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EL
TEST, DE JORDI
VALLEJO, EN EL TEATRO DEL NOTARIADO - PROPUESTA POCO DECENTE
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
El multimillonario
Toni (Humberto de Vargas) ha invitado a sus amigos, el
matrimonio ecologista, “progresista”, necesitado de dinero y
bastante necio compuesto por Paula (Gabriela Iribarren) y Héctor
(Coco Rivero) A ella, que llega primero, le plantea Toni un “test”:
“¿Qué preferiría, cien mil dólares hoy o un millón de dólares
dentro de diez años?” Al promediar la obra el test gira como una
partícula de gas atraída para siempre por un agujero negro, al
argumento que el autor se traía entre manos, el de “La propuesta
indecente”: el filme del mismo nombre de Adrian Lyne (1993), donde
Robert Redford, un multimillonario, propone a un matrimonio
entregarles un millón de dólares por yacer una noche con la
esposa, Demi Moore. Como acción, trama o peripecia, no hay en
esta pieza nada más… oh sí, corregimos: ¡al final se nos revela
¡que Paula ya había sido infiel! Con algo había que pellizcar al
somnoliento espectador.
El “test” nos
pregunta si postergaríamos satisfacciones inmediatas en pro de un
mejor futuro. El tema parece existir desde el fondo de los tiempos
y confundirse con el comienzo de la agricultura y los inicios de
una sociedad organizada: alguien tiene que vigilar, velar,
resistir el sueño para que otros puedan dormir. Freud está un poco
pasado de moda, pero planteó el tema correctamente en “El malestar
en la cultura”: son antagónicos la satisfacción inmediata de los
impulsos y las urgencias represivas que impone la civilización.
La obra tiene pretensiones de actualidad,
atribuyendo la autoría del test a la esposa de Toni, la
psiquiatra o psicóloga Berta (Graciela Rodríguez); pero el tema
es el pétreo culto del “poderoso caballero” que hoy satura la
pantalla chica con programas de preguntas y respuestas dotados de
premios en metálico, shows que, desde el escándalo del célebre y
fraudulento Charles van Doren (1950) son harto sospechosos de
responder a libretos previos.
La pieza, por lo menos en la versión que vimos
en el teatro del Notariado, reitera sin piedad situaciones y hasta
diálogos, como la interminable discusión entre Toni y Paula
acerca del origen del dinero que, en hipótesis o en realidad, se
ofrece, como los largos informes sobre la decrepitud del bar de
Héctor y el importante tema de hasta dónde llegaba, antaño, el
pelo de Paula.
La escasa inventiva
de la obra es agravada por una puesta en escena frontal y
estática. Ello produce un aburrimiento inmediato que la versión
local trató de atemperar con el infaltable tsunami de
groserías verbales que mendigan más torpes risotadas. ¡En tan poco
se aprecia nuestra capacidad de interesarnos con un texto limpio!.
Observamos, sin embargo, que esos petardos provocan ruidos
estentóreos, no las urbanas risas de la comedia.
EL TEST, de Jordi
Vallejo, con Humberto de Vargas, Gabriela Iribarren, Coco Rivero y
Graciela Rodríguez. Vestuario de Nelson Mancebo, escenografía de
Gerardo Bugarín, ambientación musical de José Martínez, luces de
Leonardo Hualde, versión y dirección de Gerardo Begérez. Estreno
del 3 de agosto de 2019, teatro del Notariado.
 Jorge
Arias - (Uruguay)
 
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EL LABERINTO, DE DAVID LINDSAY - ABAIRE,
EN EL TEATRO ALIANZA -
HAY
DOS DIOSES QUE SON IGNORANCIA Y OLVIDO
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Cuando
Lindsay - Abaire tenía veinte años y era estudiante de literatura,
su maestra Marsha Norma dijo: “Escriban sobre lo que les produce
miedo”. En el momento el autor no encontró temor en su horizonte;
cuando se casó y tuvo un hijo de tres años, oyó historias de
repentinas muertes de niños, pensó en el suyo, sintió miedo,
recordó las palabras de Marsha; así se gestó “Rabbit hole”,
estrenada en Broadway en el año 2006 y llevada al cine en el año
2010, con Nicole Kidman y dirección de John Cameron Mitchell. Con
el título de “Laberinto” conocimos esta pieza este año, en una
pulcra traducción de Alicia e Isabel Garateguy. “Rabbit hole”,
“madriguera de conejo”, alude al comienzo de “Alicia en el país de
las maravillas” cuando Alicia, por seguir al conejo blanco, pasa a
través de su madriguera a un mundo fantástico; por extensión, en
el habla popular de los Estados Unidos, “rabbit hole” significa un
acontecimiento que nos transporta a un estado netamente distinto
del real, ya sea maravilloso o perturbador.
Becca (Alicia
Garateguy) y Howie (Sebastián Serantes) han perdido su hijo de
cuatro años, Danny, en un accidente de tránsito causado por un
automóvil conducido con exceso de velocidad por el joven Jason
Willette (Franco Balestrino Centeno). El matrimonio intenta
reconstruir su vida, descartando enseres y vestimenta de Danny
pero manteniendo algunos recordatorios; Howie trata de volver a
tener sexo con Becca, lo que puede significar otro hijo, pero ella
lo rechaza; ínterin la hermana menor de Becca, Izzy (Mariela
Maggioli), un tanto irresponsable, cuenta a su hermana, con lo que
vuelve a hablarse de hijos, que está embarazada de Auggie, una
relación poco más que casual que ha provocado una escena de celos
y golpes en un bar con la compañera o ex compañera del polivalente
Auggie; en el curso de una conversación familiar ulterior, Nat,
(Cecilia Baranda)la madre de Becca que perdió un hijo, Arthur,
suicida a los treinta años, trae a colación, deliberada o
casualmente, historias de otros padres que sufren por la muerte de
otros hijos, como Rose Kennedy y Aristóteles Onassis. Asimilar la
pérdida significa olvido y traición; el recuerdo vuelve a la mente
y parece mantener vivo un afecto sin raíces. Al fin, luego de
grupos de terapia para ambos cónyuges, por lo que nadie se siente
culpable, y sesiones de squash para Howie más un encuentro de la
familia con Jason, el causante del accidente, todo parece
encaminarse al previsible fin. El recuerdo y el dolor, estarán
asociados para siempre y se vivirá con ellos, pero cambian y
quedará la soportable cicatriz.
El tema es clásico y
en la pieza se recuerda a Orfeo, que desciende al Hades para
rescatar a Eurídice muerta; en la literatura se recordarán los
desgarradores poemas de Marceline Desbordes - Valmore “Le mal du
pays” y de Swinburne, “The leave – taking”, las “intermitencias
del corazón” en los amores del Narrador y Albertine, desde “La
prisionera” a “Albertine ha desaparecido” de Proust; en el cine
“El turista accidental” de Lawrence Kashdan (1988) con
interpretación de William Hurt. En manos de Lindsay – Abaire
el tema está tratado con soltura y en diálogos naturales, pero
no trae nada nuevo y reitera la tendencia a la divagación y
cháchara que afligían a “Buena gente” del mismo Lindsay - Abaire
(2108, con Gabriela Iribarren y dirección de Álvaro Ahunchain).
Las extensas conversaciones entre Becca e Izzy a propósito del
incidente en el bar, sobre la crema al caramelo y más tarde las
escenas que siguen a la carta y el cuento de Jason más la charla
de Jason y Becca sobre los universos paralelos, nuevos Campos
Elíseos de la Grecia clásica, modelo de su secuela, el “Cielo” del
catolicismo. La acción se cuenta, más que se vive, salvo en la
primera escena entre Jason y Howie, donde el padre resiste, con
verdad y urbanidad, la incómoda visita.
La puesta en escena
de Daniel Romano se encomienda a la sobriedad; es difícil divertir
con un tema como el de “Laberinto”, lo que suena a profanación,
pero sólo con algo más de calor, color y dolor pudo hacerse un
espectáculo divertido. El fin del teatro, se reconocerá, no es ni
enseñanza ni terapia ni consuelo; ciertamente, lograr
entretenimiento y placer con las repercusiones de la muerte de un
niño era muy difícil, pero no imposible. Sabemos, antes de
encenderse las luces, que aquello que veremos en el mundo de las
tablas no ha sucedido en la realidad; pero sólo los griegos
supieron enfrentarse a la muerte y prevalecer mediante el arte.
La interpretación
reunió un conjunto de buenos actores, destacándose la difícil
sobriedad de Alicia Garateguy y la convicción de Cecilia Baranda.
EL LABERINTO, de
David Lindsay Abaire, traducción de Alicia e Isabel Garateguy, con
Alicia Garateguy, Sebastián Serantes, Cecilia Baranda, Mariela
Maggioli y Franco Balestrino Centeno. Escenografía e iluminación
de Lucía Tayler y Joao Goncalves, vestuario de Sofía Beceiro,
música de Alvaro Fioritto, dirección de Daniel Romano. Estreno del
4 de mayo de 2019, Teatro Alianza, sala 2.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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LA REUNIFICACIÓN DE LAS DOS COREAS
DE JOËL POMMERAT, EN LA SALA
VERDI - COMEDIA NACIONAL SIN PRETENSIONES
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Esta
pieza del dramaturgo francés Joël Pommerat (Roanne, Loire,
Francia, 28 de febrero de 1963) que se ofrece casi
simultáneamente en Montevideo y Buenos Aires, no intenta la más
mínima originalidad; el espectador tiene la sensación,
inmediatamente, del déjà vu. Sus dieciocho escenas
independientes (en Buenos Aires son veinte, podrían ser treinta)
dicen de varias miserias del amor humano, de la ilusión sobre
nosotros mismos, del tiempo que deteriora la pasión, del sexo
mercenario, de maridos y amantes engañados, del amor en los
tiempos del Alzheimer. El autor, que claramente no se hace
ilusiones sobre su artefacto, cubre sus modestas trivialidades con
el estrepitoso y à la page título de “La reunificación de
las dos Coreas”. Puestos a hacer ruido a propósito de la nada, la
actriz argentina Esmeralda Mitre, que interpreta la obra en Buenos
Aires, se lleva la palma. Declaró en una entrevista: “Yo comparo
a este autor con Shakespeare, porque para mí es un dramaturgo
perfecto, en el sentido de que abarca desde la tragedia hasta los
temas más grandes de la humanidad. Incluso en esta obra aparecen
la violencia de género y el aborto, por ejemplo”. Ya no es
silbando en la oscuridad; pero pese a la brevedad de los esquicios
el público se aburrió con esta reencarnación de Shakespeare y
sólo pareció despertar con el eterno tema del marido engañado, el
cocu.
El Sr. Pommerat no
tiene pretensiones; la Comedia Nacional tampoco.
