgico, Jack Kerouac y “Los  vagabundos del Dharma”, Huxley y la  mescalina, Suzuki y el budismo Zen, Janis Joplin y Woodstock. Debe ser posible y aún de interés sociológico determinar las causas de su extraordinario éxito; pero confesamos que la  sola idea de ahondar en el vacío de las modas nos produce fiaca.

La  puesta en escena de Eduardo Virells, que ha tenido una destacada  actuación en nuestro teatro, es convencional: creeríamos estar, efectivamente, hace cincuenta  años. “La fiaca” desde la escenografía al estilo de actuación es una antigualla.

LA FIACA, de Ricardo Talesnik,  con Kairo Herrera, Alessandra Moncalvo, Teresa González, Nacho Duarte y Luis Lage. Iluminación de Rosina Daguerre, escenografía de Rubén Rodríguez, selección musical, selección de vestuario y dirección de Eduardo Virells. Estreno del 24 de enero de 2018 en Teatro del Notariado.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

TU CUNA FUE UN CONVENTILLO DE ALBERTO VACAREZZA, EN EL TEATRO SOLÍS. - INMARCESIBLE VACAREZZA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Extraña lozanía la de Alberto Vacarezza (Buenos Aires, 1 de abril de 1886 - 6 de agosto de 1959). No la tiene su coetáneo José González Castillo, quizás más hondo y con más sentido social, pero que a veces suena forzado, ni la tienen sus amigos desde la infancia, y también dramaturgos, Federico Mertens y Armando Discépolo. La gracia de Mertens, muy real aún hoy, parece anclada en un pasado apenas recuperable; Discépolo se perjudica por una ambición inasistida que, sin embargo, la posteridad aceptó hasta como buena moneda. Los diálogos de Vacarezza fluyen con única soltura; cuando versifica, es natural y directo; sus personajes, no bien los nombra, tienen vida, sangre y  color; caminan, aman, sufren.

“Tu cuna fue un conventillo” es casi una demostración de las impares facultades de Vacarezza. Casi no hay argumento, pero también parece haber demasiados; los personajes entran, se buscan, se desafían, se reprochan se  reencuentran, discuten, cantan; todo es ágil y rápido; nada parece superficial. Al fin no ha pasado nada, la familia criolla, el italiano, los españoles, la  muchacha que dio el mal paso, la que no lo dio, el ex convicto, siguen firmes en sus trece, y para todos, justos y pecadores, tiene el autor un gesto de  cariño, auténtica comprensión.

La adaptación de José María Novo, a cuyo cargo estuvo también la bien movida y medida puesta en escena, es libre, y todo en la obra original invitaba a ello. Con  esto decimos que no importa demasiado la anécdota, lo que es claro en el texto de Vacarezza, que  parece hecho  a vuela pluma; importa la atmósfera, la exuberante vitalidad del conventillo, firme y presente en la versión de Novo. Se ha dado particular realce al tango, lo que rima muy bien con Vacarezza, que fue letrista de Carlos Gardel y que incluyó en “Tu cuna fue un conventillo” un gracioso fragmento en verso que podríamos llamar la “apología del tango”. La canción popular, bien interpretada por Nelson Pino, tiene un asidero social que aparece en la primera escena no bien Sarita Natalia Melonio comienza  a cantar, con fe, “Acquaforte” de Pettorossi y Marambio Catán, tango que no figura en el original de Vacarezza: estamos en un país auténtico y nada importa su alevosa vulgaridad. Oímos Un viejo verde que gasta su dinero/ emborrachando  a Lulú con el champán/ hoy le negó el aumento a un pobre  obrero/ que le pidió un pedazo más de pan/…/ Y pienso en la vida/ las madres  que sufren/ .los hijos que vagan/ sin techo ni pan/ vendiendo “La  Prensa” / ganando dos  guitas/ qué triste es todo esto/ quisiera  llorar” y allí, en la sala principal del teatro Solís, se abrió una ventana a la calle, entró aire y el   público lo reconoció y  respiró hondo.

Este hálito de vida aparece apoyado por los no menos de treinta personajes; y si no hubiera otros méritos, alcanzaría con la electricidad y  dinámica que da el número. El conventillo es un mundo, y bulle de sentimiento, de pasión y, probablemente, de muerte. En la  actuación destacaremos, como siempre que aparece en escena, a Luis Lage, muy preciso en el  acento, sobrio y medido de Don Antonio, el italiano inmigrante ya patrón de la cancha; y siempre es bueno  ver en escena, como la activa “Prudencia”, a la encantadora Cristina Morán, no menos fresca que “Tu cuna fue  un conventillo”. en sus 87 años.

TU CUNA FUE UN CONVENTILLO, de Alberto Vacarezza, versión de José Mª. Novo, por El Tinglado. Con Sarita Natalia Melonio, Lucía Acuña, Alvaro Hagopián, Gustavo Imperial, Iahara Stolarsky, Rodrigo Fleitas,  Laura Echegoyen, Nelson Pino, Natalia Bolani, Gabriel Sánchez, Luciano Gallardo, Leonardo Franco, Washington Sassi, Luis Lage, Jorge Temponi, Ángel Carballedas, Camila Cayota, Carina Méndez, Cintia Caballero, Cristina Morán, Nicolás Pereira, Leonardo Gallardi y Anthony Méndez. Escenografía de Hugo Fernández, Iluminación de Martín Blanchet,  vestuario de Nelson Mancebo, coreografía de Imperial, Stolarsky, Fleitas y Echegoyen, dirección musical y  arreglos de Luciano Gallardo, arreglos vocales de Lucia Acuña, dirección general de José Ma. Novo. Estreno del 8 de octubre de 2016 en el teatro El Tinglado, Reestreno del  2 de febrero de 2018, teatro Solís.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

APENAS EL FIN DEL MUNDO DE JEAN – LUC LAGARCE, EN EL TEATRO SOLÍS SALA ZAVALA MUNIZ - EL REQUIEM DE LAGARCE

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Como en “Music hall”, también de Lagarce,  estrenada con dirección de Diego Arbelo, en 2011, teatro Circular, donde una proyectada canción no empieza nunca, el protagonista de “Apenas el fin del mundo”, que regresa al hogar para informar a su familia de su próxima muerte, nunca puede hablar sobre su gran tema.

Las dos puestas  en  escena de Diego Arbelo modificaron los  originales  de Lagarce. “Music hall” se transformó en un espectáculo musical donde  Bettina Mondino cantaba, y muy bien, pero a pesar y en contra del libreto original; en “Apenas el fin del mundo” lo que  cambia y se desdibuja, hasta el punto de que  casi no lo  percibimos, es el evidente propósito de la pieza.

La  pieza fue escrita por Lagarce en Berlín, en 1990 cuando ya sabía que iba a morir de sida; toda  ella respira el grave temor de la muerte; pero un temor de la muerte que no es comunicable. Todos los personajes hablan sin parar, pero no hay contacto y el protagonista Luis (Mauricio Chiesa) siente que su soledad, lejos de atenuarse con el regreso a su familia, no hace más que  crecer. En esta angustiosa tensión entre lo que quiere trasmitirse y la muralla de palabras que momento a momento bloquea la comunicación, está la  originalidad de esta  obra patética.

No hay una particular distinción ni elegancia en el vulgar sentimiento del temor a la muerte (“…ese frívolo acto de morirse”, como escribió Marcel Proust) y se aprecia a la obra, a partir de los sentimiento de Lagarce, como su “Réquiem”. Este opresivo clima, un tanto fúnebre y un tanto religioso, era muy nítido en la  puesta en escena del colombiano Manuel Orjuela que vimos en el Festival Internacional de Teatro  de Porto Alegre  en el año 2009.

Dada cierta indefinición, seguramente deliberada, del texto de Lagarce, que carece, como de costumbre en el autor, de acotaciones, debe admitirse más de una idea  para la puesta en escena; pero lo que no  resulta eficaz  es la yuxtaposición de momentos que llamaríamos serios, con momentos de comedia y casi de sainete, particularmente en los monólogos a cargo del buen  actor que es Fernando Amaral. Ambos climas no llegan a fundirse y se experimenta una sensación híbrida, que no tiene ni los méritos graves de la tragedia ni los agrados  de la comedia. 

APENAS EL FIN DEL MUNDO, de Jean Luc Lagarce, con  Mauricio Chiesa,  Fernando Amaral,  Bettina  Mondino,  Camila Sanson y Mariela  Maggioli. Escenografía y vestuario de Gerardo Egea, iluminación de Ivana Domínguez, dirección de  Diego Arbelo. Estreno del  2 de  febrero de 2018, teatro Solís,  sala  Zavala Muniz.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

 LA INCAPAZ DE CARLOS MARÍA DOMÍNGUEZ, EN EL TEATRO CIRCULAR - HISTORIAS TRISTES DE LA CLASE ALTA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

La gacetilla de prensa de “La  incapaz” presenta una  historia  triste, casi de terror, basada, según su decir, en una novela de Carlos María Domínguez “El bastardo” sobre Roberto de las Carreras (Montevideo, 1873-1963) y su madre, Clara García de Zúñiga (Montevideo, 1845-1896). Clara es casada contra su voluntad (?) por razones de economía familiar, a los 14años, padeció violencia de sus padres y de su marido, José María Zuviría. Heredera de una fortuna, es declarada incapaz, privada de sus bienes y separada de sus hijos mediante un proceso judicial fraudulento, apoyado por el presidente de la Argentina, Bartolomé Mitre) y el de  Uruguay, Lorenzo Latorre.

En primer lugar debe decirse que “El  bastardo” no  es una “novela” sino una investigación histórica encargada por la editorial “Calicanto” a Carlos María  Domínguez, quien consultó una nutrida bibliografía, documentos  inéditos y el proceso judicial de incapacidad de Clara, existente en el Archivo General  de la Nación del Uruguay. Es posible que algunos diálogos de “El bastardo” sean reconstrucciones conjeturales; pero el autor no pretende la  transcripción literal y  sigue con esmero las líneas que proponen los documentos.

El lector puede admirar el buen  trabajo de investigación de Domínguez, pero le será difícil compartir las apasionadas afirmaciones con que desacredita a todos los médicos que intervinieron en la declaración de incapacidad de Clara García de  Zúñiga: “…(el) esfuerzo  de una  sociedad de médicos intelectuales” (sic) “empeñados en atrapar las  vidas  de Clara y Roberto en la  cadena” (sic) “ de una lógica que se disuelve en la sangre”(?). “En ninguno de estos discursos asoman los conflictos reales que  padecieron…Nadie los enfermó. Nadie los volvió locos. Fue la sangre, aseguran…” (pag.  462). En otras palabras, una conjura social y plural los enloqueció; no obstante,  el mismo prolijo detalle con que Domínguez cumplió el encargo de la editorial, su mismo libro, donde la locura de Clara García de Zúñiga está más allá de cualquier discusión, hace ver a su epílogo como una  arriesgada teoría que vincula la demencia de sus personajes con una siniestra conspiración, hipótesis expuesta  sin  más apoyo que frases altisonantes.

