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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 30-11-2016

 

NOTICIAS TEATRALES
Elaboradas por Salvador Enríquez
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DESDE LA PLATEA

 

Índice de comentarios

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LA CLEMENZA DI TITO EN UN GRAN SEGUNDO REPARTO

Por Francisco Mejorada Jiménez

EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA IFIGENIA EN TRACIA

Por Francisco Mejorada Jiménez

MÍRAME: LA VIOLENCIA DE GÉNERO SE RECICLA EN CIBEREXTORSIÓN

Por Nunci de León

EL ÉXTASIS DE LOS INSACIABLES: APÚNTESE A LA CENA Y BRINDE CON ELLOS

Por Nunci de León

RIGOLETTO DE GIUSEPPE VERDI EN EL TEATRO COMUNALE DE BOLONIA

Por Magda Ruggeri Marchetti

300 EL X 50 EL X 30 EL: PREGUNTAS EN EL AIRE

Por Titania

REDECORACIÓN: SI BASTARA CON REDECORAR LA VIDA

Por Nunci de León

MOSCÚ (3442 Km): LO QUE NOS SEPARA DE LA FELICIDAD

Por Nunci de León

UNA NORMA BIEN HECHA

Por Francisco Mejorada Jiménez

INVENCIBLE: CRISIS Y CLASES

Por Titania

OTELLO, INTERESANTE INICIO DE TEMPORADA EN EL TEATRO REAL

Por Francisco Mejorada Jiménez

BRILLANTE COMIENZO DE TEMPORADA EN LA ZARZUELA CON LAS GOLONDRINAS

Por Francisco Mejorada Jiménez

IDIOTA: UN POBRE DIABLO DEL MONTÓN

Por Titania

EL SEGUNDO INFIERNO: LO DIJE YO ANTES

Por Nunci de León

DE PROFESIÓN MATERNAL: SORPRENDENTE LIBERACIÓN DE ENDORFINAS

Por Nunci de León

LA MARICARMEN: TODA LA CARNE EN EL ASADOR

Por Nunci de León

REIKIAVIK: UNA BATALLA GLOBAL, VITAL

Por Titania

ALLARMI! EN EL TEATRO ARENA DEL SOLE DE BOLONIA

Por Magda Ruggeri Marchetti

YO, FEUERBACH: ASCENSO Y CAÍDA DE UN ACTOR

Por Titania

NATHALIE X: PARA NO ANDARSE POR LAS RAMAS

Por Nunci de León

LA NOCHE DE LOS VAMPIROS: ALMAS EN PENA, RETRATARSE

Por Nunci de León

DON JUAN, UN MUSICAL A SANGRE Y FUEGO LLEGA A LA GRAN VÍA

Por Nunci de León

EL RINCÓN DE LA RODRÍGUEZ, UN RINCÓN CON AUTENTICA MAGIA

Por Francisco Mejorada Jiménez

UNA NOCHE COMO AQUELLA: QUE ENVENENA Y ENAMORA

Por Nunci de León

NADA QUE PERDER (Y TODO QUE GANAR)

Por Nunci de León

BAYCHIMO TEATRO: TODOS SUS PATITOS

Por Nunci de León

LAS 50 SOMBRAS DE ANDREU, DE BARCELONA A MADRID

Por Nunci de León

EL BRUJO BRUJULEA POR EL QUIJOTE, EN LOS TEATROS DEL CANAL

Por Titania

MEDINACELI  (SORIA) APUESTA POR LA ÓPERA

Por Francisco Mejorada Jiménez

REFRESCANTE HUMOR EN LA VERBENA DE LA PALOMA

Por Francisco Mejorada Jiménez

TEATROS DE SEGUNDA,  OBRAS DE PRIMERA: MALDITAS EN LA SALA TÚ

Por Francisco Mejorada Jiménez

MASTER CLASS DE CORNELIUS HORGAN DEL ACTOR’S STUDIO DE NUEVA YORK, SOBRE EL MUSICAL DON JUAN

Por Nunci de León

NO SERÉ FELIZ… PERO TENGO MARIDO, EN EL MUÑOZ SECA

Por Nunci de León

 

LA CLEMENZA DI TITO EN UN GRAN SEGUNDO REPARTO

 

Se ha presentado en el Teatro Real de Madrid la obra La clemenza de Tito de Mozart, catalogada como una de sus últimas obras, pocos meses antes de su muerte, en la producción que ya vimos en 2012, bajo la dirección del coliseo operístico de Gerard Mortier y con la dirección artística del matrimonio Ursel y KarlErnst Herrmann, estrenada en el Festival de Salzburgo en 1982. De alguna forma se convierte en un homenaje al anterior director del Real, no sabemos si como desagravio por la forma en que se le trató en sus últimos días.

La obra tiene un carisma especial sin duda, aunque nos parece un poco añeja, con esas direcciones escénicas a las que el director belga era tan aficionado, algo forzadas, con situaciones como dos intérpretes pegados a la pared en ambos lados del escenario, Sin embargo y tal ya comentamos en aquel 2012, el matrimonio alemán aborda  una puesta en escena a caballo entre lo atemporal y lo clásico, con un vestuario con largos abrigos que  mezcla con una aproximación a la Roma clásica. El decorado minimalista, parece apropiado,  aunque quizás algo frio para el desarrollo de la acción. La apertura del escenario a decorados que nos aproximan al clasicismo, le confiere mayor profundidad y nos acercan más al drama que soporta la traición de Vitelina y Sesto y la posterior Clemens que da título a la obra.

La orquesta bien, bajo la dirección de Christophe Rousset aunque falto de brío y con tempos excesivamente largos. Bien el coro aunque no tenga excesiva intervención.

El elenco del segundo reparto fue homogéneo, dentro de una gran calidad general, con momentos verdaderamente inspirados en todos los intérpretes. El  tenor  suizo Bernard Richter hizo una gran interpretación de Tito, aunque en algunos momentos la coloratura necesitara un mejor remate, pero en general es una buena voz y una excelente presencia, muy   adecuado   vocal   y dramáticamente con   calidad   y homogeneidad y se desenvuelve bien en escena. Nos sorprendió la Vitellia de Yolanda Auyanet, en un papel realmente complicado por sus transiciones de notas bajas, muy bien solucionadas y notas altas, en las que ella siempre tuvo una altísima calidad, y si hablamos de sorpresa es por el cambio de tesitura hacia una lírica, a la que por lo demostrado, se está adaptando magníficamente. En resumen una Vitellia de muchos quilates. Muy bien también el Sesto de la mezzosoprano navarra Maite Beaumont y muy bien por parte del Real haber dado  la oportunidad  a estas dos españolas, que en nada desmerecen de cantantes extranjeras y que superan a las que hicieron las intérpretes de 2012. El Annio de la canadiense Sophie Harmsen, nos pareció muy buena con un bello timbre de voz, buen fraseo y línea y notable potencia. Bien también Anna Palimina como Servilia. El Publio de Guido Loconsolo ha desarrollado una voz  con tendencias a un timbre de poca calidad aunque gran potencia.

Un público satisfecho refrendó el agrado por una obra, que si en conjunto resultaba algo añeja, posee un cierto encanto que unido a  la uniformidad de las voces completaron una agradable velada operística.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA IFIGENIA EN TRACIA

 

Aplaudimos la voluntad del Teatro de la Zarzuela por la recuperación de obras olvidadas de gran calidad, como esta barroca de José de Nebra estrenada en 1747, con libreto de Nicolás González Martínez, tomando como referencia Ifigenia en Táuride, de Eurípides. La estructura es típicamente de zarzuela, con parte hablada y fragmentos musicales intercalados. La dirección escénica de Pablo Viar, sigue la costumbre actual de suprimir diálogo para no aburrir al público, muy alejado del contenido y los términos utilizados en la época, para ello ha dejado una obra complementada con un relator, con un lenguaje moderno que pretende situar la acción y que añade más confusión a la que ya se había producido, con la eliminación de la referida parte hablada y determinados personajes que la interpretaban. Resumiendo,  la obra no hay quien la entienda.

La escenografía de Frederic Amat resultó brillante, en un autentico espectáculo de luz y color aunque desligado del libreto. Magníficos figurines de Gabriela Salaverri.

La orquestra dirigida por Francesc Prat se adaptó, con sus limitaciones, pues el barroco no es precisamente la especialidad de la agrupación titular del teatro de la Zarzuela, pero en general el resultado fue satisfactorio, ya que ni la instrumentación ni el estilo son los apropiados, situación difícil de solucionar por el repertorio habitual de la Orquesta de la Comunidad de Madrid. Sin embargo los solistas demostraron una gran calidad al abordar compases complejos, pues José de Nebra, un perfecto desconocido, lamentablemente, por el público español no es un compositor fácil.

El elenco poco homogéneo. La protagonista Maria Bayo está en un momento complicado de su carrera, pues ese viraje de su voz hacia una lírica pura, le crea problemas en la parte baja de la voz, en algunos momentos desimpostada y dificultades en las notas agudas, compensando todo esto con ese bello centro de voz que afortunadamente no ha perdido. El Orestes de Auxiliadora Toledano, cantante lírico-ligera, correcto en cuanto a ejecución, pero es una voz que para este papel necesita un centro más grave para abordar las notas bajas con más entidad, y más o menos podríamos decir a esa gran cantante que es Ruth González, algo débil vocalmente como Dircea. Nos gustó la mezzo Lidia Vinyes-Curtis con una muy importante voz. Correctas  Erika Escribá-Astaburuaga y Mireia Pintó.

En resumen una noche con elementos de gran belleza, la música, la escenografía, los figurines, pero representando una obra que a base de retoques resulta incomprensible.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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MÍRAME: LA VIOLENCIA DE GÉNERO SE RECICLA EN CIBEREXTORSIÓN

 

personalmente, no creo que la extorsión sexual sea exclusiva de la llamada violencia de género sino de cualquier ser humano (hombre, mujer, niño, adulto) que quiera ejercer sobre otro una dominación de poder para tenerlo sometido a su antojo. Pero en la historia que aquí tratamos, el acoso se produce de hombre a mujer, así que nos ceñimos a ella:

Mírame es, como su nombre indica, la historia de una llamada de atención largo tiempo desoída. Mírame es “me ves a diario pero nunca te fijaste en mí, no me viste y eso se va a acabar porque lo digo yo”.

Podría ser la historia de cualquiera con ganas de revancha sobre alguien que lo ignora personal o profesionalmente o ambas cosas, a pesar de estar rozándose a diario. Sólo que él, Manuel, en el momento de pronunciar esa llamada de atención, se ha atrevido a dar el paso, y por eso hay momentos en los que hasta te cae bien si no fuera porque temes lo peor.

Es el Pijoaparte de La chica de las bragas de oro, la novela de Marsé, pero sus métodos han cambiado y al lado de éste (que, además, viene del Este), aquél nos resulta muy ingenuo porque, acorde con los tiempos, su deseo se ha forjado y alimentado a la luz de las nuevas tecnologías, lo que crea otro estado de conciencia “más avanzado”.

Éste está dispuesto a humillar, a hundir, a anular todo lo que admira en su “objeto de deseo” para poder al fin poseerlo, para que pueda estar a su altura, y para ello no dudará en perpetuar la humillación con todos los medios que las nuevas técnicas le permitan.

A tal aberrante propósito, le valen los tópicos del sadismo que el sentimiento de inferioridad ha consagrado, como, por ejemplo, “¿te parezco poco para ti?” o “seguro que no soy el primero, ¿verdad, puta?”, tópicos usados para herir lo amado y herirse a su vez, pero su trabajo sólo se culminará por completo con el uso adecuado de las nuevas tecnologías. Gracias a ellas, la dominación se va a perpetuar más allá en el tiempo y, ya fuera de la escena, cuando “todo esto” acabe, porque “esto”, como él gusta de repetir a cada paso, “esto no ha hecho más que empezar”.

El final es, así, tan deslumbrante como abierto y terrorífico a la vez, pues él sabe que abre algo a lo que ella no se va a poder resistir; tanto, que invita a mirar con curiosidad y honda reflexión a esas parejas que tan bien avenidas, demasiado incluso, se muestran en público, no sea que entre tanta armonía se oculte un horror tan hondo como el que aquí se anuncia.

Cecilia Sarli y Manuel Domínguez son los protagonistas de este duelo interpretativo, que muestra la violencia sexual como una expresión extrema del poder social. La obra plantea una reflexión sobre la vulnerabilidad de muchas mujeres que sufren agresión sexual a manos de una persona de su entorno, un tipo de violencia que permanece más oculta y donde el violador no necesita recurrir a la fuerza física para someter a su víctima y se vale, entre otras armas psicológicas, de la ‘sextorsión’, una de las fórmulas más letales del ciberacoso sexual que prolifera en nuestros días.

 

Autora: Susana Torres Molina

Director: Jesús Cracio

Reparto: Cecilia Sarli y Manuel Domínguez

Espacio escénico: Roger Portal

Diseño de vestuario: Pier Paolo Álvaro

Iluminación: Pilar Velasco

Compañía Atlántico Teatro

Producción: Cajón de Ideas Producciones

Función comentada: 18 de noviembre, 20:00 (hasta el 18 de dic. V y S, 20:00; D, 19:30)

Sala Mirador: c/ Dr. Fourquet, 31. Madrid

 

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EL ÉXTASIS DE LOS INSACIABLES: APÚNTESE A LA CENA Y BRINDE CON ELLOS

 

Mi madre está muerta y no sabe qué es la muerte; nosotros que estamos vivos, ¿sabemos qué es la vida

Las frases que destila El éxtasis de los insaciablesson, resumen y cifra del pensamiento de Stanisław Ignacy Witkiewicz (1885-1939), un pensador que despreció a Nietzsche con todo su superhombre por enano e impotente.

Los textos de esta obra se basan en los que Witkiewicz escribió hacia 1930 en una prosa dramática novelada y desmedida que dibuja la atmósfera de decadencia del siglo XX, con temas tan gratos como la intolerancia, la hipocresía y la prostitución encubierta del arte al servicio de una idea.

En escena, vemos a un aristócrata atacado de locura (Raúl Chacón) que lanza a diestro y siniestro sus teorías sobre la vida al visitar a su madre (Socorro Anadón) con su prometida, una prostituta (Eeva Karoliina) que acaba de conocer, y a otro noble (Malcolm Sitté), un ejemplar de rey Balthazar escapado de un belén napolitano vestido con una túnica digna de un príncipe depravado.

Lo que allí ocurra nos dejará estupefactos y dará buena cuenta de nuestro asombro, algo que a todos ellos les importa un pimiento y así debe ser. El joven dice lo que piensa y los otros tres se regocijan con ello, cuanto más fuerte, mejor.

Defensor del individuo frente a su absorción imparable por la sociedad y sus hipócritas convenciones, las verdades ruedan como piedras: “si todos los individuos se unieran, esa absorción no tendría más remedio que retroceder.” Su razonamiento es impecable y revela la buena educación recibida en el extranjero.

Sin embargo, sus allegados consideran al joven vástago, y así se lo hacen saber, un inútil social a quien deben seguir alimentando, ya adulto, a pesar de la ruina de la familia. Recuerda en esto a Balzac, el escritor febril, enamorado de una aristócrata rusa pero a quien debía apoyar económicamente su airada madre. “Luchas contra la familia pero bien que te dejas sostener por ella”, le dice a Chacón su madre, Socorro Anadón, y esta madre nos recuerda en ese momento, y sólo en ese, a las madres de tantos y tantos jóvenes de ahora.

