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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 15-9-2016

 

NOTICIAS TEATRALES
Elaboradas por Salvador Enríquez
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DESDE LA PLATEA

 

Índice de comentarios

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BAYCHIMO TEATRO: TODOS SUS PATITOS

Por Nunci de León

LAS 50 SOMBRAS DE ANDREU, DE BARCELONA A MADRID

Por Nunci de León

EL BRUJO BRUJULEA POR EL QUIJOTE, EN LOS TEATROS DEL CANAL

Por Titania

MEDINACELI  (SORIA) APUESTA POR LA ÓPERA

Por Francisco Mejorada Jiménez

REFRESCANTE HUMOR EN LA VERBENA DE LA PALOMA

Por Francisco Mejorada Jiménez

TEATROS DE SEGUNDA,  OBRAS DE PRIMERA: MALDITAS EN LA SALA TÚ

Por Francisco Mejorada Jiménez

MASTER CLASS DE CORNELIUS HORGAN DEL ACTOR’S STUDIO DE NUEVA YORK, SOBRE EL MUSICAL DON JUAN

Por Nunci de León

NO SERÉ FELIZ… PERO TENGO MARIDO, EN EL MUÑOZ SECA

Por Nunci de León

DOS BUENOS PURITANI EN EL TEATRO REAL

Por Francisco Mejorada Jiménez

CATÁLOGO DE SOLUCIONES PARA LIBRARSE DE HOMBRES INADECUADOS

Por Nunci de León

EL EMPERADOR DE LA ATLÁNTIDA, HOMENAJE A UN GRAN COMPOSITOR

Por Francisco Mejorada Jiménez

CIRCO DE SOMBRAS DE GUANAJUATO: CERVANTES A LA LUZ DE LAS TINIEBLAS

Por Nunci de León

EL REAL LIDIÓ MUY BIEN EL TORO DODECAFÓNICO

Por Francisco Mejorada Jiménez

BATLEFIELD: GANAR LA BATALLA A  LA GUERRA

Por Titania

Los jóvenes de la “Scuola dell’Opera del Teatro Comunale di Bologna” estrenan Le nozze di Figaro de Mozart

Por Magda Ruggeri Marchetti

MADRID SIGUE IGUAL…

Por Francisco Mejorada Jiménez

SI LA COSA FUNCIONA: ¡FALTARÍA MÁS!

Por Nunci de León

TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS: UN TRABAJO TEATRAL PROVECHOSO, Y BURLÓN

Por Titania

PARSIFAL, UNA MÚSICA SUBLIME INUNDA EL REAL

Por Francisco Mejorada Jiménez

HOMENAJE A UNA GRAN MUJER: MARÍA MOLINER

Por Francisco Mejorada Jiménez

AVENTURA EN EL DESIERTO. EL SECRETO DEL ELIXIR

Por Nunci de León

GEORGE DANDIN, DE MOLIÈRE: TODOS CONTRA EL BURGUÉS

Por Nunci de León

¡CORRE!, DE YOLANDA GARCÍA SERRANO: UNA PERFECCIÓN QUE DUELE

Por Nunci de León

EL TRIUNFO DEL AMOR: TEATRO DIVERTIDAMENTE SERIO

Por Titania

CINE: EL TEATRO A TRAVÉS DE UN VELO

Por Titania

HAMLET: EL PRÍNCIPE QUE RABIÓ

Por Titania

TODO IRÁ BIEN... EN EL MEJOR DE LOS MUNDOS POSIBLES

Por Nunci de León

EL BARROCO SE ACERCA A LA ZARZUELA

Por Francisco Mejorada Jiménez

EL CASAMIENTO EN RÉPLIKA: DELIRIO DE IDENTIDADES

Por Nunci de León

UN DIOS SALVAJE LLEGA AL TEATRO APOLO

Por Nunci de León

UN WAGNER ATÍPICO: LA PROHIBICIÓN  DE AMAR

Por Francisco Mejorada Jiménez

CRÓNICA DE UNA CASA REAL

Por Nunci de León

Vida de galileo de Bertolt Brecht en el Teatro Valle Inclán

Por Magda Ruggeri Marchetti

JUGAR, VIVIR, SOÑAR, SOBRE UNA MESA: THE TABLE

Por Titania

 