Como un subproducto de “El bastardo”, el mismo Carlos María  Domínguez escribió  el libreto de “La  incapaz”, que  con dirección de Armando Halty y  actuación de Elisa Contreras se estrenó  en el  teatro de la Gaviota  en enero  de  1998. El juicio que nos  mereció  (“La  República, 31  de  enero  de  1998) puede, reproducido tal cual, valer para esta puesta en escena  de Cecilia  Baranda, con actuación de Denise  Daragnès,  en el  teatro Circular:

“…la  elaboración de “La  incapaz” es insuficiente. El episodio pudo  servir a varios temas, pero debió tener uno. Tal vez Zola hubiera elegido la  locura hereditaria…Ibsen la lucha por salir del altillo de las muñecas, Flaubert  la demostración de la  tontería humana y del  daño que causa el exceso de lecturas, producto del ocio. Domínguez permanece deliberadamente en lo  anecdótico como hilo conductor… (una) estampa de época como único  efecto,  pero …las anécdotas son muy pocas…toda la  acción  está suplantada por la  narrativa”.

La puesta en escena de hoy viene bajo las banderas del actual  feminismo y su lucha por la igualdad fincada en la desaparición de las  diferencias de género, que serían una “construcción” social arbitraria; pero no nos convence que las triviales “libertades”, a lo Emma Bovary, de una mujer acaudalada de nuestro  siglo XIX puedan integrar un discurso válido sobre el tema, en particular teniendo en cuenta que simultáneamente con sus poblados ocios existieron, amaron y sufrieron las misérrimas trabajadoras a domicilio de las que se ocupó Florencio Sánchez en “La  pobre gente” y aún, en “Marta Gruni”, de las mujeres de pueblo en general, de cuyos amores, adulterios, embarazos, abortos, tifus y crímenes no hay registro; diferencias de clase que este curioso interés de la pequeña burguesía por las frivolidades de las clases altas tiende a ocultar. Hay mucho más feminismo, y  más  auténtico,  tanto en “Los muertos” de Florencio Sánchez (1905) como en “La hija de Iorio” de D’Annunzio (1904).

En la versión actual no hay nada nuevo y Denise  Daragnès, cuyas  aptitudes son sobresalientes, hace lo mejor que puede con un personaje  que  sólo alude a los acontecimientos  de su vida, entre interjecciones, sacudidas e  incómodas  risotadas.

LA INCAPAZ, de Carlos María Domínguez, con Denise Daragnès. Escenografía y vestuario de Paula Villalba, luces de Martín Blanchet, dirección de Cecilia Baranda. Estreno del 12  de enero  2018, teatro Circular.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

RÉPARER LES  VIVANTS  DE MAYLIS DE  KERANGAL, EN LA SALA VERDI - NUEVAS AVENTURAS DEL CORAZÓN HUMANO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Esta adaptación por Emmanuel Noblet de la novela de Maylis de Kerangal (Toulon, Francia, 16 de junio de 1967)  nos puso en contacto con una  escritora muy fuera de lo  común. Kerangal tiene estilo, muy personal, y, con toda evidencia, conquistado luego de una larga trayectoria sobre el alma y el idioma. No nos es fácil definirlo: acuden al teclado los primeros  términos, como elegante, rítmico, poético, sugerente; es todo eso, pero luego debemos decir de su prosa que tiene algo de oratorio, de palabra solemne; que su devoción  hipnótica por la realidad corre pareja con su trato íntimo con la fantasía y las metáforas. Su sentido extrasensorial del hechizo del mar, cargado de presagios, y la magia de sus espléndidos horizontes, nos trajeron a la memoria el movimiento, como del océano, en marcha o al acecho, de algunos poemas de  Saint – John  Perse.

Luego de una exitosa sesión de surf al romper el día, con sus amigos Christopher Alba y Johan Rocher, Simón Limbers, de 19 años. fallece víctima de un accidente de tránsito. Su corazón, que parece sobrevivirlo, puede, trasplantado, reparar la  vida de una mujer. En el punto, Kerangal enriquece su novela con buenos planteos sobre los temas éticos involucrados en el  trasplante, el trato con los  familiares, las decisiones difíciles, el sentido  profesional, el silencioso heroísmo y, nuevamente, un conocimiento en profundidad de la técnica del trasplante, no menos firme que sus conocimientos de las emociones del surf;  hay, aún, una delicada alusión a los temas que llamaríamos metafísicos y que el  trasplante de un órgano como el corazón no puede  sino suscitar.

La puesta en escena va a lo esencial, en línea con el  estilo terso y preciso de la autora. El actor Thomas Germaine, que se siente muy cómodo y suelto en la escena, dice todo, sin exagerar lo que podrían ser diversas caracterizaciones. El poderoso ritmo de la novela está conservado, y nada mejor  podemos decir.

RÉPARER LES VIVANTS, adaptación y puesta en  escena de Emmanuel Noblet, sobre novela de Maylis de Kerangal, con actuación de Thomas  Germaine. Colaboración en puesta en escena y dirección actoral de  Benjamin Guillard, producción del Centro Dramático Nacional de Rouen Normandie. Estreno del 30  de enero  de 2018, sala Verdi.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

INESTABLE DE ANDRÉS CAMINOS Y GADIEL SZTRYK, EN LA SALA VERDI - TEATRO MERCURIAL

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Andrés Caminos y Gadiel Sztryk son dos jóvenes actores  argentinos que comenzaron sus carreras, aún adolescentes, con esquicios en bares de Buenos Aires y pasillos de la Universidad Nacional del Arte; surgieron a la plena luz pública con “Sutottos”, una palabra inventada, en el año 2005. “Inestable”, con su pulcro y poco  visible  acabado, tiene aún algo de unión de episodios y fragmentos.

Los autores y actores se han centrado en distorsiones benignas de la conducta, como miedos y obsesiones. Sus dos personajes son parejamente neuróticos, pero no enfermos psiquiátricos; tienen la  simpatía del espectador, que  suele ver en ellos manías y fobias propias pero marcan distancia, porque, más allá del apunte, han levantado vuelo y han aterrizado, con equilibrio y compostura, en pleno territorio del absurdo. A los pocos segundos de comenzar, con un patético y  breve monólogo  de Caminos sobre los temores que les impedirán ofrecer la misma obra  que presenciamos, la escena conquista a la  platea. Los actores se desarman, hablan defectuosa pero controladamente,  gesticulan de más pero con precisión, abundan en cómicos tics y en buenos recursos expresivos. Tienen tacto en su relación con el público: abrevian, compendian, suelen ser originales, siempre son comunicativos y paradojales. Su comicidad propia les ha permitido omitir los lugares comunes de los  teatros de  comedia de Buenos Aires.

Es un arte difícil, refinado y menor. Fue inevitable pensar que Caminos y Sztryk están para más y mejor, que sus condiciones  histriónicas e intelectuales pueden servir a más ambiciosas realizaciones. Pero ellos conocen, mejor que nadie, sus horizontes, sus límites y  el  camino  a seguir.

INESTABLE, por la Compañía Sutottos, dramaturgia, dirección y  actuación de Andrés Caminos y Gadiel Sztryk. Escenografía e iluminación de Fernando Dopazo y vestuario de Ana Cristina Morales. Escenografía e iluminación de Fernando Dopazo y vestuario de Ana Cristina Morales. Estreno del 17 de enero de  2018, sala Verdi.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

NIÑO EXPÓSITOS, DE RAFAEL BRUZA, EN EL  TEATRO CIRCULAR - EL HUMOR EN LA SACRISTÍA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Nadie reprochará al dramaturgo argentino contemporáneo Rafael Bruza  exceso de ambición; debe acreditársele, en cambio, una sorprendente y tranquila originalidad. Encontramos en su texto algo de la  lúcida ternura de Arniches, en particular en “El padre Pitillo”, también sobre eclesiásticos; hay la misma visión, equilibrada pero no indiferente, de la vida en  religión, en  este caso la de dos ex monaguillos (Eustaquio, por Carlos Rodríguez y Heriberto, por Félix Correa), también ex niños expósitos y hoy quincuagenarios, recogidos y criados en la parroquia de  Santa Eludiges por el párroco, en la actualidad el  senil y resistente padre Roberto.

El tacto del autor es exquisito. En un tema que en cualquier  otra mano resultaría insulso y gris, Bruza encuentra sal y color. Sabe, al detalle de sacristanes, de  sacerdotes, de feligreses y sus entretelones, de  vísperas y maitines; tal vez no cree, pero comprende; sus agonistas lanzan, como al  azar, algunos dardos sobre la Iglesia Católica, pero las puntas no  tienen veneno; al autor le interesa más la humanidad del religioso que el catecismo y los  dogmas; acecha los raptos de sinceridad de los personajes y se olvida del rosario; la vida espiritual aparece transparente, humana, prosaica. También se muestran en “Niños expósitos” los aspectos más terrestres de nuestras vidas, como la marrullería de Eustaquio y el patético impulso de amor que siente Heriberto por la feligresa María Schmidtalter, que será seducida, en el penúltimo cuadro, por un pastor  evangélico.

En  un escenario elegante y corpóreo (Alicia  Lores y Eduardo Cervieri),  el  director Eduardo Cervieri  mueve la  acción con el  ritmo, un tanto intemporal pero no menos real de las  sacristías; en especial acierta en el tono de suave humor que quiere la pieza. La interpretación de Carlos Rodríguez y Félix Correa, ambos con una difícil composición física, está a la altura de los buenos momentos de estos dos excelentes actores.

NIÑOS EXPÓSITOS, de Rafael Bruza, con Carlos Rodríguez y Félix Correa. Escenografía de Alicia Lores y Eduardo Cervieri, vestuario de Alicia Lores, banda sonora de Rafael Hofstadter, luces de Pablo Caballero, dirección de Eduardo Cervieri, estreno del 13 de enero de 2018, teatro Circular.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

LA SUPLENTE, DE MARIANO MORO, EN LA SALA VERDI - PAYASO FEMENINO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

El  autor presenta a la solterona profesora de literatura, Azucena Marchitte (María Rosa Frega), a punto de dar una clase como suplente de la profesora Josefa Urrutia; no bien empieza a hablar, difama abiertamente a la titular, tanto en lo docente como en las intimidades de su vida privada. Comprendemos de inmediato que Azucena, mezquina e insignificante, no es ni será una profesora  suplente de carne y hueso, humilde  pero viable, sino un fantoche.