LA REUNIFICACIÓN
DE LAS DOS COREAS, de Joël Pommerat, por la Comedia Nacional. Con
Alejandra Wolff, Andrés Papaleo, Cristina Machado, Daniel Espino
Lara, Fabricio Galbiati, Isabel Legarra, Levón, Lucio Hernández,
Luis Martínez, Natalia Chiarelli y Sandra Américo. Escenografía y
vestuario de Beatriz Martínez, iluminación de Martín Blanchet,
música de Fernando Tato Castro y Federico Zavadszky, dirección de
Mario Ferreira. Estreno del 16 de junio de 2019, sala Verdi.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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PROGRAMACIÓN PARA EL MES DE AGOSTO DEL CCI
MARÍA CASTAÑA
Tucumán 260 Centro – Córdoba
(Argentina)
“DOBLE FUNCIÓN DE CIENCIA FICCIÓN” Jueves 8, 15, 22 y 29 de agosto,
21:30hs. Valor de entrada $200 Autogestión a cargo de alumnos de V
año del taller de teatro para adolescentes María Castaña.
Inspirada en “El show de horror de Rocky”
Un viaje, una historia de amor, un grupo de científicos delirantes
y sus secuaces dentro de un musical. No pidas explicaciones, no
podrás escapar. Es así, no es normal, es un mundo irreal, son los
juegos de la galaxia Transexual.
Ficha técnica: Facundo Palacios, Ana Arroyo, Joaquín Castagna,
Ines Ramella, Leandro Acuña, Milagros Gauna, Jazmín Ahumada,
Florencia del Barco, Manuela di Marco Tutor, Ailin Moro, Milagros
Lopez, Brisa Torres, Francisca Barboni, Victoria Arce, Camila
Torres, Mara Canelo, Julieta Ducal, Camila Peralta, Agostina
Signorelli.
“LA LIGA INSTANTÁNEA”
Viernes 9, 16, 23 y 30 de agosto, 21hs. Entrada general $250.
Anticipadas por 4 funciones $800.
Campeonato de improvisación dirigido por la Agrupación Teatral
María Castaña.
La dinámica de las improvisaciones será variada apelando a la
creatividad, la impronta y el humor de los actores/improvisadores.
El campeonato se desarrollará por llaves durante los viernes de
agosto saliendo de cada ronda un equipo ganador hasta llegar a la
consagración del campeón de la edición.
Las funciones de la Liga Instantánea prometen ser originales por
la dinámica que estructura el evento. El mismo cuenta con la gran
vitalidad de sus actores estables y también de quienes conformaran
los equipos que competirán, noche a noche, por el tan ansiado
resultado que los convierta en campeones de la improvisación.
En escena: Rocío Aguirre, Lucía Argañaráz, Joaquín Castagna,
Nicolás Costantino, Mailén Escuredo, Mateo Ibáñez, Inés Ramella,
Ezequiel Rivero. - Dirección general: Mailén Escuredo
“TRES MUJERES. PECULIARIDADES SOBRE EL EXTRAVÍO DE LO FEMENINO.”
Sábados 10, 17, 24 y 31 de agosto, 21:30hs. Entrada general $300.
Jubilados y Estudiantes $250 (presentando libreta o carnet).
En este unipersonal sobre el libro del poeta Alejandro Schmidt,
LaPortera, LaSanta y LaJusta habitan el cuerpo de Lula Lopes;
transitando desde sus excentricidades algunos de los modos del Ser
Mujer. Entre el absurdo y la poesía, estas singularidades develan
aquellos mandatos que construyen nuestras prisiones invisibles.”
“EL VEREDICTO”
Viernes 2 y miércoles 28 de agosto, 21:30hs. Entrada
general $250 – Anticipadas $200 (hasta las 18hs del día de
función)
Una obra autobiográfica que relata vivencialmente y con humor el
recorrido de una persona con obesidad y la lucha constante entre
el deseo de curarse y el impulso a seguir por el camino de la
enfermedad.
El elenco está conformado por pacientes en tratamiento de cambio
de hábitos alimenticios, personal de salud, actores y amigos.
Macarena es una mujer que ha sido sometida a juicio, pero no es un
juicio común, es inédito en todo el país y el mundo. Los
demandantes son sus propios órganos que cansados por sus malos
tratos han decidido hacer escuchar sus voces. Los noticieros
mundiales y sus corresponsales están a la expectativa tratando de
obtener aunque sea una palabra de la querella. El honorable Juez
de apellido Grillo tiene la responsabilidad de llevar a cabo la
sentencia. ¿Hacia dónde se inclinará la balanza de la justicia? El
veredicto… una cuestión de conciencia.
Dramaturgia: Paty y Rosa Martínez - Dirección general: Paty
Martínez. - Reparto: Sabri Acosta, Mauri Bruckwardt Rubio,
Rozario Revuelta, Evans Oviedo, Rosa Martínez, Paty Martínez,
Gladys López, Ariel Vera, Caro Genari Spinosa.
“AGAMENÓN, VOLVÍ DEL SUPERMERCADO Y LE DI UNA PALIZA A MI HIJO”
Domingos de agosto, 21hs. Valor de entrada general $250.
Estudiantes y jubilados $200 (presentando libreta o carnet).
Un padre desata su furia al regresar del supermercado,
decepcionado por el vacío existencial que le produce el consumo
capitalista. La tragedia, irrumpe. El hombre como máquina. Una
humanidad sin humanidad. Como una puta, puta máquina; que devora a
sus propios hijos.
Autor: Rodrigo García - Elenco: Lucas Goria: Actor - Pola Halaban:
Actriz - Sergio Osses: Dirección General
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BLACK
COMEDY – EL APAGÓN,
DE PETER SHAFFER, EN EL TEATRO DEL NOTARIADO -
BAJO VOLTAJE
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Cuando
los espectadores ven la escena iluminada, los personajes están a
oscuras, se mueven a tientas; cuando la escena está a oscuras y
los espectadores nada ven, los personajes deambulan e interactúan
en el escenario con dignidad y soltura. Es como mirar aquellos
antiguos “negativos” fotográficos, donde lo blanco era negro y
viceversa; y algo de antigüedad nos trae hoy esta pieza de 1965,
con su pintor joven, moderno y desesperantemente convencional, con
la relación, harto respetuosa, de la hija de Melkett hacia el
coronel, la mujer mayor, algo cansada, que pudo ser una
sufragette.
Hubo una falla
eléctrica que afectó tres apartamentos contiguos: el del joven
escultor Brindsley Miller (Gustavo Casco), el de la abstemia
soltera Miss Furnival (Isabel Schipani) y el del solterón Harold
Gorringe (Alejandro Martínez). En ausencia de Harold, Brindsley,
con la ayuda de su novia Carol Melkett (Cecilia Yáñez) adecentó su
raído apartamento a costa de los lujosos muebles de Harold, que
retiraron; furtum usus que permitirá al promisorio artista
aparentar ante su futuro suegro (el Coronel Melkett, por Sergio
Pereira) y ante el millonario alemán, aficionado al arte, Georg
Bamberger (Jorge Del Valle), posible comprador de sus esculturas.
El experimento
lumínico, las luces al revés, sorprende primero, refresca la mente
después y al fin cansa. No tiene mejor justificación que la
voluntad del autor, que interviene en la acción, en gran escala,
para proveerse de gags fundados en equivocaciones, tropezones y
torpezas: la historia, bastante simple y con personajes que son
puros estereotipos, no figurará entre las mejores invenciones de
Shaffer. Además, para provocar nuevos cortocircuitos entre
disímiles personajes, Brindsley corre en ayuda de Shaffer e
invita, sin razón ni sentido, a una misma reunión al
multimillonario coleccionista y a su futuro suegro; pero el autor
no se para en barras y decreta que Harold regrese repentinamente
de sus vacaciones y que Bea (Tefi Croce), acelerada ex amante de
Brindsley, vuelva de Finlandia para reconquistarlo; y nos trae aún
al electricista filósofo, el alemán Franz Shuppanzig (Jorge del
Valle) que será confundido con el millonario Georg Bamberger.
La puesta en escena
no logra alcanzar el clima de eléctrica vitalidad que soñó el
autor. La obra exige un tono vivaz y enérgico que requeriría
actores excepcionales en movimiento constante, plásticamente
perfectos y con algo de bailarines de ballet; y el director
Roberto Andrade desarrolla la obra en un tercio del amperaje que
“Black Comedy” debió tener. Más gravemente aún, la sincronización
de las réplicas nunca fue bien medida, perdiéndose varios efectos
cómicos. “Black Comedy” exige una precisión de máquina y no hubo
el ritmo que debió resaltar los diálogos; tampoco hubo una
actuación unificada y creíble. Los ingleses no gritan, al menos en
estas comedias. Así Sergio Pereira hace, y bien, un personaje de
su cuerda, pero el suyo no es el estilo, más británico, de
Alejandro Martínez en Harold, ni el de Isabel Schipani, que es
quien más acierta con el tono de la pieza. Se tiene la sensación
de presenciar un ensayo algo laxo de una obra a la que le falta
mucho para pararse en la escena.
Respecto de la
traducción, o “versión” como se dice ahora, “Black Comedy”
registra un nuevo anacronismo, el lenguaje sucio, agregado a
textos que no lo tienen. Al principio el crítico siente lástima,
¿será que el adaptador tiene dificultad de expresión y necesita
gritar? Pero no es así. No es inculto; es alevoso. Palabrotas,
tacos, interjecciones obtienen las risas miserables que causa la
sorpresa. Son gags. La torta de crema en la solapa, la patada en
el trasero de un quídam de etiqueta. No discutiremos la eficacia
de esa risa, extraída con la arcaica prepotencia que ahora se dice
“bullyng”. Puede existir; pero en ese punto y hora el teatro deja
de estar en la escena. Nos han llevado al circo con los payasos
que reparten caramelos a los niños; al “negocio de toldo y
candil”.
BLACK COMEDY – EL
APAGÓN, de Peter Shaffer, traducción de Roberto Andrade y versión
de Omar Varela, con Gustavo Casco, Cecilia Yáñez, Isabel Schipani,
Sergio Pereira, Alejandro Martínez, Tefi Crocce y Jorge Del Valle.
Vestuario de Nelson Mancebo, escenografía de Gerardo Bugarín,
dirección general de Roberto Andrade. Estreno del 10 de mayo de
2019, Teatro del Notariado.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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LAURA
MÍA EN EL TEATRO VICTORIA ESPINOSA
(PUERTO RICO)
Historia de un poema y
una contradicción. Continúa el 41 Festival de Teatro del Ateneo
con el estreno de la obra LAURA MÍA, un biodrama sobre la vida
amorosa y las contradicciones políticas de José de Diego.
LAURA MÍA:
Historia de un poema y una contradicción subirá a escena desde el
jueves, 8 de agosto de 2019, y está escrita y dirigida por su
dramaturgo y director Roberto Ramos-Perea, en una Producción de la
Compañía Nacional de Teatro del Ateneo.
La vida del patricio
puertorriqueño, Don José de Diego y Martínez (1866-1918) conocido
popularmente como “el caballero de la raza”, estuvo inmersa en
situaciones públicas muy comprometedoras, muchas de ellas de
carácter íntimo con sus dos esposas y su amor de juventud, al
mismo tiempo en que sus posturas a favor de la independencia de
Puerto Rico se manifestaban en abierta contradicción con sus
intereses de capital y clase. LAURA MÍA comienza con el patricio
en plena juventud, cuando entra en amores tormentosos con la
jovencita aguadillana Carmita Echavarría, fuente de inspiración de
uno de los más emblemáticos poemas de la literatura
puertorriqueña, su Elegía a Laura (1887), cuyos versos han quedado
grabados en la memoria colectiva al decir de “Laura mía: ya sé que
no lo eres…”
Su segundo matrimonio
tormentoso con Petra Lucila de Torre fue chisme popular en los
años 90 del Siglo XIX, cuando De Diego, quien vivía una vida
díscola de bohemio y borracho, se enfrenta a la infidelidad de su
esposa, y la consecuente crisis afectiva y religiosa que lo lleva
a su tercer matrimonio con la dama aristocrática mayagüezana Doña
Georgina Blanes, donde pudo encontrar un poco de paz, pero fue
arrastrado por sus intereses de gloria y seducido por la añoranza
de una fugada juventud.