En adelante, ella se apuntará a todas las lúcidas calaveradas de su hijo como la más experimentada e insaciable extasiada: “¿tú has tenido amantes? Yo más”. “¿Tú te drogas? Yo, a morir””, aplaudiendo a cada paso y bailando como una posesa con la música en directo para no bajarse del carro de la insaciabilidad. ¡Y por la forma en que baila, seguro que les ha dado lecciones a los demás!

“Estamos en un mundo en crisis -sigue el joven- todo está revuelto, y el pasado choca con el futuro en este presente dislocado” (la obra no puede ser más actual). “No importa nada de lo que hayas dicho o hecho, sólo el momento presente”: “Detente, instante, eres tan bello” ¿No decía esto mismo Goëthe en su Fausto?

En cuanto a la forma, es un espectáculo tan rompedor que por romper rompe hasta con las mínimas convenciones del Teatro. El espectador es invitado a participar pero no se atreve, se queda quieto esperando, mientras los cuatro, extrañadísimos de que los miremos, cenan en escena con gran apetito.

Muebles y vestuario, puro lujo, sólo digno de la aristocrática familia procedente del Perigord (Francia) trasplantada a Polonia hace siglos y ahora definitivamente arruinada. El público no sabe qué hacer con su cuerpo, pero a quién le importa el público, que se vaya o que se quede si es su gusto, tanto da. Apúntense a esta cena insaciable, no sean tímidos y acepten, que para luego será tarde. Estamos ante lo más novedoso de la cartelera de Madrid.

 

Dirección, dramaturgia, diseño de escenografía, iluminación y vestuario: Mikolaj Bielski

Textos y material dramático: Stanislaw Ignacy Witkiewicz

Producción: Réplika Teatro

Reparto: Raúl Chacón, Socorro Anadón, Eeva Karoliina y Malcolm Sitté

Diseño del cartel y programa: Natalia Kabanow

Colaboración en el diseño de escenografía: Miguel Martín

Construcción de escenografía: Luis Bariego

Ayudantía de vestuario: Socorro Anadón

Fotografía: Emilio Gómez

Técnico de iluminación: Andrea Rodríguez

Espacio sonoro en directo: ErRor Humano [Víctor Heitzmann, Salvador Liétor, Jacobo Márquez

Función comentada: 19 de noviembre de 2016

Horarios: viernes a las 21, sábado y domingo a las 20

Con la colaboración del Instituto Polaco de Cultura de Madrid

Espacio: Réplika Teatro (Justo Dorado, Madrid)

Espectáculo para adultos. Edad mínima recomendada: 18 años.

 

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RIGOLETTO DE GIUSEPPE VERDI EN EL TEATRO COMUNALE DE BOLONIA

 

El Rigoletto que acaba de estrenarse es una nueva producción del Teatro Comunale de Bolonia que escoge la primera ópera de la famosa «trilogia popolare» (Rigoletto, Traviata, Trovatore) para reanudar la temporada tras la pausa estival. Como es sabido, se trata de una obra maestra que ya afirma la grandeza del genio de Verdi por la abundancia de maravillosos momentos musicales y por la riqueza de las numerosas arias, cuartetos, tercetos y dúos.

El montaje de Alessio Pizzech centra su trabajo en la personalidad escindida de Rigoletto, un personaje trágico, con un malestar interior y un sentimiento de culpa que preanuncia ya al hombre del siglo XIX. Hay que interpretar en este sentido el aspecto físico del Rigoletto de Pizzech que ve la deformidad más bien en el interior que en el exterior del personaje. El bufón no es un jorobado, sino un cómico ordinario que para hacer reír llega a ponerse un vestuario femenino, pero con una enorme y pesada capa que simboliza el doloroso peso que lleva dentro. Después le veremos con un traje gris normal como hombre de hoy, porque actuales son su sufrimiento, su soledad, su interior dividido, extranjero de sí mismo e incapaz de comprender tanto el amor como el destino que, para vivir, le obliga a entretener al Duque y a los cortesanos que odia. Por la misma razón no comprende la infelicidad de la hija, a quien, por temerosa protección obliga a vivir aislada del mundo. La reclusión de Gilda está representada a través de su casa: un armario lleno de muñecas como ella misma, que no consigue comprender el amor del padre. El telón de fondo pintado en negro y gris añade tristeza al escenario, donde las jóvenes que tendrían que divertir al Duque y a su corte parecen muñecas mecánicas movidas por otras manos , y este horroroso prostíbulo es más bien deprimente. Nos parece acertada la realización del lugar de la tragedia final: un barco difícil de dominar, como el hado que allí se cumple.

De gran nivel la componente musical y vocal del espectáculo. Se ha confiado la dirección musical a Renato Palumbo, que penetra en la partitura obteniendo grandes efectos orquestales. Destacamos el momento de la Tempestad, donde se notan los instrumentos que reproducen perfectamente el viento y los truenos, mientras se oye el coro fuera del escenario. Son muy atractivos algunos acompañamientos, como el del dúo entre Rigoletto y Sparafucile, o Gilda y su padre. El Maestro resuelve los momentos más dramáticos y los finales de acto con una ejecución de gran intensidad. El coro, preparado por Andrea Faidutti, alcanza como siempre óptimos resultados.

El reparto es de altura y une a las dotes vocales una perfecta actuación. Marco Caria encarna un Rigoletto dolorido y dividido entre un trabajo que le humilla y un amor que él mismo destruirá. Su potente voz baritonal truena al final con el grito desgarrador «la maledizione». El tenor Celso Albelo es un Duque libertino, frívolo y engañador, que después de un arranque incierto luce una bella voz con buen timbre y óptima dicción. Irina Lungu tiene una magnífica voz con espléndida coloratura, alcanzando momentos de rara sugestión cuando entona «tutte le feste al tempio», pero su buena actuación sufre de las limitaciones que impone su papel de muñeca. Buena la voz y la interpretación de Antonio di Matteo (Sparafucile), así como la de Rossana Rinaldi (Maddalena).

El público del estreno ha acogido el montaje con frialdad y algunos abucheos, que se han visto silenciados por los numerosos aplausos y ovaciones, no solo al final sino a lo largo de toda la representación.

 

Director musical: Renato Palumbo.

Director de escena: Alessio Pizzech.

Escenografía: Davide Amadeo.

Vestuario: Carla Ricotti.

Iluminación: Claudio Schmid.

Intérpretes: Celso Albelo, Marco Caria, Irina Lungu, Antonio di Matteo, Rossana Rinaldi, Andrea Patucelli.

Teatro Comunale de Bolonia, 8-18 de noviembre de 2016.

 

Magda Ruggeri MarchettiMagda Ruggeri Marchetti 

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300 EL X 50 EL X 30 EL: PREGUNTAS EN EL AIRE

 

Frente a nuestros ojos atónitos se levanta un poblado de míseras chabolas, asentado en un claro del bosque. La imagen es tan real que parece que estamos en el medio de un bosque, rodeados de pinos. Sentimos la opresión de la niebla, el olor de las hojas, como si se tratase del inicio de un oscuro e inquietante cuento.

El primer personaje que conocemos es un pescador, que caña en mano, espera sentado, fumando, mirando al vacío. No se inmuta.

¿Qué estará sucediendo en el interior de cada una de las cabañas? Un equipo de grabación nos retransmite la acción, la representación de los actores.  Esa realidad teatral que los personajes viven, que los actores interpretan en el escenario, se proyecta sobre una gran pantalla que cuelga sobre el cénit.

La cámara, como un ojo que todo lo ve, nos muestra el poblado… Las rutinas aparentemente cotidianas, los juegos supuestamente inofensivos… Una familia a la hora de la cena, una chica que practica su lección al piano, un grupo de hombres que pasa las horas bebiendo y jugando a los dardos, una pareja que busca el placer en el sexo,  un joven que reproduce, en miniatura, la batalla.

Una guerra sin lucha.  Se dan por vencidos.

Dicen que una imagen vale más que mil palabras... Las imágenes del poblado, las imágenes de los santos, que lo protegen, o lo vigilan… En esta ocasión son las imágenes las que nos cuenta cada historia... Las que nos hacen reír, las que nos turban, las que propagan las dudas, suscitan preguntas.  

Escenas que componen una alegoría en la que podemos atisbar esbozos de  El Bosco,  de Bergman o  Lars von Trier, pero también a Walt Disney.

Las palabras las pone la música.  Como el diálogo entre los dos enamorados, ella toca el piano, él responde, haciendo estallar petardos. O cuándo todos los habitantes entonan canciones, como un coro de esclavos, que se han rendido a la fatalidad de su mala fortuna.

¿Por qué esperan que la inundación anegue su pueblo,  a que arrastre sus miserables vidas?... ¿por qué se dejan ahogar por la ansiedad, los miedos?... ¿por qué no pueden huir, por qué no dejan que nadie escape a su destino...?

¿Pero acaso nosotros nosotros escapamos de nuestras asfixiantes vidas? ¿Qué ha ocurrido en el corazón de Europa, o en América, o en el Reino Unido?

Y una duda más, nos plantean si su mundo, nuestro mundo, debe ser destruido.

Quizá la respuesta quede en el aire, o en el Titulo del montaje 300 el × 50 el × 30 el. La primera metáfora, puesto que son las medidas del Arca de Noé.

El Grupo FC Bergman, nos ofrece una receta palpitante, punzante, para el nuevo teatro del Siglo XXI.

Ha sido un placer saborear uno de esos bombones, hecho con el mejor chocolate amargo, llegado de Bélgica.

Agradecemos al FO el regalo.

 

300 el x 50 el x 30 el

FC Bergman / Toneelhuis

Producción: FC Bergman

Creación e interpretación: Stef Aerts, Joé Agemans, Bart Hollanders, Matteo Simoni, Thomas Verstraeten y Marie Vinck

Intérpretes invitados: Wim Verachtert, Paul Kuijer, Gert Portael, Herwig Ilegems, Shana Van Looveren, Celine Verbeeck, Marijke Pinoy, Gert Winckelmans, Ramona Verkerk, Arne Focketeyn, Flor Decleir, Matthieu Sys, Luc Agemans y Cas van Neef

http://www.madrid.org/fo/2016-2017/

 

Titania  

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REDECORACIÓN: SI BASTARA CON REDECORAR LA VIDA

 

Redecoración es una pieza teatral construida sobre el universo poético de Václav Havel. Su contenido me recordó mucho a un querido profesor de la RESAD, Miguel Medina Vicario, quien nos decía a propósito de ciertas poses: “Primero nos vestimos como Valle-Inclán, luego ya veremos a ver si escribimos algo”. Dirigida por Jesús Asensi y protagonizada por Virginia Jabón, Lidia Navarro y Jesús Asensi, Redecoración plantea, como su nombre indica, una reflexión, jocosa y profunda a la vez, acerca de la pérdida de valores de nuestro mundo globalizado, a expensas del culto a la imagen.

Sobre esta idea básica, penden temas como la dificultad para hallar respuestas y la necesidad de salvarse individualmente de las formas más variopintas. Pero esta reflexión es sumamente divertida al ir acompañada de llamadas a la actualidad que, de puro localistas y bien traídas, entroncan a la perfección con esa globalidad tan pretendida.

Porque el ridículo de vivir de la imagen (y aquí se incluye tanto la que transmitimos a los demás como la que queremos tener de nosotros mismos), a fuerza de querer ser universal (global) resulta absolutamente paleta y pueblerina. Y es que, como si el ridículo más global fuera por barrios, nos encontramos con que esos tipos humanos representados de una manera “tan global” están muy cerca de nosotros y los vemos sin necesidad de salir del barrio, en la vida diaria.

A ello se unen tres actores que, sin abandonar nunca la escena o los pasillos de la sala, bordan con sus gestos, sus grititos o sus actitudes histriónicas a ese personaje del ejecutivo de éxito (constructor para más señas), a la esposa de éste, igualmente exitosa como directora de moda en su carrera hacia la cumbre… (una cumbre a la que ya han llegado ambos, ay, y ahora qué) y por último a la cuñada descolgadilla (o algo colgada, según se mire) que se niega a entrar por el mismo aro del éxito a la fuerza.

En la dialéctica que entre los tres se dispara, hallamos las contradicciones más sangrantes del cinismo frente a la globalización y sus fuerzas, la inercia colectiva por la falta de modelos a causa de la carencia ideológica, la falta de respeto a las opciones personales… Pero sobre todo, mucho, mucho humor y mucho reconocer y reconocerse en los modelos planteados.

Redecoración presenta este argumento: La noche de la final de la Eurocopa. España en el umbral de la gloria. Chus y Félix, una pareja de burgueses snob, acaban de redecorar su casa. Chus y Félix se gustan, les gusta, están orgullosos de su vida. Chus y Félix lo tienen casi todo. Chus y Félix descubrieron el arcano de la existencia, el sentido de la vida. Chus y Félix son felices. Chus y Félix necesitan proclamarlo a los cuatro vientos. Chus y Félix celebran la reinauguración de su flamante hogar y tienen como invitada a la hermana pequeña de ésta (Vero). El matrimonio alberga la esperanza de hacerla desistir de su empeño por ir a la contra.

 

Sobre el autor: Václav Havel, disidente del régimen comunista, fue presidente de la antigua Checoslovaquia y se convirtió en un referente moral para todos sus conciudadanos a consecuencia de su activismo político y su condición de marginado en un mundo grotesco y deshumanizado. Redecoración se basa en textos escritos cuando ya era expresidente. Murió hace cinco años.

Reparto: Virginia Jabón, Lidia Navarro, Jesús Asensi.

Dirección y dramaturgia: Jesús Asensi.

Coreografía: Lidia Navarro.

Vestuario, escenografía y atrezzo: Teatro del Filo.

Iluminación: Antonio Rincón Mori.

Espacio sonoro: Jesús Asensi.

Hasta el 18 de noviembre de 2016 todos los viernes a las 20’30.

Función comentada: viernes 28 de octubre de 2016.

Espacio: Teatro de las Aguas (Calle de las Aguas, 8, Madrid)

 

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MOSCÚ (3442 Km): LO QUE NOS SEPARA DE LA FELICIDAD

 

Las protagonistas de Moscú (3442 Km) son Irina, Masha y Olga, las tres hermanas de Chejov que sueñan con dejarlo todo y marcharse a Moscú pero siempre encuentran algo que hacer. Se entretienen preguntándose qué significa vivir mientras se olvidan de hacerlo.

Moscú es para ellas la felicidad, allí fueron felices antes de la muerte del padre y allí ansían volver en cuanto liquiden las cuestiones de la herencia. ¿Serán capaces de cumplir su propósito o multitud de dudas y cogitaciones las amarrarán al terreno? Tal es el argumento de Moscú (3442 Km), pues ésos son los kilómetros que separan Madrid de Moscú, la distancia que las separa de la posibilidad de ser felices.

De repente, las tres hermanas toman nombres actuales, sus preguntas nos atañen de modo directo y, a su conjuro, el paisaje nevado se ha acercado más a nosotros. Ya no es el amable paisaje de los cuentos sino uno mucho más endurecido por la vida y el paso del tiempo que obliga a tomar decisiones. Sus juegos inocentes se muestran un tanto macabros, ríen por no llorar y directamente lloran.

La obra se ve como un sueño o como un delirio que espera tomar cuerpo en el mundo real incitando a la acción. Con un texto vibrante, fuerte y atrevido, a veces tan chocante que hace saltar la risa, otras veces grave y sin escapatoria, muy bien jugado por las tres actrices, Moscú adquiere su carácter simbólico, motor de sueños a la vez que tótem inmovilista.