BAYCHIMO TEATRO: TODOS SUS PATITOS

 

Todos sus patitos evoca por su título algo muy civilizado, pero estamos en el bosque y todo son peligros. Ya al entrar, percibimos despacio una música compuesta de sonidos que no son nada inocentes, aunque sí lo sean los que los producen: un palo sobre el hueco de un tronco, una caña que sopla en el agua, unos trozos de goma que figuran el corazón y el estómago con su bombeo incesante y su rugido ancestral, que hay que ver lo cerca que están los dos en el bosque, el corazón y el estómago, casi se confunden, ya veremos. Todo incita a recogerse y a observar, dan tiempo los que los producen, nada se precipita.

Y entonces empieza la historia de un zorro y un pollo recién salido del huevo, es un patito amarillo que nos dará todo tipo de sorpresas, menuda pieza. El zorro piensa en zampárselo, qué tierno, pero el pollito le sorprende con un Pa-pa. o eso entiende él, y está perdido. Qué se yo qué onomatopeyas se trae el patito aprendidas, a lo mejor llama a mamá Pata con su lengua de trapo, pero el zorro entiende Pa-pa, se ablanda (como todos los hombres al oír decir Papá) y ya no se lo come. Está perdido, sus tripas rugen (el corazón y el estómago van juntos) pero no se lo come y sigue hambriento, el hambre es fea, hace malos a todos menos a un Papá.

El patito no se queda quieto y sale, se pierde, el padre zorro lo busca, se angustia, vuelve a casa sin él por si ha vuelto… Ha vuelto pero acompañado, ha ligado, no se ha privado de nada, y a pesar de las desavenencias, aumenta la prole y aumenta la familia del zorro. Buena la hizo, ahora sus rugidos hambrientos molestan a la nuera Pata. Llegan a un pacto, ya son ocho en casa, el hijo no hace más que perderse y ligar, el padre los adopta a todos.

Todos sus patitos es un canto a la paternidad, a las relaciones paternofiliales entre seres tan distintos que se reconocen en esa dependencia afectiva, en ese sentido de la pertenencia tan necesario para crecer. Supongo aquella loba que amamantó a Rómulo y Remo en las colinas de Roma se lo pensó antes de ceder, si comérselos o no.

Pero esto no es sólo una fábula preciosa para niños basada en el cuento de un gran escritor. Una fábula cuya representación fue premiada con el Draco d’or en la Feria de Titules de Lleida, sino una fábula hermética y llena de misterios en la que también los adultos pueden tener su visión de los hechos: el zorro padre acaba queriendo tanto a su familia de patitos, que verá ocupada por completo su casa, ya es un ocupa en su propia casa. Y a la larga a la larga, tal vez acaben operándole de ese rugido tan molesto que no deja dormir a la nuera. Todo antes de pensar que él también tiene que comer.

 

Título: Todos sus patitos

Actores: Paloma Leal y Ramón Enríquez

Escenografía e iluminación: Arturo Ledesma y Baychimo Teatro

Espacio Sonoro: Fernando Pérez

Baychimo Teatro

Fecha: 3 de septiembre de 2016

Sala Tarambana (Carabanchel)

 

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LAS 50 SOMBRAS DE ANDREU, DE BARCELONA A MADRID

 

Andreu y Anastasia son una pareja que promete mucho en un tema que es muy difícil de concretar: el erotismo de una novela (50 sombras de Grey) de tintes sadomasoquistas que fue la más leída del año, más tarde película y ahora parodia bufa en manos de grandes actores mediante un show de humor para fans y detractores del libro que más ha dado que hablar en los últimos años.

Un tío muy simpático, el Andreu Casanova, que cae bien al principio y al final, aunque da la impresión de que en “el tema que nos ocupa” todo está siempre a punto de empezar y no bien arranca la función cuando ya se termina. O de que todo puede volver a empezar para poder seguir adelante (coger impulso) y así cumplir con lo prometido, que es deuda. Porque resulta que hay que pillar, ¿pero qué es lo que hay que pillar? Poner cara de tonta, no me ayuda a nada, todos ríen a mi alrededor y me alegro por ellos.