Esta vida amorosa
llena de angustias y tensiones, caminó a la par con sus vaivenes
políticos, en los que su apasionada anarquía y republicanismo
cedió a los acomodaticios intereses de la autonomía administrativa
propulsada por Luis Muñoz Rivera y Herminio Díaz Navarro. Sus
acciones contradictorias lo llevaron a ser defensor de los
intereses de las empresas azucareras estadounidenses,
particularmente de la Guánica Central, desde la cual expropió
tierras puertorriqueñas para entregarlas a los millonarios de
Estados Unidos.
Sus polémicas
posiciones sobre los negros, la mujer y el sufragio, la pena de
muerte, su anti sindicalismo violento y su pavoneado hispanismo
católico, convirtieron sus discursos en el blanco de
independentistas rectos y agresivos como Luis Lloréns Torres,
Manuel Zeno Gandía y Nemesio Canales. Recientes reveladoras
investigaciones históricas sobre los llamados “cooptados”
–abogados puertorriqueños al servicio de los intereses de EU en
Puerto Rico-, a cargo de la destacada historiadora Nieve Vázquez
Lazo, sirvieron al autor de fuente primaria para la redacción de
esta parte de la obra.
La obra de teatro de
Ramos-Perea, Laura Mía, expone y explora todos estos temas a
través de una personalidad compleja, egocéntrica y engreída como
fue la personalidad de Don José de Diego, Presidente de la Cámara
de Delegados, subsecretario de la Gobernación durante la
autonomía, Presidente que fue del Ateneo Puertorriqueño y uno de
los poetas más renombrados de la literatura nacional.
La Compañía Nacional
de Teatro del Ateneo, bajo la dirección del autor, sube a escena
este biodrama en tres actos con la protagonización de Nelson
Alvarado como José de Diego. Alvarado es recordado por su
excelente trabajo actoral en la obra “Por Maricón”, que estrenó la
Compañía Nacional de Teatro en el año 2016. Junto a Alvarado
laboran los primeros actores de la Compañía Nacional del Ateneo
Melissa Reyes como Petra de la Torre, Edgar Quiles Ferrer como el
Gobernador Macías, Jesús Aguad como el empresario cañero alemán
Henry Fritze, entre otros actores de la Nacional como Jaisy
González, Sonia Rodríguez y Gina Figueroa Hamilton.
En otros roles laboran
más de 20 actores del Conservatorio de Arte Dramático del Ateneo
como Javier Rivera Pastrana como Luis Muñoz Rivera, José Chema
como Herminio Díaz Navarro, Israel Solla como el colono, Astrid
Ayala como la criada negra Vicenta, Yashay Pérez como Carmita
Echavarría, Caroline Vanessa Alicea como Georgina Blanes, y los
actores Christian Ruiz, Rubén Rodríguez, María Ysabel, Carlos
Mercado, Nitziel Díaz, Elisa Falcón, Janisse Hernández, Daniel del
Valle, entre otros.
Se hace constar que
la entrada a las obras del Festival de Teatro del Ateneo es
completamente libre, aunque se aceptan donativos a la salida. Las
funciones se llevan a cabo jueves, viernes y sábado a las 8:30 pm
y los domingos a las 4:30 pm. Para mayor información puede llamar
en horas laborables al 787-721-3877. El cupo de la sala es
limitado a 200 butacas por función y no se hacen reservaciones.
Desde el jueves,
8 de agosto de 2019. - Funciones, 8, 9, 10 y 11, 15, 16, 17 y 18
de agosto.
Funciones: jueves,
viernes y sábados a las 8:30 pm. y domingos 4:30 pm - Información:
787-721-3877.
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MEDUSA DE
XIMENA CARRERA, EN EL TEATRO “LA ESCENA” - MUJERES AL BORDE DE UN
ATAQUE DE NERVIOS
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Comienza la obra:
la autora, Ximena Carrera (Santiago de Chile, 29 de setiembre de
1971) cree que demorar es suspenso e intriga: no sabemos dónde
estamos ni qué pasa. Hay tres mujeres agitadas; pero el diálogo,
que debió guiarnos, es gris, no sabe delinear caracteres, zumba
como una mosca atontada. A la media hora y en una frase, se nos
revela la trama: las tres mujeres han traicionado a sus
compañeros, rebeldes o revolucionarios. Ellas fueron presas y
torturadas; ya son activas agentes de la Dirección de Inteligencia
Nacional en Chile bajo Pinochet. La dictadura las ha premiado con
un apartamento para vivir en semireclusión: pueden salir un
viernes por mes; en el azar de esa salida pueden, como Mariana (Elaine
Lacey) delatar a alguien que aman con sólo una mirada indiscreta;
mirada tan mortal como la de Medusa o Gorgona de la mitología; a
veces la policía las lleva a “reconocimientos”. Entre tanto y
entre casa, cuéntanse vidas y penas. Carmen (Virginia Farías)
piensa en su hijo, en manos de su hermana; Nina (Andrea Rodríguez
Mendoza) sueña con un amor que no llega.
Las noticias periodísticas de esta obra,
estrenada en Santiago de Chile en el año 2010, afirman que la
trama se basa en hechos reales; se mencionan los nombres, los
apellidos y el lugar de reclusión, que duró ocho meses; tenemos
nuestras dudas sobre la veracidad de buena parte de lo que se
nos presenta en escena. Que los militares, chilenos, como los
argentinos y los uruguayos, obligaron a militantes a delatar a sus
compañeros mediante torturas, lo sabemos; que, luego de
extraerles toda la información que pudieron los alojen y mantengan
en un departamento amueblado es difícil de creer, por lo inútil
para los represores, salvo que la reclusión de las tres réprobas,
como en “A puerta cerrada” de Sartre, constituya una forma
particularmente perversa del castigo, ese infierno que son los
otros. Las ex revolucionarias, naturalmente, no se reúnen con sus
compañeros, por lo que poco o nada pueden delatar; queda el
“reconocimiento” y la mirada fatídica.
La autora se ha impresionado con la rareza de
la anécdota; ninguna anécdota es arte por sí misma. Los hechos
pueden ser sangrientos y conmovedores; eso no alcanza para
hacerlos hablar. Nos parece, además, que la autora cree que sus
personajes sufren, todo un subrogado, terrenal e infantil, de las
“penas eternas”. La realidad es que malvados y traidores suelen
ser felices. Disfrutan de su libertad; gozan de discriminatorias
jubilaciones, vuelven a sus patrias, escriben libros, sus víctimas
los protegen, sus crímenes se olvidan. El remordimiento, como
dijo Vaz Ferreira, es algo que sólo sienten las personas
honradas.
Pero aceptemos el esquema argumental de
Carrera, realidad, imaginación o una mezcla de ambas cosas.
Aceptamos la tortuosa historia; pero terminada la pieza nos queda
sólo una anécdota curiosa y tres mujeres al borde de un ataque de
nervios. Charlan, proyectan nuevas delaciones sobre hechos que han
podido guardar en lo más recóndito de la memoria, comentan, se
agreden; son seres grises; les queda grande tanto la revolución
como la traición. Nada les pasa, fuera del planteo argumental y un
final en que Mariana decreta el cese de la reclusión.
“Medusa” tiene pretensiones de teatro político,
pero el teatro político tiene un precio, debe ser claro y
contundente; tiene que llegar a destiempo, golpear con peligro; Eurípides
abofeteando a los atenienses con “Las troyanas”, Pavlovsky
estrenando “El señor Galíndez” en Buenos Aires en 1973, Guillermo
Calderón impugnando el socialismo de Bachelet en “Villa +
discurso”; pero en el año 2010, durante gobiernos democráticos, el
tema de la dictadura militar es barato, no tiene fuerza. No duele
ni hace doler.
La puesta en escena de Cecilia Caballero Jeske
y la actuación de las tres actrices es convencida y enérgica, si
no convincente. Notamos vacilaciones y tropiezos en las escenas
de acción, como si no se hubieran ensayado suficientemente.
MEDUSA, de Ximena Carrera, con Andrea Rodríguez Mendoza, Elaine
Lacey y Virginia Farias. Vestuario de Cecilia Martínez Carlevaro,
iluminación de Alfonsina Fernández y Tatiana Keidanski,
escenografía de Florencia Guzzo, música y ambientación sonora de
Marco Valenti, dirección de Cecilia Caballero Jeske, estreno del
11 de abril de 2019, teatro La Escena.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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ABSURDA GENTE ABSURDA,
DE ALAN AYCKBOURN, POR LA COMEDIA NACIONAL, EN EL TEATRO SOLÍS -
LAS COCINAS PARLANCHINAS
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
“Absurda
gente absurda” se llama en el original inglés “Absurd person
singular”, título asignado a una pieza que Ayckbourn nunca llegó a
escribir; puesto a redactar esta comedia, recordó aquel título
vacante, cedió a su propensión al capricho y cubrió esta comedia
con aquel rótulo.
La génesis de esta
obra no es menos casual: el autor declara en el prólogo que lo
fascinó el potencial cómico de una acción que sucede fuera de la
vista del espectador. “El personaje fuera de la escena,” agrega,
“sugerido pero nunca visto, puede ser tan significante y revelador
como sus contrapartes en escena”. Oh Mr. Ayckbourn, Vd. parece
haber recibido la visita de Mr. Godot (de “Esperando a Godot”, de
Samuel Beckett, 1953), que todos esperan y nunca aparece. El autor
nos informa que comenzó esta pieza (acto primero) con Jane (aquí
Stefanie Neukirch) y Sidney Hopcroft (Leandro Ibero Núñez) en su
living room, pero los encontró “pesados” y “muy aburridores”.
Resolvió trasladarlos a la cocina; sucede que también allí son
pesados y aburridores. Jane, pasea su obsesión de la limpieza, que
la hace ignorar elementales normas de urbanidad, casi por toda la
obra; más tarde Ayckbourn logrará irritarnos con la morosa
descripción de cómo Sidney reparará una cañería; los repetidos
efectos cómicos que el autor extrae son los fáciles equívocos de
confundir un perfumador de ambientes con un insecticida y una
tentativa de suicidio con la limpieza de un horno. Ayckbourn
escribió en el prólogo de su obra “The Norman conquests” (“Las
conquistas de Norman”, Grove Press, pag. 10) que “le gusta
demasiado el teatro para tomarlo demasiado seriamente”. Se nota.