Con las palabras de las tres mujeres rodeadas de maletas que se van despojando de los vestidos decimonónicos para ceñirse los actuales, se crea ante nosotros un paisaje escénico que habla de inmovilidad, del paso del tiempo, de los sueños no cumplidos, de la nostalgia de la felicidad, de la infancia y de la juventud y de la necesidad de vivir pese a todo.

La tragedia, como en Chéjov, es el paso del tiempo, sin embargo en Moscú (3442Km) late esa máxima todavía más pesimista que ha cuajado tan bien en el refranero castellano y que alguien esgrime sabiamente cada vez que otro dice ya no puedo más: “Que no te den todo lo que puedas soportar”. Así en Chejov como en la tierra.

Moscú (3.442 Km) se engloba dentro del I Ciclo de Directoras Creadoras de Escena promovido por Lavapiés Barrio de Teatros para el mes de noviembre I Ciclo Mujeres Creadoras en la Escena (noviembre de 2016).

 

Título: ‘Moscú (3.442 Km)’, inspirada en ‘Las tres hermanas’ de Antón Chéjov.

Dramaturgia y dirección: Patricia Benedicto.

Espacio escénico y vestuario: Lúa Testa – La trapecista autómata

Diseño de luces: Juanje de los Ríos.

Producción y distribución: La trapecista autómata

Reparto: Elena Corral, Antonio Lafuente y Laura Lorenzo.

Fecha de la función comentada: 4 noviembre a las 22h30.

Sala El Umbral de la Primavera (C/ Primavera, Madrid).

Viernes de noviembre y diciembre- 22h30

 

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UNA NORMA BIEN HECHA

 

Se recupera Norma, para el Teatro Real, después de muchos años de ausencia como ópera representada, aunque se realizó en versión concierto en 2010 con una Violeta Urmana, gran voz pero muy alejada de la sutileza del personaje. Anteriormente  se había escuchado en 1978 en el Teatro de la Zarzuela en una versión magistral de Caballé, Lavirgen y Scotto.

Dejemos la memoria y entremos en la realidad. Norma es una obra maestra de Bellini, admirada por Verdi y por Wagner por las grandes aportaciones musicales y de dramatización, con temas poco tratados por aquel entonces, en una sociedad puritana, en la que el triángulo Pollione, Adalgisa y, claro está, Norma, con las consiguientes infidelidades y el desprecio por la vida de los hijos, muy por debajo de la desesperación amorosa, rompían los moldes de esos pacatos espectadores siempre proclives a la hipocresía del escándalo.

La producción actual es el resultado de la colaboración del Real con el Palau de les Arts de Valencia y la ABAO de Bilbao, bajo la dirección artística de  Davide Livermore y musical de Roberto Abbado.

Livermore sitúa la acción sin salirse de las premisas del libreto, con una escenografía en la que mezcla decorado clásico con proyecciones de video y para ello utiliza como eje central un tronco de árbol, al que hace girar en función de los momentos dramáticos que marca obra. De alguna forma, este simbolismo que sirve de altar, de vivienda de Clotilde y los hijos de Norma, todo ello en un escenario realmente agobiante y siniestro, trata de resaltar por una parte el sufrimiento de los personajes femeninos enfrentados a un amor prohibido y, por otra, a una lucha soterrada entre los dominadores romanos y el pueblo galo, guiado por los sacerdotes. No todo el público se mostró conforme con esta puesta en escena, pero sin duda tiene una fuerza que no dejó indiferente a nadie.

Abbado, subrayó de una forma muy brusca esta escenografía, como alejándose de sutilezas, ahondando en el dramatismo que propone Livermore, con una orquesta que respondió a la perfección a ese planteamiento. No hizo uso sin embargo de excesivos fortes, con lo que los cantantes se sintieron cómodos.

El elenco sigue la línea de Matabosch de traer cantantes de calidad, con repartos muy completos y sin fisuras ni siquiera en los partiquinos. El Polllione de Kunde tuvo entidad en toda la línea vocal, y demostró que, por su calidad, puede abordar personajes tan diversos como el actual y el Otello de hace una semanas, en un personaje del final de belcantismo de Bellini, que contrasta en todo su tratamiento vocal  con el del moro de Chipre. Maria Agresta, nos pareció fría en el primer acto y su Casta Diva, nos dio esa sensación de corrección, carente de sensibilidad y emoción en un aria mítica, que las grandes divas siempre trataron de aportar con estas características. Sin embargo el segundo acto cambió totalmente el registro interpretativo y dio una lección de dominio del personaje, a lo que colaboró de una forma decisiva la magnífica Adalgisa de Karine Deshayes en un emocionante dúo y un gran terceto con Kunde. Michele Pertusi nos ofreció un convincente Oroveso. El resto en un nivel realmente notable.

El coro correcto en la misma notable línea de las últimas actuaciones.

En suma, una buena y necesaria Norma, que agradó al público y nos volvió a reencontrar con Bellini, después del magnífico Puritani de la temporada pasada.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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INVENCIBLE: CRISIS Y CLASES

 

Invencible es el nombre de la mascota, que no vemos en ningún momento, pero que juega un papel importante en el desarrollo y desenlace de la trama, en la relación entre los protagonistas…

Una pareja de progres, izquierdistas, de clase media alta, venida a menos por la crisis, que ha tenido que mudarse a vivir a una zona de clase obrera, y una pareja de clase baja, que con la crisis ha llegado a menos-menos…

La obra original se desarrollaba en Londres... y triunfó en la cartelera londinense.

En este montaje, los cuatro personajes viven en Madrid, y han sido redibujados, trasladados, reubicados, en nuestra sociedad, en nuestras costumbres, por Jordi Galcerán.

La historia empieza cuando la pareja sofisticada, bien educada, recién llegada al barrio, invita a sus vecinos, para conocerlos, porque quiere integrarse en ese barrio de “gente real”…  

Sobre las tablas se presentan los personajes, y comienza el juego de dobles, con el intercambio cruzado de diálogos, de estereotipos, de ideas, de imágenes... Intrusos y víctimas… Detalles, matices, de un retrato de clases, de ideologías…

En una casa se escucha a Haydn, se cuidan al máximo los detalles más mínimos… En la otra se imita  a Chiquito... Unos rechazan el alcohol, los otros le dan a la lata barata...  Uno vive, se apasiona, con los colores de la Roja… El otro desdeña el futbol…

Decorado y vestuario, añaden las últimas pinceladas a las figuras del cuadro.

Todo son burlas y carcajadas. Es el inicio de una comedia, acorde con el canon clásico… Aunque bajo las risas,  se masca el drama, que irá saliendo a la superficie, con los cambios de escena…

Pero el humor reaparece, armado con juegos de malentendidos y enredos, como en toda buena comedia que se precie, construyendo su parte en esta obra, en esta tragicomedia, cargada de intenciones… La narración irá desvelándonos algunos secretos, el drama oculto, soterrado, en la relación de esas parejas, en el universo de cada pareja…

Parece que todos sufrimos la crisis, pero unos sobreviven mejor que otros…

Los cuatro protagonistas exhiben sus mejores armas actorales en esta lucha teatral...  Interpretan un cuarteto bien afinado, dirigido por la mano de Daniel Veronese. Quien marca el tono, el ritmo.

 

Invencible, de Torben Betts

Intérpretes: Maribel Verdú, Jorge Bosch, Pilar Castro y Jorge Calvo

Dirección: Daniel Veronese

Versión: Jordi Galcerán

 

http://www.teatroscanal.com

 

Titania  

 

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OTELLO, INTERESANTE INICIO DE TEMPORADA EN EL TEATRO REAL

 

Se abre la temporada del Real con una obra de gran categoría, Otello de Verdi con libreto de Arrigo Boito, en una coproducción con la English National Opera y la Ópera de Estocolmo, con dirección escénica de David Alden y musical de Renato Palumbo.

El planteamiento de Alden es de un solo escenario, que sirve de plaza de Chipre, lúgubre, grisáceo en el que se desarrolla toda la trama, hasta la muerte de Desdémona, sin cama, en plena calle, lo que le resta fuerza y emoción a una de las partes fundamentales de la obra, recordemos, de Shakespeare y de Verdi. La obsesión de los directores de escena por cambiar los escenarios de obras tan clásicas y arquetípicas, en contra de las ideas originales e incluso del propio libreto, lleva a desvirtuar y quitar calidad a las representaciones. También es verdad que estos mismos desafueros, eran bendecidos en etapas muy próximas,  por mor de una supuesta modernidad, aunque en obras como Macbeth, se suprimieran las brujas y la invasión de un bosque por el ruidoso desplome de la vivienda del protagonista. Ni que decir tiene el recuerdo de un Don Giovanni ridículo. En fin, la supuesta intención renovadora de algunos voraces directores de escena, conducen a la confusión y el descrédito de grandes obras que han marcado, como ya hemos dicho, figuras arquetípicas, que se trivializan sin conseguir nada que pueda considerarse una superación del original. Por razones que nos son realmente impenetrables, asistimos a un Otello, el odiado moro, con la piel más blanca que un cordero pascual. Si Orson Welles levantara la cabeza se horrorizaría. No se concibe una producción, en la que el latente racismo quede enmascarado y solo se intuya gracias al libreto, que por suerte aun no se han atrevido a cambiar.

El elenco nos pareció brillante aunque no se ajuste a los cánones vocales de la obra verdiana, una voz de tenor dramático, con anchura para Otello, y una Desdémona con unos graves más profundos, pero sin duda Gregory Kunde realiza una gran interpretación vocal y dramática que permite salvar esas limitaciones y el cuarto acto de Ermonela Hajo fue realmente sobresaliente, también teniendo en cuenta que no es el prototipo de Desdémona, pero hoy las voces en la ópera, raras veces guardan el rigor con el que se interpretaban antaño. Buen barítono George Petean aunque ni la voz, ni la interpretación lo convierten en ese Iago, malo malísimo, gobernado por Satanás. Excelente el Cassio de Alexey Dolgovy y buen Rodrigo de Vicenç Esteve.

La dirección musical de Palumbo, muy criticada, nos pareció correcta, respetando a los cantantes, excepto en contadas excepciones, con el volumen de la orquesta, que respondió perfectamente, con un notable nivel de superación, al igual que el coro, que va recuperándose de  momentos en que se empezaron a sembrar ciertas dudas sobre su calidad.

El resultado final de la representación podríamos dividirlo en dos partes, una dirección artística pobre y un elenco brillante, con una visión diferente de los personajes verdianos, pero de gran calidad y una orquesta correcta en líneas generales.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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BRILLANTE COMIENZO DE TEMPORADA EN LA ZARZUELA CON LAS GOLONDRINAS

 

La apuesta de Daniel Bianco como inauguración de la temporada de zarzuela 2016-2017, ha sido un éxito de los que se recordaran en la historia de este teatro. Poner en escena una obra poco conocida por el público habitual del teatro de la calle Jovellanos, como es Las golondrinas de Usandizaga, era un riesgo, pero a la vez un notable esfuerzo por actualizar el repertorio, con obras de la calidad de esta ópera. Los resultados han sido sorprendentes, pues la respuesta del público ha sido unánime aplaudiendo la representación.

A este éxito ha contribuido decisivamente la calidad de los intervinientes en la producción, desde la dirección artística de Giancarlo del Mónaco, toda una figura mundial, hasta el elenco, sin olvidar a ese gran director de orquesta que es Oliver Díaz.

El planteamiento de Del Mónaco parte del mismo neorrealismo que ya vimos en aquel magnifico Pagliacci en el Teatro Real, de alguna forma siguiendo la línea felliniana a la que el regista italiano siempre se siente ligado, especialmente en esos temas relacionados con el circo. Usa el blanco y negro en el decorado y el atrezzo, a modo de película del estilo al que nos referimos y aunque añade ideas propias complementarias, como la violencia de género de Puck, el payaso protagonista, hacia Cecilia, su amor, para así dar más dramatismo a la obra, en una escena que nos retrotrae a La strada y solo introduce colorido en la famosa Pantomima. La locura final se torna más expresionista, pero también ligado a la última etapa del maestro Fellini. El resultado es realmente brillante, con una dirección de actores intachable y acompañado de una magnífica interpretación orquestal de la mano de Oliver Díaz.

El elenco bueno, en el que hay que destacar a Rodrigo Esteves, en un Puck que a pesar de la dificultad vocal de la partitura, supo excepto en algún momento puntual, llevar su interpretación a un nivel realmente notable. Carmen Romeu sufrió en las notas agudas, pero la parte central estuvo realmente fantástica,  con un fraseo exquisito.  Lo mismo se puede decir de Nancy Fabiola Herrera, con problemas en las notas altas, especialmente en el primer acto, pero en el resto mostró esa voz que le hace triunfar internacionalmente. Perfecto Felipe Bou  como Juanito y el resto notable, lo que es de agradecer a la dirección artística, pues a veces los papeles secundarios suelen descuidarse en detrimento de la producción.

El coro magnífico y ya hemos comentado que la orquesta bajo la batuta de Oliver Díaz, supo subrayar cada momento de la obra creando esa magia que supone la comunicación total con el público.

Aplausos, bravos y todo tipo de muestras de aprobación por parte del público, hicieron honor a una de las tardes grandes del Teatro nacional de la Zarzuela.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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IDIOTA: UN POBRE DIABLO DEL MONTÓN

 

Idiota es ese calificativo que resuena al fondo de nuestra mente, incluso en contra de nuestra voluntad, cuando alguien se pasa de listo, en el trabajo..., especialmente el jefe… O al volante... los que tienen mucha prisa por llegar… y se cuelan… O en las reuniones familiares, cuando observamos, escuchamos, en silencio, al famoso cuñado...

Pero este idiota, que ahora nos presentan sobre las tablas, tiene algo de perdedor, unos puntos débiles, tan palpables, un fondo tan  vulnerable, que el público no se atreve a reír... Se siente atenazado por el miedo, por la angustia, quizá la vergüenza… Se siente reflejado... Va descubriendo una vida, una serie de  acontecimientos, que le resultan muy familiares...

Cuando se apagan las luces de la sala, la obra se inicia como una película, proyectada, como si el fondo del escenario, fuera una pantalla… Aparecen los título de créditos, la presentación de los personajes, pero enseguida esas dos figuras cobran vida sobre el escenario...

Se encarnan en dos actores, que interpretan a los dos protagonistas. Representan para nosotros, a un sujeto dispuesto a someterse a un experimento psicológico, porque necesita el dinero, y a la manipuladora doctora que lo llevará a cabo...

Ante nuestros ojos se despliega ese diálogo, ese baile a dos, como lo define el director... Una danza perversa, engañosa, donde, una es la que marca el ritmo, la que  llevará  el compás  que mueve, arrastra al sujeto, objeto...

Los actores Gonzalo de Castro y Elisabet Gilabert, están muy bien, metidos en la piel de esos caracteres, que encajan a la perfección en el molde.

La historia se desarrolla entre las paredes de un despacho... Pero la puesta en escena integra, a lo largo de la obra, esa suma de teatro y cine. Sabemos que la vida sigue en el exterior, que hay otro mundo en paralelo... Sobre la pantalla se nos proyectan escenas que ocurren afuera… y que determinan la evolución de la trama, dentro del despacho.