Ella, Anastasia (Rocío Gutiérrez), es tan deslenguada que él, cuando aparece, resulta casi modosito, un pincel de aseado y “très poli”, muy buen chico y alicatado hasta el techo, que sólo le falta el alzacuellos para realzarse. Porque ella es quien prepara el camino para que cuando él llegue, todo esté llano menos las cuestas y todos con unos ojos bien abiertos en espera de la buena nueva, la que nos libere de complejos y tabúes y nos lleve a tratar con desenfado algo tan íntimo como las relaciones sexuales. ¿Quién no ha conocido un Grey en su vida? ¿Quién no lo ha tenido incluso en la suya? Todo es ponerse a imaginarlo para contarlo, aunque bien pensado, ¿de verdad hay muchas mujeres a día de hoy (¿a ver, que levanten la mano!) que estarían dispuestas a emular a la protagonista del libro o de la película? Esto es lo que quiere hacernos ver Andreu Casanova si es que o he entendido algo, que hay cosas que imaginadas y deseadas a placer, nadie las querría en su vida.

Parece que todo está más en contarlo que en haberlo vivido, como si ya el hecho de haberlo imaginado o soñado le diera un valor igual o superior a la realidad o como si todo fuera realidad aunque de distinto tipo.

Volviendo a Andreu y sus 50 sombras, creo que el tema está en calzones y bien está empezar por algo, aunque de momento nos quedemos en vocabulario y gestos. El problema es buscar la forma de avanzar sin ser groseros, y en eso deben estar los que se embarcan en estas audacias ilustrativas de lo íntimo y oscuro. Andreu no es grosero, y así el tema avanza según la fantasía de cada cual, que va a saltos. Hay un momento en que agarra la botella de agua (el chico tiene sed) y casi se la traga. La marca de aguas en cuestión se caracteriza por tener el morro o pitorro muy ancho, y de ahí compone el chiste con el que empieza a romper el hielo: Este Solán o Solal está tremendo… Es un público muy preparado, que va muy rápido absorbiendo. Entonces o después, cuando ya uno ha salido a la calle, Andreu lanza muchos cabos que atar.

Después de triunfar en Barcelona, al público madrileño se le ofrece una nueva oportunidad para conocer al verdadero Grey… de Barcelona. O sea, Andreu Casanova es uno de los humoristas con más proyección en el panorama nacional. Andreu Casanova y Anestesia protagonizan un divertido cambio de roles con los que parodian y ridiculizan los momentos más conocidos del best seller. El público participa en el espectáculo en muchos momentos, compartiendo con los actores sus experiencias de pareja. Vayan preparados para participar, por si les toca. Y al final todos querían un selfie con Andreu y con Rocío.

 

Título: 50 sombras de Andreu

Reparto: Andreu Casanova y Rocío Gutiérrez

Equipo: Josep Mª Raventós, Andreu Casanova y Rocío Gutiérrez

Fecha de la función comentada: 24 de agosto de 2016

Pequeño teatro Gran Vía

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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EL BRUJO BRUJULEA POR EL QUIJOTE, EN LOS TEATROS DEL CANAL

 

En este año de aniversarios, los cómicos y comediantes, los autores y artistas, han querido demostrar su amor por Cervantes, y Don Quijote, rescatándolos del rincón del olvido, donde habían sido oficialmente relegados, apartados. El Brujo tampoco ha querido resistirse a caer en la tentación, y a pesar del silencio gubernamental, y sin miedo, ha rendido homenaje al enjuto Hidalgo de la Mancha, y al creador de sus palabras, Miguel de Cervantes.

Pronto descubrimos que La Palabra, contada, o escrita, será la protagonista de este misterioso, y filosófico divertimento.

Rafael Álvarez parece haber hecho un pacto con algún espíritu burlón, para no envejecer, y el tiempo hace un quiebro, evita dejar su huella, para que el Brujo, en un juego atemporal y poliédrico, se solace, (y nos divierta), siendo juglar, cómico, erudito del Siglo de Oro, y creador vanguardista…

En esta cita teatral, se ocupa, indaga, bucea por los secretos del Quijote, y nos arrastra con él, en la aventura, hasta sumergirnos en sus enigmas, sus incógnitas, sus entresijos, para desvelarnos sus misterios, incluso a los que reconocen pública, y abiertamente, no haber leído la Novela…

La puesta en escena es tan minimalista, que el Brujo, dibuja sobre el escenario, no sólo el resto de los personajes, también recrea los accesorios, la escenografía. Sólo las luces, o la música bañan,  subrayan las palabras, los capítulos escritos por Miguel de Cervantes.