Las dificultades
técnicas que enfrenta Ayckbourn al potenciar lo que sucede fuera
de la escena tienen las virtudes del pie forzado. Todo puede
servir de acicate y estímulo: la “camisa con puntas de acero” que
sintió Rubén Darío y el sonsonete de la rima que es, a veces, la
partera de una buena metáfora. En “Absurda gente absurda” puede
admirarse, de a ratos, la habilidad del autor, semejante a los
juglares capaces de sostener veinticuatro platos en el aire; pero
esa destreza pertenece al circo y los gags y las narices rojas no
están lejos. En el segundo acto las tentativas de suicidio,
siempre frustradas, de Eva (Roxana Blanco) abandonada por su
esposo Geoffrey (Fernando Dianesi) prometen una graciosa comedia
de equivocaciones, pero el autor reitera y a mediados del tercer
acto, con los insípidos personajes de Ronald (Juan Antonio Saravi)
y Marion (Andrea Davidovics), mirábamos el reloj, nos
rebullíamos en la butaca, esperábamos que llegara pronto el fin.
En cuanto a la puesta
en escena, la traducción sobreestimó la eficacia de arbitrarios
agregados. La actitud provocativa y sexy de Marion no concuerda
con el personaje y sobreescribe, sin beneficio, al sobrio autor;
algún chiste de voyeur no viene del plácido balneario de
Scarborough sino de las mostrencas revistas de El Maipo o El
Nacional. El vocabulario pagó tributo a la coprolalia del teatro
argentino, que hemos oído hasta en los “animadores” y locutores de
noticiarios; oímos, una vez más, la falsamente circunspecta, si
que autoritaria, muletilla de “te lo pido por favor”. Finalmente,
Ayckbourn debió soportar una escenografía tan pesada como los
Hopcroft: ninguna cocina puede abarcar sin detrimento todo el
largo de la escena de la sala principal del teatro Solís y los
detalles de decoración, que en el proyecto del autor revelan la
personalidad de las tres familias, no se perciben.
La interpretación es
correcta y uniforme, pero no vimos el brillo y la temperatura que
logran los actores cuando de veras creen en lo que hacen.
ABSURDA GENTE
ABSURDA, de Alan Ayckbourn, por la Comedia Nacional. Con Stefanie
Neukirch, Leandro Ibero Núñez, Juan Antonio Saraví, Andrea
Davidovics, Roxana Blanco y Fernando Dianesi. Escenografia de
Laura Leifert y Sebastián Marrero, vestuario de Nelson Mancebo,
música de Alfredo Leirós, dirección de Jorge Denevi. Estreno 1°
de junio de 2019, teatro Solís.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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CASA DE MUÑECAS,
DE HENRIK IBSEN, EN EL TEATRO EL GALPÓN -
NORA ERA TODO UN HOMBRE
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
“Casa de muñecas”
(1879), la más conocida de las piezas de Ibsen, está lejos de ser
la mejor. Su reivindicación de la mujer, el grito de libertad de
Nora la ha mantenido en un Sancta Sanctorum al que no se
entra sin arriesgar ipso facto, una falta de leso
feminismo. Pese al bullying cultural que protege textos
intocables por su solo tema, expondremos, a través del argumento,
las falencias de la pieza. Argumento que muy pocos espectadores
recuerdan por completo, una vez finalizada la obra con la gran
escena de Nora atravesando el vestíbulo valija en mano.
El marido de Nora es el abogado Torvald Helmer,
un árido pedante que no se cansa de corregir a su esposa por
golosa, derrochona y mala bailarina de tarantela, danza de la que
se considera un experto. Torvald dejó su empleo en un ministerio
para ejercer la abogacía libremente, en lo que fracasó. Tal vez
por exceso de trabajo irrelevante está extenuado: llamémosle, con
léxico de 1950 “surmenage”, con vocabulario del siglo XX
“depresión” o con palabras de hoy, burnt out. Corre
peligro de muerte; la única cura posible, según sus médicos, es
una estadía de un año en Italia. Para que Torvald ignore la
gravedad de su estado, Nora presenta el viaje como un capricho
femenino; para solventar los gastos del viaje obtiene dinero
mediante el descuento de una letra de cambio donde ha falsificado
la firma de su padre, al parecer pudiente, dinero que restituirá
en cuotas cuyo cobro está a cargo del abogado Krogstad. Como la
fecha de la letra es posterior al fallecimiento del padre, la
falsificación es notoria; Krogstad lo advierte y extorsiona a Nora
exigiéndole que, además de pagarle las cuotas pendientes, obtenga
de Helmer que se lo nombre empleado del banco.
Torvald no se ha preguntado una sola vez, ni
durante el lapso que pasó en Italia ni después, de dónde salió el
dinero que costeó su año sabático; a su turno el lector, o el
espectador, se pregunta de dónde sale el dinero con que se pagan
las cuotas de la letra; pero en este punto nada es más sencillo.
Nora ahorra restringiendo al máximo la partida de sus gastos
personales que le provee Torvald y trabajando en labores de
bordado, ganchillo y copias a mano.
Pero nuestro asombro ante el inverosímil
argumento no se detiene aquí. A su regreso de Italia, un banco
noruego de manicomio nombra a Torvald, no ya abogado sino
director; y es tal su poder que bastará un par de palabras de su
esposa para que Helmer haga ingresar al banco a Cristina Linde,
amiga de Nora, que acaba de regresar a la ciudad donde moran los
Helmer, viuda, sin dinero y sin fe. Pero hay más, e Ibsen remata
la serie de disparates del argumento con un estridente deus ex
machinae. Cristina ha sido el amor de juventud de Krogstad;
contra una sola y sospechosa promesa de amor, ella obtiene que el
chantajista, ebrio de felicidad y arrepentido, devuelva a Nora la
letra fatal. Cuando parece inminente la revelación de la verdad,
Torvald reprocha ácidamente a Nora su “crimen”. Ella esperaba,
ilusa, que su amante marido se sacrificaría por ella y se
declararía autor de la falsificación. El resto, con la metáfora
del baile de máscaras que nos dirá de mentiras y dobleces, el
cruce de la carta que no debe leerse más el pagaré que se
restituye por nada, lo recordará el lector. Todo autor goza, según
Coleridge, de diez minutos de suspensión de la incredulidad, pero
Ibsen ha pasado por mucho ese plazo y la atención y la confianza
del espectador se resienten.
Si el argumento es inaceptable, la creación de
los personajes tiene verdad y fuerza. Nora (Estefanía Acosta), que
llega a decir “…daba gusto trabajar para ganar dinero. Casi
se me figuraba ser un hombre” (acto I) es el único
personaje que actúa coherentemente, de principio a fin: es, en los
hechos, el jefe del hogar. Si, según la ley, ha delinquido (lo que
es dudoso, porque el delito de falsificación exige el daño para
configurarse y Nora paga puntualmente la letra falsa) lo ha hecho
por amor a su marido. Su casi inmediata reencarnación, en la Elena
Alving de “Espectros” (1880), tan resuelta como Nora y que también
abandona a su marido pero se arrepiente y vuelve al hogar, es una
triunfadora en el manejo del dinero y los negocios; pero su vida
es un fracaso porque es una extraña para su único hijo, Oswald.
Elena es un paso más en el gradus ad parnassus del
deterioro moral de la heroína ibseniana, que terminará en “Hedda
Gabler” (1890), una mujer díscola que se sueña magnífica y es un
fracaso que termina en suicidio.
Todos estos deméritos de la obra original se han visto agravados
por la puesta en escena del director argentino Marcelo Díaz
(Buenos Aires 9 de marzo de 1955) que claramente interpreta la
obra con la visión, que desvaloriza a Nora, de Torvald Helmer: la
idea de la mujer – niña. A su vez el melindroso Torvald (Pablo
Robles) es aquí un recio machote que suele parecer Stanley
Kowalski maltratando a Blanche Du Bois. La escenografía, poco
funcional y desagradable a la vista, es suficiente para arruinar
por sí sola una obra. La acción transcurre en una enorme cocina, a
cuya mesada los personajes trepan para bailar, conversar, besarse
y estrujarse; cada tanto Krogstad (Marcos Zarzaj) aparece
retorcido en una alacena. Detrás de la cocina hay unos espacios,
siempre en penumbra, a unos tres metros de altura, desde donde
algunos personajes hablan con los agitados habitantes de la
mesada. Hay una guitarrista (Nadina Mauri) que de comienzo a fin
parece pulsar la misma nota, “música” cuya relación con la obra
no pudimos adivinar. El colmo de la puesta en escena es el
disfraz de Nora como Marilyn Monroe, con los velos de “La picazón
del séptimo año” (1955) y la escena en que el aire forzado que
salía de una rejilla de ventilación del subterráneo soliviantaba
la falda, rejilla reemplazada aquí por Torvald con un ventilador
portátil.
El espectador se desconcierta, porque cada
tanto el denso texto de Ibsen emerge y choca con los personajes
lineales que una tradición errónea asigna a la pieza. Por
momentos Nora se hace valer, como cuando se enfrenta al doctor
Rank, que ha tenido la falta de tacto de anunciar su muerte a sus
amigos los Helmer y aún de declarar a Nora su amor; pero pronto
reaparece la minusválida moral. Otro punto en contra de la puesta
en escena es la grosería de los besos y tocamientos, muy mal
resueltos, poco verosímiles, a veces contrarios al texto y siempre
molestos. Besos musculares que parecen más acoso sexual que
demostraciones de afecto.
Actualizar una obra puede ser, como es forzoso
en Shakespeare, por ejemplo, eliminar las alusiones a sucesos del
siglo XVI que hoy no se recuerdan; en el caso de “Casa de muñecas”
hubo una adecuada secuela crítica, la revulsiva obra de Elfriede
Jellinek (Austria, 1946) “Lo que pasó cuando Nora dejó a su
marido” (1977) que intenta refutar o completar a Ibsen, pieza de
la que hubo una brillante puesta en escena en Buenos Aires, por
Rubén Szuchmacher, en el año 2003, con Ingrid Pelicori y Horacio
Peña, en la sala Casacuberta del teatro San Martín.
En la interpretación Estefanía Acosta es, cuando la adaptación la
autoriza, una Nora convincente. Pablo Robles es un buen actor,
pero parece incómodo en todas las escenas, posiblemente porque
no se puede entender el personaje que ha querido el director
Marcelo Díaz. Marcos Zarzaj y Massimo Tenuta, en los papeles de
Krogstad y el doctor Rank, con una técnica en dicción y gestos
impecable, trajeron un soplo del auténtico, difícil y profundo
Ibsen.
Díaz, como es frecuente en las adaptaciones contemporáneas de
“Casa de muñecas”, ha sacrificado los niños, que en la obra de
Ibsen aparecen en escena. Todo un símbolo: los niños son los
grandes sacrificados del mundo de hoy.