La luz y los sonidos, también juegan su papel en el artificio: acentúan y agitan los momentos más dramáticos del duelo…

Israel Elejalde, sale airoso del reto de entretejer primero, y luego, desenmarañar, un thriller, que se soporta en tres anclajes: La labor de los dos actores, y en la viveza del guion.  El texto, está salpimentado con toques de humor, que arrancan algunas risas. Pero sobre todo, el relato mantiene al público, inmóvil, petrificado, en sus butacas, congeladas las sonrisas, por la ansiedad, ante la  crudeza del retrato, del desenlace…

 

IDIOTA

De Jordi Casanovas

Dirección: Israel Elejalde

Intérpretes: Gonzalo de Castro y Elisabet Gelabert

Escenografía Eduardo Moreno

Iluminación: Juanjo Llorens

Sonido: Sandra Vicente (Studio 340)

Vestuario: Ana López

Vídeo: Joan Rodón

Música original: Arnau Vilà

Ilustraciones: Lisa Cuomo

Ayudante de dirección: Pablo Ramos

Dirección de producción: Aitor Tejada y Jordi Buxó

El Pavón Teatro Kamikaze

http://teatrokamikaze.com

 

 

Titania  

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EL SEGUNDO INFIERNO: LO DIJE YO ANTES

 

La obra de teatro El segundo infierno trata a primera vista del desarreglo físico de Manuel, quien parece haberse abandonado, se alimenta de mangos y cortezas grasientas que devora con fruición sobre la mesa de la oficina que comparte con Irene, la cual descubre que Manuel también vive allí, que pernocta en el sótano porque no tiene casa.

Hay mucho más en esta superficie borrascosa: Manuel está embebido con los contactos que ha hecho en Facebook y no puede apartar sus ojos de cada nueva entrada. Para colmo, lleva chicas al sótano, una de las cuales se ha dejado todas sus prendas íntimas sobre la mesa del despacho… y ése es el panorama que se encuentra Irene, la cual va de la sorpresa (no disimulada) a la rabia (disimulada y mascada), lo que la tiene en un “¿Perdona?” continuo porque ella es muy educada, no explota y es evidente que su compañero de oficina tiene problemas muy gordos, físicos y mentales, y eso les va a llevar al desastre completo de la empresa en cuyos bordes ya se columpian desde hace tiempo. Es una empresa editorial. Hasta aquí lo que se nos muestra en la estructura superficial sin mucho arañar.

La estructura profunda es que Irene, con unos complejos de violada, odia a su tío Hilario, escritor que con su obra El segundo infierno intenta salvar la empresa, ya que su delito es que estuvo y está enamorado de ella. Este trauma sin resolver ha hecho creer que puede enamorarse de alguien contrario por completo a la idea que ella tiene del macho cabrío goyesco y violador que ve en cada hombre, un ser superior encarnado en la poeta Violeta Ventura.

La relación entre Manuel e Irene es descarnada, una lucha sin tregua, ella queriendo sacar adelante un libro de Violeta, él con la basura encima de la mesa, maniobrando a sus espaldas con el original de su tío para así salvar la empresa y salvarse ellos dos. Irene tiene una relación muy ambigua con Manuel: lo echa, lo admite, lo ama pero no lo sabe, lo odia, debatida entre una relación fraternal y el deseo soterrado que se abre paso entre los traumas de infancia con el sexo masculino representado por su tío y la admiración por alguien (la “poetisa” Violeta). Manuel la ama pero a su manera, es decir, la engaña haciéndose el loco y maniobrando a sus espaldas en busca del dinero de Hilario.

El final, con todos estos conflictos saltando por los aires, será una auténtica campanada a la que no ha sido ajena la actitud pasota de Manuel, con sus mangos y sus Faces.

Todo esto da una obra muy fiera y una función muy fauve al más puro estilo de chorrearlo todo de mango muy maduro, oloroso y virginal, y muchas bajadas al sótano aunque sin salpicar nunca a los espectadores que ya tienen bastante con presenciar la lucha soterrada entre ellos de la que por fin salen vencedores ambos e Hilario. Interesante de ver y apasionante de observar esta evolución de ambos, luminoso el uno (como el mango que le chorrea en la mano) y atormentada la otra (como quien desconoce sus verdaderos sentimientos).

 

Autor: Alberto de Casso Basterrechea

Dirección: Andrea de Gregorio

Intérpretes: Ruth Salas, Alejandro Navamuel

Diseño de Iluminación: Antagonía

Diseño de escenografía: Cristina Valero

Compañía: Antagonía

Espacio: Librería Cervantes y Compañía (C/ Pez 27)

Fecha de la representación reseñada: 8 de octubre de 2016

(Desde el 21 de octubre, en la sala Lagrada) Consultar horarios

 

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DE PROFESIÓN MATERNAL: SORPRENDENTE LIBERACIÓN DE ENDORFINAS

 

De profesión maternal es una función moderna, sorprendente y llena de encanto, que superó expectativas, pues no se trata de una madre que se haya dedicado a cuidar el nido por toda profesión sin más afanes, sino de una mujer que ha vivido la vida, que es y ha sido cantante, muy preocupada por su aspecto físico, orgullosa, fiera de lo suyo, una mujer liberada en suma que ahora encuentra en su recién hallada -y buscadísima- hija el tendón de Aquiles.

Sin embargo, el amor por ella está intacto, agazapado y deseando mostrarse y por ello le preocupa mucho su aspecto, no quiere mostrarse vieja, y adorna la casa con nuevas compras y una colcha nueva para la cama que le prepara. Y así arranca el tema secundario (“¿por qué has comprado una colcha nueva?”) que lleva al tema principal, el tema de los temas, el tema padre de la pobre madre, que es así como uno acaba viéndola y como realmente es, una víctima de un error de juventud, de su debilidad frívola en el pasado y que ahora quiere recuperar y reparar. Pero quién quiere ya esa reparación.

Y así quedarían las cosas si no hubiera un mediador que suaviza, acerca posturas, ayuda a comportarse civilizadamente para empezar. Tal es la situación que se plantea en De profesión maternal, con el siguiente argumento:

“Una hija abandonada se encuentra con su madre después de 34 años, en este acontecimiento se desatan los secretos, las excusas, los motivos por los que Matilde no ejerció como tal. Se pone en tela de juicio la existencia del instinto materno. Eugenia, el tercer personaje, actúa como catalizador entre ambas.”

Hay una maravillosa actriz en el papel de la madre, la también directora Marta Álvarez del Castillo quien, empezando por su voz, que se oye y entiende todo sin esfuerzo aparente, y acabando por el menor de sus gestos, ya desgarrados ya hostiles, todo en ella es puro arte y belleza que trasciende lo físico. La hija, por el contrario, abatida y como ausente a lo que le ha llevado hasta allí, verá alivio en la huida: es la joven Natalia Moya, esencial, cauta y con miedo a resultar herida.

Un elemento ajeno en principio a la relación de las dos fieras, la pareja de la madre, hará de mediador necesario y suavizará los golpes, y con su tacto y su pasión por ser útil, propiciará los giros que pueden conducir a algo que, rompiendo el hielo, no sea un disparate más, una factura más de culpas y agravios impagados. Es el papel más agradecido de la obra que desempeña maravillosa la debutante María de Tito. Son pocas sus intervenciones, pero su presencia es constante y, con humildad, se opone a las dentelladas que madre e hija se asestan llevándose de paso alguna sobre sus carnes: “Me parece que no le gustó su familia” o “la voz de la sangre se ha quedado muda”.

Pero hay por encima de todo un texto genial de Griselda Gambaro, que mezcla el desgarro con la poesía y sólo así, con la poesía y la chifladura repentina, con ese salto entre el cabreo y la exaltación nerviosa, pueden encontrar encaje los sentimientos tan contradictorios que las dos experimentan y encauzarse hacia un desenlace liberador. En ese avance y retroceso, ese como soñado ir a su encuentro y negarlo, eso tan trabajado que parece una locura de espontaneidad ahogada, es lo hace que la obra avance y se resuelva. Es como si la catharsis expresara por fin lo que todos esperábamos: “Lo sabíamos, lo sabíamos, pero qué difícil todo sin un poco de locura y sin la intervención de “la tercera” que esta vez es buena”.

 

Autora y Dramaturga: Griselda Gambaro

Directora: Marta Álvarez del Castillo

Intérpretes: Marta Álvarez del Castillo, María de Tito y Natalia Moya

Diseño de iluminación: TDA y Daniel Bosio

Diseño de escenografía: Itziar Hernando

Diseño de vestuario: Itziar Hernando

Diseño de atrezzo: Itziar Hernando

Creación audiovisual: Víctor Rodríguez Ruiz

Espacio sonoro: Víctor Rodríguez Ruiz

Fotografía: Jesús Mayorga

Teatro del Arte – Madrid

Función comentada: 8 de octubre de 2016

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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LA MARICARMEN: TODA LA CARNE EN EL ASADOR

 

La Maricarmen es una auténtica sorpresa para todos aquellos que, sin conocerla de nada, vayan a verla, como es el caso. Allí se encontrarán con una sufridora nata que, sin embargo, lejos de hacer sufrir con el recuento exhaustivo y pormenorizado de sus miserias, hace reír de manera espontánea, porque sí, porque lo piden las tripas, a carcajadas y dando gracias a la vida de que haya seres así de intactos y auténticos como La Maricarmen.

Con sus recuerdos todos tristes y frustrantes (incluso los que la quisieron no se adaptaban bien a ella), se monta La Maricarmen esta pieza músico teatral sin necesidad de salir de casa. Un edificio de apartamentos donde sólo ella es “estable”, los demás vienen y van, para eso los hacen así (los apartamentos). Pero la triste y miserable vida de esta mujer no le impide abrir cada día el balcón de su casa, siempre llena de fe, porque anhela que lleguen los buenos tiempos y la encuentren cantando, llena de optimismo.

Veamos el argumento:

En el tercer piso de un edificio cualquiera, en medio de una gran ciudad, habita una mujer de mediana edad, Maricarmen (nombre artístico La Maricarmen). Su vida es una lucha constante para no sucumbir al vacío más espantoso. Con vistas al éxito de semejante empresa, ella cuenta con un rosario de recursos, diferentes actividades distribuidas a lo largo del día. La Maricarmen canta no menos de cinco canciones por jornada, destinadas a formar parte del espectáculo que ella no pierde la esperanza de montar en un futuro no muy lejano. También bebe, igualmente cinco copas por día, para olvidarse de las escasas probabilidades que existen de montar dicho espectáculo.

Mary Sampere, con quien siempre la comparaban, hasta en los entierros, es y ha sido su ídolo de juventud y su musa. Una grande entre las grandes para nuestra protagonista y a quien rinde un sincero homenaje en esta frase: “La buena suerte siempre acaba pasando factura” y, como La Maricarmen dice, “Nunca se sabe quién puede estar pasando por la calle al abrir el balcón”. Sin embargo hay algo que ella todavía no sabe, y ese algo que gravitará a lo largo de toda la función es el contenido de una carta que se niega a abrir hasta el final.

Ocurre que por fin aparece el hombre, el ansiado, tal como respondiendo a los hondos anhelos de felicidad de La Maricarmen. Porque estos sinsabores van acompañados de ilusiones locas, de una creencia firme en que quizás todavía no sea tarde y el amor ideal se le aparezca. Y si no es el ideal, que lo sea, que para eso está su imaginación desbordante, para vestirlo y revestirlo con las mejores galas y de una pizquilla de hombre, hará una montaña, un showman, todo un espectáculo de hombre construido a partir del más soso y apocado del vecindario que llama a su puerta por casualidad. A partir de ese momento, ya no volverá a salir de su vida. Le ha colocado una bombilla (esto no es metáfora) y en adelante ya todo serán luces y candilejas encendiéndose en su casa y en su vida.

Este tema del hombre soñado a partir de la visita casual del vecino se desarrolla muy bien, con una elegancia y una belleza donde ella pone sin límites el glamour de los mejores cabarets del mundo, lo que aprovecha muy bien la escenografía más elemental: el baúl de la folklórica, sus cajas y sus espejos de donde todo sale y por donde todo se vuelve a meter hasta esfumarse… Es ahí donde los dos ponen en juego sus mejores recursos para dar todo de sí y es así como la función llega a una auténtica apoteosis creativa y actoral. Lo dicho: no falta ni un detalle, la función perfecta.

 

Reparto: Mamen Godoy, Iván Luis

Texto: Aron Benchetrit

Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda.

Vestuario: María Luisa Engel

Coreografía: Arrieritos: Florencio Campo, Patricia Torrero

Música. Piano: Eduardo Fernández

Dirección: Virginia Flores

Fecha de la función comentada: 15 de octubre de 2016

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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REIKIAVIK: UNA BATALLA GLOBAL, VITAL

 

Aún a oscuras escuchamos trinos de pájaros. Estamos en un parque. Hay una mesa con una partida de ajedrez a medias.

Nuestros protagonistas han elegido nombres significativos, Bailén y Waterloo, y se entregan en alma y cuerpo a revivir la batalla de Reikiavik para un adolescente...  ¿qué les enseñan ahora en el colegio?...

Uno representa a Bobby Fischer, el otro encarna a Boris Spaski… Aunque al narrar la historia se multiplican de forma exponencial, para recrear a la madre, a los amigos, a los políticos… que poblaron, o bien pudieran haber poblado la historia... de este duelo, de esta pelea…

Las tablas del Teatro, se fraccionan en dos tableros de ajedrez, donde se jugarán partidas simultáneas, en paralelo... Donde se desarrollarán las Partidas reales y ficticias, vívidas o imaginadas… Nos enfrentamos a la contradicción entre apariencia y realidad…

El texto es ágil, agudo, divertido, con guiños culturales o históricos, que nos hacen reír.El ritmo de la acción es vertiginoso, casi frenético. Da miedo parpadear, por miedo a perder algún detalle, de las infinitas variables que nos plantea. La puesta en escena es ingeniosa, sugerente, y nos demuestra que podemos pensar con ellos, sentir con ellos, viajar con ellos, y  percibir en nuestra propia piel,  el frío viento, la lluvia, el sol grisáceo de la Isla.

El conjunto de soluciones a los problemas, señala, descubre la mente rigurosa, la imaginación espacial, del filósofo y matemático, que rubrica los detalles de la obra.

Los actores sudan la gota gorda, mientras se transforman, en décimas de segundo, en barrenderos que espían, políticos que conspiran, asesores o abogados, que intrigan,  o incluso en una bella bailarina rusa… Todos cobran vida ante nuestros ojos, jugando su papel en la batalla...

Y tras la batalla, la narración vira y desemboca en un epílogo, una ecuación sobre dos sistemas… Incógnitas sin descifrar, sin resolver… sobre las identidades de dos seres humanos, vencidos, rendidos, abatidos… En Tablas…

Una historia llena de preguntas,  que nos obligan a cuestionarnos, y las  dudas, la incertidumbre, se  clavan en nuestro ánimo, en nuestra ánima…

Una jugada maestra. Visiten… Reikiavik…

 

REIKIAVIK

Reparto (por orden alfabético)

Daniel Albaladejo, Elena Rayos y César Sarachu

Equipo artístico

Juan Mayorga (Texto y dirección), Alejandro Andújar (Escenografía y vestuario), Juan Gómez-Cornejo (Iluminación), Malou Bergman (Imagen), Mariano García (Sonido), Clara Sanchis (Ayudante de dirección), Sergio Parra (Fotos), Isidro Ferrer (Cartel)

http://cdn.mcu.es/programacion/temporada-actual/valle-inclan/

 

Titania  

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ALLARMI! EN EL TEATRO ARENA DEL SOLE DE BOLONIA

 

El Teatro Arena del Sole abre la temporada 2016-17 con el estreno de Allarmi!, una obra nacida de la colaboración entre dos artistas que experimentan lenguajes y formas expresivas dispares, y un joven, pero muy conocido dramaturgo, Emanuele Aldrovandi (1985), ganador de numerosos premios entre los que señalamos el Pirandello 2012 y el Mario Giusti 2015.