El narrador, quien desde un primer momento, se define como un juglar que transmite la tradición oral.También, nos anuncia y confiesa, que nos guiará por una mezcla de esa tradición hablada, popular, con el Teatro de vanguardia, y cumpliendo su ofrenda, su desafío, va fundiendo sus meditaciones, sus bufonadas, sus pesquisas, sus hallazgos, para revelarnos los Misterios de la vida y la muerte del Quijote, de Cervantes…

Sobre las Tablas desnudas, se mueve, gesticula, vocaliza El Brujo, y se las ingenia, para rememoramos a don Alonso Quijano, el Bachiller Carrasco, el Cura, el Ventero,...

Pero también ilustra a Rajoy, Montoro, expone el 21% de IVA que exprime y ahoga a la Cultura, o nos recuerda  a Sánchez, o a Iglesias, y nos imagina votando el día de Navidad...

Los acompañantes, de este relato, no dejamos de reír, a pesar de las punzadas que nos hacen reflexionar, incluso al cierre, con el toque de emoción que pone el broche final… Tras el pertinente silencio valorativo, caen las carcajadas, como si fueran el Telón.

Si esta fábula les ha interesado, les adelanto que cuando finalice de husmear, escudriñar, de  explorar la vida, y la muerte de Cervantes y el Quijote, Rafael Álvarez, girará de nuevo sobre sus talones, y cantará a dúo con Teresa de Jesús.

 

MISTERIOS DEL QUIJOTE

Intérprete: El Brujo

Dirección: Rafael Álvarez 

Música: Javier Alejano

Diseño de iluminación: Miguel Ángel Camacho

 

http://www.teatroscanal.com

 

Titania  

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MEDINACELI  (SORIA) APUESTA POR LA ÓPERA

 

Se ha celebrado en el Palacio Ducal de Medinaceli el III festival de ópera de esta ciudad soriana, patrocinado por DEARTE; tres días, 5, 6 y 7 de agosto, en el primero de los cuales se entregan los premios a los ganadores del Concurso de Canto de Medinaceli, que este año ha celebrado su tercera edición, y en el que después de la entrega de premios se celebra una cena acompañada de interpretación de fragmentos de ópera y zarzuela por estos ganadores. En el segundo dia se representa una ópera, en esta ocasión ha sido Madama Butterfly de Puccini, y en el tercero un espectáculo para niños, presentado por la compañía Diverlirica con el nombre de Ven a cocinar la ópera

 

UNA MADAMA BUTTERFLY DE GRAN CATEGORIA

La representación de la ópera de Puccini, alcanzó un nivel de primera línea, en la producción de la compañía Prestissimo, con un magnifico elenco encabezado por Virginia Wagner como Cio Cio San que hizo una interpretación memorable tanto vocalmente como en la dramatización del personaje. Muy bien el Pinkerton de Manuel Silva, que mostró un gran conocimiento del personaje que demostró a través de una excelente interpretación, al igual que Carlos Andrade como Sharpless, en uno de los mejores momentos vocales de este barítono mexicano, que le permitió crear un personaje con una profundidad poco usual en lo que se ve por los escenarios. Exquisita la Suzuki de Ana Maria Ramos, que aparte de una voz de un nivel altísimo, se metió en el papel de la asistente de la Butterfly con una dramatización intensa, que en sus lágrimas reales, pareció que la obra era verista. Ángel Walter imprimió a su  Goro esa mezcla de humor  y dramatismo que domina a la perfección. Dos personajes como El príncipe Yamadori y el tío Bonzo destacaron por la importante voces de Albert Camon y Francisco Santiago. El limitado papel de Kate Pinkerton lo llevo con suficiencia la ganadora del I Concurso de Canto de Medinaceli, Anna Moroz.

La dirección musical de Álvaro Lázaro, fue de las que en condiciones normales situarían a un director musical en cotas altísimas, al punto de que alguien comentó que parecía una pequeña orquesta sinfónica, en especial pensando que no eran más que 20 músicos.

