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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 15-3-2019

 

NOTICIAS TEATRALES
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DESDE LA PLATEA

 

Índice de comentarios

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IDOMENEO UN CARSEN EN ESTADO DE GRACIA

Por Francisco Mejorada Jiménez

DON GIOVANNI DE MOLIÈRE EN EL TEATRO ARENA DEL SOLE DE BOLONIA

Por Magda Ruggeri Marchetti

GILGAMESH: EL HOMBRE EN BUSCA DE SU DESTINO

Por Nunci de León

CONFUSO SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

Por Francisco Mejorada Jiménez

Questi Fantasmi!, de Eduardo de Filippo, en el Teatro Arena del Sole de Bolonia

Por Magda Ruggeri Marchetti

NEKRASSOV O LA MANIPULACIÓN Y LA MENTIRA EN TIEMPOS MODERNOS

Por Titania

DAS RHEINGOLD UN ORO ENVEJECIDO, EN EL TEATRO REAL

Por Francisco Mejorada Jiménez

LA TRAGEDIA DEL VENDICATORE de THOMAS MIDDLETON en el Teatro Arena del Sole de BOLONIA

Por Magda Ruggeri Marchetti

EN VIAJE: Y SI TODO DE REPENTE UN BUEN DÍA

Por Nunci de León

UN CUERPO EN ALGÚN LUGAR: UN VIAJE DESDE EL CORAZÓN, CON EL CORAZÓN

Por Titania

YO DECIDO. AMOR, SEXO Y MUERTE SALEN AL ENCUENTRO

Por Nunci de León

TURANDOT, ÓPERA CASI EN CONCIERTO, EN EL TEATRO REAL

Por Francisco Mejorada Jiménez

MARÍA DEL PILAR, BRILLANTE RECUPERACIÓN EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA

Por Francisco Mejorada Jiménez

TOM EN LA GRANJA, EN EL CENTRO DE ARTE FERNÁN GÓMEZ

Por Nunci de León

Afghanistan: Ilgrande gioco; Enduring freedom de Ferdinando Bruni y Elio De Capitani en el Teatro Arena del Sole (BOLONIA – ITALIA)

Por Magda Ruggeri Marchetti

FEDERICO GARCÍA LORCA REGRESA A ESTADOS UNIDOS, A NEW HARMONY (INDIANA)

Por Ángela Martín Pérez

CUZCO: METÁFORA DONDE EL AMOR NO LLEGA

Por Nunci de León

FESTIVAL DE OTOÑO: UN FESTIVAL CLÁSICO, CONTEMPORÁNEO, UN TEATRO AGITADOR, CONMOVEDOR

Por Titania

LA CASA DE BERNARDA ALBA UNA ÓPERA PARA LORCA

Por Francisco Mejorada Jiménez

ONLY THE SOUNDS REMAINS. ORIENTE EN EL REAL

Por Francisco Mejorada Jiménez

ALARDES DE TONADILLA, LA ESENCIA EN PEQUEÑAS DOSIS, EN LA SALA TRIBUEÑE

Por Francisco Mejorada Jiménez

UNA GRAN KATIUSKA EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA

Por Francisco Mejorada Jiménez

FAUSTO DE ESTRENO EN EL REAL

Por Francisco Mejorada Jiménez

FEDERICO GARCÍA LORCA EN SU VIAJE A LOS ÁNGELES

Por Pedro J. Ortiz Pedraza - Universidad del Turabo (Puerto Rico)

COMEDIA AQUILANA. SOBERBIO RETABLO RENACENTISTA. COMPAÑÍA NAO D´AMORES. COPRODUCCIÓN CNTC. 37 FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO VEGAS BAJAS

Por Francisco Collado

CONTRA LA DEMOCRACIA. EL GRAND GUIGNOL COMO ESTÉTICA. COMPAÑÍA TEATRO DEL NOCTÁMBULO. 37 EDICIÓN DE TEATRO “VEGAS BAJAS”

Por Francisco Collado

LOS AÑOS RÁPIDOS, ÉXITO QUE SIGUE EN EL TEATRO DEL BARRIO

Por Nunci de León

VENUS: CUANDO EL AMOR SE ACABA… ¿ES PARA SIEMPRE?

Por Nunci de León

PREMIÈRE, EL CAMPANAZO DE VERÓNICA MEY

Por Nunci de León

LA SENCILLEZ DE UNOS DIÁLOGOS DIFÍCILES

Por Teresa L. Sweet

 

IDOMENEO UN CARSEN EN ESTADO DE GRACIA 

 

El Teatro Real estrena una coproducción de “Idomeneo” con los teatros de Toronto, Roma y Copenhague, con dirección escénica de Robert Carsen. La dirección musical corresponde a Ivor Bolton con la partitura de la revisión de 1786 para Viena, que realizó Mozart cinco años después de su estreno. Para el compositor de Salzburgo esta fue una de sus obras favoritas por lo que le introdujo varios cambios durante su composición, e incluso después de cada estreno. En especial, según él comentaba con su padre, fue especialmente difícil el tercer acto. La dificultad  es en gran parte debida al origen del relato basado en la mitología griega, que en este caso parte de la guerra de Troya y continua en una historia muy compleja de política, de amores, de celos, y de relaciones con los dioses, que llevaron a una fantástica partitura, muy coral, con arias, dúos, tercetos y cuartetos de una gran belleza, de hecho Mozart decía que en ellos había compuesto lo más admirable de su obra. Quizás por eso él mismo cambió el final trágico de la obra por otro feliz.

La dirección escénica de Carsen, totalmente alejada del caótico y poco coherente Oro del Rin, traslada la tragedia griega a la actualidad, introduciendo elementos relacionados con los refugiados de la guerra. El escenario elegido es una playa con el fondo del mar proyectado, y que sirve de referencia en toda la obra, agregando elementos dispersos para imaginar un caos. El resultado, aparte de la iluminación, prodigiosa, es espectacular en su simpleza y en el manejo de los principales personajes, que si bien al principio están inmersos en la masa de refugiados, posteriormente aparecen solos en esa playa, en la que se dirimen todas la pasiones y todos los conflictos de la obra. El tercer acto es brillante en su cambio de escenario, una ciudad derruida y la intervención del pueblo apoyado por el dios Neptuno, que lleva a un resultado feliz. La cantidad de figurantes mas los componentes del coro, son muy bien manejados, aportando una notable consistencia y espectacularidad.

La orquesta dirigida por Ivor Bolton, titular del Teatro Real, experto en este tipo de obras, realiza un tratamiento envidiable de la partitura, respetando a los cantantes, dirigiendo muy bien el coro, y aportando esos difíciles matices que Mozart requiere, y que no siempre son bien comprendidos.

El elenco muy correcto y muy homogéneo en especial la soprano intérprete de Elettra, la italiana Elonora Buratto, con una presencia vocal importante que le permite interpretar con una calidad fuera de lo normal. De esas voces que cuando se oyen se piensa que están ante algo especial. Bien la Ilia de Anett Fritsch, aunque quizás una mayor entidad vocal y proyección le vendría bien, pero en este caso aportó convicción al papel. El americano David Portillo nos ofreció un Idamante bueno, con una voz rozando lo lirico ligero, pero perfectamente ajustado al personaje y con calidad. Voz bella y profunda la de  Benjamin Hulett como Arbace. Finalmente hablaremos de Eric Cutler, que creó un Idomeneo aceptable, aunque con una voz con poca presencia que no consiguió transmitir la enorme fuerza del personaje.

El coro magnifico, en una ópera en la que su intervención es muy significativa tanto por su belleza, como por su aportación a la obra.

El traslado temporal del argumento de una obra clásica no siempre es bien comprendido, y a veces presenta contradicciones con el libreto. En Idomeneo la representación está supeditada a lo que es el espíritu de la obra original, a la mitología griega. No hay personaje que no tenga un equivalente con los que Carsen presenta en escena. Hay que pensar que la historia es cíclica y los personajes se vuelven a repetir en el tiempo, y este gran director de escena se sirve de esa repetición para representarlo en un mundo en que desgraciadamente las cosas siguen pasando. Se podrá poner objeción con los dioses, pero ¿qué más dioses, qué grandes emporios que tienen poder sobre la humanidad?

El público aplaudió y se oyeron algunos bravos. Idomeneo es una obra maestra pero no una obra popular, y eso influye en el resultado final de satisfacción del público.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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DON GIOVANNI DE MOLIÈRE EN EL TEATRO ARENA DEL SOLE DE BOLONIA

 

El mito de Don Juan nació en España en 1630 de la pluma de Tirso de Molina con el título El burlador de Sevilla y Convidado de piedra, dando comienzo a la portentosa carrera del personaje literario. Su difusión fue tan veloz y con tanto éxito que, poco después, ya en la primera mitad de ese mismo siglo, lo encontramos en Italia de la mano de Giacinto Andrea Cicognini en Il convitato di pietra, obra fuertemente influenciada por la «Commedia dell’arte». Posteriormente cada época y cada dramaturgo dotarán de nuevas máscaras al rostro del misterioso e inaferrable Don Juan, cuyo corazón, fiel a su creador Tirso, estará siempre dispuesto a vivir a la altura de nuevos tiempos, ya vestido de clásico espadachín pendenciero o desordenado y con la camisa abierta de moderno anticonformista. Su vida transcurre frenética entre fugaces amores y quiebros a la muerte. Con su mítica proclama “la razón atropellé, la virtud escarnecí, a la justicia burlé, ...” es un personaje cuya pulsión vital es, mediante el escándalo y la provocación, la oposición militante al sistema de valores y convenciones que cada sociedad logra construirse y por ello podrá encarnar su identidad en cualquier tiempo histórico con permanente actualidad.

Este es el significado que con gran perspicacia ha exaltado la lectura de Valerio Binasco, actual Director artístico del Teatro Stabile de Turín, que con su montaje ha sabido dotar de renovada originalidad a la obra de Molière Don Juan ou Le Festin de pierre, estrenada en París en 1665 en el Palais-Royal, respetando el texto. El espectáculo empieza recuperando el prólogo de Tirso, proyectado sobre una cortina. La lograda escenografía de Guido Fiorato dibuja a continuación un amplio local en un palacio en ruina con tapices rotos y paredes desconchadas. Presenta después un modesto bar de pueblo delimitado por luces y dominado por una enorme luna que presidirá también la cena con el convidado de piedra. Binasco ha encontrado una excelente solución para la muerte del protagonista y ha sabido también escoger con acierto el agradable acompañamiento musical con piezas originales de Arturo Annecchino y algunas páginas clásicas, mezclando así la tradición y la contemporaneidad. Muy adecuados el vestuario de Sandra Cardini y las luces de Pasquale Mari.

Gianluca Gobbi encarna soberbiamente a un Don Giovanni con cazadora de piel y vaqueros oscuros en batallero conflicto con la sociedad, pasando como un relámpago de aventura en aventura en incesante empeño y su meta no es el placer en sí, sino el placer robado y siempre nuevo y el arte de la seducción. Para ello se hace pasar por otro, promete lo que no piensa cumplir, abate toda barrera que limite su placer, situándose al margen de la sociedad y combatiendo toda regla que obstaculice su individualismo. Para seducir se sirve de las palabras y la misma voz y los gestos de Gobbi respiran engaño. A su lado Sergio Romano, un magnífico Sganariello, aterrorizado siervo fiel, es casi voz de la amordazada conciencia de Don Giovanni con la esperanza de alejarle del mal, pero él mismo intenta sobrevivir conciliando su conveniencia y sus miedos, para, tras la muerte de su dueño, terminar al final preguntando «E adesso chi mi paga?».

En torno a los dos se mueve un óptimo cast de actores, sapientemente dirigidos, que dan un gran resultado. Recordamos a Giordana Faggiano, una enamorada Elvira, y a Fabrizio Contri en el doble papel de padre del protagonista y de Convidado de piedra. Muy divertida la escena de Don Giovanni y Sganariello manejándose entre Marta Cortellazzo Wiel (la pueblerina) y Elena Gigliotti (la novia), ambas convencidas de ser la prometida del seductor. Buena también la prueba de esta última como camarera aterrorizada a la vista del convidado de piedra. Destacamos también a Nicola Pannelli en diferentes personajes además de tocar el acordeón.

Binasco ha montado uno de los mitos del teatro clásico logrando divertir al numeroso público que ha aplaudido largamente.

 

Magda Ruggeri MarchettiMagda Ruggeri Marchetti 

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GILGAMESH: EL HOMBRE EN BUSCA DE SU DESTINO

 

Gilgamesh, en su adaptación teatral del relato sumerio, ha conseguido hacer inteligible el verso y ha simplificado los contenidos originales hasta tal extremo, que al espectador actual le quedan claras las prioridades de la humanidad que, por otra parte, son universales y hoy nos alcanzan: el poder, el destino, el amor y la muerte.

Pero por encima de cualquier otra consideración, ha creado unas imágenes de gran belleza plástica que discurren a la par del caudal de palabras primorosa y claramente vertidas. Considerado primera obra literaria de la historia de la humanidad, Gilgamesh es un poliédrico poema que trata los anhelos más profundos del hombre, con especial énfasis en su naturaleza espiritual, logrando una alegoría que invita a asomarse al abismo del tiempo y usar la palabra como instrumento sagrado para emprender un viaje. Un viaje que no puede ser más que iniciático, a través de los problemas, los símbolos y las imágenes arquetípicas que alberga nuestro subconsciente.