Davide Sacco y Agata Tomsic pensaban en este proyecto desde finales de 2014 y querían hablar de neofascismo porque este fenómeno sigue afectando a Europa y al mundo entero, exacerbado por la crisis económica y la imparable inmigración actuales. Ambos, vocacionados a las performances y a un teatro más bien visual, han querido esta vez involucrar en el proyecto a un autor vivo y crear con él una historia en la que poder insertar los dispositivos preformativos típicos de su teatro. Del encuentro entre la fuerza visual y un óptimo texto nace un espectáculo nuevo y muy interesante, impactante al principio hasta causar desasosiego al espectador, para luego adoptar un aire más reflexivo e irónico en el que los propios terroristas en ciernes llegan a reírse de sí mismos. A pesar del argumento no se trata del clásico teatro histórico-político porque las épocas y las sensibilidades son hoy distintas. El Siglo XX ha conocido sobre todo choque de ideologías, mientras ahora nos encontramos ante un vacío cultural espantoso.

Ya el título del espectáculo tiene un valor buscadamente polisémico: all’armi (“alle armi”, es decir “a las armas”), nombre de un conocido himno del fascismo italiano, o bien “allarmi”, o sea “alarmas” por el preocupante auge de los movimientos neofascistas en occidente, en paralelismo-contraste con el yihadismo confesional. La compleja actualidad de estos grupos, de la que es difícil extraer conclusiones operativas, se plasma en la estructura del texto, compuesto de tres intermedios de profunda reflexión socio-política y breves escenas hilvanadas sobre la peripecia de una célula neofascista que prepara el secuestro del presidente de la Unión Europea. No es la lógica expositiva de un análisis y un mensaje la que guía la acción, sino la performance que, aun al servicio de esas reflexiones yuxtapuestas, caracteriza la vocación originaria del grupo actoral.

Un retablo de flashes salpica la aventura de un grupo de activistas que quiere abatir con la violencia el sistema democrático. A través de continuos cambios de planos de la historia y de roles de los seis personajes, que se desdoblan en quince, emerge su racismo, su odio hacia los inmigrados, su proyecto de instaurar una dictadura. Al hilo del desarrollo de la función, especialmente en los tres intermedios más conceptuales, salen a escena contraposiciones entre ideas (democracia/dictadura, integración/exclusión), justificaciones (cultural/genética), métodos (revolución/terrorismo), estados mentales (equilibrio/locura), expectativas individuales (misión/fama/beneficio) y sus contradicciones e inconsistencias. Es muy interesante el telón de fondo de estas reflexiones, que deja abierta la obra. Por un lado el paralelismo y contraposición de los extremismos occidentales, en particular el de ultraderecha, con el yihadismo. En el contexto post-capitalista que ha enterrado los sueños colectivos laicos, el europeo el primero, sobreviven solo los religiosos: la islamización del mundo cabalgando la revancha, el odio, y hasta el exterminio del infiel, y el cristiano. Ambos se distinguen por no ser autoreferentes al apelar a una trascendencia externa, son también una locura utópica, pero que invoca un orden de naturaleza sobrehumana. Entre los cachorros henchidos de violencia y confusa ideología que recluta por internet y entrena militarmente Vittoria, y el pragmatismo desencantado de la pseudodemocracia del dinero (encarnada por Capelli Bianchi y Padre (Marco Cavicchoili) que todo lo absorbe y recicla, incluso los extremismos que la contestan, los jóvenes de hoy se encuentran perdidos y sin embargo involucrados en una situación que, como Futuro, ni siquiera imaginaban.

Seis son los personajes reales presentes en escena, Assalto (Luca Mammoli), Ordine (Massimo Scola), Futuro (Giusto Cucchiarini), Capelli bianchi (Marco Cavicchioli) y Vittoria, magníficamente interpretada por Agata Tomsic, creadora de la red social terrorista por internet, jefa del grupo atentador y encargada de la función narrativa. A menudo sale a escena al son del himno de las SS combatientes «Sieg Heil Viktoria!». Imaginativa la materialización de su conciencia por Talpa (topo), como ella siempre encerrada en su habitación con el ordenador. Los demás personajes son más bien ideas, y es notable el esfuerzo de los hábiles actores en su cambio de rol. Destacamos la lograda caracterización de Hitler, confiada sobre todo a la dicción y a la estudiada gestualidad de Punto di vista (Massimo Scola), en su debate con Democrazia (Luca Mammoli). Entre los actores no podemos olvidar el oficio de Marco Cavicchioli en su papel de Padre, arquetipo de la moderación cautelosa, aun modernamente respetuosa de la libertad de los hijos, y sobre todo en el de Capelli bianchi.  Se trata de un equipo de actores de gran nivel, dirigidos con sapiente mano por el director Davide Sacco, que ha sabido ofrecernos un espectáculo nuevo y dinámico que transforma todo el aforo en escenario. Al logro de la función contribuyen decisivamente el vestuario de Laura Dondoli, la iluminación de Vincenzo Bonaffini y Davide Sacco y el omnipresnte símbolo del movimiento, caricatura de cruz céltica y esvástica que nos evoca la de El gran dictador de Chaplin.

La escena final contrapone Pilatos,  un pragmático guardián de la estabilidad, y Cristo, un loco revolucionario dispuesto a subvertirla, entregando si es preciso la vida en nombre de una misión superior recibida. Entre la ultraderecha violenta de confusa y primitiva ideología, el cinismo de la pseudodemocracia post-capitalista, la fe homicida yihadista y la utopía cristiana, el público tiene dónde elegir.

Proyecto: Davide Sacco y Agata Tomsic. Texto: Emanuele Aldrovandi. Director: Davide Sacco

 

Magda Ruggeri MarchettiMagda Ruggeri Marchetti 

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YO, FEUERBACH: ASCENSO Y CAÍDA DE UN ACTOR

 

Los fieles a La Abadía, saben que el toque de campanilla avisa que deben acallar las conversaciones, mientras el personal de Sala desaparece discretamente entre las sombras, porque se inicia la función…

Por eso, quizá, al principio, creen que forma parte de esa liturgia, un joven, vestido de oscuro, que cierra las cortinas de la puerta, y cruza hacia el escenario, antes de que se apaguen las luces... Parece uno más de esos actores jóvenes, que trabajan como personal de Sala, a la espera del papel de su vida, o de un papel, que les permita comer...

Pero si están atentos, enseguida descubrirán que forma parte del dúo protagonista. Le ha tocado en suerte el papel de ayudante del director...

El otro personaje va a hacer su entrada triunfal, en total oscuridad...  En su voz escuchamos, sentimos, la sorpresa, el enfado, la impaciencia, un poco de miedo, una pizca de arrogancia... Son sólo las primeras notas de un recital, de un gran actor, que rememora con orgullo, sus grandes éxitos pasados, con la confianza, de que le hagan merecedor de un papel, junto a un director, al que conoció cuando empezaba, y ahora triunfa...

Ante ese ayudante, al que desdeña, despliega todo un alarde de registros de voz, de gestos, a veces casi imperceptibles, que esconden, o revelan, la emoción por volver a pisar un escenario, o la ansiedad, el miedo al rechazo, a no poder escapar del pozo oscuro del fracaso, del olvido, en el que ha estado sumido durante años...

El viejo actor arrolla con sus tablas al joven advenedizo... En ese enfrentamiento, a veces dialogo, otras soliloquio…, el ayudante, ofrece su contrapunto, sin dejar de interactuar, se niega a ser un testigo al margen, reclama su protagonismo, incluso cuando de espaldas al público, al mejor estilo Cary Grant, su nuca expresa, lo que su rostro no nos deja ver... 

Y detrás de este dueto, la mano del director, que parece invisible, pero que maneja con brío la batuta que lleva el ritmo del concierto…

Pedro Casablanc, que encarna a ese viejo, veterano actor, se nos presenta en estado de gracia.  Revive ante nuestros ojos, pasajes de su vida, o fragmentos de sus grandes personajes... Juega a ser el gondolero que surca los canales de Venecia… Se emociona, llora, ríe… Y como muestra de su Arte, nos regala el milagro del Teatro... el sonido, la imagen de los pájaros, volando sobre nuestras cabezas... 

Toda una lección de Teatro… Una narración sobre la vida, porque no sólo los actores sufren desengaños, desdén, tienen que aguantar carros y carretas, cuando empiezan sus carreras, o para mantenerse, o para no ser sustituidos… No sólo los artistas tienen crisis nerviosas, profesionales, personales... y suplican, o confían, en una segunda oportunidad…

Las cifras son crueles. Sólo el 8% de los actores puede vivir de su profesión…  Pero eso también le ocurre al resto de los jóvenes, o los no tan jóvenes, que para escapar del paro, encadenan minicontratos, que no dan para sobrevivir…

Un relato real, teatral, que el público premia aplaudiendo puesto en pie.

 

Yo, Feuerbach

Autor: Tankred Dorst

Reparto:

Pedro Casablanc

Samuel Viyuela

Ficha artística

Dirección: Antonio Simón

Versión y adaptación: Jordi Casanovas

Escenografía: Eduardo Moreno

Vestuario: Sandra Espinosa

Diseño de iluminación: Pau Fullana

Diseño de sonido: Nacho Bilbao

Ayudante de dirección: Beatriz Jaén

 

Titania  

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NATHALIE X: PARA NO ANDARSE POR LAS RAMAS

 

De Nathalie X, tengo que es de esas obras admirables donde no sobra nada y donde no hay un momento de distracción porque el tema es tan apasionante que no deja lugar. En ella, los tiempos de la acción están tan bien marcados que no hay marcas ni puentes, no hacen falta, y el salto final en el tiempo y en el espacio es para dejar sin aliento.

El vocabulario deja boquiabiertos porque, bajo el pretexto del oficio más antiguo, no se corta ni un sólo término de los más crudos, azuzados por la desesperación morbosa de quien ansía saber y no se ha atrevido nunca antes a preguntar.

Por todo esto, Nathalie X es un thriller de emociones que habla sobre todo de celos, del poder destructor y autodestructor de ese sentimiento cercano a amor, al desamor, al despecho, al deseo de venganza. Pero habla también de la distinta percepción que, sobre los que amamos, tiene un extraño.

Queda claro que a nuestros seres más queridos no les pasamos ni una mientras que, vistos con los ojos de un extraño, no son tan malos e incluso puede que los vea llenos de virtudes y generosidad. ¿Nos portamos de distinta manera con los extraños que con los de casa? ¿Los conocen mejor los que los miran de una forma distanciada que los que los vemos de cerca en la intimidad?

El desgaste de la convivencia es indiscutible y si a esto se añade una rivalidad profesional, ahí están las escenas de Secretos de un matrimonio del genio sueco, pero en Nathalie X se nos ahorran estos pormenores, ya están separados y ha habido repartición, sólo que, por los rescoldos que quedan de la hoguera, podemos ver las dimensiones de lo que fue aquella batalla.

Sigue habiendo sin embargo amor, sería posible empezar de nuevo y hasta un trato civilizado de amigos. Eso al menos van a pensar ambos por separados… hasta que hablan y de nuevo empiezan los reproches insufribles, como en la vida misma. Donde otros ven belleza, ellos sólo ven manías, cosas insoportables y horror.

El dinero sugiere soluciones nuevas para perpetuar el “agarre”, como dirían los magos y celestinos, la “ligazón” que permita seguir en contacto en un más allá de todo contacto imposible. Surge aquí una solución que recuerda lo que ocurre en Joven y bonita, de François Ozon, con la joven interpuesta que reaviva la unión, pero el final recuerda aún más a Lolita de Nabokov, con la pérdida de la pasión acrisolada y el triunfo del costumbrismo juvenil y pragmático. Así cada uno saca de la empresa lo que le conviene.

Veamos la sinopsis argumental:

Sonia, recientemente divorciada de Lucas, contrata a Nancy, prostituta, para que bajo una identidad falsa, la secretaria Nathalie Ribout, conozca a su exmarido, le seduzca y le vaya haciendo un relato exhaustivo de su relación. No es sólo una manera de mantener el control sobre la vida del hombre al que todavía ama, sino también de conocerlo mejor. Pero poco a poco las dos mujeres tienden vínculos entre ellas y Nathalie Ribout va progresivamente adquiriendo vida propia, dando un nuevo destino a Nancy y haciendo que la situación escape del control de Sonia.

Una obra que dice mucho más que lo que dice y donde los celos sorprendentemente actúan como antídoto para el dolor, pero ¡cuánto más agradecido el papel de la que no se quema porque va a lo suyo!, la jovencita graciosa que, de no ser por la personalidad y la belleza de Cristina Higueras, se llevaría los mayores aplausos.

La música en directo ayuda a enmarcar el tema y subraya el contraste entre la belleza de las melodías de Mendelssohn y los sentimientos tan mezquinos que puede inducir en quienes la aman, junto con los más bellos recuerdos que en ellos suscita.

Nathalie X fue primero película, Nathalie (2003) y Chloe (2009) con Amanda Seyfried, Liam Neeson y Julianne Moore en el reparto. Como obra de teatro, en 2009 se estrenó en el Teatro Marigny de París-Popesco con gran acogida de público y crítica. En ambos casos demostró el enorme potencial que encierra esta historia de maquinación, sexualidad, celos y seducción que toca puntos generalmente ocultos de las luchas emocionales y racionales entre los seres humanos.

Es España se estrenó el 18 de noviembre de 2015 en el Teatro Talía de Valencia y tras una gira por diversas ciudades llega al escenario del Teatro Fernán Gómez donde permanecerá en cartel hasta el 2 de octubre.

 

Texto: Philippe Blasband

Traducción: José Ramón Fernández

Dirección: Carlos Martín

Reparto: Cristina Higueras y Mireia Pamiés

Dirección técnica: Alfonso Plou

Escenografía: Alfonso Barajas

Vestuario: Deborah Macías

Iluminación: Felipe Ramos

Espacio Sonoro: Marina Barba

Distribución: SEDA

Productores: DD&Company Producciones S.L./ Teatro del Temple/ Teatro Olympia

Función comentada: 1 de octubre de 2016

Espacio: Sala Jardiel Poncela del Teatro F. Fernán Gómez

 

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LA NOCHE DE LOS VAMPIROS: ALMAS EN PENA, RETRATARSE

 

Estamos en La Caja del Terror, primer espacio abierto en el corazón de Madrid a este género tan peculiar y única sala de teatro en España dedicada al terror en un proyecto pionero de Creaciones Interactivas. Son más de 200 metros cuadrados divididos en dos plantas y tres espacios –vestíbulo, escalera y cripta- ambientados con objetos extraídos de las historias más truculentas y estremecedoras (Lovecraft, Stephen King, Poe, Bécquer, Bram Stoker) con un aforo de hasta 60 personas. El espectáculo va a durar 60 minutos aproximadamente y en él dará tiempo a temblar riendo, a reír sudando y a regocijarse aplaudiendo por haber sobrevivido a la prueba. Como dice uno de sus creadores y demiurgo de la función, el veterano vampiro otrora nigromante Raúl de Tomás, “es un placer que te aplauda tu propia comida, muchas gracias”.