El veterano Antonio Ramallo realizo un montaje ajustado a lo clásico que asombró por su perfección.

En resumen una noche mágica, reconocida por un público en pie aplaudiendo a todo el elenco.

 

UNA DIVERSIÓN INFANTIL CON EL NOMBRE VEN A COCINAR LA ÓPERA

La compañía Diverlirica puso el punto final al Festival con un espectáculo para niños, con las intervenciones de Ángel Walter y Raquel Cordero  y con el apoyo musical de Celia Laguna. Una auténtica gozada para el público menudo, que se divirtió tanto con el espectáculo como con sus propias intervenciones líricas. Un éxito rotundo que avala el interés de los niños por todo aquello que se les da en un formato divertido y asequible y que puede llegar a crear una afición a un tema cultural de altura como es la lírica.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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REFRESCANTE HUMOR EN LA VERBENA DE LA PALOMA

 

Como antiguamente Don Juan Tenorio se representaba cada 1 de noviembre, ahora se representa todos los agostos La Verbena de la Paloma. En esta ocasión es la compañía DelPortal Producciones, dirigida por Nieves Fernández de Sevilla, la que la trae al teatro Phillips Gran Vía con un montaje de muy buenas hechuras y un elenco brillante.

La Verbena de la Paloma se presta a chascarrillos y modificaciones en el libreto, a fin de provocar la risa del público, especialmente al que va a la pura diversión, sin reparar en detalles que puedan distanciarse de los autores y que ya se han institucionalizado, como las formas de andar y hablar del personaje del tabernero y sus acompañantes, que el público devoto de estas interpretaciones aplaude en cada ocasión que aparecen en el escenario. Otro ejemplo, es la parte que viene a continuación de la famosísima habanera del final de la obra, en la que el compositor, Tomás Bretón y el libretista Ricardo de la Vega “regalan” a los espectadores un momento de una calidad y delicadeza, que no se corresponde con lo que se nos muestra en la escena, nos referimos a ese fragmento que dice,… Así te vas …Voy de verbena…, lleno de sensibilidad y que en el escenario se convierte en un guirigay de empujones, que desvirtua la idea original. Pero los públicos veraniegos quieren jolgorio y esta forma de presentar la gran obra maestra del género chico, reciben esa comprensible dosis de diversión. En cualquier caso todo el montaje dirigido por Lorenzo Moncloa, movimiento de cantantes y actores es fantástico, así como el decorado dentro de la línea más clásica.

La dirección musical, muy acertada por parte de Carlos Díez sacando partido a una exigua orquesta pero que cumple a la perfección con la partitura.

El coro, realmente bien, lo que es de agradecer, porque suele ser la parte débil de las obras de bajo presupuesto.

El elenco, muy equilibrado en un nivel realmente bueno, en el que sin duda destacaríamos a Antonio Torres que compone un perfecto Julián, tanto dramáticamente como en la faceta canora, con una voz llena de matices muy en la línea de este gran barítono. Queremos también destacar la Susana de Pilar Tejero, con una presencia escénica digna de grandes teatros, que acompaña con una voz importante para dar una perfecta réplica a Torres. El Don Hilarión de Santos Ariño realmente bueno, pues es un cantante con unas capacidades actorales sobresalientes, sostenidas además por una voz de calidad poco habitual. La Señá Rita de Carmen Aparicio es resuelta con solvencia por esta cantante que conoce muy bien el escenario, como sucede con Ángel Walter, unos de los cantantes actores que domina todas las facetas de la lírica y el teatro. Dejamos para el final a la Tía Antonia de Amelia Font, otra artista con una arrolladora presencia escénica, cuya carrera pasa por multitud de papeles, a los que aporta todos los matices posibles. El resto del elenco realmente bueno.

Esta crítica parecerá exagerada en cuanto a sus bondades, pero no es así. Esta verbena aparte de divertida, es de unas hechuras de primer nivel con un presupuesto de nivel ínfimo. Cosas del arte en este país.