He aquí la sinopsis del poema en que se basa la función: 

El pueblo de Uruk tiranizado por el Rey legendario, Gilgamesh, pide a los dioses que envíen un salvador que los libere. Estos crean a Enkidu, un ser igual en fuerza a Gilgamesh. Aunque Gilgamesh es vencido por Enkidu, se hacen inseparables  amigos y emprenden un viaje en busca de la gloria, en el que se enfrentan a criaturas mitológicas, desafían el designio divino. Los dioses deciden castigarles, así  enferman a Enkidu.  Gilgamesh solo y aterrado ante la idea consciente de su propia mortalidad emprende un viaje en busca de su antepasado Utanapisthim, quien sobrevivió al diluvio, con el fin de que le revele el secreto de la inmortalidad. 

Autor (atribuido): el escriba asirio Sin-leqi-unninni. Versión y dirección: Álex Rojo.

Reparto: Ángel Mauri, Alberto Novillo, Alfonso Luque, Macarena Robledo, Irene Álvarez.

Asistencia de dirección: Mariana Kmaid Levy.

Espacio escénico: Alex Rojo y Alberto Romero.

Iluminación: Carlos E. Laso.

Música original: Alex Rojo.

Diseño de vestuario y ambientación: Alex Rojo y Alberto Romero. Espacio: Teatro Fernán Gómez (Centro Colón, Madrid).

Con la colaboración de Casa Árabe

Fecha de la función comentada (última función): 3 de marzo de 2019

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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CONFUSO SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

 

Continuando con la política que marcan los estatutos del Teatro de la Zarzuela sobre el cuidado y recuperación del patrimonio musical español y, específicamente, la zarzuela, se presenta El sueño de una noche de verano, basado en su versión original en una obra francesa Le songe d’una nuit d’été, ópera comique de Ambroise Thomas con un argumento muy alejado de la obra de Shakespeare del mismo título. El libreto crea una imaginaria búsqueda de Skakespeare, del que se supone enamorada, que realiza la Reina Isabel I de Inglaterra por las tabernas londinenses, para rescatarle de su disipada vida. La versión que crea Gaztambide apoyada en el libreto de Patricio de la Escosura, adolece de los defectos de la época, un intento de crear una obra jocosa que agrade al público y conseguir un fugaz éxito. El Teatro de La Zarzuela para actualizar el género, se decanta por cambiar los libretos, y algunas veces ese loable intento da sus frutos, pero en otras ocasiones, como es la actual, el alejamiento total de la idea inicial, se convierte en una confusión que deviene en tedio en el centro de la obra, en la que la parte más positiva la encontramos en una dirección artística del italiano Marco Carniti, con una buena dirección de actores, una atractiva escenografía de Nicolás Boni y un excelente vestuario de Jesus Ruiz. Igualmente podemos hablar de un homogéneo elenco de cantantes, en el que destacaríamos al tenor argentino Santiago Ballerini, una voz emergente que apunta a una carrera interesante. Bien Raquel Lojendio con un bello centro de voz, agudos algo apretados y una más que apreciable parte baja, todo ello le permite construir unos personajes de Tortellini e Isabel I muy notables, aunque dentro de la ya apuntada confusión. Excelente Luis Cansino, con esa vis cómica que le caracteriza, a la que acompaña una gran voz baritonal. Bien el resto con voces y actuaciones notables, en las que destacan Beatriz Díaz y Javier franco.

En lo referente a la dirección musical, el maestro Miguel Ángel Gómez Martínez dirigió con su habitual calidad, una obra de un notable valor musical, muy italianizada, dentro del belcantismo de Rossini y Donizzeti. Es curioso que un compositor de la categoría de Gaztambide, no haya sido muy reconocido por el gran público, quizás porque los libretos, salvo alguna excepción, no son especialmente atractivos como es el caso de El sueño.

El coro empezó desajustado, pero pronto llego a su buen nivel de siempre.

El público satisfecho en el plano escénico, que resultó realmente atractivo, el musical, de gran calidad, pero desconcertado por el libreto, que si bien tiene momentos simpáticos, es en general bastante confuso.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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Questi Fantasmi!, de Eduardo de Filippo, en el Teatro Arena del Sole de Bolonia

 

La producción de Eduardo es una de las más interesantes del teatro del siglo XX y una de las mejores pruebas de la validez y vigencia del teatro dialectal. La fuerza humana de sus personajes y la estructura de las historias ofrecen un cuadro poético de las dolorosas contradicciones del mundo actual y no solo del napolitano.

Questi Fantasmi!, escrita en 1945, se estrenó el 7 de enero de 1946 en el Teatro Eliseo de Roma y en París el 7 de junio de 1955 en el Théâtre de la Ville-Sarah-Bernhardt. La inspiración de la trama parece provenir de un episodio ocurrido a la familia de Eduardo, que fue obligada a dejar su casa apresuradamente y a trasladarse a otra con un alquiler mucho más bajo, por estar frecuentada por un «monaciello». Casi siempre representada por la familia De Filippo, a la muerte de Luca hace tres años, continuó la tradición su viuda, Carolina Rosi que, en esta ocasión ha tenido el gran acierto de confiar la dirección escénica a uno de los más importantes directores actuales, Marco Tullio Giordana, conocido internacionalmente no solo por sus montaje teatrales, sino también por sus magníficas películas. El famoso director ha tratado el texto con gran respeto y ha sabido subrayar que la obra no describe solo un período difícil como la posguerra en Italia, sino también el mundo contemporáneo con sus preocupaciones, su incomunicabilidad y, en especial, su sumisión al Dios Dinero. En efecto, el gran protagonista de la pieza podría ser el vil metal, que se considera la única posibilidad de realizar los sueños. El amor también depende del dinero como afirma el protagonista: «Giulietta e Romeo dovevano essere ricchissimi…» «il coraggio te lo da il denaro… senza denaro si diventa timidi, paurosi…».

La fábula es sencilla: Pasquale Lojacono, un hombre con muchas ilusiones, que se las arregla para vivir con pequeños negocios a menudo fallidos, se muda con su amada y joven mujer María a un gran piso que puede ocupar gratuitamente, durante cinco años, con el compromiso de ahuyentar la leyenda de la presencia de fantasmas en la casa. Gianfelice Imparato en el papel del protagonista es magnífico y, sin imitar a Eduardo, que habitualmente encarnaba este personaje, consigue dibujar a un hombre que prefiere ver a los fantasmas, en cuya existencia nunca ha creído, antes que la realidad. Alfredo (un convincente Massimo De Matteo), el amante de su mujer, que ronda por la casa vestido de blanco y generosamente deja regalos y dineros, puede ser uno de los fantasmas que ve también el profesor Santanna, el vecino de la casa de enfrente. Este personaje ausente tiene gran fuerza porque lo sabe todo, todo lo ve y conversa cada día con Pasquale Lojacono sentado en uno de los sesenta y ocho balcones a los que tiene que asomarse diariamente por contrato. En el protagonista se puede notar también la crítica del autor a esta pequeña burguesía poco trabajadora, adaptada a la inseguridad y al oportunismo, pero que ama habitar en palacios, se siente superior a la clase obrera, trata con distancia tanto al portero como a los mozos de la mudanza, y quiere que “su señora” lleve una buena vida. Pero María, una magistral Carolina Rosi, está exasperada por la eterna precariedad y, desconociendo la historia de los fantasmas, no comprende cómo el marido tolere la situación. También en este personaje vemos la mano del director que subraya la personalidad de esta mujer que, al final, parece dejar marido y amante para enfrentarse a la vida sola, sin subterfugios ni obligaciones.

Toda la función mantiene un perfecto equilibrio entre lo trágico y lo cómico, tristeza e ironía y cada escena tiene algo peculiar. Sería imposible citarlas todas y nos limitaremos a señalar algunas. La irrupción de la familia del amante, claro recuerdo de Pirandello (Sei personaggi in cerca di autore), sus palabras y su caracterización, los hacen parecer auténticos fantasmas. De gran efecto la visión de la joven hermana del portero (una fantástica Viola Forestiero), enajenada tras el encuentro con los espectros y encanecida y casi sin habla por el miedo. El portero, magníficamente encarnado por Nicola Di Pinto, que se aprovecha de la leyenda para robar el pollo, es insuperable cuando en pocos segundos cuenta vida y milagros del profesor Santanna y su familia al oído de Pasquale Lojacono sentado en el balcón.

Muy acertada la escenografía y la iluminación de Gianni Carluccio, que presenta la gran antesala de una casa aristocrática, con el famoso balcón desde el que el protagonista habla diariamente con el vecino de enfrente. Muy significativos los cambios de escena,  donde de un mobiliario esencial se pasa a un elegante tresillo de estilo, para después volver a las estrecheces, cuando ya los fantasmas no dejan dinero. Perfectamente expresivo el vestuario de Livia Sartori y muy agradable la música de Andrea Farri. Tendríamos que nombrar a todos los actores, que bordan su papel logrando entusiasmar al público que los ha aplaudido y ovacionado durante largos minutos.

 

Magda Ruggeri MarchettiMagda Ruggeri Marchetti 

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NEKRASSOV O LA MANIPULACIÓN Y LA MENTIRA EN TIEMPOS MODERNOS

 

Estamos en París... El enorme ventanal que llega hasta el techo, nos permite disfrutar de unas magníficas  vistas de la Tour Eiffel.

En el centro del espacio escénico se levanta una plataforma  de madera noble, sobre la que ha caído una elegante lámpara de cristales, rompiendo el parquet y haciéndose añicos… Sobre esa plataforma, tablas sobre las tablas, y sus aledaños,  (donde está el mueble bar, beben mucho, beben constantemente), transcurre  la acción.

El relato arranca con unos sin techo que viven junto al Sena, y filosofan sobre la vida, la belleza, la pobreza... Rescatan a un suicida de las frías aguas del río... Un estafador que filosofa sobre la eternidad, y su visión utilitarista, interesada de la vida… en su vida ha hecho un favor...

Sartre escribió esta sátira social, política en plena guerra fría… Según su declaración de intenciones, para revelar y hacer reír… Revela... la manipulación de la información, que hacía la prensa para apoyar la campaña política del gobierno, que a su vez protege los intereses de la industria armamentística...   Nos muestra cómo se inventan noticias para que la derecha gane las elecciones, o cómo se fabrican bulos contra los comunistas. Nos repasa las contradicciones del marxismo, que dividen a la izquierda, hasta llegar al mínimo... el partido de un único militante...

Nos revela… al mismo tiempo que nos hacer reír.  Y pensar… Si como dijo el filósofo, el infierno son los otros… podemos inferir, que el infierno de los pobres, de los perdedores, son los poderes, los poderosos… Unos pocos que manejan los hilos, a favor de sus beneficios, y a costa de los derechos, del bienestar de los otros muchos...

A nuestro pesar nada parece haber mejorado, incluso parece haber empeorado... La lectura desde este siglo XXI, cuando nos han aflorado las fake news,  las falsas promesas, que vuelcan votaciones, o exacerban extremismos, separatismos, radicalismos… nos resulta muy familiar...

Esta  burlesca, punzante  adaptación  nos lanza constantes guiños sobre la actualidad española. Los cuadros nos retratan al director del periódico, empeñado en su misión, servir a sus señores, al periodista obligado a discurrir titulares anticomunistas, al conservador consejo de administración, las triquiñuelas del estafador hábil superviviente, el conformismo de los funcionarios del orden...

Los personajes se van mezclando como cartas de una baraja, siguiendo el rumbo que les traza el director,  llevados por el curso de la acción, que enlaza y funde escenas, con  canciones en francés o inglés, que subrayan el final, o el desembarco en la siguiente.

La comedia fluye irónica, suave al principio... El caudal va creciendo con la cadena de acontecimientos, hasta desbordarse, con ritmo frenético, mezcla de pantomima,  comedia del arte y modernos dibujos animados...

Los actores se deslizan con naturalidad por la corriente, mantienen con desenvoltura el equilibrio en los rápidos, juegan a meterse  en la parodia de los personajes que representan... Como muestras... la actriz, disfrazada de anciano presidente del consejo de administración del periódico… nos recuerda a Dick Van Dyke, cuando sale del escenario con un saltito, o los agentes del orden que pelean como polichinelas, marionetas de guiñol, para deleite  del público… Aunque confesamos nuestra añeja debilidad por José Luis Alcobendas, que muta de apocado, asustado, sumiso periodista, a meterse en los zapatos del danzante y desenfrenado borrachín bolchevique, hasta su transformación final... Desenlace que tendrán que descubrir por sí mismos…

Una receta para reír y reflexionar.

 

NEKRASSOV

Jean-Paul Sartre

Reparto

Sibilot, Demidoff: José Luis Alcobendas

Georges de Valera, Nekrassov: Ernesto Arias

Véronique, Mme. Bounoumi: Carmen Bécares

Goblet, Nerciat: Miguel Cubero

Irma, Mouton: Palmira Ferrer

Robert, Tavernier, Chapuis: Clemente García

Jules PalotinDavid Luque

Ficha Artística:

Traducción: Miguel Ángel Asturias

Adaptación: Brenda Escobedo

Espacio escénico: Dan Jemmett y Vanessa Actif

Diseño de vestuario: Vanessa Actif
Iluminación: Valentín Álvarez
Ayudante de dirección:
Andrea Delicado

Ayudante iluminación: Sergio Balsera

teatroabadia.com

 

Titania  

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DAS RHEINGOLD UN ORO ENVEJECIDO, EN EL TEATRO REAL

 

Una producción de hace 18 años de la Ópera de Colonia de Das Rheingold, la primera de las obras que componen la tetralogía de Wagner sobre los nibelungos, se repone ahora en Madrid, con las expectativas que siempre levanta esta ciclo del maestro alemán, uno de los hitos de la música. Wagner creó la historia del Anillo fusionando elementos de diversos mitos y cuentos folclóricos germanos y escandinavos las Eddas de la antigua mitología nórdica, aunque la base principal parece estar en El cantar de los nibelungos, un poema del siglo XII al que Wagner añade varios elementos contemporáneos, la lucha del amor, que se asocia también a la naturaleza y la libertad, en contra de la civilización y la ley entendidas como el abuso del poder contra los desfavorecidos.