Es domingo por la tarde, sol de membrillo madrileño aún para rato, e iba a ser una función íntima y familiar, pero el ambiente ya impone y sobrecoge desde la entrada por la atmósfera nocturna creada para la ocasión. Aún no ha sido el estreno oficial y todos aguardamos expectantes, qué harán, qué no harán y sobre todo qué harán con nosotros, porque el terror es un género de cine y de novela, ahora en teatro se prueba el resultado con esta función.

Destinada en principio a mecenas y amigos de los actores, la entrada en medio de las tinieblas va dejando ver una ambientación que recuerda a Bécquer y sus leyendas (lápidas sepulcrales, luces aquí y allá, colgadas o vacilantes, cruces, piedras que emiten su brillo en la oscuridad, papiros con profecías a las que ningún presente puede escapar) o a Edgar Allan Poe (El pozo y el péndulo, si bien sólo veremos su parte segunda colgando con el filo ensangrentado sobre un sillón abacial, el pozo, un nivel más bajo, aguarda nuestra llegada). Es tremendo constatar lo que asusta el terror. Cómo una voz subyugante y llena de ecos nos puede someter a capricho sin protestar. Somos un grupo compacto del que no saldrá ni una protesta, ni una voz, casi da miedo este poder de las palabras y de las tinieblas sobre la masa dispuesta a dejarse arrastrar. Es teatro, sí, sabemos dónde estamos y a lo que hemos venido, pero da qué pensar.

Hay dos actores que se distribuyen los papeles de vampiro veterano y malo con callo y vampiro compasivo (ya veremos si no cambian de opinión en su eterno caminar) y un tercero que ejerce de ayudante, igual de siniestro y ganchudo que ellos dos, pero silencioso.

El de la voz demiúrgica y honda que nos guía por este laberinto de tumbas y escaleras, que ordena y dispone de nosotros como un vampiro padre y nigromante es el actor Raúl de Tomás, fundador y director de la sala, autor del texto que escuchamos y de otros textos como Bendita locura; La habitación de Medea, Bajo llave, Descomplicaciones, Enajenatorium; adaptador de Laberinto de amor, dirigido por Juan Pastor, o El paraíso de los niños, de Arniches y Delgado, entre otras, además de guionista de series como “2 de mayo, en Telemadrid o Raphael en A3TV. El que le secunda en su afán de llevarnos al encierro para que les sirvamos de comida es el actor y también director Álex Tormo, de voz totalmente opuesta, suave y delicada: El sueño de un rey, con Comediants; La muerte y la doncella, con Antonio Zancada; vinculado también, como Raúl de Tomás, a la sala Guindalera y a Juan Pastor con obras como La larga cena de Navidad, El sueño de una noche de verano, Laberinto de amor, En torno a la gaviota o Traición, experto en teatro infantil con éxitos como Cuento de Navidad o Los viajes de Gulliver o la dirección de piezas como Momo, de Ende, o Ahora vuelven a cantar, de Frisch.

Buen bagaje necesario para afrontar con éxito el teatro de terror, un género en el que nada, ninguna pieza puede fallar “si la cosa funciona” y vaya si funciona. Allí se repasa el origen guerrero de los vampiros, su fama de invencibles y su pacto con el diablo para alcanzar la inmortalidad y a qué precio y se rinde homenaje a Bran Stoker quien, en su afán por acabar con ellos, “sólo” consigue para sí mismo la inmortalidad.

Y cuando en un momento dado nos anuncian: “Aquí están las celdas en las que os vamos a almacenar para que nos sirváis de comida en los próximos meses”, nadie rechista, nos sometemos. Podían haber hecho con nosotros lo que ellos, los vampiros y sus ayudantes, dispusieran y nos hubiéramos sometido como las pobres víctimas que cuelgan del techo entregadas, sin sangre.

El terror. Nada más apetecible que te cuenten un cuento de miedo en la oscuridad, al abrigo de una buena manta y a salvo de peligros, a punto de dormirte en una noche larguísima de invierno, ¿verdad? Pero aquí estás lejos de casa y sin cobija ni defensa, sólo a merced del circuito del aire y de sus majestades a punto de despertar con sed de sangre. Ellos son eternos, nosotros somos finolis. Y tanto. Miedo me doy. 

Creaciones Interactivas

Director y Actores: Raúl de Tomás y Álex Tormo

Fecha de la función comentada: 25 de septiembre de 2016

Paseo de la Esperanza, 16, Madrid

 

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DON JUAN, UN MUSICAL A SANGRE Y FUEGO LLEGA A LA GRAN VÍA

A Madrid ha llegado con voluntad de marcar época Don Juan, un musical a sangre y a fuego, producción mexicana que ha querido estrenarse aquí, en España y concretamente en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía de Madrid, y que más tarde irá a Valladolid, patria de su creador, Don José Zorrilla, para rendirle tributo de admiración y agradecimiento, pues es su texto el que sigue fielmente el musical.

Ya saben aquello que reza “Yo a los palacios subí/yo a las cabañas bajé/… /que aquel a quien yo maté/ pudiera matare a mí”. O aquello otro casi al final y todavía más llamativo, puesto que lo pronuncia rodeado de fantasmas a las puertas del infierno: “Clamé al cielo y no me oyó./ mas si las puertas me cierra/ de mi paso por la tierra/ responda el cielo y no yo” volverán a oírse en este musical que quiere superar, por su suntuosidad escenográfica y de vestuario, por el lujo de sus voces clarísimas (se entiende todo el clásico cantado) y sus bailes y por su fidelidad al clásico, todo lo que anteriormente se ha hecho con la obra de Zorrilla, tantas veces representada.

No hay duda de que en este musical, interpretado por 24 cantantes y bailarines, con partes recitadas o simplemente dichas, la producción mexicana le ha dado un nuevo aire al clásico más importante de la literatura en español, y por eso, en honor a lo español, ha querido venir a estrenar este Tenorio, al más grande estilo de Broadway, en la Gran Vía madrileña, para que así Madrid tenga la categoría musical de Nueva York. Son palabras del productor Alex García quien no ha reparado en medios, hasta el punto de traer a Madrid el pasado mes de agosto a uno de los profesores del Actor’ Studio de NY, Cornelius Horgan.

Gracias a los criterios salvíficos del Romanticismo español, este Don Juan no acabará en los infiernos, que bien merecidos se los tenía (oímos sus desafíos tabernarios hasta en el mismísimo filo del precipicio abrasador que se ha abierto a sus pies), aunque a punto está, gracias al poder del amor y a la posibilidad de que unos paguen por otros. Nada le doblega salvo el amor de Doña Inés. Por eso, hasta el último minuto, el de la contrición, con todo el público vibrando porque ya los diablos -que se han apoderado de toda la sala- te tocan (literalmente) el hombro y hasta la oreja, estará en suspenso el arrepentimiento y posterior  salvación in extremis del canalla más famoso de todos los tiempos. Así somos los públicos con los malos malísimos.

Aunque la función previa a la que asistí (no se estrenó hasta el día 6) gustó mucho, todos los números fueron muy aplaudidos  y no se hizo en absoluto larga porque se entiende todo, he de que reconocer que el papel preferido por el público fue el de Brígida, el ama, celestina alcahueta y trotaconventos de Doña Inés, la cual, con sus piruetas y su gracejo menesteroso allana el camino del seductor hacia el corazón de la joven novicia recluida.

 

Música: Antonio Calvo

Productor: Alejandro García

Dirección: Ignacio García

Dirección Escénica y Coreografía: Tino Sánchez

Dirección musical: Julio Awad

Diseñador: Lluís Juste de Nin y Eloise Kazan

Reparto: Tony Bernetti, como Tenorio, Estíbaliz Martyn, Doña Inés, Gonzalo Montes, el Comendador, Patricia Clark, Brígida, David Velardo, Don Luis Mejía, Judith Tobella, Doña Ana, Nacho Bergareche, Don Diego, Gonzalo Larrazabal, Marcos Ciutti, Ricardo Vergara, Butarelli, Patrizia Ruiz, Lucía, Carlos Salgado, El Capitán Centellas y Héctor Otones como Avellaneda.

Cuerpo de baile: Alicia Cabrero, Álex Chavarri, Elena Aurioles, Antonio Fago, Irene Rubio, Chema Zamora, Teresa Cora, Leyva, Lidia Ibáñez, Riccardo Franco, María Alonso y Alberto Escobar.

Fecha de la función comentada: domingo 2 de octubre de 2016

Teatro de la Luz Philips Gran Vía, de Madrid

 

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EL RINCÓN DE LA RODRÍGUEZ, UN RINCÓN CON AUTENTICA MAGIA

 

El ingenio, la creatividad, la voluntad de hacer espectáculos con calidad suelen llegar a buen puerto. Es lo que nos encontramos entre estas cosas que nos ofrece Madrid, en este caso en un pequeño café teatro lírico llamado El rincón de La Rodríguez, un delicioso y bien montado local, en el que se ofrecen actuaciones dramatizadas de ópera y zarzuela, interpretadas por cantantes de alto nivel, como Maria Rodríguez el tenor Julio Morales, el barítono Federico Gallar y el bajo Carlos London, todo un lujo, con una coreografía de Nuria Pomaresla y los bailarines Primitivo Daza y Esmeralda Manzanas, primera bailarina del ballet de Antonio Gades. Óperas en formato reducido con los fragmentos más conocidos, acompañadas de ballet, para pasar a una segunda parte de zarzuela con  el mismo formato, hacen las delicias del público que de esta forma se inicia al mundo del teatro musical. Normalmente se incorporan cantantes que así tienen una oportunidad de ser conocidos, lo cual es muy loable porque no hay demasiadas oportunidades en este mundo del bel canto.  Cantantes  de gran calidad como Gema Scabal y Raquel Dasgoas, que aun no han encontrado continuidad en el circuito de teatros líricos, demuestran que no son todos los que están ni están todos los que son y que con ese referente elenco de figuras que suben al escenario de El rincón de La Rodríguez, es muy posible que encuentren oportunidades serias.

Estas iniciativas son muy valorables y merecen salir adelante, en beneficio tanto de los organizadores, del público y de la expansión de la cultura musical que buena falta hace en este país de nuestros pecados.

Para todo aquel que desee disfrutar de ese espectáculo, viernes y sábados, les recordaremos que está ubicado en Corazón de María 6 (Madrid).

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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UNA NOCHE COMO AQUELLA: QUE ENVENENA Y ENAMORA

 

Una noche como aquella se inicia con un juego entre amigos a la luz de unas cervezas parlanchinas y acaba planteando cosas muy serias, como el amor, las relaciones humanas y los conflictos emocionales que de ellas se derivan. Al mismo tiempo, dentro de esta seriedad a la que nos enfrenta, Una noche como aquella tiene el valor de hacernos reír mucho y sus peripecias van acompañadas de una música en directo que subraya los temas.

Los protagonistas son un trío de amigos o un grupo de tres amigos que han decidido formar un trío, de manera que cuando uno de los tres es invitado a una fiesta familiar y dice “acudiré con mi pareja”, su pareja son los otros dos. Él tiene, al igual que cada uno de los otros dos, una pareja de dos, lo que para unos es envidiable y para otros criticable. Éstos últimos son todavía más envidiosos que los primeros. Para colmo, también entran en juego una madre y una tía manchegas o casi (de Toledo), y son ellas las que, con su naturalidad aldeana y sin frenos en la lengua, darán la medida exacta del tema. Sin embargo, la relación no será un camino de rosas y como en El sueño de una noche de verano, comedia a la que en nada más se parece, que no es poco, también habrá un despertar en el que, sin dejar de reír ni de atraerse mutuamente, habrá que ponerse serios y hacer balance.

¿Sobrevivirá ese despertar del sueño amoroso a los duros ataques del la realidad y del egoísmo de cada cual? ¿Esa arcadia amorosa podrá reiniciarse con lo mejor de los tres cuando hayan puesto sobre la mesa todo lo que les pasa? Preguntas como “¿Moriríais por amor?” se mezclan con la disputa por los platos sucios y obligan al espectador a formulárselas a su vez. Porque como si de una venganza social se tratara, los conflictos vienen dados, en este trío tan desinhibido y tan majo, por lo de siempre: el lugar que ocupa cada uno en todo esto, las miradas ajenas y los prejuicios sociales. Los acuerdos a tres bandas se complican.

“¿Podremos ser amigos después de esto?” es la pregunta clave. Y si ello ocurriera por milagro, ¿podría surgir de nuevo “una noche como aquella”? De ser así, quién sabe si en la próxima temporada, esta comedia sobre el poliamor no verá aumentada su nómina con la incorporación de la cantante. De momento, ella sólo ha compartido el banco del parque, pero quién sabe. Porque si bien hasta el presente no ha pasado de ser el hombro obre el que cada uno por separado descarga sus cuitas, cuitas con las que ella compone sus contrapuntos musicales, nunca ha dejado de estar presente al final de cada “crisis”. Y ella es la que, con ese distanciamiento de artista, mejor los conoce. Aunque, ¿convendrá que pierda ese papel para transformarse en la “cuarta”?

En Una noche como aquella se pasa muy bien, no sobra ni un minuto y el interés crece porque sorprende a cada momento sin ofender más de lo justo con sus juegos verbales y para los que no lo sepan, inicia este otoño su tercera temporada en Madrid, saltando de la sala Off a la Sala Principal del Teatro Lara sólo para esta representación. En adelante, seguirá en el Off del Teatro Lara los jueves a las 20h y en Nave 73 los sábados a las 22h30.

 

Una noche como aquella

Autoría y Dramaturgia: Nacho Redondo

Dirección: Chos

Cía. Chandelier Teatro

Elenco: Nahia Láiz, Esther Acero, Nacho López, Jorge Páez, Nacho Redondo y Ana Pi

Música original: Ana Pi

Iluminación: Gemma Rodríguez y Aitor Delgado

Vestuario: Marta Rodríguez

Espacio: Sala Principal del Teatro Lara (en adelante, Off del Teatro Lara los jueves a las 20h y Nave 73 los sábados a las 22h30)

Fecha de la función comentada: 5 de septiembre de 2016

 

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NADA QUE PERDER (Y TODO QUE GANAR)

 

El argumento de Nada que perder, obra que repite temporada después de triunfar en las anteriores de Cuarta Pared porque sí, porque el público lo pide, es el siguiente: “Un asesinato hace que se inicien una serie de interrogatorios que, como en las cajas chinas, hay que acabar encajando porque cada uno aporta su parte de verdad. Tal es el punto de partida de esta obra que se estructura en ocho episodios dramáticos, tantos como interrogatorios. Interrogatorios no sólo entre policías y sospechosos, sino también entre abogados y empresarios, psiquiatras y pacientes, jefes y empleados, padres e hijos… A través de los interrogatorios iremos descubriendo que la corrupción está en la base de las relaciones de poder, que hay víctimas de las que nadie quiere oír hablar entre los que pretendieron no sucumbir a ella y que es peligroso llevar a alguien hasta un extremo en que ya no tiene nada que perder.”

Pero el denominador común de una sociedad enferma es la insatisfacción de quien, pudiendo vivir con lo suficiente, ansía tener más y más. ¿Quién ha dicho que a un niño hay que darle todo cuando nace de manera que tenga todas las necesidades cubiertas y que si no más vale no tenerlo? Nadie, nosotros mismos. Y para ello, si es preciso, se extorsiona a todos los parientes, se puede llegar al asesinato y, por supuesto, se corrompe todo aquel que esté en posición de hacerlo.