 Lo que sigue a la  presentación y primeras acotaciones sobre vida y milagros de Josefa Urrutia es una sucesión de escenas desmadejadas que avanzan, como es forzoso cuando no hay una idea consistente, hacia el circo y los payasos. El autor (Mariano Moro) se empeña, además, en redactar parte del libreto en verso; el  resultado es  la  previsible penuria de rimas e ideas, que  con toda  injusticia el  autor quiere atribuir a Azucena. Como  ejemplo del arte poético de “La  suplente” reproducimos este terceto: “si es  hirsuto /y viste de luto/ es puto”. Como se ve, todo se prepara para rematar vigorosamente con “puto”, ya que ni los pelos ni el color negro denotan, que sepamos, a los hijos de Sodoma. Siguen muchas otras estrofas con el mismo pie forzado de la rima en “uto” y en general, una procesión homofóbica de chistes arcaicos a costa de los homosexuales.

Las alusiones del texto en el terreno de la literatura son adocenadas; y no vale  decir que  la  protagonista lo es,  porque  ahí  está Flaubert para demostrar cómo se puede escribir una obra maestra con dos imbéciles como  héroes, “Bouvard y Pecuchet”. De Quevedo “Azucena” recuerda el soneto que  comienza  con “Erase  un hombre a una nariz pegado…”; de Juana Inés de la Cruz “Hombres necios…”. “Salomé”, de Oscar Wilde, además de incluir algunas previsibles referencias a la homosexualidad del autor, le  sirve a Azucena para zangolotear lúbricamente con la cabeza del Bautista. Hacia el final el autor abre los todos diques de la grosería y no hay interjección malsonante e inútil que no quepa en su obra. 

Si comparamos esta pieza con las recientes “Nuestras mujeres” de Eric Assous  (dirección de Mario Morgan) y  “Othelo” de Chamé Buendia, hallamos que parecen escritas por el mismo autor,  posiblemente por alguien similar a “Azucena Marchitte”. Hay la misma descarada vulgaridad, el mismo lenguaje sucio y a la vez incoloro, la misma busca de la risa fácil, el mismo desprecio por el arte.

La actriz María Rosa Frega, que interpreta la pieza con  gran  éxito desde hace dieciséis años, tiene escaso aplomo, demérito que no se debe del todo a la estulticia del personaje y un repertorio muy limitado de gestos  e inflexiones.

LA SUPLENTE, texto y dirección de Mariano Moro, actuación de María Rosa Frega, escenografía y vestuario de “Los del verso”. Estreno del 24 de enero de 2018, sala Verdi.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

OTHELO DE SHAKESPEARE EN EL  TEATRO EL GALPÓN,  SALA CÉSAR  CAMPODÓNICO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Hay proyectos difíciles: este “Othelo” figura entre los imposibles. Lo que tal vez comenzó como entrenamiento actoral, improvisaciones estilo “clown” sobre el “Othello” de Shakespeare, creció y tentó al director Gabriel Chamé Buendía (Buenos Aires, Argentina, 21 de abril de 1961) con la idea de una creación colectiva, una obra entera, primero  de 100 minutos y hoy de unas dos horas  de duración, con tendencia a crecer. El autor y director sigue con patética fidelidad al texto original; pero la tragedia de Shakespeare no rima  con el arte del circo y la vemos pasar, distante, misteriosa aún, como el ómnibus que no se detuvo a esperarnos y no nos  pertenece; no hay verdadero contacto, no hay una  auténtica “adaptación” que  modifique  la pieza en algún sentido. Chamé Buendía salpica el texto de Shakespeare con agregados, apartes, chistes, aspavientos, visajes por decenas, bromas de entre casa, gags, payasadas y groserías; los actores entran y salen de unos cubos y hasta se visten con ellos, despliegan sombrillas, escupen cintas de colores: son aderezos, bordados, caireles, no elaboraciones, todo prendido con  alfileres. Era posible, y más interesante, una parodia crítica de Shakespeare, que  implicaría asumir su estilo, competir  con él y  enjuiciarlo entre líneas. En este “Othelo” no se revisa al clásico y  se le trata con más temor reverencial del que podía esperarse. Shakespeare por un lado, en su  reino, nosotros por este otro.

Los hallazgos, siempre laterales, de Chamé Buendía son,  por lo menos, discutibles. Por ejemplo, creemos que la falta de buenas ideas lo inclina a pobres juegos de palabras. Se nos informa que alguien está “abatido” y se agrega, con el gesto de batir un huevo, que “ha batido”; se resuelve que Desdémona está “de moño” para acotar que es un “demonio”; se le dice que en el lugar adonde se dirige la van a “acoger”, tosco juego con el afligente sentido rioplatense del vocablo “coger” (tener relaciones sexuales; “follar”, en el español europeo); se califica a la víctima de “pura” para agregar que “cambió la “t” por una “r”. Obviamente, Chamé Buendía consigue risas, que vienen desde lo más grueso de sus espectadores. Risas epidérmicas, cosquillas potenciadas.

OTHELO, de Shakespeare, adaptación de Gabriel Chamé Buendía, con Matías Bassi, Elvira Gómez, Gabriel Beck y Martín López Carzolio. Escenografía y luz de Jorge Pastorino, música de Sebastián Furman, vestuario de Gabriel Chamé Buendía, iluminación de David Seiras, dirección de Gabriel Chamé Buendía. Esta pieza se estrenó, con otro elenco, el  3  de mayo  de  2015  en la  Sala Verdi, restreno del 20 de enero  2018, teatro El Galpón.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

OPERACIÓN CÓNDOR, EL VUELO  DE  LAURA DE LILIANA GARCÍA SOSA, EN EL TEATRO EL GALPÓN.- CAZA  MENOR

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Se apagan las luces. Aparece una  actriz que llega desde el hall  de entrada y avanza hacia la escena. Porta una poderosa linterna con que deslumbra a algunos espectadores; nos informa que el cóndor es un ave de rapiña y que, en particular, es un ave carroñera. que se alimenta solo de animales muertos.  Sube al escenario y conversa con otra mujer, su hija. El diálogo es confuso y “literario”; la madre habla en español y la hija en italiano, con títulos en español. La madre relata su cautiverio en el centro clandestino de reclusión “Automotores Orletti” (Buenos Aires, Argentina, desde 1976); menciona las diversas formas de tortura que padeció y no le  impidieron  dar a luz; su hija le es de inmediato secuestrada y  entregada  a un oficial del ejército chileno que la adopta. La madre muere en prisión y la hija, que debió llamarse Tamara y  se llamará Paloma; ya mayor, viaja a Italia para presenciar un juicio contra oficiales del ejército chileno por crímenes de lesa humanidad cometidos durante la  dictadura de Pinochet; sospecha, averigua, conoce su verdadera identidad. Sigue parte del juicio contra su padre adoptivo.

La obra es la utilización superficial de un tema que merece mejor trato. Para empezar, la “Operación Cóndor” fue, según toda probabilidad, un acuerdo de coordinación de los regímenes militares del Cono Sur (Uruguay y Chile 1973; Argentina, 1976) para trasladar disidentes y “subversivos” de un país a otro. Los militares de Uruguay, Argentina y Chile  cometieron los delitos de lesiones graves (torturas), privación de libertad, secuestro de los niños nacidos en cautiverio y, más  tarde, suposición de estado civil; pero por más  repelentes que sean, estos crímenes, no pertenecen necesariamente a ninguna coordinación internacional. Nos resulta extraña la inútil proeza técnica del largo diálogo ítalo – español (italiano la hija, español la madre) con prolijos letreros  traductores:si la madre hablaba español por ser argentina, la hija, criada por un militar chileno, podría hablar italiano, pero forzosamente sabía hablar español…Para  concluir, el catálogo de las  torturas que relata la madre es un  ejercicio de compilación,  una semisuma o común denominador del maltrato en las cárceles militares, solo para demostrar conocimiento de las siniestras realidades carcelarias de la era militar. Finalmente  la obra, que no tiene valor documental ni lo pretende, se presenta, en palabras de la autora, como “…la historia del amor entre una madre y una hija”, lo que entendemos aún menos,  dado que madre e hija  tuvieron ocasión  de  tratarse solo por  horas o minutos.

La obra es tan “políticamente correcta” como oportunista y desactualizada. La historia de las torturas de los regímenes militares ya está escrita. Esta es  la obra de una residente en Italia que según su mismo decir, “durante 2015 y 2016 estuvo en las audiencias sobre el Plan Cóndor, acompañando allegados que iban a declarar; decidió allí  “…contar, desde su “trinchera”, una historia en la que la denuncia pasa a través de la emoción” (sic). Muy “militante” lo  de la “trinchera”; pero en las obras que trataron seriamente el tema, el tono es distinto. En la  narrativa las “Memorias del calabozo” de Mauricio Rosencof  y Eleuterio Fernández Huidobro (1985) suenan con el sonido de la verdad, en teatro “Memoria para armar” de Horacio Buscaglia (2002, teatro Circular), con testimonios de hechos reales, entre ellos la conmovedora escena de “La  espera” de María Condenanza y finalmente “Antígona oriental” (Marianella Morena y Volker Losch, 2012) también con testimonios de presas  políticas. En su momento estas obras valieron, entre otras cosas, como denuncia de crímenes impunes;  pero el regreso de estos temas  en la  pluma de la Sra. García Sosa, repitiendo lo  sabido, tiene muy escasa  justificación. Como  obra  de teatro es un fracaso, porque no hay tensión y el  espectador conoce toda la trama de comienzo a fin;no hay nada del forzoso conflicto entre la mujer y su padre adoptivo, de quien se revela una oculta faz, y nada el conflicto íntimo de la mujer  cuyos sentimientos filiales debieron chocarse. Si la obra quiso ser, lo que no  creemos, de agitación y propaganda (“agit – prop”) no se ve a dónde apunta, porque, algunos condenados y otros absueltos, la cosa juzgada ha cristalizado muchas narraciones personales y no se advierten  avances al día de hoy.

Tal vez la obra pudo valer como denuncia de una situación aún no  resuelta, como es la determinación  exacta de lo sucedido, con todos los nombres y  todos los apellidos: pudo ser, y no fue, un llamado a la responsabilidad colectiva ante los crímenes impunes de las dictaduras. En el  caso de Uruguay,  precisamente,  es mucho mayor que en la Argentina la relación entre el número de militares criminales  impunes y el número de militares condenados; esta  obra pudo perseguir un blanco mejor que un militar chileno de alto rango que,  además, no  existió.  En lo que  atañe al Uruguay, la autora,  agregada cultural honoraria de la embajada del Uruguay en Chile desde 2008, pudo abandonar al polvo la carroña, ya exhausta; pudo dejar a los muertos  enterrar a los muertos; pudo, y quizás debió, ir a la caza mayor de presas vivas, a la caza de todos los militares criminales impunes; y sobre todo a la caza de los gobernantes que pactaron  clandestinamente esa impunidad de que aquellos gozan y que los gobernantes encubrieron y  encubren todavía, luego del “regreso” del Uruguay a la  democracia (1985).