El director escénico, Robert Carsen, aprovecha estos conceptos para ahondar en la destrucción de la naturaleza y por ende la sociedad, por el desprecio a la ecología, que en función de un acervado consumismo invade el planeta. Originalmente la idea parece interesante, pero se pierde en una serie de deslavazadas escenas, en la que los personajes originales creados como dioses, gigantes, héroes y oprimidos, pierden su esencia. La ecología parece olvidarse; las disputas con los gigantes se asemejan a una lucha con narcos y los oprimidos dan una imagen poco clara de su condición.  Si eso lo unimos a una deficiente calidad vocal en personajes claves, especialmente Wotan y Fricka, la representación pierde interés, que solo se recupera en el final.

La orquesta titular del Teatro Real, compuesta en este caso por 110 músicos, de gran calidad, suena bien, pero la dirección de Heras Casado es errática, con momentos en que parece perder la tensión, el difícil ritmo wagneriano, quizás debido a la interacción con unos cantantes que también lo perdían, véase el caso de Wotan al final de la obra. Wagner no es solo energía, los personajes están claramente identificados, al igual que los momentos escénicos y algunas veces los pianos pierden su sentido y son casi silencios, y los fortes, tan habituales en estas obras quedan bien, pero algo desmarcados del continuo de la partitura. Sin duda la madurez ayudará a entender al ilustre compositor.

El elenco, salvo algunas excepciones como el magnífico Alberich de Samuel Youn, es correcto, a excepción del Wotan de Greer Grimsley, que es de un nivel muy bajo, incapaz de mantener una línea de voz, incluso al final de la obra se pierde en su partitura. La Fricka de Sarah Connolly, sin negar su muy apreciable voz, queda un poco deslucida, carente de fuerza en esta obra. Unos buenos Fasolt,  Fafner y Mimer de Ain Anger,  AlexandesTsymbalyuk y Mikeldi Atxalandabaso respectivamente. El resto como hemos dicho simplemente correcto.

El público que llenó el Real,  aplaudió sin gran entusiasmo, una obra que era esperada con gran expectación, pensando en el gran Carsen que todos conocemos, pero que esta obra en el inicio de su carrera y un bajo presupuesto no han permitido valorar en su justa medida al canadiense. Ya vendrán tiempos mejores; esperemos.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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LA TRAGEDIA DEL VENDICATORE de THOMAS MIDDLETON en el Teatro Arena del Sole de BOLONIA

 

Thomas Middleton (1580-1627) se dió a conocer como comediógrafo, aunque encontró su mejor expresión en las tragedias y se le considera uno de los más interesantes dramaturgos del periodo isabelino por su conocimiento de la naturaleza humana y por la introspección psicológica de los personajes, llegando a tener problemas por sus duras sátiras políticas y a arriesgar la prisión,. La tragedia recuerda a Hamlet de Shakespeare por el protagonismo de la calavera que el vengador tiene entre sus manos y su idea de poner a prueba la honestidad de su propia madre. En las manos expertas de un gran director como Declan Donnellan, ganador del “Leone d’Oro alla carriera” de 2016 en Venecia, se ha transformado en un interesante espectáculo muy actual. A pesar de que no dirige su compañía habitual, con la que ha montado numerosos espectáculos, con óptimos resultados en todo el mundo, se nota su enérgico pulso también con este grupo de jóvenes actores italianos.

El texto se presta a la actualización porque trata de la corrupción y depravación de la corte y en consecuencia de quienes detentan el poder, y de un pueblo pobre y miserable que se vende por poco: una sociedad envilecida, entregada al culto del dinero y de la posición social. Para hacer más explícita su crítica, el autor se ha servido de nombres significativos para sus personajes: Vindice, Lussurioso, Ambizioso, Junior, Spurio, Castizia, etc. Ya desde el comienzo el director nos avisa de que se trata de una historia sangrienta pues el escenario se presenta en toda su anchura con un cerramiento de puertas correderas de madera, como de vagón de mercancías, sucias de manchas rojas. Para dividir las escenas las puertas se abren y cierran dejando ver espacios con pinturas de Piero della Francesca, Mantegna y Tiziano, que transportan a una corte italiana del Renacimiento para sortear la censura local. Otras veces se nos asoma a un jardín pergolado que evoca una falsa atmósfera de paz, pues también allí se traman venganzas y turbios negocios.

En este ambiente Vindice, con la ayuda de su hermano Ippolito, un subordinado del Duca, quiere vengarse de éste por haberle violado y envenenado poco antes de la boda a su prometida Gloriana. La furia de Vindice se desencadena en un ambiente dominado por el odio entre los hermanos que intentan matarse entre ellos para heredar el poder, y una madre que intenta prostituir a su hija por sugerencia del cura en un universo de violencia y venganzas que acaba destruyendo a todos. A pesar de la continuidad de estas situaciones límite hay momentos irónicos y el espectáculo comienza y termina con los catorce actores bailando al ritmo de la música swing original de Gianluca Misita.

El cast de jóvenes da una óptima prueba: Fausto Cabra encarna a Vindice, demostrando gran seguridad interpretativa, tanto expresando su sed de venganza como en sus excelentes disfraces de alcahuete y cura corruptor. Ivan Alovisio es un Lussurioso cabal, obcecado por el deseo de poseer a Castizia (una hábil Marta Malvestiti), hermana de Ippolito (un Raffaele Esposito en gran forma) que se pone totalmente del lado del hermano en su afán vengador. Magistral la interpretación de Pia Lanciotti en el doble papel de la Duchessa y de Graziana, la madre dispuesta a vender la virtud de su hija. El veterano Maximiliano Speziani muestra su gran oficio en el papel del Duca, que prefiere fingir ignorar la lucha mortal entre sus vástagos por la sucesión y la traición de su mujer con su hijo bastardo Spurio, un buen Enrico Liguori.

El espectáculo tiene un gran ritmo, manteniendo siempre la atención del público, pero nos parece que el director se ha excedido en la crudeza sangrienta de la escena de la tortura y apuñalamiento del Duca, en primer término del proscenio y multiplicada por las cámaras. Pero la función ha gustado mucho a un público que no ha ahorrado repetidos aplausos y ovaciones al equipo completo que continuaba bailando. Estamos convencidos de que el espectáculo quedará en la memoria y proseguirá su gran éxito especialmente entre los jóvenes.

 

Dirección y dramaturgia: Declan Donnellan

Escenografía y vestuario: Nick Ormerod

Luces: Judith Greenwood, Claudio De Pace

Músicas originales: Gianluca Misiti

Producción: Piccolo Teatro di Milano - Emilia Romagna Teatro Fondazione. Bolonia, 12 de enero 2019.

 

Magda Ruggeri MarchettiMagda Ruggeri Marchetti 

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EN VIAJE: Y SI TODO DE REPENTE UN BUEN DÍA

 

Bajo el rótulo ilusionante "Iremos a ese lugar y dejaremos de tener miedo" En Viaje desarrolla la historia de una familia que, a causa de la guerra, debe emprender un viaje hacia un sitio nuevo que les permita rehacer su vida. Es una familia feliz cuando la conocemos, padre, madre y niña, el trío indispensable para hacer de la vida un juego, hasta que han de separarse y -de manera que no se explica pero se intuye- madre e hija han de viajar solas las dos, hacer juntas el equipaje e ir desprendiéndose por el camino de todo lo más valioso a fin de conservar la vida.
Hasta ese momento, se ha ocultado a la niña toda alteración de lo cotidiano, y también el horror de las bombas y de las guerras; a la manera de Roberto Begnini (La vida es bella), a la niña se le hace creer que todo es un juego inventado por los adultos para no aburrirse.
Cuando por fin la niña se enfrente a la dureza de los hechos (campos de refugiados, mar bravío, huida hacia adelante, no retorno...) será de nuevo el juego lo que la salvará de la desesperanza en medio del desastre. Y aquí el juego será sobre la nostalgia porque el tiempo de jugar tal vez esté llegando a su fin: "¿Qué es la felicidad? Comer cerezas. Leer un libro. Dormir." Esta reivindicación de lo cotidiano que sólo se produce cuando ya se ha perdido es lo más bello y lo más aleccionador tal vez del relato, muy bien interpretado por los tres únicos actores, mitad danza mitad palabras, acompañadas de relajante música.
Las dos, madre e hija, miran al cielo, y la niña se pregunta si las estrellas serán las mismas en todas partes y si los demás niños, cuando alzan la cabeza, verán lo mismo que ella.

Compañía Cuarta Pared
Autoras: Clara Santafé y Milagro Lalli
Coreografía y dirección: Milagro Lalli
Ayudante de dirección: Elvira Sorolla
Intérpretes: Alex Arnal, Sergio Jaraiz, Julia Monje
Espacio escénico y vestuario: Laura Voskian
Iluminación: Nuria Henríquez
Edición de sonido: Carlos Bercial
Realización de escenografía: Cuarta Pared
Realización de vestuario: Cuarta Pared
Ilustración: Shandra Martínez
Fotografía: Ángel Villalón
Diseño gráfico: Shandra Martínez
Ayudante de Producción: Rebeca Alonso
Sala Cuarta Pared (C/ Ercilla, Embajadores).
Danza teatro para público familiar: 16 de diciembre; 13, 20 y 27 de enero; 24 de febrero, 3 de marzo; 5 y 12 de mayo – 17h30
Fecha de la función comentada: 13 de enero de 2019

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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UN CUERPO EN ALGÚN LUGAR: UN VIAJE DESDE EL CORAZÓN, CON EL CORAZÓN

 

Gon Ramos llega con Un Cuerpo en algún lugar, al Teatro Fernán Gómez, acompañado, precedido del fervor, el frenesí de los teatreros, los espectadores y la crítica.

Al entrar a la Sala nos encontramos con los dos actores haciendo su calentamiento, físico y mental... Uno de ellos  nos recibe afable, se dirige a nosotros con confianza, como quien abre la puerta de su casa a unos amigos… Tomará la voz del autor, para introducirnos en la historia, con un prólogo sobre la búsqueda de ese amor perdido, deseado, añorado… Dudas, preguntas… dónde se sustenta esa búsqueda, o cómo se soporta, o cómo se mide en tiempo o palabras... En el transcurso del argumento, de vez en cuando, comenta, hace  acotaciones al margen, para que el espectador siga el hilo del relato, que se extiende y ramifica, como un rizoma...

El segundo, será el cuerpo que viaja en busca de ese amor, que le rescate de su sufrimiento, que le salve de su soledad… El cuerpo, la cabeza, el corazón que se desnuda, de su pasión, de sus anhelos, de sus ilusiones, de sus frustraciones, en un escenario desnudo, donde flotan los fantasmas del pasado, el ansia, la zozobra por el futuro.

El primero se desplegará con pasmosa habilidad, mutará, se meterá en los zapatos de los personajes, que el viajero conoce en su periplo… Un alemán que intenta comunicarse chapurreando el español… Un carnicero con quien compartir cena y amistad, en un breve encuentro… Una cálida camarera, acelerada, ajetreada, que contagia comprensión y ofrece comida, y filosofía de vida… etc., etc., etc. El público lo intuirá, descubrirá, descifrará por sí mismo… Al enredarse en esas relaciones, en esas conversaciones, nuestro personaje viajero nos muestra sus motivos, para este recorrido, para esta travesía que empieza con una carta… y en un tren...

El escritor narra con ingenio, con inteligencia, este viaje emocional… que nos conmueve… Construye los diálogos con un lenguaje refrescante, cargado de humor, a pesar del dolor, de la rabia, de ese cuerpo, ese corazón que se desgarra ante nuestros ojos...

La mano del director marca el ritmo de los diálogos, de los encuentros, en las escenas que se suceden acompasadas, contándonos la historia, hasta cerrar, completar el círculo.

Los actores dan vida, prestan sangre y carne, sonrisas y lágrimas a sus personajes con admirable veracidad.

Tras el premio de los aplausos, de los saludos de despedida, brotan los comentarios entusiastas… Los seguidores de Gon Ramos, nos declaramos impacientes por los textos, los montajes, los viajes que están por venir...

 

Un cuerpo en algún lugar

Dramaturgia y dirección Gon Ramos

Reparto Intérpretes Fran Cantos y Luis Sorolla

Diseño gráfico Daniel Jumillas Fotografía Luz Soria y Gon Ramos

Diseño de iluminación Miguel Ángel Ruiz Velasco

https://www.teatrofernangomez.es

 

Titania  

 

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YO DECIDO. AMOR, SEXO Y MUERTE SALEN AL ENCUENTRO

 

La obra YO DECIDO. Amor, sexo y muerte (así escrita, con diferentes tamaños y grafías) es todo un regalo porque su protagonista, una mujer de mediana edad pero atractiva y sobrada de encantos, ha decidido contarlo todo y darlo todo. Como actriz y como mujer, no se le puede pedir más. Una heroína como ésta puede, a  través de los hechos que jalonan su propia historia, reivindicar el papel de otras muchas mujeres -y hombres, ¿por qué no?- que así se ven reflejados en sus aventuras y reivindicaciones. Cualquier ser humano y -yo añadiría- cualquier animal, tiene cabida en este repertorio de ninguneos y superaciones que la polifacética Marina Skell (actriz, directora, guionista, fotógrafa y gestora de la sala Pol Point) protagoniza como única intérprete de este espectáculo unipersonal sobre el precio que ha de pagar una mujer por ser ella misma. Su mirada feminista sobre las cosas más simples (abusos, falta de oportunidades, memoria selectiva, religión, raza, familia...) deja al descubierto los mecanismos que el sistema crea para que el poder nunca pierda sus privilegios.