CASA DE MUÑECAS
de Henrik Ibsen, por El Galpón. Con Estefanía Acosta, Pablo
Robles, Camila Cayota, Marcos Zarzaj y Massimo
Tenuta. Escenografía de Santiago Espasandín, vestuario de
Valentina Gatti y Magalí Millán, iluminación de Sofía Episcopo,
música e interpretación de Nadina Mauri, dirección de Marcelo
Díaz. Estreno del 5 de enero de 2019, teatro El Galpón, sala
Atahualpa.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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BAKUNIN SAUNA UNA OBRA ANARQUISTA,
DE SANTIAGO SANGUINETTI, EN EL TEATRO EL GALPÓN - AYAX Y DON
QUIJOTE EN EL GALPÓN
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
No
le bastaron al Santiago Sanguinetti las tres piezas que agrupó
bajo el titulo “Trilogía de la revolución”; “Bakunin sauna, una
obra anarquista” las extiende a una tetralogía, destinada a
burlarse de todos aquellos que han creído que la economía y las
instituciones son obras humanas susceptibles de mejora y aún
destinadas a nacer y morir. El único personaje por el que
Sanguinetti mostró alguna simpatía es el musculoso “skinhead” de “Nüremberg”,
que interpretó él mismo; pero hay que advertir que prácticamente
toda la obra del autor, hasta hoy, es una serie de provocaciones
destinadas a llamar la atención, pero que siempre cayeron en el
vacío. Como Ayax en la Ilíada y Don Quijote con los molinos de
viento, Sanguinetti cree hacer teatro político y polémico, pero
sus hazañas no causan mayor conmoción que los análogos refritos de
Roberto Fontanarrosa.
En el desmesurado
sauna de un hotel de Las Vegas se planea un atentado anarquista
contra Ema (Claudia Trecu De Lucía) una ejecutiva de la I.B..M
que se apresta para una conferencia. Dos ancianas anarquistas
tatuadas, Margarita (Nelly Antúnez) experta en “computación
cognitiva” y Rosa (Myriam Gleijer), más Bernardo (Héctor Guido)
que llega con una motocicleta y un robot llamado Mijail Bakunin (Pierino
Zorzini), programado con las obras completas del autor del mismo
nombre, atacarán y marcarán a cuchillo, en pro de la revolución
social, a la perra capitalista. Sigue una larga sesión de charla,
cháchara, chapurreos, chamuyos, chistes y chocheces que incluye
asimilar los anarquistas a Charles Manson.
El espectador percibe
algunas “ideas” del autor. Sanguinetti nos dice, en metáforas, que
es inútil valorar el aporte del anarquismo a la epopeya del
hombre, porque su corpus intelectual y sus hechos históricos
están pasados de moda, lo que se demuestra con la ancianidad de
las protagonistas, patéticamente tatuadas para ingresar al siglo
XXI. La motocicleta que no va a ninguna parte es una alusión al
fracaso del Che Guevara y al “Diario de la motocicleta”;
finalmente, al autor le parece concluyente demostración del
carácter criminal del anarquismo compararlo con Charles Manson.
Como en la obra del mismo
Sanguinetti “Breve apología del caos por exceso de testosterona en
las calles de Manhattan”, hay un personaje que proclama “Digo
todo lo que se me viene a la cabeza”, frase que resume la estética
del autor y aún su metafísica, el terror del hombre ante el caos,
cuya omnipotencia nos obliga a suspender el pensamiento. El autor
dijo en una entrevista “Basta con que soñemos un posible cambio”.
Sólo soñar y soñar; no me molesten con lucha y superación, no me
quiten el sol. Con toda coherencia, el autor detesta todo lo que
alude, no ya a cambios sociales, sino a cualquier forma de
pensamiento libre, que, correctamente, percibe como peligroso para
el orden reinante. De sus pullas no se salvan Nietzsche, en el
título de “Sobre la teoría del eterno retorno aplicada a la
revolución en el Caribe” ni Kant, que en “Bakunin sauna una obra
anarquista” aparece aludido en el tatuaje de un “imperativo
categórico” que Rosa tiene en una de sus nalgas. Como en las obras
anteriores de Sanguinetti, el texto muestra una coprolalia
permanente, destacándose el vibrante apóstrofe, que aparece en
varias obras del autor: “¡la concha de tu madre!”.
Si tomáramos en serio
a “Bakunin sauna, una obra anarquista” señalaríamos la ironía de
que una obra tan tenue como el ala quebradiza de una mariposa,
pero reaccionaria al fin, fuera estrenada en “El Galpón”. Pero no,
no es posible tomarla, tomarlos en serio.
BAKUNIN SAUNA,
UNA OBRA ANARQUISTA, de Santiago Sanguinetti, por El Galpón, con
Myriam Gleijer, Nelly Antúnez, Héctor Guido, Pierino Zorzini y
Claudia Trecu De Lucía. Iluminación y escenografía de Laura
Leifert y Sebastián Marrero, vestuario de Johanna Bresque, sonido
de Fernando “Tato” Castro, música de Federico Zavadsky y Fernando
“Tato” Castro, dirección de Santiago Sanguinetti. Estreno del 11
de mayo de 2019 en teatro El Galpón, sala César Campodónico.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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SOLSTICIO DE INVIERNO, DE ROLAND SCHIMMELPFENNIG, EN EL TEATRO
DEL ANGLO - RÉQUIEM POR LA FAMILIA PROGRESISTA
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Roland
Schimmelpfennig (Gottingen, Alemania, 19 de setiembre de 1967)
pero residente en Cuba, es conocido de nuestro público por “Antes
/ Después” (teatro de La Gaviota, 2007, dirección de Gabriel
Calderón) y por “Sueño de una noche árabe” (Teatro Circular, 2009,
dirección de Sergio Pereira). Vimos, ese mismo año 2009 en el
festival de teatro de Cádiz “La mujer de antes”, por Teatro “Línea
de Sombra” (México) con dirección de Jorge Arturo Vargas; más
tarde, en el festival de teatro de Porto Alegre de 2015, vimos
"As quatro
direções do céu”,
puesta en escena
de Camilo de Lélis.
Paradójico y afecto a
la sorpresa, el autor titula “Solsticio de invierno” a una acción
que no sucede en el solsticio de invierno, el 21 o el 22 de
diciembre, sino el 24, en la Nochebuena; plantea enigmas que se
resuelven de inmediato y situaciones simples; lo hace en una forma
que calificaríamos de entre refinada y rebuscada.
El autor nos presenta
la ya clásica “familia disfuncional”, pero en una forma no tan
clásica: la familia es “progresista”, es una gente que nunca en su
vida votó a un partido conservador: Alberto (Gustavo Antúnez) que
ha escrito unos veinte libros, entre ellos “El pasado en el
presente” y “Navidad en Auschwitz”; timorato e ineficaz, se lleva
mal con su esposa Bettina (Valeria Ferreira) autora de filmes
para un público minoritario; Corina (Ileana López) es viuda,
está de visita en casa de su hija Bettina adonde lleva un extraño
(el doctor Rudolph Mayer, por Pepe Vázquez) que conoció en el
ferrocarril; más tarde aparece Konrad (Emilio Pigot) un pintor
amigo de Alberto y futuro amante de Bettina, autor de un cuadro
expresionista que cuelga en una pared y será destruido. Recorre la
escena como narrador, comentarista o pregonero un “director” (Till
Silva) que sabe y explica todo y a quien nadie ve.
No menos
convencional, pero también ingeniosamente modificada, es la
situación dramática. Rudolph es un médico alemán que viene de
Paraguay, seguro de sí mismo, amante de la música clásica alemana,
diestro en el piano; llama, en estilo nórdico, “Gudrun” a Corina
(es su segundo nombre), invoca deidades germánicas, alaba la
música de Wagner, habla, muy resuelto, del “orden cósmico”; pero
mucho antes de que nos diga “todos debemos servir a la humanidad
so pena de ser eliminados”, nos dimos cuenta de que es un nazi
irredento de segunda generación, perdido en un recoveco del
tiempo. Es, salvando las distancias, “El huésped vacío” de Ricardo
Prieto (Uruguay, 1970), maligno y removedor y los muchos
inspectores, siempre incómodos que llegan de improviso y sacuden.
La familia progresista cree luchar por una sociedad ideal; en los
hechos todo se les hace pequeños placeres, pequeñas traiciones,
pastillitas y tragos de vino: cobardía y fuga ante la realidad.
Estamos, y en este punto vemos la originalidad de la obra, ante
una nueva requisitoria contra la traición de los intelectuales,
como en “Vida de Galileo Galilei” (según el verdadero texto de
Bertolt Brecht), como en el Astrov de “Tío Vania” de Chejov, y,
en general, la traición de “Los filósofos” (que) “no han hecho más
que interpretar de diversos modos el mundo, cuando de lo que se
trata es de transformarlo”. Rudolph, en cambio, tiene fe y dice
“Sería hermoso que tuviéramos algo en que creer”. La familia
progresista no cree ni en sí misma y, como lo ha demostrado la
historia de las socialdemocracias, está condenada.
Este apólogo
edificante ha sido puesto en escena con el pulido, vitalidad y
arte que imprime Jorge Denevi a todas sus producciones. Algunas
innovaciones, como el irreal árbol de Navidad, concuerda
eficazmente con la simétrica irrealidad de la familia. Hay un
ritmo que varía pero no decae, no hay un solo bache, un solo
tiempo muerto. En la interpretación, que es una sola y sin
fisuras, se destaca Pepe Vázquez, posiblemente en lo mejor de su
carrera.
SOLSTICIO
DE INVIERNO, de Roland Schimmelpfennig, con Till Silva, Gustavo
Antúnez, Valeri Ferreira, Ileana López, Pepe Vázquez, y Emilio
Pigot. Escenografía y vestuario v de Felipe Maqueira, iluminación
de Eduardo Guerrero, diseño gráfico de Juan Vázquez, arte final
de Christian Menéndez, dirección de Jorge Denevi. En teatro del
Anglo sala Shakespeare - estreno del 11 de mayo de 2019.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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OBRAS DE ROGELIO BORRA GARCÍA SE VERÁN EN
DISTINTOS ESCENARIOS ARGENTINOS
Variados y distintos
elencos de Argentina han elegido obras del dramaturgo galvense
Rogelio Borra García, para llevarlas a escena a lo largo del año.
Luego de cumplir en 2018
una temporada de éxito, con excelente respuesta de público y
crítica, arranca la segunda temporada de “EL ESTIGMA ARDIENTE”,
bajo la dirección de Walter Argüello, con elenco y sala renovada.
Esta obra, que fuera premiada en el certamen Attori in cerca
d´autore y estrenada en Roma, por elenco italiano en lengua
italiana, se podrá ver en Teatro El Espión, Buenos Aires, a partir
del domingo 2 de junio de 2019.
Por su parte, el elenco
Actitud viene realizando funciones de la comedia “COTILLÓN”,
en diferentes espacios culturales, siempre dirigidos por Juan José
Meyrelles Torres y Adrán Ferrario. El sábado 1 de junio se
presentaron en la Sociedad de Fomento Andrés Rolón, en San Isidro
(Buenos Aires).
En agosto, el Taller de
teatro “El Farolito” bajo la dirección de Francisco Luzzi,
estrenará “TRASPUERTAS”, en la sala Iris Marga, del Club
Atlético Deportivo Norte, en Armstrong (Santa Fe).
También en agosto, en la
sala El Escape, en City Bell (Buenos Aires), la directora Elvira
Cangaro pondrá en escena su versión de “BRASAS (FUEGO DE
NOCHE)”, una de las piezas más representadas y premiadas de
Rogelio Borra García, que incluso tiene su versión cinematográfica
(“Fuego en la Noche”, Guido Bovina, 2016).