El público aplaudió de pie. Tal vez quiso homenajear a las víctimas del terror, ausentes y lejanamente aludidas por una anécdota ingrávida. En el fondo quiere justicia, saber qué se hizo y por quiénes; quiénes lo  traicionaron,  cómo y  por qué lo  hicieron.

OPERACIÓN CÓNDOR, EL VUELO  DE  LAURA. Idea original de Liliana García Sosa, dramaturgia de Daniella Lillo Traverso,  dirección y puesta en escena de Liliana García Sosa y Ugo Bentivegna. Con Liliana García Sosa, María Cristina Moglia, Roberto Burgio, Ugo Bentivegna, Nibia López Balao (testimonio audiovisual) .Música original de Inti Illimani, histórico de Camilo Salinas, escenas y vestuario de Erminia Palmieri, diseño de iluminación de Luca Barbati, asistente de dirección Gianluca Mazzanti, dirección de producción Rosina Zímbaro y Paolo Monaci Freguglia, productora para América Latina María Fernanda García Iribarren, productor Fattore K,  Coproductores Soc. Coop. Teatro Stabile delle Arti Medioevali, Forteresse asbl, Polifemo S.r.l., Patrocinadores Europeos Eu Collective Plays!, Creative Europe Program of The European Union, Comune di Roma – Estate Romana, Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo italiano. Patrocinadores en Latinoamérica Embajada de Chile en Italia, Embajada de Uruguay en Italia. Estreno Teatro Marcello, Roma, septiembre 2017. Estreno uruguayo  teatro El Galpón, 13 de enero de 2018.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

NUESTRAS   MUJERES DE  ERIC  ASSOUS, EN EL TEATRO DEL NOTARIADO - PEQUEÑAS MISERIAS DE LA VIDA CONYUGAL

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

A Paulo (César Troncoso), Max (Franklin Rodríguez) y Simón (Diego Delgrossi) los vincula  una amistad basada en jugar a las cartas y denostar a sus mujeres, unas arpías que, al parecer, saben soportar. Simón llega tarde: estaba estrangulando a Estela, su mujer, luego de una rencilla doméstica;  pide a Paulo y a Max que mientan sobre la hora de su arribo, lo que le daría una coartada. Paulo y Max debaten si deben denunciarlo o mentir sobre la  hora de llegada; Paulo está por callar y aún por mentir; cambiará de postura a un puritanismo rígido cuando se entera de que su hija tiene relaciones sexuales con Simón; Max está siempre en pro de denunciarlo, y cansa un poco su  repetida  perorata. Al fin Estela, que no estaba muerta, denuncia a su marido. Buena parte de la obra se va en aquella discusión, que no progresa ni se eleva. Como es de orden, en el curso de la charla se revelan tanto los fracasos matrimoniales de Paulo y de Simón como los tropiezos galantes de Max.

El  desarrollo de la fláccida trama no contiene un solo rasgo de ingenio ni  nos ahorra un solo lugar común; la escritura de Assous es pobre; la versión local está afeada por la erupción, en cualquier momento, de un pesado magma  de groserías ociosas que interfieren con la trama y que por su impronta de payasada de circo, nos suscita lástima, y al público una miserable hilaridad. Todas las obras “de éxito” que llamaríamos “pasadas por Buenos Aires”, como esta  “Nuestras mujeres”, parecen todas del mismo árido e impersonal autor.

La dirección de Morgan no tiene las cualidades que lo distinguieron hasta hoy: energía, rapidez, ese staccato que  llevaba sin dar respiro de una escena a otra; Morgan, además, dejó estirar la obra, por encima de lo previsto en los  ensayos, por mor del morcilleo que al parecer viene con el libreto, a una hora y cuarenta minutos: fue demasiado. La interpretación estuvo a cargo de buenos actores, quincuagenarios, lo que no coincide con los treinta y cinco años, aproximadamente, de los agonistas de la pieza original, lo que hace poco  creíble a más de una escena. César Troncoso, que tiene las mejores cualidades de intérprete, como lo demostró en “Marx in Soho”, está, como Paulo, fuera de personaje: no creemos en un médico de una fragilidad que ronda la tontería. Franklin Rodríguez está más en el papel, como Max, el seductor a medias que en su soledad busca el sostén de sus amigos; Diego Delgrossi, como Simón, debe a su frecuentación de los  programas cómicos de la televisión la ingrata consecuencia de que no es fácil tomar en serio lo que dice: cuando anuncia el asesinato de su cónyuge, parece contar  un chiste para  justificar su impuntualidad.

 NUESTRAS MUJERES, de  Eric Assous, versión de  Fernando Masllorens y Federico González del  Pino, con César Troncoso,  Franklin Rodríguez y Diego Delgrossi. Escenografía realizada por Rubén Rodríguez, Maximiliano Leymonie y Alejandro Hualde, luces operadas por Agustín Romero y Alejandro Barboza, sonido operado por José Martínez, dirección  de Mario Morgan. Estreno del 11 de  enero  de 2018, teatro del Notariado.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

ESQUINA LATINA (CALI - COLOMBIA) CELEBRA 45 AÑOS DE TERQUEDAD TEATRAL

 

El Teatro Esquina Latina (TEL) contará con una programación artística especial, en honor a la celebración de sus 45 años, que podrá ser apreciada por el público en general a partir del mes de marzo de 2018 y que incluirá sus más reconocidas obras teatrales de repertorio para adultos, jóvenes y niños, programación musical y las noches de “Poesía en la Esquina” coordinadas por la poeta venezolana Betsimar Sepúlveda.

El Teatro Esquina Latina surgió en 1973 por iniciativa de algunos estudiantes de la Universidad del Valle. Hoy, luego  de cuarenta y cinco años de trabajo artístico experimental y más de treinta años de Animación Sociocultural, ha logrado consolidarse como grupo teatral independiente y en permanente actividad artística.

Todos los fines de semana a partir del mes de marzo hasta octubre de este año, los caleños podrán disfrutar de la puesta en escena de reconocidas obras del TEL, todas de creación, dirección y dramartugia propia.

“Poesía en la Esquina” se realizará el último jueves de cada mes, a partir de febrero, donde se continuarán invitando a reconocidos poetas para que realicen encuentros, recitales y lanzamientos de libros del género.

Por otro lado, el programa Jóvenes, Teatro y Comunidad (JTC) que es desarrollado por el TEL en asocio con la Asociación Red Popular de Teatro desde hace más de treinta años, continuará difundiendo el teatro como estrategia sociocultural con jóvenes, niños y adultos en las once localidades donde actualmente opera, pertenecientes a 6 comunas de Cali y 5 municipios del Valle y Norte del Cauca; e inaugurará la plataforma virtual http://radioteatro.esquinalatina.org/,  donde se encuentran alojados diferentes programas de radioteatro realizados por el equipo artístico y de comunidad del TEL y que contienen historias con la temática alusiva a la pedagogía de paz y la convivencia. En esta plataforma los oyentes podrán escuchar, comentar y descargar los audios sin restricciones.

 El Programa JTC le apuesta a sostener grupos que operan en red desde la acción cultural, como alternativa creativa que busca contrarrestar las consecuencias de las violencias que se presentan en los territorios y en pro de la construcción de una cultura de paz.

La puesta escénica del Teatro Esquina Latina dará inicio en el mes de marzo hasta octubre y tendrá lugar en su sede en la calle 4ta Oeste # 35-30, barrio: Tejares de San Fernando.

Más información: www.esquinalatina.org

Volver al SUMARIO

la obra EL ESTIGMA ARDIENTE, DE ROGELIO BORRA GARCÍA, GENERA POLÉMICA EN MÉXICO

La obra “El Estigma Ardiente”, del dramaturgo argentino Rogelio Borra García, que fuera premiada en Italia en el año 2004 y estrenada en Roma, con actores italianos y en lengua italiana, se presentó en Puerto Vallarta, México, en una versión a cargo del Grupo de Teatro Dionisio de esa ciudad.

Con el anuncio de nuevas funciones, el cartel de difusión de la obra generó rechazo y polémica en las redes sociales.

Un grupo de supuestos cristianos ortodoxos lanzaron voces de protesta sobre lo que consideraron una blasfemia y una provocación.

A pesar de las aclaraciones del director de la pieza, Juan Carlos Ramírez Ruiz, y del propio autor, la polémica cobró mayor fuerza, llegando incluso a insinuar la posibilidad de una bomba en la sala donde se exhibe la obra.

“A ver si un día los cristianos nos cansamos de esto y hacemos algo, que por mucho menos los islámicos ya algo habrían hecho.” “(…) los islámicos hubieran ido en plena función con una bomba y listo!”

“El INADI en Argentina es cómplice de toda esta basura, hay miles de obras blasfemas, o perdón cierto que la palabra "blasfemia" no está en el diccionario de estas bestias…”

La trama de la obra gira en torno a un cura acusado por dos menores, por actos de violencia y abuso sexual. En medio de un inexplicable episodio místico y con la presión del periodismo sensacionalista, un comisario pretende llegar al fondo de los hechos. Pero la verdad rara vez es pura y nunca sencilla.

No obstante las amenazas de acciones legales recibidas, los responsables de la puesta en México decidieron mantener sin cambios la difusión del espectáculo, conservando la imagen de promoción que desató la ira y la intolerancia de grupos extremistas.

Más información: www.rogelioborra.com

Volver al SUMARIO

CONCEDIDOS LOS PREMIOS "FLORENCIO" EN URUGUAY

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

Mejor espectáculo y dirección:

Ex aequo: "La resistible ascensión de Arturo Ui", de Bertolt Brecht, dirección de Villanueva Cosse, y "El  deseo atrapado por la cola", de Pablo Picasso, dirección de José María Novo.

Mejor actor:

Ex aequo: Héctor Guido, por "La resistible ascensión de Arturo Ui", y Álvaro Armand Ugon por "El cuento del zoo".

Mejor actriz:

Roxana Blanco por "La  travesía" de Josep M. Miró.

Mejor obra de autor nacional:

"La heladera sueca", de Fernando Buttazzoni.

Distinciones del  suscrito:

Mejor espectáculo y dirección:

"El cuento del zoo", de Edward Albee, dirección de Jorge Denevi.

Mejor actor:

Jorge Denevi por "El cuento del zoo".

Mejor actriz:

Leticia Scottini por "Bitch boxer".