Marina Skell lleva en su haber un bagaje plagado de éxitos con montajes como Mi Madre, Serrat y yo o Cuestiones con Ernesto 'Che' Guevara, pero con Yo decido, por tratarse de un monólogo tan intenso, ha preferido limitarse a su papel de actriz y distanciarse dentro de lo que cabe como mujer de teatro, creando esa cuarta pared tan necesaria para poder abarcar tanto y tan hondo sin enfangarse... y eso lo ha logrado delegando la autoría en su marido Carlos de Matteis, alguien que, conociéndola muy bien, no es ella.

Bajo su autoría y dirección, Marina Skell nos ofrece una obra feminista con mirada femenina, que aborda cuestiones universales que afectan al género humano y -repito- al animal.

Como colofón y colmo de planes teatrales, Marina Skell es una gran anfitriona y, ya puesta, lo mismo te hace unas brownies que un humus, todo casero. Nadie puede salir de su función sin celebrar, discutir, compartir, colmar.


Reparto: Marina Skell

Autor, director y luces: Carlos de Matteis

Producción: Plot Point

Chelo: Marina Sorín

Escenografía y vestuario: Noelia Gaztelumendi

YO DECIDO. Amor, sexo y muerte podrá verse todos los domingos a las 20h en Plot Point (c/ Ercilla, 29, Embajadores).

Fecha de la función comentada: domingo 16 de diciembre de 2018

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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TURANDOT, ÓPERA CASI EN CONCIERTO, EN EL TEATRO REAL

 

Puccini de nuevo en el Real, esta vez con su última e inacabada obra, que terminó un joven compositor de la época, Franco Alfano; nos estamos refiriendo, como es bien sabido, a otra obra maestra, Turandot, con una concepción claramente diferenciada, en su partitura y su libreto de sus anteriores obras y que en la parte compuesta por Alfano se nota un cambio de estilo claramente definido en la partitura y la concepción argumental. Es una nueva producción del Real en colaboración con la Canadian Opera , el Teatro Nacional de Lituania y la Houston Grand Opera. Con la dirección Musical de Nícola Luisotti y la artística de Robert Wilson.

Tratándose de Robert Wilson, es impensable una dirección ágil y dinámica, pues el estatismo es su firma de artista. En este caso el estatismo, llega a convertir la dirección escénica en una ópera en concierto con vestuario, especialmente en los actos primero y segundo, aunque en el último tampoco se puede hablar de un movimiento  excesivo, pero, algo es algo, que se asemejaba a una ópera representada. La muerte de Lie en ese aspecto fue muy llamativa, ya que se representó de pie, su cabeza recostada sobre su mano derecha y un lento paseo entre los estáticos personajes del escenario, cumpliendo así simbólicamente con la procesión fúnebre que marca el libreto. El vestuario era muy vistoso y el juego de luces muy bien  realizado. Los personajes de Ping Pang y Pong, infantilmente  cómicos, pero bien en las voces. La vistosidad ya comentada, compensó de alguna forma el excesivo y esperado estatismo de la escena.

La orquesta, muy bien llevada por Luisotti, muy de agradecer en una partitura de tan gran calidad, criterio también aplicable al coro, excelente en una obra complicada con gran participación coral.  No se respetó el momento de la muerte de Puccini como en algunas ocasiones se hace, con el silencio orquestal aunque algún nostálgico grito “Viva Puccini”

Sobre los cantantes ¿Qué decir? El Real se ha abonado a los cantantes vulgares, y a algunos que el tiempo ha convertido  en vulgares, tal es el caso de Gregory Kunde un ex lírico-ligero reconvertido a lírico dramático, en Otello, Aida y Turandot. La famosa aria Nessun Dorma, sin brillantez y con una última nota muy corta. En varios momentos hubo claros desafinados, especialmente en el concertante. La Turandot de Irene Theorin, sustituta de Ninna Stemme, realmente desacertada, con una potente voz pero con importantes desafinaciones en las arias y el concertante; las dos últimas notas de la obra fueren especialmente lamentables. Correcta Yolanda Auyanet como Liu con un final realmente brillante en voz y sensibilidad. El resto correctos, sin especial brillantez.

El público aplaudió, especialmente a Nicola Luisotti y al coro pero a los cantantes con menos entusiasmo, aunque asombrosamente en el saludo de la Turandot, se escucharon algunos bravos. En líneas generales puede decirse  que  es una producción que no dejará huella.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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 MARÍA DEL PILAR, BRILLANTE RECUPERACIÓN EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA

 

Nuevamente la Zarzuela, en su más que loable intento de dar a conocer  obras perdidas injustamente en el tiempo, recupera una obra de Gerónimo Giménez, María Luisa, con libreto de Francisco Flórez García y Gabriel Briones, que en esta producción en versión concierto, se presenta con una adaptación de Maria Velasco, que sustituye las partes habladas por una narración, que realiza con maestría el actor Mario Gas, pero que no alcanza a definir todo el sentido de la obra, que si bien tiene un argumento bastante manido, tiene mucho contenido. De alguna forma esta recuperación supone un reconocimiento a ese gran compositor, quizás demasiado olvidado y que es uno de los grandes de este país, tan proclive a los olvidos.

El director titular de la Zarzuela, Oliver Díaz, consigue una de las mejores  interpretaciones de la orquesta de la Comunidad de Madrid. Lleno de matices, especialmente en un concertante excelso con una combinación de 8 solistas, coro y orquesta.

El elenco, muy equilibrado y bien adaptado a la obra, ocho personajes mas un relator, Mario Gas. De ellos creo que es necesario destacar a  Rubén Amoretti  en el papel de Vicente, en una romanza a la que dota de un lirismo y una calidad interpretativa realmente sobresaliente muy aplaudida por el público. El resto como ya hemos dicho, en un nivel realmente bueno, a pesar de la indudable dificultad de la obra, que además por ser la primera vez que en ciento veinte años  se interpreta, no está totalmente en voz. Una gran actuación de Andeka Gorrochategui como Rafael, con una voz que evoluciona a un próximo tenor dramático. Nos asombró la soprano polaca Iwona Soborka  en el papel  de Esperanza, con una voz realmente bien timbrada, con potencia y  calidad interpretativa. Bien Marina Rodríguez-Cusi, Damián del Castillo con una importante voz  de barítono y Jorge Rodríguez Norton.  Dejamos para el final la protagonista principal, la Maria del Pilar de Carmen Solís que empezó  con algún problema pero finalmente hizo una gran interpretación. Reiteramos la gran narración del polifacético maestro Mario Gas

Magnifico el coro, con una intervención, de la que destacaremos el concertante ya mencionado.

Sorprendió la obra por la gran calidad musical, incomprensiblemente abandonada, en algún rincón de la Sociedad General de Autores, y afortunadamente recuperada por el Teatro de la Zarzuela. Esta sorpresa se plasmó en grandes aplausos de reconocimiento.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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TOM EN LA GRANJA, EN EL CENTRO DE ARTE FERNÁN GÓMEZ

 

Parece que la Jardiel Poncela del Centro de Arte Fernán Gómez, del Ayuntamiento de Madrid, se ha especializado en textos que te dejan sin aliento. Textos en los que con ser dura la acción, es decir, lo que ves, es mucho más duro y atrevido lo que oyes, hasta el punto de que la acción avanza y explora territorios inesperados gracias a las palabras, siendo las escenas exponente y cifra de lo que allí se comunica y se anuncia. Se pronuncia. Ya me pasó con la anterior obra, Cuzco, de Víctor Sánchez Rodríguez, lo que ahora me pasa con Tom en la granja, de Michel Marc Bouchard y no sé si pensar (pienso) que estamos ante una tendencia y yo no me he enterado. No me estremeció casi nada la película del canadiense Xavier Dolan con el mismo título -creo que es una obra de largo recorrido que ya se representó como teatro en La Cuarta Pared 2016-, no al menos como ahora me ha estremecido contemplarla en este teatro. El tema es el homoerotismo, pero sobre todo la hipocresía de las relaciones humanas y la mentira como forma de amar, algo que a todos nos atañe. Aquello que decía Cernuda "si el hombre pudiera decir lo que ama..." Pero como no puede, lo mata, bien con el puñal bien con el silencio cobarde, y aquí se dan las dos formas de matar. El miedo a ser uno mismo está en la base de todo.

Divertida, dura, áspera, tierna, delicada y terrible. Como reza el programa, "Tom en la Granja nos atrapa en un juego perverso que tiene lugar en un alejado marco rural donde la inocencia y la ira asfixiante colisionan... Y habla sobre todo de las consecuencias de aprender a mentir antes de aprender a amar."

 

Ficha artística y técnica:

Autor: Michel Marc Bouchard

Traducción: Line Connilliere / Gonzalo de Santiago

Dirección: Enio Mejía

Escenografía: Alessio Meloni

Iluminación: Jesús Almendro

Espacio sonoro y la música original: Nacho Campillo y Jacobo Aguirre.

Reparto: Yolanda Ulloa, Alejandro Casaseca, Gonzalo de Santiago, Alexandra Fierro

Hasta el 16 de diciembre de 2018

Fecha de la función comentada: 7 de diciembre de 2018

Sala Jardiel Poncela del Fernando Fernán Gómez Centro de Arte

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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Afghanistan: Ilgrande gioco; Enduring freedom de Ferdinando Bruni y Elio De Capitani en el Teatro Arena del Sole (BOLONIA – ITALIA)

 

Se trata de la versión a cargo del Teatro dell’Elfo de la producción The Great Game: Afghanistan de Nicolas Kent para el Tricycle Theatre de Londres, originalmente un mosaico de doce obras breves de otros tantos autores y ocho horas de duración, que se estrenó en la capital británica el 17 de abril de 2006. La tradición anglosajona en el género del teatro documento, que aúna la eficacia didáctica y el rigor investigativo, se centra aquí en la turbulenta historia del enigmático, irreductible y peligroso país asiático. El valor artístico añadido emerge en cada una de las piezas con la originalidad de cada autor, y en el hilvanado de éstas, que comenzando con un realismo documental evoluciona hacia contenidos cada vez más alegóricos con un episodio onírico final, reflejo de la fase presente del conflicto abierto a un incierto e inquietante futuro.

La adaptación para el público italiano, aun recortada a diez episodios, sigue siendo una obra maratoniana, tanto que a efectos de formato comercial y de aceptabilidad por el público, se ha dividido en dos espectáculos independientes: Afghanistan: Il Grande gioco (2h 45 min) y Afghanistan: Enduring Freedom (3h). Normalmente representados en fechas distintas, el pasado 2 de diciembre en el Teatro Arena del Sole se han presentado seguidos a distancia de una hora, bienvenido descanso para los espectadores deseosos de no perderse la totalidad de esta irrepetible ocasión de comprender mejor el complejo problema afgano.

Il Grande gioco, expresión popularizada por Rudyard Kipling para aludir a las ambiciones de los imperialismos ruso y británico de control sobre aquellas tierras, abarca desde la primera guerra de ocupación británica en 1842 hasta el final de la República Democrática Afgana, heredad de la presencia soviética, con la muerte de Mohammad Najibullah a manos de los mujahidines en 1996. Es obligado listar los títulos, respetuosos de los originales ingleses, de las cinco obras que lo componen y sus autores: Trombe alle porte di Jalalabad (Stephen Jeffreys), La linea di Durand (Ron Hutchinson), Questo è il momento (Joy Wilkinson), Legna per il fuoco (Lee Blessing) y Minigonne di Kabul (David Greig).

Enduring Freedom es el conocido nombre de la operación correspondiente a la entrada de los EEUU y sus aliados seguida a los atentados del 11 de Septiembre de 2001. La obra, que cubre desde 1996 virtualmente hasta hoy, dado el empantanamiento actual del conflicto, incluye los títulos: Il leone di Kabul (Colin Teevan), Miele (Ben Ockert), Dalla parte degli angeli (Richard Bean), Volta stellata (Simon Stephens) y Come se quel freddo (Naomi Wallace). Aquí se afrontan diversos aspectos de la compleja situación actual, desde los primeros intentos de la CIA por recuperar delicado armamento facilitado a los insurgentes por medio de Pakistán en funcion antisoviética y luego usado en su contra, el punto de vista de los líderes religiosos y combatientes afganos, la labor de las ONG en un entorno de valores culturales tan diferentes o incluso opuestos, el sentido de la misión de los soldados occidentales y la desadaptación de vuelta a casa, hasta las aspiraciones de la juventud afgana instruida. Este segundo espectáculo abunda más en la reflexión sociociólogica e individual, dando mayor espacio al arte literario. Hay una evolución de los episodios desde el realismo narrativo de la guerra y los manejos políticos del primer espectáculo hasta una imaginaria entrevista de una escritora y el final en clave onírica en el segundo.

Un cast de excelentes profesionales afronta el fatigoso reto de desdoblarse hasta en cinco diversos papeles a lo largo de las diez obras. En reconocimiento a su excelente trabajo listamos a todos ellos: Claudia Coli, Michele Costabile, Enzo Curcurù, Alessandro Lussiana, Fabrizio Matteini, Michele Radice, Emilia Scarpati Fanetti, Massimo Somaglino, Hossein Taheri y Giulia Viana. Arduo destacar las distintas actuaciones, pues los muy variados personajes, reales o imaginados, y la expresión ocasional en lengua local los hacen difícilmente comparables, pero todos dan muestra de gran oficio que hace fluir las escenas con naturalidad.