Aún sin fecha de estreno,
el grupo teatral Anilla de la ciudad de Salta, dirigido por el
multifacético actor, artista y escultor Luis Quiróz, tiene en
proyecto montar “LAS SOMBRAS CAMINAN MUY LENTO”.
Y si hablamos de estrenos,
no podemos dejar de mencionar que el elenco de La Comedia Galvense
se encuentra ensayando “CONSUEGROS MENTIROSOS”, que bajo la
dirección de su autor, tendrá su estreno nacional en agosto de
este año, en la sala de la Biblioteca Popular Dr. Andrés Egaña de
la ciudad de Gálvez, Santa Fe.
Más
inforrmación:
http://www.rogelioborra.com/
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TEATRO
EN LA ESQUINA (CALI. COLOMBIA) PUESTA ESCÉNICA 2019
El Teatro Esquina Latina celebrará sus
46 años de actividad artística y teatral con una programación
especial y da inicio a su Puesta Escénica 2019 con una
programación artística propia amplia y variada donde el público en
general disfrutará de los “sábados de teatro”, “Domingos
infantiles”, programación musical y las noches de “Poesía en la
Esquina” coordinadas por la poeta venezolana Betsimar Sepúlveda.
Este año Esquina Latina abrió la
puesta escénica con el actor y director teatral mexicano Lorenzo
Mijares y la obra “Contra-Sujeto”, el cual estuvo presente los
días 7, 8 y 9 del mes de marzo.
Cada fin de semana a partir del mes de
marzo y hasta el mes de octubre, los caleños podrán disfrutar de
un programa teatral, musical y poético que incluirá las obras y
actividades siguientes:
Marzo
CONTRA-SUJETO
del Mexicano Lorenzo Mijares.
EL SOLAR DE LOS MANGOS.
Premio Latinoamericano de Dramaturgia George Woodyard, Universidad
de Connecticut 2007, dramaturgia y dirección de Orlando Cajamarca
Castro. Sábados de teatro
BANG BOOM CLOWN
Dramaturgia y dirección: Alfredo Valderrama / Victoria Giraldo.
Domingos infantiles.
POESÍA EN LA ESQUINA.
El último jueves del mes.
Abril
LECCIONES DE HISTORIA PATRIA. Beca de creación teatral Ministerio
de Cultura, 2014, dramaturgia y dirección de Orlando Cajamarca
Castro. Sábados de teatro
BANG BOOM CLOWN
Dramaturgia y dirección: Alfredo Valderrama / Victoria Giraldo.
Domingos infantiles.
POESÍA EN LA ESQUINA.
El último jueves del mes.
Mayo
ALICIA ADORADA EN MONTERREY. Premio Itinerancias
Artísticas. Costa Atlántica. Ministerio de Cultura. 2012 y Beca de
Residencia artística Mincultura, México 2001, dramaturgia y
dirección de Orlando Cajamarca Castro. Sábados de teatro
BANG BOOM CLOWN
Dramaturgia y dirección: Alfredo Valderrama / Victoria Giraldo.
Domingos infantiles.
POESÍA EN LA ESQUINA.
El último jueves del mes.
Junio
ELEGÍA... LORCA.
Beca Nacional de creación en Teatro del Ministerio de Cultura,
2009, Dramaturgia y dirección: Orlando Cajamarca. Sábados de
teatro
FIESTA DE LAS AVES.
Dramaturgia y dirección: Alfredo Valderrama. Domingos infantiles
POESÍA EN LA ESQUINA.
El último jueves del mes.
Julio y agosto
BERNARDAS.
Obra de estreno, 2019, Dirección integral Orlando Cajamarca,
dirección asociada Adriana Gonzalias y Alfredo Valderrama. Sábados
de teatro
EL LEÓN Y EL CARPINTERO.
Dramaturgia y dirección: Alfredo Valderrama. Domingos infantiles
POESÍA EN LA ESQUINA.
El último jueves del mes.
Septiembre y octubre
ESTACIONES.
Obra de estreno, 2019. Dramaturgia y dirección: Orlando Cajamarca
Castro. Sábados de teatro.
JOSELITO BUSCA LA VIDA.
Dramaturgia y dirección: Orlando Cajamarca. Domingos infantiles
La puesta escénica del Teatro Esquina
Latina dará inicio en el mes de marzo hasta octubre y tendrá lugar
en su sede en la calle 4ta Oeste # 35-30, barrio: Tejares de San
Fernando.
Más información:
www.esquinalatina.org
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DESPUÉS DEL ENSAYO,
DE INGMAR BERGMAN, EN EL TEATRO TELÓN ROJO -
INQUIETANTE INGMAR BERGMAN
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Esta
“selección de textos” de Ingmar Bergman, realizada por Jorge
Denevi, que se inspira en el filme homónimo de 1984, contiene
teatro en todas sus partes. La acción sucede en un escenario, los
tres agonistas son actores; Vogler (Ricardo Beiro) es también
director. Se dicen generalidades y particularidades sobre el
teatro, agudas observaciones sobre la actuación y mínimas
historias de entrecasa y charla general. Hay un amor por el
teatro, un tanto desesperado; y odio hacia el teatro,
desesperado también, como si el arte fuera una condena; hay una
clara propensión al sexo y también al hastío del sexo que, por
partida doble (Anna, por Leticia Scottini; Raquel por Margarita
Musto) se ofrece a Vogler. Las remembranzas, que son casi toda la
obra, aparecen desvalorizadas y las posibilidades del futuro
parecen llegar como por inercia: una puesta en escena más, una
sesión de sexo más, tal vez una borrachera más.
Recordamos algunos
filmes de Bergman. De “Un verano con Mónica”, un éxito de
escándalo, nos quedó sólo el cuerpo de Harriet Anderson;
encontramos una trama, muy sutil pero muy “psicológica”, en el
filme que se llamó en español “Juventud, divino tesoro”; no
comprendimos el erotismo de “Escenas de la vida conyugal” y
después de “El huevo de la serpiente”, “Fanny y Alexander” y “El
silencio” decidimos que ya teníamos bastante de Bergman. Leímos
ahora su autobiografía, “Linterna mágica” y su novelización de la
vida de sus padres, “Con las mejores intenciones”. En el comienzo
de “Linterna mágica” Bergman afirma que, de niño, quiso matar a su
hermana; por el contexto, por el aire casual con que lo dice, no
le creemos. Como en “El silencio”, como en Fanny y Alexander”
Bergman nos quiere asustar. A este rasgo de insinceridad se suma,
también insincero, uno de los más típicos lugares comunes del mal
narrador: la idea de que hablar de desechos humanos, vómitos,
suciedad, mal olor, sexo aburrido y demás miserias es un mérito,
sin duda de coraje y valentía; fastidioso “realismo” sobre el que
disertaron y disertarán todos los Serebriakov (“Tío Vania”) que en
el mundo han sido, como si los amores infantiles y filiales, las
delicias de una sonriente Naturaleza y la flor azul de Novalis
fueran menos reales. Hay además, en esas dos obras en prosa mucho
análisis de conductas, y en “Después del ensayo” sesiones de
mutuo examen de consciencia donde cada uno de los interlocutores
confiesa al otro y se confiesa, una especie de doble diván
freudiano, todo un tanto sadomasoquista, que en el fondo resulta
una nueva edición de la retórica de los conventos y los
confesonarios.
En ambos libros se
aprecia el impacto, más bien la herida que no cicatriza, de una
educación religiosa muy rígida, al punto que “Con las mejores
intenciones” es como un “ajuste de cuentas” con un cristianismo
fundado en el temor de las penas eternas que implicaba, en el
interior de la familia Bergman, castigos corporales, a cargo del
padre, un autoritario pastor protestante. Hay contra él un
arraigado rencor, visible en la terrible línea de “Después del
ensayo” en que Vogler cuenta que le preguntó a su progenitor, ya
viejo y enfermo, cómo sentía la muerte. Vogler, por su parte,
declara que la muerte “lo está mordisqueando como una rata
ansiosa”. Pero Bergman no ha podido desprenderse de ese mundo de
culpas, castigos, quizás de recompensas, tan ilusorias como las
penas eternas.
Lo que antecede no
quita que la pieza está escrita por un hombre inteligente y culto,
poseedor, tal vez, de un mundo interior tan valioso como
estragado. Bergman expresa, como sin rumbo y sin saber bien por
qué, sus pesares íntimos, en particular el temor a la muerte, que
no es ni noble, ni útil ni hermoso y que todo artista debería
eludir por su vulgaridad.
El director Scott
Illingworth nos ha brindado con ritmo justo la extraña
atmósfera, cautivante y peligrosa, del mundo de Bergman. Tanto
Ricardo Beiro como Vogler (o Bergman) como Margarita Musto y
Leticia Scottini se desempeñaron con brillo en papeles muy
difíciles e inquietantes. Se trata de Bergman, pues.
DESPUÉS DEL
ENSAYO, de Ingmar Bergman, por Telón Rojo. Selección de texto de
Jorge Denevi, traducción de Maja Almada y Leticia Scottini, con
Margarita Musto, Leticia Scottini y Ricardo Beiro. Luces de
Eduardo Guerrero, espacio escénico, utilería, vestuario y
producción de Telón rojo, dirección de Scott Illingworth. Estreno
del 9 de septiembre de 2918, Teatro Telón Rojo.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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SACCO
Y VANZETTI DE
MAURICIO KARTÚN, EN EL TEATRO EL TINGLADO - SACCO Y VANZETTI, 2018
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
A las 3 de la tarde del 15 de abril de
1920, el guardia de seguridad Alessandro Berardelli y el pagador
Frederick Parmenter llevaban dos cajas metálicas con un total de
U$S $15,773.51, a la fábrica de zapatos “Slate & Morrill” de South
Braintree, Massachusetts, para el pago de la quincena cuando
fueron emboscados por dos hombres que los balearon de muerte y
huyeron con el dinero en un automóvil que los esperaba. Indicios
condujeron a la policía hacia Nicola Sacco (Cristian Amacoria) y
Bartolomeo Vanzetti (Álvaro Armand Ugon). Ambos invocaron
coartadas: Sacco alegó que ese día estaba en Boston procurando la
documentación necesaria para regresar a Italia con su familia;
Vanzetti que estaba en su oficio, vendiendo pescado; varios de los
169 testigos que declararon en la causa ratificaron sus dichos.
En el
proceso apareció
la
xenofobia hacia los italianos y sus descendientes en los Estados
Unidos de comienzos del siglo XX. Existía la mafia; también
existían los anarquistas revolucionarios y el 6 de setiembre de
1901 un anarquista,
León
Czolgosz, asesinó al presidente de la nación, William
Mc Kinley; Sacco y Vanzetti estaban vinculados a un activo y
estruendoso grupo de anarquistas orientado por Luigi Galleani. El
caso judicial apasionó al mundo, se creó un activo Comité de
Defensa, Albert Einstein y H.G. Wells abogaron por la inocencia de
los acusados; en los Estados Unidos Upton Sinclair, John Dos
Passos, Malcolm Cowley, Edna St. Vincent Millay, Carl Sandburg y
William Carlos Williams escribieron artículos y poemas en su
favor. La pasión distorsionó las actuaciones judiciales con casi
automáticas impugnaciones de las pruebas, muchas de ellas
fundadas: en esta obra hábiles repreguntas descubren la
parcialidad de algunos testigos. Aparecen en esta versión de
Mauricio Kartún (1992), para mayor confusión, las “confesiones” de
un delincuente, por lo menos neurótico y poco creíble (Celestino
Medeiros, por Charly Álvarez) que se atribuyó el asalto y el
crimen.