Mejor obra de autor nacional:

"Otelo, la tanguedia" de Enrique Permuy.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

LÚCIDO DE  RAFAEL SPREGELBURD, EN EL TEATRO VICTORIA - EL PASADO QUE VUELVE

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Rafael Spregelburd (Buenos Aires, 3 de abril de 1970) mantiene a lo largo de su extensa obra dramática un estilo coherente y original. Sin  excepción, sus obras están bien escritas, lo que concuerda con su vasto conocimiento de varios idiomas; se expresa en un español sencillo y diáfano que omite prolijamente las interjecciones maleducadas que afean al teatro argentino de  hoy. “Lúcido” cuenta una historia conmovedora, que comienza cuando, aparentemente, Lucrecia (Natalia Sogbe) vuelve al hogar a reclamarle a su hermano Lucas (Joaquín Mauad) el riñón que le ha donado y con el que Lucas salvó su vida. Spregelburd oculta el conmovedor argumento hasta el final; con cauta probidad, nos advirtió al principio que veremos episodios posibles y nunca sucedidos, salvo en neurosis, sueños o divagaciones, tan “reales”, ay, como los hechos. Hay, por ejemplo, un padre ausente (Darío, por Pablo Isasmendi) que reaparece como mozo del restaurant “La Piedad”, hay cortantes cruces de palabras entre la madre, Teté (Adriana Ardoguein) y su hija que evidencian una familia que  padece una fractura que sus integrantes no quieren o no pueden identificar.

Todo es claro, inteligente y admirable, pero esa misma lucidez del autor parece conspirar contra el impacto dramático  de la obra. Como en otras obras  de Spregelburd, “La estupidez”, “La extravagancia”, “La  modestia!, “Acasusso” y “Un momento  argentino”, el efecto final, muy bien ideado siempre, parece evaporarse cuando la  obra concluye: con el  último  apagón toda la magia ha terminado. Admiramos, no recordamos; la última escena de “Lúcido”, conmovedora, parece deber la mayor parte de su eficacia al sutil arte de intérprete de Adriana Ardoguein.

La  pieza cuenta con un sólido elenco de actores y está muy pulcramente ambientada y fue dirigida con precisión, inventiva y  elegancia por Marcel Sawchik.

LÚCIDO, de Rafael Spregelburd, con Adriana Ardoguein, Pablo Isasmendi, Joaquín Mauad y Natalia Sogbe. Escenografía  de Julio Tabárez, sonido de Diego Cotelo, vestuario de Adriana Ardoguein y Julio Tabárez, iluminación de Marcel Sawchik y Julio Tabárez, dirección general de  Marcel Sawchik. Estreno del 17 de noviembre  de  2017 Teatro Victoria.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

COMUNICADO DEL GREMIO TEATRAL COLOMBIANO A LA OPINIÓN PÚBLICA SOBRE LA PRESENCIA DEL TEATRO COLOMBIANO EN LA XVI EDICIÓN DEL FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE BOGOTÁ FITB 2018

ANTECEDENTES:

La Asociación colombiana de actores ACA representada por Julio Hernán Correal, Ramsés Ramos y Adriana Romero H., fue convocada por la Junta del Festival Iberoamericano de Teatro 2018, para llevar a cabo una alianza y de esa manera encontrar caminos que garantizaran la presencia del teatro colombiano en la programación del FITB.

Después de seis encuentros llegamos a algunos acuerdos, pero nunca logramos que se pudieran expresar de manera formal en una carta de compromiso dirigida al público, el gremio y los medios. Por esa razón, los representantes de la Junta de ACA dimos por terminadas las conversaciones y decidimos convocar a una gran reunión para que el gremio teatral del país, conociera la verdad acerca de la situación del festival y la manera en la que recibiría los apoyos económicos por parte de las instituciones públicas.

Asistimos a una cita histórica. Por primera vez en muchos años, representantes de más de ciento cincuenta grupos y compañías teatrales del país se encontraron de manera presencial y virtual, para debatir sobre la participación del teatro colombiano en la próxima edición del FITB. A esa reunión, asistieron representantes del Ministerio de Cultura, del Instituto Distrital de las Artes IDARTES y de la Junta del FITB 2018.

Los temas que se trataron durante la reunión giraron en torno a:

- El desinterés de la Junta del festival en patrocinar la presencia del teatro colombiano dentro de la programación al no ser un ejercicio económico rentable.  

- La convocatoria de Idartes para las compañías a nivel distrital que obligaba a los grupos a ocuparse de labores de  autogestión en producción y promoción de sus obras, siendo estas responsabilidades del festival.

- La falta de claridad por parte de la nueva administración del FITB acerca de la manera como ejecutarán el presupuesto entregado por el Ministerio de Cultura al festival.

- Y lo más grave quizás, el olvido total hacia el teatro por fuera de la capital que ninguna entidad pública ni mucho menos la organización del festival ha querido garantizar o gestionar.

 

RAZONES

Luego de más de cuatro  horas de discusión, debate y análisis, la comunidad teatral no encontró respuestas satisfactorias a sus inquietudes y reconoce no estar alineada ni con los principios actuales de la organización del Festival Iberoamericano de Teatro –cuyo objetivo fundamental es el lucro y el rescate financiero del festival, sumido en una profunda crisis por la gestión de la junta directiva que administró las últimas cuatro ediciones, responsables directos del detrimento que este patrimonio inmaterial de la nación ha sufrido, y quienes siguen teniendo asiento en la nueva administración, como ocurre con la señora Ana Marta de Pizarro, antigua directora del festival, quien según palabras de la nueva gerente es asesora y socia de la versión actual –, ni con los mecanismos que hasta el momento han definido Idartes y el Ministerio de Cultura para apoyar el festival. Para ver la transmisión completa de la reunión, ingresa aquí: http://images.masterbase.com/v1/tdeteatromktco/b/1/ACA-FITB2018image1.jpeg 

 

LA DECISIÓN

Los firmantes, representantes del gremio teatral en Colombia decidimos:

NO PARTICIPAR EN LA XVI EDICIÓN DEL FESTIVAL IBEROAMERICANO DE TEATRO DE BOGOTÁ FITB 2018.

 

PROPUESTA

El gremio teatral y la Asociación colombiana de Actores ACA estamos dispuestos a iniciar procesos de diálogo para de esa manera encontrar caminos que nos lleven a solucionar el estado actual de la situación. Este es solo un primer paso en un proceso que nos ha unido como gremio. Queremos lograr que el teatro colombiano  tenga el lugar que se merece, no solo en la programación del FITB, sino en la política pública del distrito y del país.

Firman a los 4 días del mes diciembre de 2017

Origen de el comunicado: Fundación T de Teatro - t@tdeteatro.com

Volver al SUMARIO

PASIONARIAS DE DINO ARMAS EN TEATRO DE LA CANDELA - PASIÓN POR LA POLÍTICA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

La pieza anota la vida de Julia Arévalo de Roche (Barriga Negra, Lavalleja, Uruguay, 1° de julio de 1898; Montevideo, 18 de agosto de 1985),  la  primera senadora por el Partido Comunista en América Latina (1946). El autor, Dino Armas (Montevideo, 20 de noviembre de 1941)  la  presenta doméstica y anciana (Susana Castro) atendida y protegida por su hija Alma Roche (Cecilia Patrón) en tanto es entrevistada por Vilma (Alejandra Menéndez) que escribirá la pieza que veremos. La conversación conduce como  es forzoso, a evocaciones de Julia joven a cargo de la actriz Valeria Odini que monologa entre las artísticas trasparencias escenográficas de Tesa Cruzado.

Adivinamos o entrevemos la  dimensión política  de Julia Arévalo de Roche en sus encuentros con “La Pasionaria”, la española Dolores Ibárruri, reunión de donde viene el título de la pieza, y, nada menos, que con Pablo Picasso. Descendido de esas alturas políticas y artísticas, Armas, como le es habitual, se demora en detalles ociosos, como resolver si la anciana Julia tomará el café con cafeína o descafeinado, si consumirá las muy azucaradas masitas que le llevó Vilma, o, aún, si la entrevistadora recompondrá su matrimonio en crisis; pero el autor  ha sido consciente de sus límites y se restringe a reunir anécdotas sencillas, en general estereotipos del anciano rebelde más algunas páginas de historia, relatos que, sin profundizar en el carácter, singularizan adecuadamente  al personaje.

La obra se deja ver, es amena y fluida y por esta vez Armas nos presenta personajes amables. El ambiente local está dado mediante diálogos naturales y precisos; por sobre todo es Susana Castro, en el papel protagónico, quien pone a la obra de pie.

PASIONARIAS, de Dino Armas, con Susana Castro, Valeria Odini, Alejandra Menéndez y Cecilia Patrón. Vestuario y escenografía de Tesa Cruzado, iluminación de Nicolás Ausserbauer, ambientación sonora de Carlos García, dirección de Myriam Campos. Estreno del 11 de agosto de 2017, teatro de La Candela.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

AMA  DE CASA DE TONY KUSHNER,  EN EL TEATRO CIRCULAR - ALGO DE TONY

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

“Ama de casa” es el monólogo de una mujer inglesa en la mitad de sus años cuarenta, a quien el autor llama “Homebody”, o  “casera” o “ama de casa”. A partir de una vieja guía de turismo, ella se interesa, un tanto frívolamente, en Kabul, Afghanistán.

 Lo que se vio en el teatro Circular es la  primera escena del primer acto  de “Homebody/Kabul”, de Tony Kushner (Nueva  York, 16 de julio de 1956) pieza que se extiende por unas cuatro horas y que tiene, además de la casi anónima “Homebody” que no volverá a aparecer, unos once personajes, entre ellos Milton Ceiling, su marido, su hija  Priscilla Ceiling y varios  afghanos que hablan los extraños idiomas “Dari” y Pashtun”; hay un “mullah” inquisidor, Aftar Ali Durranni y guardias fronterizos armados con rifles Kalashnikov. A partir de la escena siguiente al monólogo, la pieza sucederá en Afghanistán: “Ama de casa”, o bien  ha sido asesinada entre las escenas  1 y  2, por no respetar las costumbres islámicas o bien ha desaparecido, quizás secretamente casada con un afghano.

La obra original, en palabras del mismo Tony Kushner, es “una obra sobre Afghanistán y la  relación  histórica y contemporánea del Oeste con ese país. Es una pieza sobre viajar, sobre  conocer y aprender a través de buscar lo extranjero, sobre tratar de escapar de la infelicidad de nuestras vidas a través del encuentro con la Otredad; es sobre el narcisismo y la  autorreferencialidad como inescapable trampa cazabobos en cualquiera de dichos encuentros …”

La ambiciosa pieza original apenas puede vislumbrarse en “Ama de casa”,  que creemos provenir de una reciente versión española. La mujer está muy claramente definida: errática, con sus antidepresivos, su  relación incierta con su marido, su falta de dirección en la conducta; vemos los  trazos seguros, distintivos de  Kushner, cuyo talento el espectador local  recordará por “Ángeles en América” (1994, dirección de Antonio  Larreta).

Lo que los espectadores del Teatro Circular vieron es, con todo, un  buen unipersonal. Margarita Musto tiene a su cargo el monólogo y lo ha hecho con lo mejor de sus aptitudes  escénicas. Tiene una voz  hermosa y  expresiva, físicamente es elegante y atractiva, su mímica y gestos son  precisos y sobrios. La puesta en escena de Gabriel Calderón es  adecuada a los  propósitos del autor.