La escenografía, iluminación y acompañamiento sonoro y musical son esenciales pero efectivos: simples espacios de paredes blancas con escuetas mesas de oficina o té, una tarima baja de gimnasia en un local de la ONU, alguna desnuda esplanada terrosa con un cielo polvoriento, y una separacion de las obras-cuadros con oscuro y renovación de la escena tras mamparas blancas. La música, reducida a una función esencial de acompañamiento entre los diálogos, es adecuada, pero en cualquier caso pierde también relevancia frente al protagonismo de las situaciones descritas, que polarizan completamente la atención. Como introducción a cada episodio, las proyecciones de imágenes de personajes y vídeos de los eventos reales con fechas y lugares, son de gran importancia. El vestuario es realista y cuidado, tanto el de los nativos como el de los occidentales de diferentes épocas y roles profesionales.

Contemplamos en esta notable obra la contraposición violenta de culturas y valores formales (democracia y libertad frente a religión, familia y solidaridad tribal), y lacras reales (desigualdad frente a la sujección del individuo a la jerarquía religiosa, tribal y familiar) con el común denominador de una afirmación de poder, mortalmente irreconciliable con su opositor e impuesto por la fuerza. Afganistán es seguramente el terreno más emblemático de la actual colisión entre Occidente y el Islam fundamentalista y la obra, gracias a la insuperable eficacia del arte teatral, nos permite alcanzar en pocas horas de espectáculo un mejor conocimiento del complejo problema. El público reconoció, con aplausos al final de cada episodio, tan meritorio y logrado esfuerzo.

Dirección: Ferdinando Bruni y Elio De Capitani

Escenografía: Carlo Sala

Luces: Nando Frigerio

Vídeo: Francesco Frongia

Sonido: Giuseppe Marzoli

Producción: Teatro dell’Elfo y Emilia Romagna Teatro Fondazione en colaboración con Teatro Napoli Festival. Bolonia, 2 de diciembre 2018.

 

Magda Ruggeri MarchettiMagda Ruggeri Marchetti 

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FEDERICO GARCÍA LORCA REGRESA A ESTADOS UNIDOS, A NEW HARMONY (INDIANA)

 

Federico García Lorca regresa a Estados Unidos gracias a la puesta en escena de Federico, en carne viva, de José Moreno Arenas, a cargo de la compañía Apasionaria Producciones, y como parte de la programación de la conferencia Contemporary Spanish Theater. Stages of Utopia, Dystopia, and Myopia, celebrada del 10 al 12 de octubre en New Harmony (Indiana), a la que asistieron críticos, dramaturgos y artistas de relieve internacional.

En 1930, García Lorca viaja a Nueva York para hacer frente a la crisis estética, vital e ideológica que estaba viviendo. Allí toma contacto con el cine hablado, apenas conocido en España, y el teatro experimental que probablemente tuvo ocasión de conocer a través de grupos de teatro renovadores que abundaban en la Gran Manzana. Sus cartas y sus declaraciones posteriores a su viaje reafirman su idea de crear un teatro nuevo, el teatro del porvenir, que ensayará en El público y Así que pasen cinco años aprovechando la nueva situación política española que cree favorable.

En este contexto se nos descubre el personaje de Federico, interpretado magistralmente por Rubén Carballés. Su reacción ante el rechazo del público al nuevo teatro imposible es para el espectador la puerta de entrada a sus otras frustraciones como hombre. Moreno Arenas conecta el mensaje de Así que pasen cinco años con la lucha existencial de Federico a través de la imposibilidad de vivir el presente absoluto y, por tanto, de despegarse de un estado de ensoñación perpetuo. La necesidad de verbalizar sus emociones pone en escena a Elena Bolaños, en la piel de la gran Margarita Xirgú, y a un elenco de figuras espectrales u oníricas que bien revisten a la actriz en la piel de otros personajes o surgen como voces inesperadas a lo largo de la acción dramática. La ruptura de la cuarta pared a través de la intromisión de personajes creados por García Lorca difumina el límite entre la realidad y la ficción, entre la conciencia y el acto, entre el símbolo y el lirismo. Como en el teatro deseado por García Lorca, el diálogo oscila entre la prosa y el verso contaminando cada palabra de una hiriente tragedia –“El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana”, diría el autor de Granada en 1936–.

La escenografía nos trasporta a un secadero de tabaco de la Vega de Granada, la cárcel de oro de García Lorca. En el suelo, las sábanas blancas, en alusión a los ajuares bordados de las mujeres casaderas, comparten escenario con jirones de tela colgados al fondo, cual mortajas de los muchos muertos que fueron apilados en las cunetas durante la Guerra Civil. Junto a otros dos objetos, un buzón y una fuente, se configura el escenario de ambos actos, creando una atmósfera surrealista en la que los personajes reales y ficticios dejan fluir sus sueños y desesperanzas.

Esta ambiciosa apuesta por desmontar el mito que rodea la figura del escritor perfila algunos aspectos desconocidos de su vida y las posibles causas de su muerte –“¿Por qué no te fuiste cuando pudiste hacerlo?”, le reprende Margarita– mientras sintetiza lo absurdo de la condición humana en la que ideales tan puros como el amor, la búsqueda de uno mismo y el afán de libertad creativa y personal pueden ser a partes iguales causa de un destino fatídico.

Un texto necesario con una interpretación inmejorable.

 

Obra: Federico, en carne viva

Autor: José Moreno Arenas

Compañía: Apasionaria Teatro

Directora: Elena Bolaños

Intérpretes: Rubén Carballés y Elena Bolaños

Vídeos: Matthieu Berthelot

Vestuario: Cristina Simón

Iluminación y Sonido: Matthieu Berthelot

Diseño del Espacio Escénico: Elena Bolaños

Fotografía / Diseño Gráfico: berth99

Comunicación / Prensa: La Andaluza Creativa

Producción: Apasionaria Producciones

Lugar: Murphy Auditorium, de New Harmony (Indiana - USA)

Fecha: 12 de octubre de 2018, con programación en “New Harmony International Conference on the Contemporary Theater of Spain: Stages of Utopia, Dystopia, and Miopía”, organizada por University of Southern Indiana

 

Ángela Martín Pérez Ángela Martín Pérez PhD - Assistant Professor - Universidad de Southern Indiana (U.S.A.) 

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CUZCO: METÁFORA DONDE EL AMOR NO LLEGA

 

Contemplando la función Cuzco, de Víctor Sánchez Rodríguez, uno entiende por qué este autor es el Ganador de los XIX Premios Max en la categoría Mejor Autoría Revelación.

No lo ha sido por esta obra sino por otra (Nosotros no nos mataremos con pistolas), pero en Cuzco se ve una novedad, una osadía tan bien aterrizada mediante unos saltos en la acción tan bien calculados -que sin embargo dan ganas de agarrarse a la butaca para no marearse ante el vértigo de lo inesperado-, que uno siente que podría aficionarse a esta montaña rusa sin necesidad de quitarse el sombrero.

El público de la Jardiel Poncela, del Centro de Arte Fernán Gómez, está paralizado, estupefacto ante lo que se le ofrece, si bien lo más chocante no lo ve, sólo lo oye nombrar, y sabe que si se pierde una palabra, tan sólo una sílaba de una de las frases -calculadas, medidas matemáticamente-, se habrá perdido en cuanto a la historia.

La historia es la da una pareja actual. Una de esas que se hablan sin tapujos, con toda "libertad" o lo que hoy entendemos por tal: decirse las verdades a la cara, sin miedo a herir; o buscando herir para que luego venga la reconciliación.

Pero aquí la vieja argucia no funciona porque ella no le teme a nada, ni siquiera a la libertad de un trapecio sin red.

Argumento:

 “Una pareja viaja a Cuzco en un desesperado intento por salvar su relación.  Durante el viaje, conocen a una serie de personajes que afectarán los propósitos de su travesía: una feliz pareja de españoles con los que compartirán itinerario desde Cuzco a Machu Picchu; una italiana preocupada únicamente por encontrar su felicidad; un viejo peruano y su hijo, exiliados en Argentina, inmersos en una suerte de viaje de redescubrimiento de su propia patria. Como telón de fondo, el pasado inca y colonial, el terrorismo de Sendero Luminoso, la pobreza andina, y el reflejo de una España herida de gravedad.”
Los dos únicos actores están solos en el escenario vacío de principio a fin, con el único escape de un suelo hecho de pavesas en el que poder revolcarse a sabor. Lo harán, juntos y por separado, sin que la soledad mutua se alivie, y eso que no paran de hablar y de escudriñarse. Él es pusilánime, peligroso por tanto; ella una loba de afilados colmillos lingüísticos que se recrean en describir sus hallazgos en el “nuevo mundo”. Con qué ardor se les aplaude, ojalá que vuelvan.

Reparto: Silvia Valero y Bruno Tamarit

Compañía: Wichita CO

Del 9 al 25 de noviembre

Función comentada: 25 de noviembre de 2018

Espacio: Teatro Fernán Gómez (Centro Cultural de la Villa) - Sala Jardiel Poncela

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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FESTIVAL DE OTOÑO: UN FESTIVAL CLÁSICO, CONTEMPORÁNEO, UN TEATRO AGITADOR, CONMOVEDOR

 

El Festival de Otoño ha levantado el telón por todo lo alto... Como muestra un  montaje provocador, una tragedia moderna, y un equipo circense.

La Compañía  Chilena La Re-sentida nos han brindado "Tratando de Hacer una Obra que cambie el Mundo”… Una declaración cargada de ironía, puesto que reconocen  en su subtítulo que es (El delirio final de los últimos Románticos)

Un grupo de actores aislados en un sótano se plantea si el teatro sirve para algo en una sociedad que observa su reflejo en la TV, el cine o las redes sociales

Marco Layera, director, y cinco geniales actores, se pelean, reflexionan, nos provocan, y  nos instigan a reflexionar sobre el arte, las utopías, la revolución y el fracaso de los partidos de izquierda para cambiar, mejorar el mundo. Nos hacen aplaudir, reír, aunque den ganas de llorar.

Simon Stone nos narra la historia de una Medea moderna. Vive en nuestros días, habla holandés, es una científica inteligente, con prestigio… Por su condición de mujer, como la Medea de Eurípides, lo pierde todo, profesión, esposo, hijos. Perdida toda esperanza busca venganza. Nada parece ha cambiado en estos siglos (Eurípides año 431a.c)

Esta tragedia contemporánea tiene como telón de fondo una pantalla en blanco donde vemos proyectada la acción sobre las tablas, los primeros planos de los protagonistas, las escenas familiares… Cuando se dirigen unos a otros, o al público, la cámara capta y nos magnifica sus mínimos gestos o expresiones...

La Medea de Simon Stone como la de Eurípides es fuerte, luchadora y su intérprete la encarna poniendo en cada diálogo, cada monólogo, toda la carne en el asador. El público del FO agradeció el zarandeo con una ovación emocionada.

Y para todos los públicos: “Il n’est pas encore minuit” de Compagnie XY. Un grupo de jóvenes alumnos de Circo, nos demuestra que colaborando podemos conseguir lo que nos proponemos. Toda una filosofía para los jóvenes espectadores. Una lección que han olvidado algunos adultos, desgraciadamente muchos políticos… Empiezan peleando por nada, y por todo. Pero aprenden a cooperar y juntos... bailan, saltan, hacen piruetas, vuelan o caminan en el aire… Construyen una coreografía circense, que hace reír a los más pequeños, y palmear y vitorear, a los mayores...

 Tratando de hacer una obra que cambie el mundo Teatro La Re-sentida

Ficha artística Dirección: Marco Layera Dramaturgia: La Re-sentida Intérpretes: Carolina Palacios, Pedro Muñoz, Benjamín Westfall, Nicolás Herrera y Eduardo Herrera Diseño integral: Pablo de la Fuente Diseño de vestuario: Carolina Sandoval Jefe técnico: Karl Heinz Técnico de sonido: Alonso Orrego Asistente de escena: Carolina de la Maza

 Medea Simon Stone / Internationaal Theater Amsterdam

Ficha artística De: Eurípides Escrita y dirigida por: Simon Stone Intérpretes: Evgenia Brendes, Fred Goessens, Aus Greidanus Jr., Marieke Heebink, Eva Heijnen y Bart Slegers Niños: Faas Jonkers y Poema Kitseroo Traducción: Vera Hoogstad y Peter van Kraaij Dramaturgia: Peter van Kraaij Escenografía: Bob Cousins Diseño de iluminación: Bernie van Velzen Sonido: Stefan Gregory Vestuario: An D’Huys Productor: Joost and Marcelle Kuiper

Il n’est pas encore minuit… Compagnie XY

Creación: Compagnie XY Coreografía colectiva: Abdeliazide Senhadji, Amaia Valle, Andres Somoza, Airelle Caen, Alice Noel, Birta Benonyseottir, Marianna Boldini, Antoine Thirion, Antonio Terrones y Hernández, Charlie Vergnaud, David Badia Hernandez, David Coll Povedano, Denis Dulon, Evertjan Mercier, Guillaume Sendron, Gwendal Beylier, Bahoz Temaux , Mohamed Bouseta, Thomas Samacoïts, Thibaut Berthias, Frédéric Escurat y Zinzi Oegema Colaboración artística: Loïc Touzé, Valentin Mussou y David Gubitsch

Más información: http://www.madrid.org/fo/2018/programacion.html

 

Titania  

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LA CASA DE BERNARDA ALBA UNA ÓPERA PARA LORCA

 

Una de las grandes obras del teatro universal, La casa de Bernarda Alba se estrena en el Teatro de la Zarzuela, como ópera, compuesta por el maestro Miquel Ortega, con libreto de Julio Ramos., estrenada en versión sinfónica en el teatro Brasov de Rumania el 13 de diciembre de 2007. La versión de cámara con catorce instrumentos, que se presenta en el teatro madrileño es estreno mundial. La dirección artística es de Bárbara Lluch, con escenografía de Ezio Frigerio y vestuario de Franca Squarciapino

Miquel Ortega, gran admirador de Lorca, hace un tratamiento muy ajustado a la obra del autor granadino, con esa sensación de asfixia provocada por una madre dominante, en tiempos en que la rebelión de una mujer en el seno de una familia, dentro de una sociedad castrante, era poco menos que imposible.  En esta ópera se vive plenamente este ambiente y las situaciones derivadas. La música tonal, con alguna variación atonal, colabora magníficamente  a crear esa sensación de agobio, para al final convertirse en golpes musicales que acompañan a las frases del libreto, anunciando algo trágico, desesperado, que se resuelve en la escena  final,  donde una excelente iluminación resalta el dramatismo de la escena, que sin embargo no logra romper con la estructura familiar. Lorca en estado puro.