Las
investigaciones no terminaron con la ejecución de Sacco y Vanzetti
(1927): peritajes balísticos de 1961 y 1983, con más moderna
tecnología, señalan al revólver de Sacco como el que disparó una
de las balas mortales; otro grupo de peritos sostiene que la
escena del crimen y aún los peritajes balísticos fueron
manipulados. Upton Sinclair, que defendió la inocencia de Sacco y
Vanzetti en su libro “Boston” (1925), declaró más tarde que, al
tiempo, el primer abogado de Sacco y Vanzetti, Fred Moore, le
confió que había fabricado las coartadas de ambos; esta
declaración de Moore es impugnada con el argumento de que el
abogado intentó justificar así sus errores en la defensa. En 1941,
el líder anarquista Carlo Tresca, miembro del Comité de Defensa de
Sacco y Vanzetti, dijo a Max Eastman; “Sacco fue culpable, pero
Vanzetti fue inocente”, lo que Eastman entendió como que Vanzetti,
que habría participado en el asalto, no disparó ningún revólver.
Por más
que Sacco y Vanzetti en lucha por sus vidas susciten simpatía y
se aprecie el prejuicio y manipulación de hechos que medió en la
causa, a la espera de una investigación desapasionada y
definitiva, cabe recordar la frase de Gramsci “Sólo la verdad es
revolucionaria”. La emoción sobreescribe los hechos: todos vimos
el filme de Giuliano Montaldo (1971) con Gian Maria Volonté y
Riccardo Cucciola, tal vez lloramos al fin con la canción de Joan
Báez. Esta emoción es legítima, pero ninguna emoción puede
desplazar a la verdad.
Aunque la
determinación de la verdad pueda estar todavía en suspenso y
aunque los hechos tal vez nunca serán enteramente conocidos, este
drama conserva toda su potencia escénica: si hemos visto una
leyenda o un mito, esa leyenda es poderosamente dramática. El
trabajo de un abogado en un juicio es un arte de representación y
la sala de audiencias es tan dramática como un escenario; los
abogados, como los actores de teatro, usan sus palabras, voces y
cuerpos para comunicar pensamiento y emoción; todavía hoy, en el
lenguaje forense del Uruguay, se llama “actor” a todo aquel que
solicita algo ante la justicia. Por supuesto, cuando se trata de
un juicio por jurados y media la pena de muerte, la sala de
audiencias se acerca a los teatros griegos de la época clásica.
La puesta en
escena de José María Novo, que nos da uno de los mejores
espectáculos de la cartelera, emplea al máximo este dramatismo de
los juicios y nos brinda un drama conmovedor, precisamente porque
no realza los aspectos emocionales, inmediatos y fáciles, de la
historia y porque ha confiado el interés del espectador a un
esmerado progreso de la acción, que debe hablar por sí sola. La
escenografía (Adán y Bruno Torres) y las luces (Martín Blanchet)
son a la vez funcionales y artísticas; en la interpretación el
director ha logrado algo poco corriente en nuestro medio, que es
la unificación perfecta del estilo de actuación, con lo que la
obra se redondea y se pone de pie. Ha contado con un grupo de
actores de primera línea: Alvaro Armand Ugon como Vanzetti,
Cristian Amacoria como Sacco, ambos con precisa captación del alma
de sus personajes y exactos en su caracterización física; Leonardo
Franco como William Thompson, el valeroso abogado defensor, Juan
Worobiov como el juez Thayer, Luis Lage, Washigton Sassi. En
cuando a la actuación de Sergio Pereira como el fiscal Frederick
Katzmann, reconociendo la idoneidad del actor, encontramos a su
fiscal perverso, hipócrita y un tanto malvado por demás, sin que
sus diálogos lo digan con claridad; un peinado ridículo, en
discordancia con las fotos de la época, acentúa, sin necesidad,
sus rasgos negativos.
SACCO Y VANZETTI,
de Mauricio Kartún, con Álvaro Armand Ugon, Cristian Amacoria,
Ángel Carballedas, Luis Lage, Gonzalo Moreira, Juan Worobiov,
Cecilia Lema, Carina Méndez, Anthony Méndez, Sergio Pereira,
Julio Olivera, Alejandro Martínez, Leonardo Franco, Charly
Álvarez, Rosario Fernández – Chaves y Washington Sassi.
Escenografía de Adán Torrres y Bruno Torres, iluminación de Martín
Blanchet, vestuario de Nelson Mancebo, música de Agustín Ferreyra,
dirección general de José Ma. Novo. Estreno del 15 de setiembre
de 2018. Teatro El Tinglado.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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EL
AMIGO FANTASMA
DE FERNANDA MUSLERA, EN EL TEATRO CIRCULAR - EN EL SENDERO DEL
THRILLER
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
“El amigo
fantasma”, primera obra estrenada de Fernanda Muslera, nos produce
cierta perplejidad, en parte por lo que la autora se ha propuesto,
en parte por lo que no se ha propuesto y aún por la forma en que
realizó su proyecto. Generalmente se espera de un nuevo autor una
declaración de principios, una definición personal, una voz que
afirma: “Aquí estoy” y explica o pretenda explicar qué tiene de
nuevo que decir. Hemos tenido en nuestro teatro la moda europea de
la “autoficción”, donde se levanta apenas la punta del velo, se
deja alguna ceniza en el papel y de inmediato se dice y no se
dice, se pasa el esfumino; hay como un pudor o una restricción
que impiden decir “Yo”, aunque se dan rastros, como las huellas
digitales, que se definen por lo que tocan y aún lo que moldean.
En el caso de “El amigo fantasma”, la autora está muy por detrás
de su obra. Mueve los hilos, enhebra un argumento; apenas se le
ven los dedos. Quiere entretenernos, sin duda; tal vez, sueñe,
por qué no, con un éxito de boletería; pero nada personal, íntimo,
comprometido, parece interesarle como materia para el teatro. Ha
urdido un enigma policial que tiene, por la forma en que recurre
a intriga y suspenso, algo de thriller.
La autora exhibe el poco común mérito del
cuidado formal en exposición y diálogos. Resulta claro que la
pieza es un producto consciente y nada improvisado, que ha sido
pasada por reexámenes y tareas de pulido; actitud de respeto al
público y al idioma que merece encomio. Los diálogos del
principio, donde un grupo de amigos pasa el rato con un juego de
sociedad y se habla distraídamente de sexo, son animados e
incluyen sugestiones del nudo de la obra; pero si bien estas
conversaciones ligan el comienzo con el fin, no lo adelantan ni
preparan; obran como antecedentes que podemos recordar más tarde,
una vez que reconstruimos lo ocurrido, pero no se integran a la
marcha de la trama. La autora ha elegido el difícil método de
comenzar la narración por el final, cuando todo lo mortífero ha
sucedido y la explicación de los hechos nos es retenida hasta la
última escena. Allí llega la respuesta a un interrogante; se
conoce, al fin, la anécdota completa; pero sólo encontramos
peripecias y no vemos el desenlace de un drama.
El enigma policial que contiene “El amigo
fantasma” es lo más débil de la obra y una abogada hace ver los
errores de una indagatoria judicial, palmarios para cualquier
observador; pero esos errores no responden a ninguna conspiración
y sólo muestran un bache en el armado del argumento. Un argumento
vulgar, cuyo ámbito de elección es la crónica policial del
informativo de las 19 hs.; en el fondo un argumento de poco o
ningún interés, que no mejora al rodeársele de oscuridad.
La interpretación acusa claros desniveles,
tanto en la calidad como en la síntesis de estilos, que aparecen
muy variados. No encontramos, ni aún teniendo en cuenta la difícil
compatibilidad entre las dos partes del espectáculo, las
conversaciones y la crónica criminal, la necesaria unidad de
actuación.
EL AMIGO
FANTASMA, de Fernanda Muslera, por el teatro Circular. Con Ignacio
Estévez, Gustavo Bianchi, Aline Rava, Leticia Cacciatori,
Sebastián Martinelli, Anita Balbuena y Laura de los Santos.
Escenografía y vestuario de Hugo Millán, luces de Rosina Daguerre,
música de Sergio Fernández Cabrera, dirección de Moré. Estreno del
8 de septiembre de 2108, teatro Circular.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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VIAJE AL INTERIOR DEL JARDÍN DE LOS CEREZOS
DE ANTÓN CHEJOV, EN EL TEATRO EL GALPÓN, SALA ATAHUALPA - LUCHA DE
CLASES EN EL JARDÍN DE LOS CEREZOS
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Una grata
sorpresa. La escenificación de Chejov por Roberto Jones muestra
que el teatro local va por buen camino con este “Viaje al interior
del jardín de los cerezos”, un título que no osa decir su
verdadero nombre y se resguarda en una modestia itinerante, con
todo lo que “viaje” implica de anhelo y distancia. Sucede que la
obra, pese a su llana apariencia, plantea muy difíciles problemas
de comprensión y de interpretación que aquí se han resuelto de
muy buena manera.
El propósito aparente de Chejov es mostrar,
como lo hace a menudo en sus cuentos, el cómico contraste entre lo
que sus personajes pretenden ser, por lo general algo superior y
digno, y lo que en verdad son, su objetiva realidad social; pero
los propósitos del autor son mucho más y más complejos. Los
personajes de “El jardín de los cerezos” deben mostrar, además de
lo que son, algo de lo que fueron, algo de lo que serán y hasta
algo de lo que deberían ser. El conjunto de estas facetas de los
personajes permitirá vislumbrar el entramado social de la Rusia de
fines del siglo XIX, con la lucha de clases y aún con una
reflexión, muy entre líneas, sobre la inoperancia de la propiedad
privada.
En este sentido la puesta en escena de Roberto
Jones, en cuanto dirección de actores, muestra sus mejores
aciertos. Es cómico el fatuo Gaev, interpretado a la perfección
por Sergio Pereira, que a la postre inspira piedad, porque se
adivina que el empleo en un banco que ha logrado en el último
acto lo mereció por lo que fue, un hombre culto e inteligente,
cualidades que, en la pieza, le han desertado y sólo decoran su
predecible fracaso. Es de primer orden la interpretación de
Sebastián Serantes como Petia Trofimov, el estudiante perenne,
revolucionario en sus entretelas, tan similar al Pedro (o Piotr)
que encarnara Pierino Zorzini en la versión de “Los pequeños
burgueses” de Maxim Gorki de “El Galpón”, 20 de febrero de
2016; mas se lleva la palma la interpretación de Ricardo Couto,
que devuelve a Lopajin su carácter de absoluto protagonista.