AMA DE CASA, de Tony Kushner, dramaturgia de Laura Pouso, con actuación de Margarita Musto.  Vestuario de Virginia Sosa,  iluminación y escenografía de Pablo Caballero, sonido de Fernando (Tato) Castro, dirección de Gabriel Calderón. Estreno del  11 de  octubre de  2017. Teatro Circular, sala 2.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

OCHO MUJERES DE ROBERT THOMAS, EN EL TEATRO CIRCULAR - LA  CALESITA DE LA VERDAD

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Un muerto con un cuchillo clavado, ocho sospechosas que no pueden salir de una casa de campo ni llamar a la policía; no bien se infiere que “una de nosotras es la asesina”, un grato escalofrío nos recorre. Estamos en un “Expreso de Oriente” inmóvil; esperamos ver impostoras desenmascaradas, inesperadas revelaciones, verdades incómodas. Tendremos eso y mucho más: infidelidades, amores y parientes ocultos, herencias y testamentos, acciones de sociedades anónimas hurtadas, negocios en quiebra, perros envenenados, teléfonos cortados; tendremos hasta una reminiscencia  de  “Hamlet”, con una ficción en escena que revelará una verdad. Como era de esperar, la  atareada víctima se había reunido con todas las mujeres, de a una: conversó, jugó a las cartas, discutió; todo ello allá por la medianoche o la madrugada.

Mediante un diálogo vivo y suelto, el dramaturgo francés Robert Thomas. (Gap, Altos Alpes, 28 de septiembre de 1927 - París, 3 de enero de 1989) define rápidamente a los personajes y  sigue, sin parar, el pie en el  acelerador, a razón de una sorpresa por cuadro. El espectador puede elegir entre dos niveles de atención: si repara en el diálogo, lo encontrará vulgar; si repara en los personajes, los verá  esquemáticos; si atiende a la lógica de la situación,  a poco de andar abandonará la empresa por forzada; inevitablemente sentirá que esta pieza de 1958 es una antigualla a la que no redime alguna escenita risquée, que creemos adosada este año. En cambio, si el espectador se acomoda a los barquinazos de este tren, si acompaña el ir y venir de los personajes, tan movedizos que hasta veremos caminar una paralítica, si se deja llevar por un puro ritmo, puede disfrutar de un rato de entretenimiento: siempre pasa algo; el autor, intrascendente pero nunca latoso, no nos deja pensar; nos hemos dejado desconectar el piloto automático. Es como una buena siesta, pero  alertas y despiertos.

La dirección de Gerardo Begérez atiende eficazmente a la necesaria velocidad; cuenta con un diestro cuadro de intérpretes donde se destacan Myriam Glerjer, Paola Venditto, Alma Claudio, Denise Daragnès y Cecilia Baranda.

OCHO MUJERES, de Robert  Thomas, por el Teatro Circular. Con Cecilia Baranda, Alma Claudio,Denise Daragnés, Valeria Dos Santos, Myriam Gleijer, Julieta Lucena, Elina Marighett y Paola Venditto, Escenografía de Rodolfo da Costa, vestuario de Nelson Mancebo, luces de Martín Blanchet,  ayudantía de dirección de Felisa Jezier, versión y dirección de Gerardo Begérez. Estreno del 23 de setiembre de  2017, teatro Circular.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

LÍTOST, LA FRUSTRACIÓN DE JIMENA MÁRQUEZ, EN EL TEATRO VICTORIA - MESTER DE JUGLARÍA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Creemos que la primera de las muchas bromas que nos gasta Jimena Márquez en esta pieza es la gacetilla de prensa  de “Lítost”:

“La obra trata sobre una madre que no ha conseguido realizarse, y con su frustración tuerce los destinos de la vida de sus dos hijos… el varón es un bailarín, mientras que la hija es una coleccionista de palabras que no tienen traducción en otro idioma”.

Pero nada hay, sea loado el Todopoderoso, de la “familia disfuncional”, y en más de una réplica, como al pasar, Márquez se burla del tema. La familia funciona a su sorprendente manera, pero funciona. Sabemos lo mínimo  de su historia, un accidente doméstico en que un niño es herido por una tijera. Pero todo, sin esfuerzo, está de pie y vive. La madre (Gabriela Iribarren) es autoritaria pero jocunda y feliz, convencional y desenvuelta; el hijo se ha callado y no se le oirá hablar; pero baila como un acróbata; nadie se preocupa, ni por sus danzas ni por su silencio. La hija (Jimena Vázquez) no menos segura de sí misma, habla en hipérbaton (por ejemplo, “el libro sobre la mesa está” o “una niña inquieta soy”); no conforme con este pararse de manos busca y encuentra, en otros idiomas, palabras y expresiones que no tienen  traducción directa a ningún otro y obligan a dar su  equivalencia en  frases enteras: entre ellas figura la palabra checa “lítost” que dice el momento en que somos conscientes de nuestra decadencia. Por supuesto, ninguno de los personajes es  desdichado, ninguno está en “lítost”.

Tres personas distintas, tres actores, un solo autor. La protagonista es, bajo tres transparentes máscaras, Jimena Márquez; la pieza es su espectáculo, su show; es siempre fiel a sí misma, alegre, distendida, dueña de una rara destreza verbal y de una exquisita sensibilidad para la palabra. Terminada la pieza el espectador se puede preguntar, ociosamente, qué quiere decir la obra: no hay nada que entender. Hemos visto una notable volatinera que nos  ha entretenido durante más de una hora con juegos malabares con palabras contradictorias o deformadas, con oraciones construidas al revés, con modismos de seis o siete idiomas a los que  siempre se define y trae a tierra. Como el volatinero de “Las apariencias engañan” de Thomas Bernhard, Jimena Márquez es capaz de sostener veinticinco  platos en el aire y recogerlos luego, con una sonrisa y sin que se rompan.

Gabriela Iribarren, en un papel de comedia, capta con precisión el nada común tono de la obra e irradia gracia, expresividad, insuperable don de comunicación. Desde otro ángulo, Jimena Vázquez  ofrece a la perfección su  extraña y aplomada hija y Santiago Duarte exhibe sus notables dotes de coreógrafo y  bailarín.

LÍTOST, LA FRUSTRACIÓN, de Jimena Márquez, con Gabriela Iribarren, Jimena Vázquez y Santiago Duarte. Vestuario y Escenografía  de  Gerardo Egea, Iluminación de Inés Iglesias selección musical de Santiago Duarte, dirección de Jimena Márquez. Estreno del 19 de noviembre de 2017, teatro Solís, sala Zavala Muniz, reestreno del 14 de noviembre de 2017, teatro Victoria.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

LA SOSPECHOSA PUNTUALIDAD DE LA CASUALIDAD DE JIMENA MÁRQUEZ, EN EL TEATRO SOLÍS, SALA ZAVALA MUNIZ.- DESENCUENTROS VOLÁTILES

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

La  Comedia Nacional, luego de “Tarascones” de Gonzalo Demaría, vuelve este mismo año al teatro en verso con esta obra, que intenta más  de un  rasgo original. Los protagonistas son cuatro pájaros y un rubio murciélago narrador (Leandro Ibero Núñez); a las dificultades del metro y la rima se suman partes cantadas, música en vivo y una escenografía metálica (Sebastián Barcelona), una pajarera más vertiginosa que aérea. La versificación es correcta y fluente, aunque a poco de  andar quedamos sumergidos en palabras que riman y no se sabe bien qué es lo que fluye o se cuenta. La narración habla del amor del modesto urutaú, el pájaro poeta (Luis Martínez) por la majestuosa ave del paraíso (Alejandra Wolff) inalcanzable quizás porque, entre otras cosas, no existe en América; una abubilla (Lucia Sommer), también ave de otros continentes, parece amar en secreto y sin duda a la distancia, al sudamericano urutaú. Las rimas son pobres y la  eufonía del verso español sufre ante el parvo contenido de diálogos y monólogos; esperamos las tensiones anejas a los desencuentros amorosos; encontramos la opaca presencia de una lechuza observadora, pájaro cuya personalidad pedía mejores líneas (Andrea Davidovics); encontramos más versos y más música y más canciones. El  planteo prometía, pero acontece como si la autora creyera que, ideada una trama novedosa y superadas las dificultades de forma, todo lo demás se le daría por añadidura.

En la interpretación Leandro Ibero Núñez encarna, con su incomparable gracia, el murciélago; le pertenece toda la eficacia del  verso. Lucía Sommer, da chispa, vida y movimiento a un personaje tenue y Alejandra Wolff mostró su inmarcesible elegancia.

LA SOSPECHOSA PUNTUALIDAD DE LA CASUALIDAD, de Jimena Márquez, por la Comedia Nacional. Con Leandro Ibero Núñez, Andrea Davidovics, Luis Martínez, Alejandra  Wolff y Lucia Sommer. Escenografía de Sebastián Barcelona, iluminación  de  Inés  Iglesias, vestuario de  Erika del Pino,  música de Pablo Machado, músicos en  escena  Pablo Machado, Mariana Porley y Virginia Rodríguez, dirección de Jimena Márquez. Estreno del 7 de octubre  de 2017,  teatro Solís, sala Zavala Muniz.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

MÁLAGA DE LUKAS BARFÜSS, EN LA SALA VERDI - LA FAMILIA DISFUNCIONAL ATACA  DE NUEVO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Luego de ver “Málaga” la primera idea que nos viene a la cabeza es pedir una moratoria, por diez años, para el “teatro de la víctima”. Como padres, magistrados, administradores, hemos sido condenados, en las tablas; hemos confesado nuestros fracasos, que son muchos; cumpliremos la condena; pero pedimos una tregua, como espectadores. Añoramos un teatro donde no se  exhiban los espantajos de la hora, “la familia autoritaria”, siempre “disfuncional”. “la sociedad discriminatoria”, etc. Es extraño, pero de los últimos espectáculos que vimos, sólo “Otelo”, una tragedia con varios muertos y “El  deseo atrapado por la cola” de Picasso nos trajeron, sin ocultar los bajos fondos y las penas del día, belleza, vida, alegría de vivir, fuego y pasión. Sólo hay víctimas, por todas partes. Hemos hecho la lista, exclusivamente del año 2016; es más larga de lo que creíamos. “Mi hijo sólo camina un poco más lento”, “Bang Bang, estás muerto”, “De  algún tiempo a esta parte”, “Día 16”, “El accidente”, “Encuentro en la estación del Este”, “El  feo”, “La  fiera”, “La mujer puerca”,” El nudo de Gidion”, “Terrenal”, “Los  pequeños burgueses” (en la  versión  de “El Galpón”), “Todo por culpa de ella”, “Tengo una muñeca en el ropero”, ”Viejo, solo y  puto”. Los victimarios son los nazis, siempre útiles como tales, el “bullying”, la discriminación de los  homosexuales, los maestros que no comprenden, la escuela, el machismo, la religión organizada, los padres, los patrones autoritarios. 