La escenografía es clásica; un patio central donde se desarrolla la vida familiar, alrededor del cual se distribuyen las habitaciones de todos los habitantes de la casa y que sirve a Bárbara Lluch para una gran dirección de actores, con un movimiento preciso y equilibrado en cada situación.

La dirección musical corre a cargo del autor, Miquel Ortega, que con una orquesta de cámara, consigue un intimismo que apoya el argumento de la ópera sin demerito de la calidad musical.

El elenco es realmente magnifico, en lo vocal y en lo actoral. Difícilmente destacar a nadie, pero es indudable que el peso de los personajes en la obra, hace que nos tengamos que fijar en cuatro de ellos. La Bernarda Alba de Nancy Fabiola Herrera es impresionante; voz potente, bien timbrada de mezzo y un dramatismo en gestos y en movimientos dignos de una gran actriz de teatro. No le va a la zaga la rebelde Adela de Carmen Romeu, con una cantidad de matices vocales, ahondando en el verismo de la obra, con unos agudos sobrecogedores que empapan su dramatismo. La autentica novedad de la obra es la interpretación de Poncia por un barítono, Luis Cansino que consigue dar un feminismo no recargado a su papel con su  voz baritonal. Un lujo para la representación, la actuación de Julieta Serrano como Maria Josefa, madre de Bernarda, único papel no cantado.  El resto muy bien,  dentro de una homogeneidad atípica en la mayoría de las obras que vemos en escenarios,  Carol García, Mari Fe Nogales Belén Elvira, Berna Perles y Milagros Martín  completaron unas grandes actuaciones.

El público aplaudió con ganas y especialmente a los intérpretes y a Miquel Ortega en sus dos facetas, director y autor.

Un éxito rotundo del Teatro de la Zarzuela, avalando a los compositores españoles que como en este caso demuestran una envidiable calidad.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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ONLY THE SOUNDS REMAINS. ORIENTE EN EL REAL

En ocasiones se hace difícil juzgar una ópera cuando se estrena en un teatro con un enorme escenario y la estructura es de un formato reducidísimo, que además en su esencia es intimista, casi de meditación. Nos referimos a la obra, Only the sounds remains, una composición de Kaija Saariaho, quizás la más premiadas de la composición del siglo XXI.

El director artístico, Peter Sellars la aborda con una realización escénica realmente notable, jugando con un paño transparente y un impresionante juego de luces y sombras, que algunos calificarán de excesivamente estática, pero el libreto de Ezra Pound y Ernest Fenollosa, no da más de si, ya que en  la primera de las obras Always strong, escrita en ingles, solo participan dos personajes y en la segunda Feather Mantle, igualmente en ingles, tres, una de ellas bailarina, acompañados musicalmente por un cuarteto coral de cuatro miembros y uno musical de otros cuatro, en el que se utilizan instrumentos especiales derivados de Japón dirigidos por Ivor Bolton.

Cuando nos encontramos en obras en que la evocación del pasado une personajes, unos de la realidad y otros de la ficción, inevitablemente nos viene a la mente el realismo mágico que aquí se adorna de un espiritualismo muy marcado, como corresponde a las filosofías orientales, en este caso el Japón, origen de las dos obras.

Para ello parece más apropiado un teatro más reducido, de cámara, tanto por los componentes musicales como por la invitación a la meditación a la que sugiere la obra, por música y por libreto, muy poético, que casi nos recuerdan  a algunos de los versos de Byron o Verlaine, quizás estos menos etéreos. La música, perfectamente ajustada al libreto, dentro de una línea atonal e interpretada vocalmente por el contratenor Philipe Jaroussky y el barítono Davone Tines introduce en la reflexión y al alejamiento de este estilo de vida tan material. El primer cuento el sacerdote budista añora la presencia de un soldado a través del laúd de este. Vemos como se entremezcla la añoranza del pasado con la inmaterialidad de la música.

El segundo cuento nos sitúa en el presente que vive un pescador, un hombre del pueblo, al encontrarse unas alas de plumas, que le reclama un ángel y para recuperarlo tiene que bailar. En este caso la relación realidad y ficción no es deseada, solamente casual, la desaparición del ángel dejara una huella sonora que acompañara al pescador toda su vida.

En ambos cuentos la música es lo que permanece, como ese polvo de estrellas con el que el compositor americano, Hoaghy Carmichael dejaba al protagonista de una canción Stardust, en el que solo quedaba la música como recuerdo de un amor. Sin duda una antecedente a considerar, de esta obra.

La dirección de Bolton es brillante, con cuatro excelentes  instrumentistas y un coro también de cuatro, voces, algo inferior pero muy valorable. Los cantantes protagonistas ya mencionados, Philipe Jaroussky y Davone Tines, muy bien  aun con la pega de que por necesidades de la escenificación, se soporten en grabaciones, con lo cual se distorsiona la calidad general de la representación. Buen trabajo el de la bailarina Norah Kimball-Mentzos-

En resume se puede decir que si bien es una obra muy valorable, sutil en lo musical, y el texto aunque este quizás con una poesía desacostumbrada por estos lares, algo repetitiva y premiosa, no nos parece apropiada para un teatro como el Real. El poco público que llegó al final, lo aplaudió con decisión pero sin demasiado entusiasmo.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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ALARDES DE TONADILLA, LA ESENCIA EN PEQUEÑAS DOSIS, EN LA SALA TRIBUEÑE

 

La ventaja de ciudades como Madrid, es que existe una variedad de espectáculos que van desde muy pequeñas producciones, casi caseras, a grandes teatros con montajes espectaculares. Haremos referencia a un teatro del que ya hemos comentado algunas veces, el Tribueñe, con poco mas de 100 butacas ofrece una variedad de obras, espectáculos musicales y de todo tipo de una calidad media alta. Es el caso de Alardes de tonadillas que se representa todos los domingos a las 7 de la tarde.

Cuando se va a ver un espectáculo con este título, indefectiblemente se espera una sucesión de canción española de las más clásicas, de las que despectivamente llamaban “mi arma” a las intérpretes, a pesar de ser verdaderas joyas del escenario. Pues no, no es eso. Nos encontramos con un soberbio espectáculo, con un desarrollo histórico estudiadísimo, que abarca desde las tonadillas de judíos anteriores a nuestro Siglo de Oro, hasta lo que consideraríamos actual, Capote de grana y oro, Espigas y amapolas, Antonio Vargas Heredia, Suspiros de España y un largo etcétera, con un cuidado desglose por regiones españolas, acompañado de un excelente vestuario y una iluminación que da realce  al espectáculo.

El “culpable” de esta maravilla, es el gran director artístico Hugo Pérez de la Pica, profesional concienzudo que no deja nada al azar, y va desde un comienzo de aquellas antiguas y deliciosas tonadillas, hasta un  final, amable, con la emoción de los recuerdos, en forma de fotos de homenaje a tonadilleras actrices, desde la Fornarina, Raquel Meyer a Rocio Jurado pasando por La Piquer, Juanita Reina y un  rosario de interpretes que harían emocionar al maestro Quiroga, a Rafael de León, o a Perelló.

El elenco de este gran espectáculo lo conforman, el bailarín Alberto Arcos y la bailaora Raquel Valencia, realmente sensacionales, con la garra que requiere este tipo de música, y las cantantes Candelaria de la Serena, Helena Amado, Badia Albayati y Ana Peiro acompañadas por Tatiana Studionova. El texto declamado de continuidad, corresponde a José Luis Sanz. No quiero dejar de señalar una versión emocionante por la sensibilidad y el acercamiento al sentido de la canción, de Helena Amado en Antonio Vargas Heredia. En el resto, el nivel general es muy bueno.

El público entusiasmado, y algunos repetían, reconociendo que lo que se vio en el escenario era algo especial, de una calidad realmente alta.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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UNA GRAN KATIUSKA EN EL TEATRO DE LA ZARZUELA

 

Se inaugura la temporada del teatro de La Zarzuela con  Katiuska, ópera prima del maestro Pablo Sorozábal en una producción del Teatro Arriaga de Bilbao, Teatro Campoamor de Oviedo, Teatro Calderón de Valladolid y el Teatro Español. La dirección escénica corre a cargo de Emilio Sagi.

La experiencia de Sagi en La Zarzuela, gran renovador de este genero que luego directores como Olmos y Bieito han continuado, avalaba a priori una interesante producción de esta excelente creación lirica del gran músico vasco. No defraudó. El maestro asturiano, dio ese toque de calidad estilística en clave cinematográfica, reduciendo gran parte del libreto en su parte hablada, hasta convertirla casi en una ópera corta, pues la música tiene categoría suficiente para considerarla como tal.

La presentación de la posada bordeada de ruinas, con un escenario enmarcado e inclinado, simbolizando ese caos que ha provocado la revolución, sirve de referencia escénica, con el toque de calidad de Daniel Bianco, para toda la obra. Un magnifico juego de luces y contraluces aportan ese sello cinematográfico, con el que Sagi nos sumerge en el mas clásico cine de Hollywood con un relato escénico muy de la Hollywood de la primera mitad del siglo XX. Como contrapunto una magnifica conversión de esa sórdida posada en un escenario de cabaret parisino, que desgrana los sueños de aquellos que quieren huir a la ciudad de la luz.

El elenco, de auténtico lujo, da realce a esta producción. El  Pedro Stakof de  Carlos Álvarez realmente extraordinario, potencia en una voz realmente brillante y matices de calidad en el fraseo. La Princesa de Ainhoa Arteta con un despliegue de su gran voz, que si quizás nos aleja de la clásica tímida Katisuka, sirve para crear un personaje nuevo de princesa que se tiene que enfrentar a la realidad de un mundo cambiante Buenos los pianos de la donostiarra El conocimiento de Sagi de la zarzuela, le lleva a  elegir como príncipe a un gran tenor actual Jorge de León, pletórico de voz, adecuada para ese enfrentamiento con Pedro Stakof, que  Sorozábal concibió. El grupo cómico, muy contenido, sin excesos estuvo magníficamente interpretado por un grupo de auténticos veteranos, Milagros Martín como Olga, Enrique Baquerizo, un impagable Amadeo Pich, obsesionado por cobrar las medias vendidas a la casa Imperial. Muy bueno el Coronel Brunovitch de Antonio Torres  y esa Tatiana que Amelia Font recreó como posiblemente pocas cantantes-actrices hayan hecho en una Katiuska. Emilio Sanchez igualmente brillante en el papel de Boni.

En su buen nivel habitual el coro de La Zarzuela

Un lujo la dirección musical de Enrique Garcia Calvo, una figura mundial, que nos deleitó con toda clase de matices de esa deliciosa partitura que nos sirvió el maestro Sorozábal. En resumen, una gran representación, que pone a la zarzuela en el nivel que le corresponde, cosa que afortunadamente estamos viendo en los últimos años y esta vez  de nuevo de la mano de ese gran director que es Emilio Sagi.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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FAUSTO DE ESTRENO EN EL REAL

 

Llega al Teatro Real de Madrid la ópera Fausto,  con música de Charles Gounod y libreto de Jules Barbier y Michel Carre, basado en la obra de este último,  Faust y Marguerite y por supuesto en la obra homónima de Goethe.

Existen en la concepción de la obra diferentes matices, en especial en lo que Alex Ollé nos presenta, a través de un argumento basado en la creación de un homúnculo, en este caso un computador, al que se le quiere dotar de humanidad, como reflejo de los deseos de Fausto de salir de su mundo frio de laboratorio a explorar el mundo de la libido, del eros freudiano, que libera el inconsciente ante el exceso del superego. El pacto con Mefistofeles, de alguna forma, el soporte de su inconsciente, le hace conocer otro mundo lleno de placeres, que toma forma en una mujer de la que se enamora perdidamente Marguerite, con quien tiene un hijo ilegítimo que ella mata y por el que es condenada. Fausto quiere liberarla con la ayuda de Mefistofeles, pero ella se niega y finalmente va al cielo mientras Fausto, cumpliendo el pacto con Mefisto  va a servirle al infierno.

La obra, es un clásico arquetípico de la busca de la juventud para encontrarse con los placeres no vividos, que en este caso se centran en una computadora. Esta intención se va perdiendo a lo largo de la obra, pues la propia fuerza del mito creado por Goethe arrastra la concepción del montaje, que eso si, se ve salpicado por algunas escenas de matiz humorístico, junto con una escenografía sobrecargada, al estilo de Ollé y que en ocasiones cuesta identificar en su relación con el argumento. Muy llamativas las enfermeras en el coro de soldados, nos recordaron las chicas de  Colsada, en su aspecto y su coreografía.