Pues bien, sobre este aserto falso por completo oscilan muchas de las escenas de Nada que perder y por eso las preguntas que apelan a la visceralidad del público rompiendo para ello la cuarta pared, esas que lo agarran por el cuello en una de las escenas finales y le interpelan sobre el sentimiento de pérdida de la casa familiar (“¿se imagina tener que decirle a su hijo que va a perder su casa?”) y todas las otras pérdidas a que un cambio de status obliga, es la parte más floja del espectáculo y la que remite indefectiblemente a la pregunta: ¿Quién ha dicho que a un niño hay que darle todo cuando nace?

De esta idea vienen toda cantidad de reproches por parte del vástago insatisfecho y que no se adapta a la nueva realidad que unos padres torturados y torturadores (“¿No nos hemos sacrificado por ti, no te hemos dado todo tu madre y yo?”) no son capaces de cambiar para él. Magia. El hijo espera magia y la magia saltó por la ventana con el empleo y la hipoteca.

Sin embargo, ahí tenemos muy cerca de nosotros ejemplos en que los hijos nacidos de padres muy pobres aprenden a buscarse la vida juntamente con ellos, lo cual les proporciona un aprendizaje y unos valores y un respeto de los que nosotros carecemos. Luego vienen las lamentaciones de las que adolece Nada que perder. Y si esta parte jeremíaca se dijera “dentro” en lugar de romper la cuarta pared y apostrofar al público con ella, sería doblemente crítica y no lo peor de la obra. Por su llamada a la sentimentalidad morbosa e improductiva. Una sentimentalidad que ya vemos lo que ha dado.

Y eso está muy bien visto porque Nada que perder apela no tanto a la crisis como a la pérdida de valores. Y lo hace con todo el atractivo de una serie negra y tres actores que se dejan la piel y que, sin un minuto de reposo, se van turnando para que se vea precisamente que todo es cíclico y que los roles pueden cambiar. Y tanto se turnan y “se recrean”, que hasta consiguen que uno solo haga, por turno, de coro, añadiendo, adelantando, apostillando y lamentando, haciendo de mosca, en una palabra, con sus réplicas.

Por otra parte, en Nada que perder se tratan todos los aspectos de la modernidad, hasta el estreñimiento y sus remedios, el tema más atractivo en las cenas de alta sociedad.

Los episodios con el profesor y el licitador municipal como protagonistas son para mí los más divertidos y a la vez crueles (cruelmente logrados) porque tratan de las víctimas que, enloquecidas en su honradez solitaria, han de esconderse y desaparecer. Víctimas a las que nadie quiere escuchar ni mucho menos ver delante.

Lo de Cervantes y su secuela de cobradores, a pesar de su pintoresquismo, me pareció muy traído por los pelos.

 

Intérpretes: Marina Herranz, Javier Pérez-Acebrón, Pedro Ángel Roca

Dirección: Javier Garcia Yagüe

Dramaturgia: Quique Bazo, Yeray Bazo, Juanma Romero, Javier G. Yagüe

Escenografía: Silvia de Marta

Iluminación: Alfonso Ramos

Fecha de la función comentada: 2 de septiembre de 2016

Sala Teatro Cuarta Pared. C/ Ercilla, 17. Metro: Embajadores

 

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BAYCHIMO TEATRO: TODOS SUS PATITOS

 

Todos sus patitos evoca por su título algo muy civilizado, pero estamos en el bosque y todo son peligros. Ya al entrar, percibimos despacio una música compuesta de sonidos que no son nada inocentes, aunque sí lo sean los que los producen: un palo sobre el hueco de un tronco, una caña que sopla en el agua, unos trozos de goma que figuran el corazón y el estómago con su bombeo incesante y su rugido ancestral, que hay que ver lo cerca que están los dos en el bosque, el corazón y el estómago, casi se confunden, ya veremos. Todo incita a recogerse y a observar, dan tiempo los que los producen, nada se precipita.

Y entonces empieza la historia de un zorro y un pollo recién salido del huevo, es un patito amarillo que nos dará todo tipo de sorpresas, menuda pieza. El zorro piensa en zampárselo, qué tierno, pero el pollito le sorprende con un Pa-pa. o eso entiende él, y está perdido. Qué se yo qué onomatopeyas se trae el patito aprendidas, a lo mejor llama a mamá Pata con su lengua de trapo, pero el zorro entiende Pa-pa, se ablanda (como todos los hombres al oír decir Papá) y ya no se lo come. Está perdido, sus tripas rugen (el corazón y el estómago van juntos) pero no se lo come y sigue hambriento, el hambre es fea, hace malos a todos menos a un Papá.

El patito no se queda quieto y sale, se pierde, el padre zorro lo busca, se angustia, vuelve a casa sin él por si ha vuelto… Ha vuelto pero acompañado, ha ligado, no se ha privado de nada, y a pesar de las desavenencias, aumenta la prole y aumenta la familia del zorro. Buena la hizo, ahora sus rugidos hambrientos molestan a la nuera Pata. Llegan a un pacto, ya son ocho en casa, el hijo no hace más que perderse y ligar, el padre los adopta a todos.

Todos sus patitos es un canto a la paternidad, a las relaciones paternofiliales entre seres tan distintos que se reconocen en esa dependencia afectiva, en ese sentido de la pertenencia tan necesario para crecer. Supongo aquella loba que amamantó a Rómulo y Remo en las colinas de Roma se lo pensó antes de ceder, si comérselos o no.

Pero esto no es sólo una fábula preciosa para niños basada en el cuento de un gran escritor. Una fábula cuya representación fue premiada con el Draco d’or en la Feria de Titules de Lleida, sino una fábula hermética y llena de misterios en la que también los adultos pueden tener su visión de los hechos: el zorro padre acaba queriendo tanto a su familia de patitos, que verá ocupada por completo su casa, ya es un ocupa en su propia casa. Y a la larga a la larga, tal vez acaben operándole de ese rugido tan molesto que no deja dormir a la nuera. Todo antes de pensar que él también tiene que comer.

 

Título: Todos sus patitos

Actores: Paloma Leal y Ramón Enríquez

Escenografía e iluminación: Arturo Ledesma y Baychimo Teatro

Espacio Sonoro: Fernando Pérez

Baychimo Teatro

Fecha: 3 de septiembre de 2016

Sala Tarambana (Carabanchel)

 

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LAS 50 SOMBRAS DE ANDREU, DE BARCELONA A MADRID

 

Andreu y Anastasia son una pareja que promete mucho en un tema que es muy difícil de concretar: el erotismo de una novela (50 sombras de Grey) de tintes sadomasoquistas que fue la más leída del año, más tarde película y ahora parodia bufa en manos de grandes actores mediante un show de humor para fans y detractores del libro que más ha dado que hablar en los últimos años.

Un tío muy simpático, el Andreu Casanova, que cae bien al principio y al final, aunque da la impresión de que en “el tema que nos ocupa” todo está siempre a punto de empezar y no bien arranca la función cuando ya se termina. O de que todo puede volver a empezar para poder seguir adelante (coger impulso) y así cumplir con lo prometido, que es deuda. Porque resulta que hay que pillar, ¿pero qué es lo que hay que pillar? Poner cara de tonta, no me ayuda a nada, todos ríen a mi alrededor y me alegro por ellos.

Ella, Anastasia (Rocío Gutiérrez), es tan deslenguada que él, cuando aparece, resulta casi modosito, un pincel de aseado y “très poli”, muy buen chico y alicatado hasta el techo, que sólo le falta el alzacuellos para realzarse. Porque ella es quien prepara el camino para que cuando él llegue, todo esté llano menos las cuestas y todos con unos ojos bien abiertos en espera de la buena nueva, la que nos libere de complejos y tabúes y nos lleve a tratar con desenfado algo tan íntimo como las relaciones sexuales. ¿Quién no ha conocido un Grey en su vida? ¿Quién no lo ha tenido incluso en la suya? Todo es ponerse a imaginarlo para contarlo, aunque bien pensado, ¿de verdad hay muchas mujeres a día de hoy (¿a ver, que levanten la mano!) que estarían dispuestas a emular a la protagonista del libro o de la película? Esto es lo que quiere hacernos ver Andreu Casanova si es que o he entendido algo, que hay cosas que imaginadas y deseadas a placer, nadie las querría en su vida.

Parece que todo está más en contarlo que en haberlo vivido, como si ya el hecho de haberlo imaginado o soñado le diera un valor igual o superior a la realidad o como si todo fuera realidad aunque de distinto tipo.

Volviendo a Andreu y sus 50 sombras, creo que el tema está en calzones y bien está empezar por algo, aunque de momento nos quedemos en vocabulario y gestos. El problema es buscar la forma de avanzar sin ser groseros, y en eso deben estar los que se embarcan en estas audacias ilustrativas de lo íntimo y oscuro. Andreu no es grosero, y así el tema avanza según la fantasía de cada cual, que va a saltos. Hay un momento en que agarra la botella de agua (el chico tiene sed) y casi se la traga. La marca de aguas en cuestión se caracteriza por tener el morro o pitorro muy ancho, y de ahí compone el chiste con el que empieza a romper el hielo: Este Solán o Solal está tremendo… Es un público muy preparado, que va muy rápido absorbiendo. Entonces o después, cuando ya uno ha salido a la calle, Andreu lanza muchos cabos que atar.

Después de triunfar en Barcelona, al público madrileño se le ofrece una nueva oportunidad para conocer al verdadero Grey… de Barcelona. O sea, Andreu Casanova es uno de los humoristas con más proyección en el panorama nacional. Andreu Casanova y Anestesia protagonizan un divertido cambio de roles con los que parodian y ridiculizan los momentos más conocidos del best seller. El público participa en el espectáculo en muchos momentos, compartiendo con los actores sus experiencias de pareja. Vayan preparados para participar, por si les toca. Y al final todos querían un selfie con Andreu y con Rocío.

 

Título: 50 sombras de Andreu

Reparto: Andreu Casanova y Rocío Gutiérrez

Equipo: Josep Mª Raventós, Andreu Casanova y Rocío Gutiérrez

Fecha de la función comentada: 24 de agosto de 2016

Pequeño teatro Gran Vía

 

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EL BRUJO BRUJULEA POR EL QUIJOTE, EN LOS TEATROS DEL CANAL

 

En este año de aniversarios, los cómicos y comediantes, los autores y artistas, han querido demostrar su amor por Cervantes, y Don Quijote, rescatándolos del rincón del olvido, donde habían sido oficialmente relegados, apartados. El Brujo tampoco ha querido resistirse a caer en la tentación, y a pesar del silencio gubernamental, y sin miedo, ha rendido homenaje al enjuto Hidalgo de la Mancha, y al creador de sus palabras, Miguel de Cervantes.

Pronto descubrimos que La Palabra, contada, o escrita, será la protagonista de este misterioso, y filosófico divertimento.

Rafael Álvarez parece haber hecho un pacto con algún espíritu burlón, para no envejecer, y el tiempo hace un quiebro, evita dejar su huella, para que el Brujo, en un juego atemporal y poliédrico, se solace, (y nos divierta), siendo juglar, cómico, erudito del Siglo de Oro, y creador vanguardista…

En esta cita teatral, se ocupa, indaga, bucea por los secretos del Quijote, y nos arrastra con él, en la aventura, hasta sumergirnos en sus enigmas, sus incógnitas, sus entresijos, para desvelarnos sus misterios, incluso a los que reconocen pública, y abiertamente, no haber leído la Novela…

La puesta en escena es tan minimalista, que el Brujo, dibuja sobre el escenario, no sólo el resto de los personajes, también recrea los accesorios, la escenografía. Sólo las luces, o la música bañan,  subrayan las palabras, los capítulos escritos por Miguel de Cervantes.

El narrador, quien desde un primer momento, se define como un juglar que transmite la tradición oral.También, nos anuncia y confiesa, que nos guiará por una mezcla de esa tradición hablada, popular, con el Teatro de vanguardia, y cumpliendo su ofrenda, su desafío, va fundiendo sus meditaciones, sus bufonadas, sus pesquisas, sus hallazgos, para revelarnos los Misterios de la vida y la muerte del Quijote, de Cervantes…

Sobre las Tablas desnudas, se mueve, gesticula, vocaliza El Brujo, y se las ingenia, para rememoramos a don Alonso Quijano, el Bachiller Carrasco, el Cura, el Ventero,...

Pero también ilustra a Rajoy, Montoro, expone el 21% de IVA que exprime y ahoga a la Cultura, o nos recuerda  a Sánchez, o a Iglesias, y nos imagina votando el día de Navidad...

Los acompañantes, de este relato, no dejamos de reír, a pesar de las punzadas que nos hacen reflexionar, incluso al cierre, con el toque de emoción que pone el broche final… Tras el pertinente silencio valorativo, caen las carcajadas, como si fueran el Telón.

Si esta fábula les ha interesado, les adelanto que cuando finalice de husmear, escudriñar, de  explorar la vida, y la muerte de Cervantes y el Quijote, Rafael Álvarez, girará de nuevo sobre sus talones, y cantará a dúo con Teresa de Jesús.

 

MISTERIOS DEL QUIJOTE

Intérprete: El Brujo

Dirección: Rafael Álvarez 

Música: Javier Alejano

Diseño de iluminación: Miguel Ángel Camacho

 

http://www.teatroscanal.com

 

Titania  

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MEDINACELI  (SORIA) APUESTA POR LA ÓPERA

 

Se ha celebrado en el Palacio Ducal de Medinaceli el III festival de ópera de esta ciudad soriana, patrocinado por DEARTE; tres días, 5, 6 y 7 de agosto, en el primero de los cuales se entregan los premios a los ganadores del Concurso de Canto de Medinaceli, que este año ha celebrado su tercera edición, y en el que después de la entrega de premios se celebra una cena acompañada de interpretación de fragmentos de ópera y zarzuela por estos ganadores. En el segundo dia se representa una ópera, en esta ocasión ha sido Madama Butterfly de Puccini, y en el tercero un espectáculo para niños, presentado por la compañía Diverlirica con el nombre de Ven a cocinar la ópera

 

UNA MADAMA BUTTERFLY DE GRAN CATEGORIA

La representación de la ópera de Puccini, alcanzó un nivel de primera línea, en la producción de la compañía Prestissimo, con un magnifico elenco encabezado por Virginia Wagner como Cio Cio San que hizo una interpretación memorable tanto vocalmente como en la dramatización del personaje. Muy bien el Pinkerton de Manuel Silva, que mostró un gran conocimiento del personaje que demostró a través de una excelente interpretación, al igual que Carlos Andrade como Sharpless, en uno de los mejores momentos vocales de este barítono mexicano, que le permitió crear un personaje con una profundidad poco usual en lo que se ve por los escenarios. Exquisita la Suzuki de Ana Maria Ramos, que aparte de una voz de un nivel altísimo, se metió en el papel de la asistente de la Butterfly con una dramatización intensa, que en sus lágrimas reales, pareció que la obra era verista. Ángel Walter imprimió a su  Goro esa mezcla de humor  y dramatismo que domina a la perfección. Dos personajes como El príncipe Yamadori y el tío Bonzo destacaron por la importante voces de Albert Camon y Francisco Santiago. El limitado papel de Kate Pinkerton lo llevo con suficiencia la ganadora del I Concurso de Canto de Medinaceli, Anna Moroz.