De Lukas Barfuss, un autor de moda en estos últimos tiempos, vimos “La prueba” (teatro Circular, 2013) y “Las  neurosis sexuales de nuestros  padres” (El Galpón, 2016) sobre la que ya escribimos en estas páginas. En “Málaga” aparecen dos padres, ya separados o aún divorciados, Vera (Jimena  Pérez) y Michael (Gabriel Hermano) que disputan, en el  estilo más crudo de la riña  post conyugal. Él quiere ir a un congreso en Innsbruck, ella quiere ir con un amante a Málaga… pero tuvieron una hija. ¿qué hacer con ella? La solución de Vera, al fin adoptada, es dejarla al cuidado  de Alex, (Ernesto Álvarez) un joven de 19 años, cineasta en proyecto y representante de la nueva  generación. Uno se pregunta si el joven no tiene nada mejor que hacer  que cuidar una niña; Michael resiste a Alex y hay una  larga conversación entre ellos, claramente “los viejos” contra “los jóvenes”; al fin Michael cede. Se va a Insbruck, Vera a Málaga con su amante y…nunca mejor los puntos  suspensivos: no se sabe ni se sabrá qué pasó: sólo  es  claro que la hija sufrió un accidente y está en un  hospital; en la escena final los padres dicen que todavía tienen tiempo, no sabemos para qué, la obra termina. Todo lo verbosa  que fue en la introducción, la obra es parca y elíptica en el desenlace, como si faltaran una  o dos  escenas.

Hemos leído el comentario de una actriz  española que interpretó la obra Ana Wagener, que dice, en son de encomio: “’Málaga’ nos pone frente a muchas cosas, pero el autor no entra a juzgar, sitúa a los personajes con todas las aristas que tiene el ser humano y nos cuenta cómo va este mundo, esta sociedad en la que parece que estamos, no sé si enfermos, pero sí muy tocados, sometidos al estrés de la incomunicación, de la falta de contacto, de tacto, donde todos vamos hacia el abismo, caminando por una línea muy delgada a punto de caernos hacia un lado o hacia otro”. No nos dimos cuenta de que la obra trata, nada menos, de “todas las aristas que tiene el ser humano”, pero sí comprendimos que ya estamos en el infierno, caigamos “hacia un lado o hacia  otro” (sic).

Cuando vimos el reparto pensamos que, por lo menos, veríamos a dos de nuestros mejores actores, los admirables Gabriel Hermano y Jimena Pérez: frustrada esperanza. Los vimos, pero muy por debajo de sus posibilidades,  diciendo con exagerado énfasis un texto vulgar en que no pueden creer; ella afligida, además, por un  vestuario desagradable.

MÁLAGA, de Lukas Barfüss, traducción de Cecilia Bassano, por la  Comedia Nacional, con Gabriel Hermano, Jimena Pérez y Ernesto Álvarez. Escenografía de Osvaldo Reyno, Iluminación de Fernando Scorsela, vestuario de Leticia Sotura, música de Fernando Ulivi, dirección de Bettina  Mondino. Estreno del 16 de  setiembre  de 2017, sala Verdi.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

OTELO, DE SHAKESPEARE, POR LA COMEDIA NACIONAL EN EL TEATRO SOLÍS - SHAKESPEARE A LA VISTA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

“Otelo” es un acierto de la Comedia Nacional. Para renovar  Shakespeare nada mejor que un inglés: Dan Jemmett (Londres, 1967), yerno de Peter Brook y director de obras de vanguardia como “Ubu rey” de Alfred Jarry y “Medea material” de Heiner Müller.

Hemos oído furiosas diatribas contra ese espectáculo. Diremos como  suficiente defensa que en él encontramos a Shakespeare; por lo menos  la idea que tenemos de Shakespeare, distendido y tétrico, feliz e impío, vertiginoso y casi amoral. Demmett arrancó a Shakespeare del museo de antigüedades y lo puso de pie en el presente;  su puesta en escena se inscribe en la línea de los filmes de Kenneth Brannagh, que modificó detalles y fue fiel al contenido.

Encontramos, además de Shakespeare, a Otelo, uno de sus personajes más misteriosos, con sus aventuras en países exóticos, sus desiertos, su  esclavitud, su meteórico ascenso al más alto grado militar en Venecia y sus pañuelos mágicos; también encontramos una de las tragedias mejor construidas del autor y aún oímos, en las ráfagas que lo permiten, fulgores de su genio poético. Esto es mucho y podríamos sentirnos satisfechos, pero hay que agregar la mayor virtud: este Otelo, desde el punto de vista del  espectador  por lo menos, es una de las obras más  entretenidas que hayamos visto últimamente. Esta cualidad  proviene de un enérgico ritmo narrativo, que nunca pierde de vista el argumento principal, una admirable precisión en los cambios de escenario e iluminación y un trabajo muy preciso e insistente sobre la interpretación  que la uniformiza y lleva a un efecto único

Sin embargo, hay un punto en que este “Otelo” nos plantea una interrogante. El director ha concebido a la tragedia como “un sueño o una  visión que éste” (Otelo) “tiene la noche antes de su casamiento con Desdémona. Casarse  con esta mujer  joven, blanca y  aristócrata, es para  él  el último  acto de inclusión en la sociedad  de su Venecia adoptiva”.  Tal vez en  esta línea el personaje de Yago, a quien el reparto define como “un villano, anterior alférez de Otelo”, adquiere una rapidez de movimientos y una levedad casi cómica, a lo Puck, que no encaja bien con las imágenes, tal vez estereotipadas, del vulgar villano, del malvado absoluto, de un poeta que no logra expresarse (Swinburne), del un original amateur de acciones peligrosas en las que “se deleita con destreza de artista” (Andrew.C. Bradley) o sencillamente de un “artista de la maldad” (Harold Bloom). Quizás por este propósito de expresar “Otelo” como un sueño guiado por un artista con dificultades  expresivas se explica la sobreexcitación de Emilia (Stefanie Neukirch) en el último acto, con palabras que indudablemente se han medido y pesado, una tirada irreal, casi fantástica, torpe como propia de un libreto que escribiera  Yago.

La  escena final, con Desdémona inerme muerta por el hombre que ama, es para helar la sangre en la venas y tanto el director en la construcción  de la escena como los  actores que encarnan  los dos trágicos personajes rayan a la necesaria altura. En particular queremos resaltar, dentro de un elenco de primeras figuras, la impecable composición de Lucio Hernández en el papel protagónico, las  de Diego Arbelo como Yago, Fernando Dianesi como Casio y Juan Worobiov como Brabancio.

OTELO, de William Shakespeare, por la Comedia Nacional, con Lucio  Hernández, Juan Worobiov, Fernando Dianesi, Diego Arbelo, Pablo Varrailhon, Daniel Espino Lara, Fernando Vannet, Valentin Dalmao, Julio Garay, Fabricio Galbiati, Juan Antonio Saraví, Andrés  Papaleo, Florencia Zabaleta, Stefanie Neukirch y Natalia Chiarelli. Escenografía de Adán Torres, iluminación de Martín Blanchet, vestuario de Paula Villalba, coreografía de Andrés Papaleo, selección musical y dirección de Dan Jemmet. Estreno del 2 de octubre de 2017, teatro Solís.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

LAS AMARGAS LÁGRIMAS DE PETRA VON KANT, DE RAINER WERNER FASSBINDER, EN EL TEATRO EL GALPÓN - NO LLORES POR MI, PETRA

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Cuando vimos esta pieza, el día del estreno, recordamos que en el diario “La República” de Montevideo habíamos comentado “Libertad en Bremen” del mismo Fassbinder, en ocasión de su estreno el 14 de  abril  de  1989, por la Comedia Nacional. Fuimos, por curiosidad, a nuestro archivo;  aquella reseña es adecuada, mutatis mutandi, a estas “Las amargas lágrimas de Petra von Kant”:

“Rainer Werner Fassbinder no tiene sentimiento, pero tampoco nervio;  no tiene gracia, pero tampoco sustancia o profundidad; no tiene interés pero  tampoco arte o artificio y su abrumadora vulgaridad sólo es sobrepasada por su increíble torpeza narrativa... una obra carente de toda fineza de observación, de todo detalle auténtico que haga vivir aunque más no fuera un momento a la acción, de todo rasgo de ingenio. El desarrollo es, además, absolutamente lineal, chato reducido  a la exposición directa de los hechos… Para  peor este producto frío está adornado con frases  ante las cuales cualquiera de nuestros teleteatros podría sonreír con cierto legitimo sentimiento de superioridad intelectual….” En  este punto, señalamos que  “Las amargas lágrimas de  Petra von Kant”, exhibe también una notable colección de lugares comunes, sí que solemnes, como “En la vida  es fundamental  aspirar  a algo”.

Petra (Alicia Alfonso), una diseñadora de modas de gran éxito, se despierta se despereza, da órdenes a su secretaria, mucama y  limpiadora Marlene (Maruja Fernández), cuenta largamente a su amiga Sidonie (Serrana Ibarra Alemany) algunos pormenores triviales de su fracasado matrimonio y filosofa sobre diversos tópicos. Aparece, rutilante y desenvuelta, la  ambiciosa Karin (Victoria González Natero) con ajustadas ropas: ya adivinamos el desarrollo, nudo y desenlace: Petra pasa en segundos de su postura heterosexual a una apasionada y posesiva inclinación por Karin; la joven, promiscua y egoísta, reduce a Petra a un estado de humillación y vasallaje. Al fin Petra, enfrentada con su hija (Eliana Recchia) y su madre (Julia Moller) las desprecia abiertamente; todos la  abandonan y  hasta su  secretaria  rehúsa  su trato.

Como en “Libertad en Bremen” los caracteres son estereotipos: la exitosa dama, autoritaria y superficial, la secretaria maquinal e impertérrita, la amiga inquisitiva, la jovencita objeto sexual devastador, la hija abandonada, la madre perpleja. El “desafortunado encuentro y desencuentro de dos seres” que menciona la licenciada Gabriela Sapriza  en el programa de mano, comprueba que se nos cuenta una historia  triste, como tantas, y no alcanza para justificar una obra. Por lo demás, el desarrollo de la pieza transita por escenas demasiado largas las unas y  demasiado cortas las otras: así, el flirt de Karin y Petra ocupa demasiado tiempo y  espacio, y el  desenlace  es abrupto.