Buena dirección orquestal por parte del alemán Dan Ettinguer. Un buen conocimiento de la partitura y sobre todo, sirviendo un prefecto apoyo a la compleja escenografía, con atento cuidado a los cantantes. Fausto tiene muchas influencias musicales, y a pesar de que Gounod trata de hacer una música francesa de referencia, no puede evitar las  alemanas. Ettinguer las sabe interpretar magníficamente.

El elenco, con tintes de alta categoría, se desenvolvió bien. El Fausto de Piotr Beczala fue correcto, siempre con los incomodos cambios de color característicos de este cantante, pero con unos matices en el centro de la voz, de gran calidad y unos agudos correctos, pero con un color diferente al de ese centro y una parte baja bastante floja; como actor, bastante convencional. Bien Luca Pisaroni en sus cambiantes facetas dentro de la personalidad de Mefistofeles, con una voz bella aunque algo falto de enjundia. La Marguerite de Marina Rebeka bien, a pesar de que la canción de Las Joyas, uno de los caracteristicos momentos de lucimiento para una soprano en todo el repertorio operístico, fue un poco acelerada y perdió brillantez. Por lo demás una buena voz y una mejor interpretación actoral. El resto notable especialmente, en mi opinión, Stephane Degout como Valentín, gran voz y gran presencia escénica.

Muy bien el coro, en su gran nivel habitual, con un magnifico  Coro de Soldados, protegidos por las Chicas de Colsada.

El publico satisfecho en las voces, no tanto en la escenografía.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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FEDERICO GARCÍA LORCA EN SU VIAJE A LOS ÁNGELES

 

Este pasado sábado, 6 de octubre de 2018, el Grupo de Teatro Sinergia y el Teatro Frida Kahlo, en colaboración con Chapman University, presentaron a Apasionaria Producciones en la obra de teatro Federico, en carne viva, del autor granadino José Moreno Arenas. La obra, cuya trama se centra en los últimos días del también dramaturgo granadino Federico García Lorca, nos presenta a un Poeta, a Lorca, con aire humano, quien, alejado del mito, se desplaza en espíritu sobre el escenario del Teatro Frida Kahlo, en Los Ángeles. Entre sombras y luces, Federico narra en poesía y prosa, drama y comedia, los recuentos y encuentros de un nuevo y joven amor: Juan Ramírez de Lucas, el rubio de Albacete. Por casi un siglo el dedo de los biógrafos señalaban a Rafael Rodríguez Rapún, colaborador de Federico en La Barraca, como su último amante. Ahora sabemos que no.

Las cartas y los recuerdos de Federico fueron bien guardados por Ramírez de Lucas y nos llegan ahora para hacernos también confidentes de quien deja constancia de ser su último gran amor. A la luz de estas misivas de amor, nos relata el Poeta las situaciones que se dieron a raíz de que este doblara la edad al joven Juan. Federico decide seguir los dictámenes del corazón y se plantea partir hacia México ese verano del ’36 con Juan; pero Juan no gozaba de la mayoría de edad, pues contaba con apenas diecinueve años. Pese a las múltiples y serias advertencias que recibió Federico de no ir a Granada –la situación política y social que existía en la España de la época se agravaba por momentos y era especialmente peligrosa en la ciudad de la Alhambra–, viaja a su tierra y espera noticias de Juan, que se ha trasladado a Albacete, al domicilio familiar, para obtener el permiso de su padre. Pero Juan nunca llegó para irse a México junto a Federico.

Es en estos últimos momentos de esperanza y drama en los que se inspira el Maestro Moreno Arenas para que sintamos “en carne viva” los postreros días de Federico. El espíritu de Lorca brilla e inunda el espacio escénico y su esencia llega como un regalo hasta los espectadores: la pieza teatral se transforma en un acto performático en el que García Lorca nos hace testigos, cómplices y –hasta mejor– confidentes de su mundo. Moreno Arenas, en su ingenio poético, incorpora con acierto las voces de aquellos personajes que nacieron del tintero del Poeta, criaturas lorquianas que conversan y embrujan la atmósfera del Frida Kahlo. Son presencias necesarias que terminan convirtiéndose en alter egos del propio Poeta. Lo descubren y lo desnudan; y con sus interacciones –voces volátiles que provienen de los paisajes y atardeceres de la vega y tienen sus ecos en las alamedas, pozos y ríos– llegamos a conocer el alma de un hombre completamente enamorado. Juan, el rubio de Albacete, se convierte en una especie de Pepe, el Romano, personaje ausente de esa magna obra que es La casa de Bernarda Alba. Ambos –Juan y Pepe–, sin que aparezcan en escena, son los auténticos protagonistas. A García Lorca y a Moreno Arenas solo les basta con utilizar la palabra y la técnica poética para hacerlos presentes y personajes principales de sus respectivas obras. Me pregunto entonces: ¿en quién se inspiró Federico García Lorca para crear a Pepe, el Romano: en Juan Ramírez de Lucas o en Rafael Rodríguez Rapún? Y también: ¿en quién se inspiró José Moreno Arenas para crear el personaje ausente de Juan?

Excelente propuesta de José Moreno Arenas, bien dirigida por Elena Bolaños y mágicamente interpretada por Rubén Carballés, quienes nos visten/desnudan de blanco transparente a un hombre que ama el teatro sobre todas las cosas, que vive para la comedia imposible, que se sensibiliza con sus personajes, que busca la inmortalidad “bajo la arena” y que muere por vivir la pasión de un amor joven y a la vez tardío.

Federico, en carne viva podría ser subtitulada El hombre que habitó dentro del mito. En definitiva, es una nueva entrega, original y rigurosa, para continuar conociendo más y admirando más a Federico como hombre –que diría José Moreno Arenas– y también como mito –que dirían otros–. En conclusión, como nuestro Poeta. Lorca, Lorca, que te quiero Lorca.

Los Ángeles, sábado, 6 de octubre de 2018.

 

 Obra: Federico, en carne viva (adaptación para un solo personaje)

Autor: José Moreno Arenas

Compañía: Apasionaria Teatro

Directora: Elena Bolaños

Ayudante de Dirección: Adelardo Méndez Moya

Intérprete: Rubén Carballés

Voces: Cathryn O’Donnell, Angelica Garcia, Nicole Williams y Jesenia Castro

Vídeos: Matthieu Berthelot

Vestuario: Cristina Simón

Atrezo: Frida Kahlo Theater y Grupo de Teatro Sinergia

Iluminación y Sonido: Matthieu Berthelot y Rubén Amavizca

Diseño del Espacio Escénico: Elena Bolaños

Fotografía / Diseño Gráfico: berth99

Comunicación / Prensa: La Andaluza Creativa

Producción: Apasionaria Producciones

Lugar: Frida Kahlo Theatre, de Los Ángeles (California - USA)

Fecha: 6 de octubre de 2018

 

Pedro J. Ortiz Pedraza - Universidad del Turabo (Puerto Rico)

Director de escena, actor, productor

 

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COMEDIA AQUILANA. SOBERBIO RETABLO RENACENTISTA. COMPAÑÍA NAO D´AMORES. COPRODUCCIÓN CNTC. 37 FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO VEGAS BAJAS

 

No cabe duda que los programadores del Festival Nacional de Teatro Vegas Bajas saben lo que se traen entre manos. Ofertar una joyita como la Comedia Aquilana de Torres Naharro, además en versión original; sin adaptaciones desde castellano renacentista; es una empresa altruista (a la par que osada) y algo para agradecer desde la perspectiva del espectador. Todo en esta propuesta de Nao D´amores es una gozada estética y reivindicativa acerca de esa etapa, solapada por el barroco, derramando la riqueza del verbo áureo y la música de la época. Es por esto que se valora mucho más la dedicación y esfuerzo de esta compañía, dedicada a la época renacentista (en lo musical y la dramaturgia). El espectador avezado se asombrará, descubriendo que toda la gama de personajes que, luego serán explotados hasta la saciedad en el siguiente periodo histórico, ya están presentes en las páginas del dramaturgo extremeño.

El engaño, el enredo amoroso, el criado socarrón, los desencuentros de los amantes, todo está ya perfilado y dispuesto para que la siguiente generación teatral se empapara de estos precedentes y desarrolle el teatro del Siglo de Oro. Habitados del espíritu del pintor italiano Giuseppe Arcimboldo, los actores se visten con los esbozos florales manieristas de este autor. Deborah Macias ha realizado unos diseños apabullantes donde se puede jugar con la pareidolia y la ilusión óptica.

El texto del dramaturgo torreño surge con naturalidad apabullante ¡Así se dicen los versos! Las inflexiones vocales, los ritmos, el tempo, las intervenciones musicales, todo ellos constituye un soberbio retablo barroco para uso y abuso del agradecido espectador.

Ana Zamora ha buceado, con respeto y fervor, en la Comedia del Arte. Si aquella utilizaba máscaras carnavalescas, ésta juega con el vestuario floral, conserva los recursos mímicos y sustituye las acrobacias por la danza. El resto es común a su génesis italiana: las vicisitudes de los enamorados, la oposición familiar, la intriga. El personaje del criado remeda el italianesco Arlequín. La criada Dileta, bien pudiera inspirarse en la confidente Colombina. No hay duda de las influencias del teatro visto por Naharro en la Roma de León X, con rasgos de las representaciones “villanescas”, anticipando el género barroco de la comedia palatina. El verso está pulido con respeto, buscando la mayor comprensión para el público.

La obra se desarrolla sobre una impactante escenografía de Ricardo Vergne, una mimesis de las escenografías que portaban las compañías italianas, algunas con una cortina como único decorado.

Bartolomé Torres Naharro publicó su primera versión de la Comedia Aquilana en los talleres del impresor Marcello Siber, sobre el 1520, para representación privada (cortesana). Quizás fue escrita en Nápoles o en Sevilla, escrita por encargo. Esta comedia “a fantasía” pude basarse en un acontecimiento de carácter legendario, como fueron las visitas secretas de Fernando de Aragón, disfrazado de criado, a Isabel la Católica en la corte de Valladolid. Como curiosidad reseñar que cuando murió Don Juan, el heredero, el humanista Ramírez de Villaescusa publicó una imaginaria lamentación donde la joven viuda; tal y como hace Felicina en la Jornada V; considera la muerte mediante, soga, despeñamiento, espada o fuego. La falta de referencias sobre el acompañamiento musical de la obra original, no ha sido problema para la sección musical de la compañía, que ha utilizado danzas, canciones populares y melodías como La Spagna (Danza Alta) del sevillano Francisco de la Torre (basada en el bajo compuesto por Josquin) La danza alta era interpretada por instrumentos de vientos agudos y brillantes: cornetos, sacabuches, chirimías. A la manera de los ministriles, las tres músicas se sitúan en uno de los extremos del escenario en contraposición con los actores sentados en el vértice opuesto, formando parte del argumento con gestos y movimientos.

El trío femenino peina diversos géneros; según la información de Alicia Lázaro en el dossier de la compañía. Desde la cadencia gentil de la pavana a las reminiscencias mudéjares del Caldibi Castellano (Calbi Arabi), la villanelle; un género de boga en el Cinquecento; la reconstrucción del romance del buen rey Don Bermudo o Pavana/Saltarello/Piva “Veneziana”, de Juan Antonio Dalza, que escribía sus partituras en forma de suite (esta es una de las obras más hermosas de la función). La agrupación musical extrae un sonido de gran fidelidad histórica, consiguiendo fusionarse con el texto renacentista casi sin percatarnos de ello, haciendo uso de instrumentos de la época: viola de gamba, órgano renacentista y diversas tesituras de flauta de pico. Comedia Aquilana es un soberbio ejercicio renacentista, una pieza de orfebrería rescatada del prebarroco, para uso y disfrute de los espectadores contemporáneos. No sólo esto es lo que hay que agradeces a los componentes de Nao D´amores (esa divulgación lúdica y certera de la etapa cultural más arrinconada), sobre todo hay que agradecer el “como”. Hay que celebrar el exquisito concepto de la parodia, la fluidez del verbo, el control de la gestualidad, el placer estético de su propuesta, el respeto por la instrumentación y la concepción musical de la época. Comedia Aquilana es un hermoso bodegón renacentista.

Función comentada: 12 de octubre de 2018. Puebla de la Calzada. Badajoz

 

Francisco ColladoFrancisco Collado 

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CONTRA LA DEMOCRACIA. EL GRAND GUIGNOL COMO ESTÉTICA. COMPAÑÍA TEATRO DEL NOCTÁMBULO. 37 EDICIÓN DE TEATRO “VEGAS BAJAS”

 

Contra la Democracia forma parte del corpus creativo de Esteve Soler, que subvierte la percepción que tenemos de las cosas y su interpretación, llevada a los límites. Tres obras en formatos de sketches, por desgracia, coyunturales y más cercanos a la realidad de lo que nos gustaría. Como hilo conductor y amalgama de la las historias los actores van introduciendo en una urna, tras su lectura, citas de grandes pensadores sobre la democracia y el funcionamiento de la sociedad. Sobre cada pieza flotan diversas influencias y referencias de las que han bebido. Desde el teatro del absurdo, que se puede peinar en el episodio de los vecinos que han olvidado contar, a el Grand Guignol anímico donde los padres tratar de hacer un ERE familiar con su hijo, el bretchiano ejercicio de eliminar la cuarta pared en el episodio de la mujer afgana, o esa distopía donde los padres tienen un  insecto-larva. Contra la Democracia es un contundente puñetazo en el plexo solar de la sociedad. Un texto y un montaje para nada complacientes, duros, ásperos, limítrofes. Un notorio ejercicio de incorrección política cum laude.