La dirección musical de Álvaro Lázaro, fue de las que en condiciones normales situarían a un director musical en cotas altísimas, al punto de que alguien comentó que parecía una pequeña orquesta sinfónica, en especial pensando que no eran más que 20 músicos.

El veterano Antonio Ramallo realizo un montaje ajustado a lo clásico que asombró por su perfección.

En resumen una noche mágica, reconocida por un público en pie aplaudiendo a todo el elenco.

 

UNA DIVERSIÓN INFANTIL CON EL NOMBRE VEN A COCINAR LA ÓPERA

La compañía Diverlirica puso el punto final al Festival con un espectáculo para niños, con las intervenciones de Ángel Walter y Raquel Cordero  y con el apoyo musical de Celia Laguna. Una auténtica gozada para el público menudo, que se divirtió tanto con el espectáculo como con sus propias intervenciones líricas. Un éxito rotundo que avala el interés de los niños por todo aquello que se les da en un formato divertido y asequible y que puede llegar a crear una afición a un tema cultural de altura como es la lírica.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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REFRESCANTE HUMOR EN LA VERBENA DE LA PALOMA

 

Como antiguamente Don Juan Tenorio se representaba cada 1 de noviembre, ahora se representa todos los agostos La Verbena de la Paloma. En esta ocasión es la compañía DelPortal Producciones, dirigida por Nieves Fernández de Sevilla, la que la trae al teatro Phillips Gran Vía con un montaje de muy buenas hechuras y un elenco brillante.

La Verbena de la Paloma se presta a chascarrillos y modificaciones en el libreto, a fin de provocar la risa del público, especialmente al que va a la pura diversión, sin reparar en detalles que puedan distanciarse de los autores y que ya se han institucionalizado, como las formas de andar y hablar del personaje del tabernero y sus acompañantes, que el público devoto de estas interpretaciones aplaude en cada ocasión que aparecen en el escenario. Otro ejemplo, es la parte que viene a continuación de la famosísima habanera del final de la obra, en la que el compositor, Tomás Bretón y el libretista Ricardo de la Vega “regalan” a los espectadores un momento de una calidad y delicadeza, que no se corresponde con lo que se nos muestra en la escena, nos referimos a ese fragmento que dice,… Así te vas …Voy de verbena…, lleno de sensibilidad y que en el escenario se convierte en un guirigay de empujones, que desvirtua la idea original. Pero los públicos veraniegos quieren jolgorio y esta forma de presentar la gran obra maestra del género chico, reciben esa comprensible dosis de diversión. En cualquier caso todo el montaje dirigido por Lorenzo Moncloa, movimiento de cantantes y actores es fantástico, así como el decorado dentro de la línea más clásica.

La dirección musical, muy acertada por parte de Carlos Díez sacando partido a una exigua orquesta pero que cumple a la perfección con la partitura.

El coro, realmente bien, lo que es de agradecer, porque suele ser la parte débil de las obras de bajo presupuesto.

El elenco, muy equilibrado en un nivel realmente bueno, en el que sin duda destacaríamos a Antonio Torres que compone un perfecto Julián, tanto dramáticamente como en la faceta canora, con una voz llena de matices muy en la línea de este gran barítono. Queremos también destacar la Susana de Pilar Tejero, con una presencia escénica digna de grandes teatros, que acompaña con una voz importante para dar una perfecta réplica a Torres. El Don Hilarión de Santos Ariño realmente bueno, pues es un cantante con unas capacidades actorales sobresalientes, sostenidas además por una voz de calidad poco habitual. La Señá Rita de Carmen Aparicio es resuelta con solvencia por esta cantante que conoce muy bien el escenario, como sucede con Ángel Walter, unos de los cantantes actores que domina todas las facetas de la lírica y el teatro. Dejamos para el final a la Tía Antonia de Amelia Font, otra artista con una arrolladora presencia escénica, cuya carrera pasa por multitud de papeles, a los que aporta todos los matices posibles. El resto del elenco realmente bueno.

Esta crítica parecerá exagerada en cuanto a sus bondades, pero no es así. Esta verbena aparte de divertida, es de unas hechuras de primer nivel con un presupuesto de nivel ínfimo. Cosas del arte en este país.

El público salió satisfechísimo y lo demostró con entusiasmo en los aplausos y bravos.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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TEATROS DE SEGUNDA,  OBRAS DE PRIMERA: MALDITAS EN LA SALA TÚ

 

No descubro nada al decir que hoy existen varias clases de teatro en cuanto a su nivel presupuestario, el gran teatro (grande por la capacidad de espectadores y los presupuestos que se manejan) y el pequeño teatro, pequeño de tamaño y presupuesto que suele representarse en las llamadas “salas alternativas”. Si echamos la vista atrás esto ya sucedió allá por el siglo XIX, motivado por una gran crisis económica, que permitía representar, inicialmente en cafés y luego en teatros, varias obras sucesivas por las que el espectador interesado, podía ver pagando por cada una de ellas cantidades menores que una obra de gran formato.

En la actualidad sucede algo similar no en cuanto a la duración, sino al precio de la localidad y las producciones de corto elenco y escenografía reducida al mínimo. Todo ello lleva a un gran esfuerzo de calidad interpretativa y libretos generalmente densos de contenido, para compensar lo anteriormente dicho. Tal es el caso de la obra Malditas que se representa en la Sala Tú, de Malasaña, por la compañía Thales, formada por las dos intérpretes, Cata Cutanda y Rosa Cantero, autora y directora de la obra.

El tema de la obra está dentro del llamado meta teatro, y en el se nos ofrece una visión crítica de la sociedad, apelando sutilmente a la solidaridad, el amor y la carencia de apoyo al teatro, convirtiéndolo en ese Viaje a ninguna parte, en el que Fernán-Gomez ya nos mostraba las penurias de los “cómicos”.

El principio de la obra es muy original, presentando a dos siamesas que explican cómo ha sido su vida con sus limitaciones y la visión de la sociedad sobre ellas. La supuesta falta de un final para la obra, a medio terminar, deriva el argumento hacia las dudas acerca de su trabajo y sobre si merece la pena seguir porque no lleva a ninguna parte, solo a una subsistencia cada vez más precaria. El amor, la voluntad, los avatares, en los que se incluyen dos enfermedades de cáncer, llevan a un final sino feliz, si coherente con esa fortaleza y espíritu de lucha por algo que irrenunciable en su vida,  el teatro.

Las interpretaciones de Cata Cutanda y Rosa Cantero son impecables, con una solvencia dramática excelente, capaz de trabajar con los tres registros que sus papeles exigen, siamesas, actrices creadoras de la obra, y finalmente amigas, capaces de renunciar a sí mismas por el incondicional apoyo a la otra.

Llevo mucho tiempo viendo obras aparentemente menores y entristece ver que en ellas se plasma una calidad, que en absoluto es superada por muchas de las obras de salas grandes, con grandes propagandas, con grandes montajes porque en el arte los grandes presupuestos, no necesariamente avalan creatividad y  calidad. Pero parece que lamentablemente es así y parece que seguirá por mucho tiempo. En cualquier caso, desde aquí el agradecimiento a estas pequeñas compañías, por demostrarnos que hay otros caminos que nos emocionan y que esconden un arte con mayúsculas.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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MASTER CLASS DE CORNELIUS HORGAN DEL ACTOR’S STUDIO DE NUEVA YORK, SOBRE EL MUSICAL DON JUAN

 

El sábado 6 de agosto de 2016 a las 12 de la mañana, el actor Cornelius Horgan, del Actor’s Studio de Nueva York, impartió una clase magistral para el elenco y el cuerpo de baile de El musical Don Juan. Un musical que se estrenará en Madrid el próximo 6 de octubre de 2016, en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía, siguiendo la obra escrita hace 150 años por José Zorrilla. Así lo repitió varias veces, para centrar el tema, con su acento americano Cornelius Horgan, como si el nombre de José Zorrilla lo tuviera hipnotizado y estuviera soñando con él.

Era la culminación a toda una semana de trabajo y reclusión del maestro con el equipo en pleno de la compañía y los protagonistas de El musical Don Juan en las instalaciones del Teatro Galileo.

Ahora teníamos la ocasión unos cuantos agraciados de unirnos a ellos y ser miembros por un día del “Actors Studio”, de asistir a ese broche de oro de la master class, y esto fue lo que yo presencié en el decurso de una hora:

Un actor recitaba un monólogo en inglés que alguien traducía al español y un actor único, sentado en una silla, lo mimaba ayudado por el maestro Cornelius Horgan. El monólogo pertenecía a Falstaff y el actor, que era joven y fuerte (el capitán Centellas en El musical Don Juan) se convirtió, subyugado por las potentes palabras, en un miserable saco de huesos.

Acto seguido, los protagonistas del Don Juan, de la mano de Cornelius Horgan, tuvieron ocasión de convertirse, por orden del maestro, en animales, cada cual a su elección, sin que en ningún momento hubiera necesidad de decir de qué animal se trataba. Cada uno con su yo íntimo debía ahondar en las actitudes y en los sentimientos de su animal buscando la verdad de esos sentimientos dentro de sí mismo.

A continuación, pude escuchar en vivo y en directo el diálogo entre Doña Inés y Brígida, su mentora (y celestina dentro del convento) dentro de los muros del convento, mientras hablaban de Don Juan.

La novicia, picada por la curiosidad, se resistía candorosamente, por virtud de su honra y de su buscado encierro, a dejarse ver por él, al tiempo que se retorcía en deseos de conocerlo, mientras que la mediadora, con argumentos piadosos (Don Juan enfermaría ante su negativa, ay, ya estaba más pálido, el pobre) acabó convenciéndola. Ambas explotaban así las artes y los ademanes aprendidos de sus animales respectivos. En los breves descansos, los actores debían atender a las cámaras y a los entrevistadores, lo mismo que el maestro por su parte, para lo cual abandonaban el escenario entre bambalinas.

Lo mejor era la calma del maestro, nunca alterada: “Tómense su tiempo, muy buen trabajo”, repetía a cada paso como un mantra. Y es que según él, los actores españoles son muy profesionales.

A continuación, llegó el turno del actor que será Don Juan en el musical, quien declaró, en un aria de gran belleza y claridad expresiva, cómo el encierro de Doña Inés y su inocencia le ponían en la tesitura, a él, que tantas conquistas había logrado sin esfuerzo, de tener que asaltar los muros del convento y hasta de bajar a los infiernos para arrancársela de las garras al mismísimo Satán. Mientras todo esto ocurría, el resto de los actores y bailarines seguían siempre en escena trabajando su animal.

Hasta aquí lo que pude ver y “aprender” en una hora.

El Actors Studio es una institución legendaria para los actores de todo el mundo. Creado por Lee Strasberg y dirigido en la actualidad por Al Pacino y Ellen Burstyn, Cornelius Horgan es uno de los miembros vitalicios del Actor’s Studio y reconocido profesor del mismo. De ahí que el productor Álex García lo haya invitado a venir a Madrid para impartir esta master class a todo el elenco del Don Juan que, junto con el cuerpo de baile, suman 24 miembros.

 

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NO SERÉ FELIZ… PERO TENGO MARIDO, EN EL MUÑOZ SECA

 

Así lo afirma Linda Peretz, quien con este título tan irónico “No seré feliz… pero tengo marido” da pie a un monólogo lleno de humor sobre ese discurso tan anclado en el feminismo que habla del papel de la mujer en el matrimonio. Discurso que de puro feminista es sólo paternalista y de donde debería brotar el revulsivo capaz de sacudir tanto masoquismo, pero ahí seguimos, siempre contra el varón pero siguiendo sus pasos. “Lo importante es que ya sabemos a quién echar la culpa”, tal es el mensaje que yo percibo en la obra, de ahí su perfecta ironía.

La actriz Linda Peretz, protagonista única de la pieza aunque con intervenciones grabadas de madre, hijo y marido, reúne en sí todas las características de la mujer sensible atrapada en una unión sin salida de la que tampoco quiere escapar. Ella es ama de casa y pintora, él un hombre de negocios que ama los coches y las modelos. Pues bien, resulta que Linda Peretz, judía sefardita argentina, prepárense ustedes la labia y la memoria -incluida la histórica- que rige esa cabeza, lleva 16 años con este espectáculo “feminista” cargado de desprecio hacia el varón con el que lleva 27 años de casada pero del que no puede desprenderse ni un solo momento. Todo la lleva a él. Es como si fuera de safari pero cada animal se lo recordara, como esas mujeres que han conseguido por fin superar una etapa (el aburrimiento posterior al atontamiento del amor en que han sido unas esclavas y así lo reconocen) pero a la que, inmisericordes, siguen enganchadas por los siglos sin poder hablar de otra cosa, estén donde estén y estén con quien estén, su matrimonio. Para salir corriendo cuando te encuentres una.

Linda reconoce que mientras ella cocina, él come; mientras ella limpia, él ensucia… Todo lo hacen a medias. Mientras ella sólo piensa en la poesía de la vida en pareja, el marido sólo piensa en el dinero y últimamente en las jovencitas, que cuando le dicen “Papito” se derrite.

No se llevan pequeño vapuleo los señores provectos de la sala que han acudido a verla acompañados de chicas mucho más jóvenes, pues hay entre el público teatral numerosos empresarios y raro es el que ha venido con su actual pareja, mucho menos con primera mujer (esto lo chequea con minuciosidad judaica Linda, de atrás para adelante y de adelante para atrás y vuelta a empezar, que ella lo quiere saber todo), pero ella sigue con lo suyo.

No seré feliz pero tengo marido es un título que está requetebién puesto. La obra se basa en el best seller de Viviana Gómez Thorpe y ha recorrido ya 12 países. Ahora bien, que pueda cambiar la vida de las mujeres, lo dudo, porque por muy de acuerdo que ellas estén, no van a poder evitar seguir contando lo que les pasa. Y ésta es la parodia que, como aviso para navegantes, nos entrega Linda Peretz con una frescura que sólo una actriz consumada puede renovar a lo largo de tantos años.

Su voz, apenas audible, es, junto con su figura de pintora sensible y anaranjada, lo mejor de su actuación. Una voz que se impone por nítida, suavísima, victimaria y pérfida. Una voz que cuanto más fina y acaramelada se vuelve (argentina), mejor se oye, y que actúa como un bisturí para examinar a las mujeres, pero sobre todo a los varones, sobre sus coincidencias con el suyo, su caso, su marido, su historial de agravios y tristezas perrunas que son su vida y que cuajan en la afirmación “No seré feliz… pero tengo marido”

Porque resulta que este examen exhaustivo que pone a muchos las orejas coloradas es lo que más hace reír a los mismos. No hay olvido ni perdón cuando todavía queda el último y memorioso tirón de orejas, ya que el ramo de flores que le entrega el productor Enrique Cornejo descubre que ella, además de actriz, es empresaria de tres teatros, dueña de una cadena de TV, etc. lo que la hace resplandecer negando y todo parece volver a empezar

 “No seré feliz…pero tengo marido” llega a Madrid de la mano del productor español Enrique Cornejo y del argentino Carlos Rottemberg.

 

Título: No seré feliz… pero tengo marido

Autora: Viviana Gómez Thorpe

Adaptación y dirección: Manuel González Gil

Actriz: Linda Peretz

Música: Martín Bianchedi

Iluminación: Carlos Alzueta

Teatro Muñoz Seca (Plaza del Carmen, 1, Madrid)

Fecha de la función comentada: 2 de agosto de 2016

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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