En cuanto a la actuación, es  curioso que digamos de Alicia  Alfonso, una actriz admirable, lo mismo que dijimos de  la no menos notable  Gloria Demassi a propósito de “Libertad en Bremen”: ”La actriz es demasiado inteligente…no puede  hacer un personaje inexistente… que no es más que una superficie  fría,  resbalosa”.. La interpretación es correcta  lo mismo cabe decir de Victoria González Natero. Maruja Fernández muestra su solvencia profesional en un personaje,  la secretaria, que no tiene matices, y las partes de Julia Möller y Eliana Rechia son harto breves para ser apreciadas justamente.

LAS AMARGAS LÁGRIMAS DE PETRA VON KANT, de Rainer Werner Fassbinder, traducción y versión de Nicolás Costa, por El Galpón. Con Alicia Alfonso, Maruja Fernández, Serrana Ibarra Alemañy, Victoria González Natero, Eliana Recchia y Julia Möller. Escenografía y vestuario de Ana Arrospide, iluminación de Leonardo Hualde, música de Fernando Ulivi, dirección de Graciela Escuder. Estreno del 7 de octubre  de  2017, Teatro El Galpón, sala Atahualpa. 

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

EL CUENTO DEL ZOO DE  EDWARD ALBEE, EN EL TEATRO ALIANZA - EL CUENTO DEL PARQUE MISTERIOSO

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

Se encienden las  luces  y aparece un banco de un parque. No se oye un ruido; nos recorre un  estremecimiento de inquietud. Las  avenidas del parque se ven oscuras. No hay nadie en el  banco,  pero, puesto que estamos en un teatro, sabemos que además de ver y estar en un parque solitario, alguien, que querríamos  adivinar entre los árboles, vendrá. El que aparece, Peter, por Jorge Denevi, no nos satisface la curiosidad; es un hombre mayor, posiblemente aburrido, que leerá un libro; es decir que se evadirá del banco y sus misterios. Llega Jerry (Alvaro Armand Ugon) y reconocemos en él al personaje que nos traerá la inquietud y la incomodidad que vienen del parque. Es joven, demasiado decidido y sobre sí; como Peter es opaco, Jerry brilla, pero brilla con un resplandor metálico; hay un fuego que lo devora; nos hace reír con sus salidas, que también nos perturban. La obra, un prodigio de construcción, nos irá revelando el alma de Jerry en tanto, también, nos la  va ocultando; nos conmueve con su marginación social, que no sabemos explicarnos y que no parece interesar a Peter. Hay un momento en que casi no soportamos la incertidumbre y, algo más que a Peter, comienza a exasperarnos el prometido cuento del zoo que nunca se narra, en tanto Jerry nos relata y oculta el verdadero cuento, el de su vida; creemos saber cómo terminará, pero volvemos a equivocarnos. El banco del parque ha cobrado dos víctimas: no hay seres felices en las  obras de Albee, y  la perpetua  conclusión es que la felicidad no es posible, que el mundo del absurdo, con sus frustraciones, su reinado del azar, inteligible pero sólo a medias, opaco y cruel, es el único verdadero. Ninguno de los personajes  sobrevivirá realmente, ni siquiera a medias, cuando la  obra finaliza. Lo que mejor hace la vida es lo que hacía la Esfinge con los tebanos: se planteaba como enigma, los desconcertaba y después los mataba .

La puesta en escena es digna de la  pulcritud y afán  de perfección  de Jorge Denevi, como actor y director. Hay el ritmo adecuado, los desplazamientos son medidos y significativos, la iluminación, generalmente estática, sugiere una acción  fuera del  tiempo, una impermanencia; la  puesta en  escena induce la idea de que lo que vemos ya está más allá de su muerte; y muy probablemente  sea  así. El papel más complejo es el de Armand Ugon, que cumple con todos los términos del personaje, con una  variada gama de recursos interpretativos: cada tanto dulce y desvalido, otras veces rudo y desafiante, al fin patético y quizás  trágico.

 EL CUENTO DEL ZOO, de Edward Albee, con Jorge Denevi y Álvaro Armand Ugon, traducción y dirección de Jorge Denevi. Estreno del 23 de setiembre de 2017, teatro Alianza, sala 2.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

EL DESEO ATRAPADO POR LA COLA, DE  PABLO  PICASSO, EN EL TINGLADO - PABLO PICASSO SOBRE LAS TABLAS

Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)

 

“El Tinglado”, con la dirección de José María Novo, ha celebrado el 70° aniversario en la mejor tradición del teatro de arte con el estreno, que entendemos un estreno absoluto en nuestro medio, de “El deseo atrapado por la cola” de Pablo Picasso. Es una obra audaz, no convencional y provocativa en la que se percibe el entusiasmo innovador y aún la técnica de los movimientos poéticos de comienzos del siglo XX, como el  dadaísmo (Tristan Tzara, 1916), el surrealismo (André Breton,1924) y hasta el futurismo; aún hoy, que hemos visto todo en materia de innovaciones estéticas, buenas y de las otras, esta pieza, que lleva con frescura su aire de época, nos sorprende y conmueve.

Somos lectores escépticos las gacetillas de prensa y hemos utilizado su frecuente ingenuidad para discurrir sobre la  relación entre propósitos, sueños, ilusiones y realizaciones; esta vez tenemos la satisfacción de adoptar casi totalmente la gacetilla de “El Tinglado” para “El  deseo atrapado por la cola”:

Le Desir attrapé par la queue” está dividida en seis escenas. El argumento parece indecible, ya que una idea lleva a otra y las palabras se combinan como juegos de malabarismo con un ritmo que no sabemos hacia donde nos lleva. El hilo de la narración está ausente, los personajes son seres orgánicos que están en permanente cambio listos para tomar aliento y empezar nuevamente en un presente continuo... El texto está cargado de poesía, humor y erotismo, donde reinan sus propias reglas, al margen de la gramática, la lógica y la puntuación…Picasso compone a modo de collage, pequeñas viñetas donde lo fantástico se alterna con la música, la danza o la pantomima, así cada escena tiene un tono entre serio y cómico, simbólico y real.”

Con  su habitual energía, Picasso ha trabajado y moldeado a su gusto materiales tan poco  dúctiles como la verosimilitud, la naturaleza y la sintaxis. Sus personajes cuestionan, por su sola existencia, el sentido común: hay  un protagónico “El Patón” (Crtistian Amacoria) del que no se  sabe de qué hombre o animal es el pie, un vegetal, la cebolla, que en la versión  de “El Tinglado”, quizás por las dificultades de caracterización, es un puerro (Nicolás Pereyra), una comida preparada (la Tarta, por Florencia Sacco), parte de un objeto físico, que puede corresponder tanto a un puñal como a una sartén (“El mango redondo”, por Leonardo Franco), unos cortinados (Angel Carballedas) dos abstracciones, la Angustia Gorda (Washington Sassi) y la Angustia Flaca (Rosario Fernández Chaves); pudieron ser, además, conforme al texto del  autor, dos perritos. El lenguaje varía de una escena a otra: desde una serie de inventivas metáforas, que nos recordaron los poemas de Breton, a frases en una media lengua infantil, a interjecciones, gritos y ruidos. Picasso nunca se propone objetos fáciles y suministra acotaciones escénicas complejas, si no imposibles, como la aparición de una bañera inmensa llena de espuma de jabón de donde  salen  varios personajes o, en el fin de la escena segunda del primer acto donde, bajo luz de tormenta y lluvia que cae, se oye la “Danza macabra” de Saint Saëns y unos fuegos fatuos corren sobre el  escenario.

Este smorsgabord de objetos, ideas, imágenes, sentimientos y  provocaciones nos  sugiere, y  aquí nuestra  percepción difiere  un tanto de la  inteligente gacetilla, una glorificación de la sola existencia, una aceptación del inexplicable universo tal como es, compuesto con hombres, puerros, emociones, energía, abstracciones  y luces que, suprema humildad y  supremo realismo, se equivalen. Ese carácter múltiple y, sospechamos, un tanto aleatorio, invita, inevitablemente, a la  improvisación y a las  variaciones; y el director José María Novo, que ha seguido fielmente el texto hasta donde fue posible, ha  adaptado la pieza, con imaginación y von el  auxilio de la inspirada iluminación de Martin Blanchet, a las posibilidades físicas de un teatro. El resultado es una puesta en escena innovadora, ágil, siempre sorprendente e imprevisible, llena de la fuerza, sangre y vida que tienen  las  obras pictóricas de su extraordinario autor.

En la interpretación sobresale Cristian Amacoria, que tiene facilidad o afinidad para lo extraordinario; entendemos un grato homenaje al mejor teatro de arte que, junto a dotados jóvenes, esté la presencia de  quienes fueron puntales del teatro de arte en los buenos tiempos, los calificados actores  Washington Sassi y Luis Lage.

EL DESEO  ATRAPADO POR LA  COLA,  de Pablo  Picasso en traducción de Rosa Álvarez y versión de José María Novo, con Cristian Amacoria, Nicolás Pereyra, Florencia Sacco, Carina Méndez, Leonardo Franco, Luis Lage, Washington Sassi, Rosario Fernández  Chaves, Angel Carballedas, Sasha Acosta, Serrana Sequeira, Joaquín Silvestre y Pablo Rodríguez. Escenografía de Hugo Fernández, iluminación de Martín Blanchet, vestuario de  Paula Villalba, música de Agustín Ferreyra, coreografía de Fernando Imperial, dirección general de José Ma. Novo. Estreno del 28 de setiembre de 2017, teatro El Tinglado.

 

 Jorge AriasJorge Arias -  (Uruguay) 

Volver al SUMARIO

NUESTRA REVISTA, NOTICIAS TEATRALES, GALARDONADA EN ELDORADO (MISIONES - ARGENTINA)

 Dentro de la programación del VI Encuentro del Arte y la Cultura - Teatro 2005, organizado por el Club de Teatro Eldorado, celebrado en dicha ciudad argentina del 8 al 14 de agosto de 2005, hubo un apartado dedicado a la entrega de premios y galardones. El acto de entrega se celebró el día 9 de agosto de 2005 en el Teatro del Pueblo, y en el mismo se entregaron diversas distinciones, entre otras a nuestra revistas NOTICIAS TEATRALES "por su aporte al teatro del mundo, y su permanente y generoso trabajo de difusión del teatro, especializada en las Artes Escénicas y a su director, el autor Salvador Enríquez".

   El galardón a NOTICIAS TEATRALES fue recogido por la autora, actriz y directora española Antonia Bueno en representación de Salvador Enríquez, que le fue entregado por Marcelo Calier, director del Club de Teatro Eldorado.

   Desde aquí nuestro agradecimiento a los organizadores. Recibimos la distinción con alegría y orgullo (un orgullo que quisiéramos disimular para que no huela a incienso) pero que nos compromete aún más en nuestro compromiso de dar difusión a todo lo relacionado con las Artes Escénicas.

 Volver al SUMARIO

Subir a LAS AMÉRICAS

 Si quieres dejar algún comentario puedes usar el Libro de Visitas  

Lectores en línea

web stats


Servicio gratuito de Galeon.com