La sensación en el epílogo de esta negrísima propuesta, es de una incomodidad señera. Uno de esas invitaciones que consiguen que el espectador se remueva intranquilo y carraspee en determinadas escenas casi indigeribles. Un enorme esperpento contemporáneo con mucha mala baba, certero y profético. La compañía arriesga en un montaje difícil, nada complaciente y peligrosamente extremo. Un chute de adrenalina dramática directamente en vena. Ejercicio actoral, que se desenvuelve en una impactante escenografía distópica de Mónica Tejeiro y apoyado por la iluminación expresionista de Daniel Checa, en un difícil juego de personalidades que se solapan. Es para quitarse el sombrero. La brevedad de las transiciones, las personalidades tan distantes, la disgregación casi esquizofrénica de las voluntades, la versatilidad en el lenguaje gestual y la declamación llevan, detrás, muchas horas de insomnio y gargantas como papel de lija. Es lo que tiene el oficio, que lo difícil parece sencillo. Memé Tabares hace gala de un amplio espectro dramático.

Navega por el esperpento con soltura para dar un salto mortal desde una velada mujer afgana; a la que debe interpretar tan sólo con el verbo; pasea por un costumbrismo del absurdo con esa mujer en pijama, que el vecino despierta a deshoras. Hay muchas tablas detrás de esa presencia escénica, de ese verbo modulado, de ese control de un fatum, aparentemente incontrolable. José Vicente Moirón no le anda a la zaga. La declamación, plena de matices, la proyección de voz;  especialmente en el scketch de la mujer afgana; clara e intensa, el lenguaje corporal, en su justa medida. Es a Marina Recio a quien le toca la parte más oscura y áspera de este espejo deformado. Dos difíciles instantes que maneja con naturalidad y mesura, pese a lo terrible de la situación del último cuadro con el rey Leopoldo II de Austria. Los roles de Gabriel Moreno le sientan como un guante, cambiando de registro con pasmosa naturalidad. Por esta obra planean, sin duda, las sombras de Kafka, Pirandello o las pesadillas de Poe. La dirección de Antonio C. Guijosa es certera y esforzada.

Los buñuelianos personajes adquieren vida, habitan, palpitantes, una realidad no tan paralela, arropados por una magnífica selección sonora (impagable ese Bang, Bang de Nancy Sinatra). Contra la Democracia es una hoja afilada (y necesaria) cortando la textura social que nos constriñe y encarcela. Un bisturí undenground , una oscura parábola, penetrante y cercana. Esta paleta cromática es sostenida  por el sólido elenco de esta compañía, que nos muestra el calidoscopio de un mundo desolador y desolado, pero sin adoctrinamientos ni dogmatismos. Apoyado en desnudez de la palabra. Un espectáculo osado, demoledor y necesario que remueve conciencias y solicita respuestas del espectador.

Función comentada: 14 de octubre de 2018. Puebla de la Calzada. Badajoz

 

Francisco ColladoFrancisco Collado 

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LOS AÑOS RÁPIDOS, ÉXITO QUE SIGUE EN EL TEATRO DEL BARRIO

 

Los años rápidos es una pieza dramática que -me atrevería a asegurar- tiene una carpintería perfecta, pues se inicia con una comicidad de alto calado (aquí la gente ríe identificada con el padre, que tiene una cultura muy compartida por la intelectualidad de los 60 y que es un perfecto inútil y, para colmo, bebe) y se estremece con el papel guardián de la madre, una madre durísima, casi de Bertold Brecht, una madre que la mayoría también reconoce como suya. Luego viene una parte central terrible, es la que corresponde a la generación de los hijos, ya adultos, que se despedazan como fieras porque de pequeños se amaron. Justamente por eso. Y como colofón, llega un prodigio de superposición de planos en que las dos generaciones -la una muerta, la otra no- tratan de encontrar una grieta por donde recobrar algunas migajas de lo perdido para reconciliarse. No hay enemigos externos, ni siquiera un régimen al que echar la culpa, son ellos mismos los opresores y los oprimidos, aunque los prejuicios no se cultivan solos…

Ahora bien, y siguiendo con el tema carpintería fina, lo que se te echa a la yugular como espectador son las canciones: románticas unas, decadentes otras, memas las más… que ya no te dejan escapatoria porque son clocadas a la traición y no queda otra que rendirse.

La obra habla de seres humanos y los 4 actores están soberbios, los amas. ¿Cómo puede ser que uno se identifique con los cuatro, tan distintos y distantes?

Y el tema, que va desgranándose en pinceladas, no lleva ni mucho menos a donde esperabas: que si el choque generacional, que si la postguerra, que si las ideologías… Nada de eso, el tema-tema te deja ya sin respiración. Para ser primerizo, Secun de la Rosa ha dirigido muy bien su propia obra. Sorpresa total.

 

Texto y dirección: Secun de la Rosa

Reparto: Cecilia Solaguren, Sandra Collantes, Pepa Pedroche, José Luis Martínez

Docto Mequetrefe y Chariny producciones

Teatro del Barrio (Calle Zurita, Lavapiés)

Todos los fines de semana del 12 al 28 de octubre (12, 13, 14, 20, 21, 27 y 28 de octubre, a las 20h00'; domingos a las 19h 00’

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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VENUS: CUANDO EL AMOR SE ACABA… ¿ES PARA SIEMPRE?

 

Venus es la ópera prima como dramaturgo de Víctor Condedirector de obras como The Hole 2Olvida los tambores o Pegados (Premio Max al Mejor Musical 2011). Pero por encima de todo, Venus es una ensoñación, y más aún a la hora en que yo la vi, o más bien la contemplé: las 23 horas de un sábado de puente. No sé si oí, vi o soñé las frases que se decían allí, tan preciosas, con sus interrogaciones sin resolver, directas e indirectas, insolubles, así como la música tan divina que en directo las acompañaba, ataviados los cinco personajes con estupendos trajes, muy bien peinadas ellas, en medio de una escenografía de terraza o de bar muy tranquilo, un bar donde siempre hay sitio para ti y que invita a sentarte un momento y a pasar a otra cosa porque el tiempo se va.

Pero no te echa, te vas tú y vuelves, todo vuelve, y ellos se reencuentran, su sitio sigue disponible aunque haya estado operativo para otros. 

Por cierto, ¿me enteré de algo? ¿Me pierdo cosas íntimas de esas que le van al cotilleo o al espíritu de facción? ¿Se están echando algo en cara? Seguramente. Tal vez murmuran, pero no gritan aunque sí susurran. Mucho. Y se besan. Nadie parece salir herido.

Venus habla de las cosas que no se dicen, del amor perdido y la posibilidad de volver a vivirlo. Como en la película Sin fin de los Hermanos Alenda, Venus habla también de las segundas oportunidades y de cómo vemos las cosas de distinta forma a través de la perspectiva de los años y del paso del tiempo.

Pone como ejemplo a Venus y Marte de cuya unión nació Cupido el travieso, con sus carnes sonrosadas y sus flechas. Venus sufrió un duro castigo por parte de los otros dioses, celosos y vigilantes, pero la cuestión es si le mereció la pena afrontarlo.

 

Texto y dirección: Víctor Conde

Reparto: Ariana Bruguera, Carlos Gorbe, Paula Muñoz, Antonio Hortelano, Carlos Serrano-Clark

Vania Produccions

Producción: Carles Roca y Ana Guarnizo

Teatros del Canal. (c/ Cea Bermúdez, 1, Madrid), del 12 al 27 de octubre

Función comentada: Sábado 13 de octubre a las 23h

 

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PREMIÈRE, EL CAMPANAZO DE VERÓNICA MEY

 

Producida por Good Plays, Première, ópera prima como autora y directora de la actriz Verónica Mey,  quien reflexiona en ella, a través de una peripecia muy cinematográfica y de trasfondo moral, sobre las ambiciones humanas, particularmente las referidas a jóvenes actores y los vacíos existenciales que la ambición por llegar genera, y el precio que estamos dispuestos a pagar por conseguir los sueños. “Qué estaría usted dispuesto a hacer”, o “Hasta dónde estaría usted dispuesto a llegar”, son las preguntas nada retóricas quela obra invita a formularse.

El argumento, nadie mejor que una actriz de éxito como Verónica Mey  para contarlo: “La noche del estreno de su primera película, Jara cree que ha tocado el cielo. Toda la sala puesta en pie la aplaude sin cesar. Después de la fiesta de rigor, donde es presentada como la más firme promesa del panorama cinematográfico español, se lanza a la espiral de una noche interminable acompañada por su novio Nico, también protagonista de la cinta, su amiga Miriam  y su inseparable amigo Mateo, director de arte en ciernes. Pero cuando llegan a casa de Jara para continuar la velada, una inesperada revelación les enfrentará a una realidad que no pueden obviar y que cambiará sus vidas para siempre.”

¿Qué quedará de ellos, de sus sueños y de su amistad al final de la noche?  En una danza nocturna de lo más reveladora y a veces  macabra, van saliendo verdades, unas dramáticas, otras crueles como la vida misma y en medio de ellas, asistimos a un renacer a la vida que es un sálvese quien pueda. El resto será desmayo, y un agarrarse a lo que queda de ellos mismos para seguir adelante.

En Première se demuestra que los sueños no tienen por qué ser los mismos para todos. De ahí que, junto a los sueños de gloria de la protagonista y de su manager Mateo, capaces de todo por triunfar, su amiga María se sienta feliz con algo tan alejado de los escenarios y de toda gloria cinematográfica como es el campanazo con que asesta de golpe a Jara. Esa será la sorpresa, la primera de todas cuantas ofrece la obra y que te deja sin aliento pero que irá a más cuando Nico la secunde a ella y no a Jara.

En la vida estas cosas pasan.

De ahí que el sentido de la ambición se reparta según los sueños de cada cual. Algo que los contagiosos  “na-na-na” de “Rumore” de Raffaela Carrá contribuyen muy bien a subrayar.

 

Título: Première

Dirección y dramaturgia: Verónica Mey

Reparto: Verónica Larios, Manu Hernández, Raquel Meleiro y Jordi Gimeno

Producción: Good Plays

Teatros Luchana de Madrid, hasta el 11 de noviembre de 2018

Función comentada: 14 de octubre de 2018

 

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LA SENCILLEZ DE UNOS DIÁLOGOS DIFÍCILES

 

Con el título genérico de Diálogos difíciles / Difficult Dialogues se nos ofreció un curioso y certero montaje de tres pulgas dramáticas del dramaturgo español José Moreno Arenas.

Tras la bienvenida ofrecida por el Dr. John Boitano y una interesante introducción de la doctora Polly J. Hodge, Cathryn O’Donnell (en el papel de Mother) y Ashton Miramontes (en el de Son) abrieron el fuego con Shame. La destreza y buen quehacer de la actriz, poseedora de una voz, una dicción y una presencia escénica más que notables, transmitieron a la perfección la reversión de valores planteada desde el texto, para estupefacción de su compañero de escena, que no puede evitar el desenlace oportuno.

Le siguió El encuentro / The Encounter, en el que Antonio Abarca (en el papel de Diálogos), en clave de descarada ironía, reivindicó el valor y la necesidad del diálogo, a través de un “espanglish” pintoresco, ante la frustración saturada de Alejandro de Anda (Muditos).

El corazón / Heart, de acuerdo con la línea marcada por el texto anterior, permitió a Jackie Palacios (estupenda Mujer) desarrollar su exuberancia verborreica para pasmo y obligada reacción de Zacharias Estrada (que encarnó al Hombre).

Como digno colofón, Cathryn O’Donnell y Ashton Miramontes volvieron a interpretar sus personajes del inicio, en este caso en castellano, en La pena.

Todo ello dirigido con atinada vitalidad por Tamiko Washington, en un ejercicio estupendo de praxis de convivencia –sea desde la combinación, sea desde la alternancia– de dos lenguas diferentes en el idioma universal que es el teatro.

La elección y regiduría de actores y actrices resultaron logrados y permitieron transmitir al espectador toda la gama de sentimientos, sensaciones, ideas y planteamientos que se suceden en los textos.

De igual modo, las pulgas seleccionadas y sus traducciones –todas ellas excelentes, en atención tanto al espíritu como a la letra– conformaron un espectáculo más que digno, ora divertido, ora doloroso, cargado de guiños, de matices y de versatilidad. Asistimos a la representación de la sencillez de unos diálogos difíciles.

El acto concluyó con un entretenido e interesante coloquio entre el autor, la directora y los intérpretes, por un lado, y el público, por el otro.

En resumen, un acontecimiento teatral de relevancia, plural, múltiple (en formas y en contenidos) y generoso, que puso de manifiesto la ya conocida pericia de Moreno Arenas, el acierto y la sabiduría de la directora de escena, el talante de los intérpretes y la validez de una propuesta seguida y aplaudida por un público entregado.

 

Espectáculo: Diálogos difíciles / Difficult Dialogues. Incluye las obras: Shame, El encuentro / The Encounter, El corazón / Hearth y La pena.

Autor: José Moreno Arenas

Compañía: Grupo de Teatro de Chapman University

Directora: Tamiko Washington

Intérpretes: Cathryn O’Donnell, Ashton Miramontes, Antonio Abarca, Alejandro de Anda, Jackie Palacios, y Zacharias Estrada

Coordinadora: Polly J. Hodge

Producción: Wilkinson College

Lugar: Sandhu Conference Center (Chapman University, Orange, California)

Fecha: 3 de octubre de 2018

 

Teresa L. Sweet - Wilkinson College / Chapman University - (Orange, California, USA)

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