Lopajin tiene resabios de su pasado servil, encarnado en la
memoria de su padre, un mujik siervo de los Ranevsky. Obsequioso y
equivocado, les sirve, sin ninguna razón, el negocio de la venta
en fracciones de la propiedad, sencilla y redituable operación
que los terratenientes no ven ni quieren ver, negocio que al fin,
con más lógica, hará Lopajin para sí. Pero más se le ve el rastro
del servilismo en su admiración por Liubova, donde su amor, nada
confesado, va hacia el ser “superior”, hacia la señora de
posición, hacia la terrateniente elegante, mucho más que hacia la
mujer. En otros momentos el personaje asume, no sin esfuerzo, su
identidad de hombre rico, insolente señor de la situación, vestido
como los señores; en otros momentos se bloquea con silencios y
frases truncas que no se articulan con la realidad, como en su
infortunado conato de pedido de mano a Varia (Soledad Gilmet),
ambiguo momento del que no se podrá saber si Lopajin retrocede por
un relente servil, ya que Varia es la hija adoptiva de los
Ranevsky, o si se escabulle porque adivina que está a punto de
contraer un matrimonio por debajo de su actual clase social. En
cuanto a la interpretación de Susana Groisman, de Liubova
Ranevskaya, la actriz ha dado lo mejor de sí misma en un personaje
de extraordinaria dificultad, como que es varias personas a la
vez. Liubova es aún un recuerdo o sombra de lo que fue, una mujer
elegante de una familia acaudalada y educada; pero a la muerte de
su esposo y su hijo, casada en segundas nupcias con un hombre
que no la ama y la explota con gastos extravagantes como la compra
de un chalet en la Côte d’Azur. Al fin, rapaz y egoísta, planea
volver a su segundo marido con el dinero que sonsacaron a una tía
con el pretexto de pujar en el remate del jardín de los cerezos,
y al mismo tiempo hace estudiar a su hija Anya para que la
mantenga en sus años provectos, donde aparece un tema que le
interesaba sobremanera a Chejov, la explotación de los hijos por
los padres, tema prohibido por la censura zarista y que aparece,
velada pero muy claramente, en la explotación de Sonia por
Serebriakov en “Tío Vania”. Groisman ha dado el tono adecuado a la
fragilidad radical de Liubova; hubiéramos preferido que la actriz
diera más espacio a la tontería, al fin cómica, del personaje,
pero lo que hizo sobre las tablas fue de lo mejor. En un elenco
compacto y con unidad de estilo, destacamos la impecable
composición de Walter Berrutti como Firs, el camarero octogenario
que, vacío de todo destino, ha de morir, como el jardín, firme en
su sitio.
Son especialmente elogiables la escenografía y
vestuario de Ana Arrospide y la iluminación de Martin Blanchet.
VIAJE AL
INTERIOR DEL JARDÍN DE LOS CEREZOS, de Anton Chejov, con Walter
Berrutti, Ricardo Couto, Soledad Gilmet, Tefi Crocce, Susana
Groisman, Sergio Pereira y Sebastián Serantes. Escenografía y
vestuario de Ana Arrospide, iluminación de Martín Blanchet, música
de Fernando Ulivi, dirección de Roberto Jones. Estreno del 20 de
setiembre de 2018.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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TARTUFO DE
MOLIÈRE, POR LA COMEDIA NACIONAL, EN EL TEATRO SOLÍS - TARTUFO EN
MÚLTIPLES PLANOS
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
Esta
puesta en escena de la directora española Natalia Menéndez incluye
un par de innovaciones sobre las comunes versiones de “Tartufo”.
La primera, intrascendente como un dije agregado a una pulsera, es
la inserción de escenas de “Don Juan” de Molière, en sombras
chinescas; la innovación mayor es el escenario, cuya autora es la
Sra. Paula Kolenc. No diríamos que el escenario incluye una
escalera; la escalera, que debe constar de más de cuarenta
escalones, es todo el escenario. Toda la acción de “Tartufo”
circula por un entarimado, algunos descansos, rellanos, huellas,
contrahuellas, arranques, peldaños y hasta por los vanos y por los
soportes que la sostienen. Esta arrogante escalera ya no es un
medio para desplazarse de un plano horizontal a otro, sino el
lugar de todas las múltiples acciones de la pieza, al punto que el
espectador se pregunta cómo el sindicato municipal no ha reclamado
medidas de seguridad para el arriesgado tránsito de los actores.
El desempeño de Levón en el papel protagónico es digno de los
mejores momentos del actor, pero ningún intérprete puede competir
con la atracción, no exenta de temor, que para todo espectador
significa el invasor armatoste. Atracción que es una distracción,
ocupado el espectador, a pesar suyo, más que en los sustanciosos
diálogos, en calcular si Juan Antonio Saraví podrá recorrer
incólume los tramos superiores de la escalera o desde dónde
emitirán los próximos parlamentos Alejandra Wolff o Roxana Blanco;
distracción que, suponemos, se trasmite también a los actores y se
traduce en un incómodo divagar de la atención. Algo semejante
sucedía con la planta escénica de “Cuento de invierno”, de
Shakespeare (2017), de la misma escenógrafa, obra de posible
interés plástico, donde toda la acción acontecía en un anillo
luminoso en cuyo interior dos feos postes fueron todo el follaje
del bosque de Arden.
Si podemos prescindir
de este aspecto, encontraremos en este brioso “Tartufo” toda la
animación, la gracia del lenguaje el, entretenimiento y las
sagaces observaciones de la conducta humana que contiene el
original de Molière. Los actores cumplen su cometido a la
perfección, destacándose la labor de Diego Arbelo en seis
personajes diferentes.
TARTUFO, de Molière, por la Comedia Nacional. Con Diego Arbelo,
Levón, Claudia Rossi, Roxana Blanco, Alejandra Wolff, Andrés
Papaleo, Stefanie Neukirch, Lucio Hernández y Juan Antonio Saraví.
Escenografía de Paula Kolenc, iluminación de Claudia Sánchez,
vestuario de Soledad Capurro, música de Gastón Gregorio y Gustavo
Reyna, coreografía de Carolina Besuievsky, dirección de Natalia
Menéndez. Estreno del 29 de setiembre de 2019, Teatro Solís.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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EL CHARCO INÚTIL
DE DAVID DESOLA, EN EL TEATRO ALIANZA - ¡AL AGUA, PATO!
Por Jorge Arias (Montevideo - Uruguay)
La
anécdota se ciñe a un aparente mínimo; pero hay sustancia en ese
registro menor. Un maestro retirado (Parantritis, por Pepe
Vázquez) anima y alecciona a Oscar (Álvaro Lamas), un profesor
joven que, agredido por un alumno, no quiere volver a dar clases.
Parantritis compara la capacidad estéril de Oscar con un charco
sin patos; le sugiere volver a la vida, dictar clases, así sea a
un solo alumno. Oscar accede a regañadientes; enseñará al hijo de
Irene (Rossana Spinelli) un adolescente que ha muerto años atrás
en un accidente… Siguen momentos de fantasía, un desencuentro, un
comienzo de frustración, un encuentro que despunta feliz. Nada ha
terminado, todo continuará y se transformará; no hay garantías
para la felicidad; Oscar se arriesgó, actuó, se puso en marcha. Un
grano de fantasía puede incrustarse para bien en la realidad y
hasta la hoja más pequeña del árbol hace su sombra en el suelo.
“El charco inútil”
tiene el encanto de la sencillez y la desenvoltura que acompaña
a un plan bien realizado. El autor ha ideado una comedia con seres
que distan de ser héroes pero que conocen un momento de grandeza y
se alzan sobre sí mismos; y así la pieza nos brinda una velada
amable y reconfortante.
En la interpretación
Pepe Vázquez exhibe de nuevo su aplomo y maestría de actor; nos
ha parecido excesivo el enfurruñamiento de Oscar, aunque debe
admitirse que es un papel difícil, negativo y hecho de
reticencias.
EL CHARCO
INÚTIL, de David Desola, con Pepe Vázquez, Álvaro Lamas y Rossana
Spinelli. Escenografía de Pilar González, vestuario de Alicia
Lores, luces de Martín Perrone y Leandro Galetta, dirección de
Eduardo Cervieri. Estreno del 29 de agosto de 2018. Teatro
Alianza.
Jorge
Arias - (Uruguay)
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la obra EL ESTIGMA ARDIENTE, DE
ROGELIO BORRA GARCÍA, GENERA POLÉMICA EN MÉXICO
La obra
“El Estigma Ardiente”, del dramaturgo argentino Rogelio Borra
García, que fuera premiada en Italia en el año 2004 y estrenada en
Roma, con actores italianos y en lengua italiana, se presentó en
Puerto Vallarta, México, en una versión a cargo del Grupo de
Teatro Dionisio de esa ciudad.
Con el
anuncio de nuevas funciones, el cartel de difusión de la obra
generó rechazo y polémica en las redes sociales.
Un grupo
de supuestos cristianos ortodoxos lanzaron voces de protesta sobre
lo que consideraron una blasfemia y una provocación.
A pesar
de las aclaraciones del director de la pieza, Juan Carlos Ramírez
Ruiz, y del propio autor, la polémica cobró mayor fuerza, llegando
incluso a insinuar la posibilidad de una bomba en la sala donde se
exhibe la obra.
“A ver
si un día los cristianos nos cansamos de esto y hacemos algo, que
por mucho menos los islámicos ya algo habrían hecho.” “(…) los
islámicos hubieran ido en plena función con una bomba y listo!”
“El
INADI en Argentina es cómplice de toda esta basura, hay miles de
obras blasfemas, o perdón cierto que la palabra "blasfemia" no
está en el diccionario de estas bestias…”
La trama
de la obra gira en torno a un cura acusado por dos menores, por
actos de violencia y abuso sexual. En medio de un inexplicable
episodio místico y con la presión del periodismo sensacionalista,
un comisario pretende llegar al fondo de los hechos. Pero la
verdad rara vez es pura y nunca sencilla.
No
obstante las amenazas de acciones legales recibidas, los
responsables de la puesta en México decidieron mantener sin
cambios la difusión del espectáculo, conservando la imagen de
promoción que desató la ira y la intolerancia de grupos
extremistas.
Más
información:
www.rogelioborra.com
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NUESTRA REVISTA, NOTICIAS TEATRALES,
GALARDONADA EN ELDORADO (MISIONES - ARGENTINA)
Dentro de la programación del VI Encuentro del Arte y la Cultura -
Teatro 2005, organizado por el Club de Teatro Eldorado, celebrado en
dicha ciudad argentina del 8 al 14 de agosto de 2005, hubo un apartado
dedicado a la entrega de premios y galardones. El acto de entrega se
celebró el día 9 de agosto de 2005 en el Teatro del Pueblo, y en el mismo
se entregaron diversas distinciones, entre otras a nuestra revistas
NOTICIAS TEATRALES "por su aporte al
teatro del mundo, y su permanente y generoso trabajo de difusión del
teatro, especializada en las Artes Escénicas y a su director, el autor
Salvador Enríquez".
El galardón a NOTICIAS TEATRALES fue
recogido por la autora, actriz y directora española Antonia Bueno en
representación de Salvador Enríquez, que le fue entregado por Marcelo
Calier, director del Club de Teatro Eldorado.
Desde aquí nuestro agradecimiento a los organizadores. Recibimos la
distinción con alegría y orgullo (un orgullo que quisiéramos disimular
para que no huela a incienso) pero que nos compromete aún más en nuestro
compromiso de dar difusión a todo lo relacionado con las Artes Escénicas.
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Para
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