El público salió satisfechísimo y lo demostró con entusiasmo en los aplausos y bravos.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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TEATROS DE SEGUNDA,  OBRAS DE PRIMERA: MALDITAS EN LA SALA TÚ

 

No descubro nada al decir que hoy existen varias clases de teatro en cuanto a su nivel presupuestario, el gran teatro (grande por la capacidad de espectadores y los presupuestos que se manejan) y el pequeño teatro, pequeño de tamaño y presupuesto que suele representarse en las llamadas “salas alternativas”. Si echamos la vista atrás esto ya sucedió allá por el siglo XIX, motivado por una gran crisis económica, que permitía representar, inicialmente en cafés y luego en teatros, varias obras sucesivas por las que el espectador interesado, podía ver pagando por cada una de ellas cantidades menores que una obra de gran formato.

En la actualidad sucede algo similar no en cuanto a la duración, sino al precio de la localidad y las producciones de corto elenco y escenografía reducida al mínimo. Todo ello lleva a un gran esfuerzo de calidad interpretativa y libretos generalmente densos de contenido, para compensar lo anteriormente dicho. Tal es el caso de la obra Malditas que se representa en la Sala Tú, de Malasaña, por la compañía Thales, formada por las dos intérpretes, Cata Cutanda y Rosa Cantero, autora y directora de la obra.

El tema de la obra está dentro del llamado meta teatro, y en el se nos ofrece una visión crítica de la sociedad, apelando sutilmente a la solidaridad, el amor y la carencia de apoyo al teatro, convirtiéndolo en ese Viaje a ninguna parte, en el que Fernán-Gomez ya nos mostraba las penurias de los “cómicos”.

El principio de la obra es muy original, presentando a dos siamesas que explican cómo ha sido su vida con sus limitaciones y la visión de la sociedad sobre ellas. La supuesta falta de un final para la obra, a medio terminar, deriva el argumento hacia las dudas acerca de su trabajo y sobre si merece la pena seguir porque no lleva a ninguna parte, solo a una subsistencia cada vez más precaria. El amor, la voluntad, los avatares, en los que se incluyen dos enfermedades de cáncer, llevan a un final sino feliz, si coherente con esa fortaleza y espíritu de lucha por algo que irrenunciable en su vida,  el teatro.

Las interpretaciones de Cata Cutanda y Rosa Cantero son impecables, con una solvencia dramática excelente, capaz de trabajar con los tres registros que sus papeles exigen, siamesas, actrices creadoras de la obra, y finalmente amigas, capaces de renunciar a sí mismas por el incondicional apoyo a la otra.

Llevo mucho tiempo viendo obras aparentemente menores y entristece ver que en ellas se plasma una calidad, que en absoluto es superada por muchas de las obras de salas grandes, con grandes propagandas, con grandes montajes porque en el arte los grandes presupuestos, no necesariamente avalan creatividad y  calidad. Pero parece que lamentablemente es así y parece que seguirá por mucho tiempo. En cualquier caso, desde aquí el agradecimiento a estas pequeñas compañías, por demostrarnos que hay otros caminos que nos emocionan y que esconden un arte con mayúsculas.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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MASTER CLASS DE CORNELIUS HORGAN DEL ACTOR’S STUDIO DE NUEVA YORK, SOBRE EL MUSICAL DON JUAN

 

El sábado 6 de agosto de 2016 a las 12 de la mañana, el actor Cornelius Horgan, del Actor’s Studio de Nueva York, impartió una clase magistral para el elenco y el cuerpo de baile de El musical Don Juan. Un musical que se estrenará en Madrid el próximo 6 de octubre de 2016, en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía, siguiendo la obra escrita hace 150 años por José Zorrilla. Así lo repitió varias veces, para centrar el tema, con su acento americano Cornelius Horgan, como si el nombre de José Zorrilla lo tuviera hipnotizado y estuviera soñando con él.

Era la culminación a toda una semana de trabajo y reclusión del maestro con el equipo en pleno de la compañía y los protagonistas de El musical Don Juan en las instalaciones del Teatro Galileo.

Ahora teníamos la ocasión unos cuantos agraciados de unirnos a ellos y ser miembros por un día del “Actors Studio”, de asistir a ese broche de oro de la master class, y esto fue lo que yo presencié en el decurso de una hora:

Un actor recitaba un monólogo en inglés que alguien traducía al español y un actor único, sentado en una silla, lo mimaba ayudado por el maestro Cornelius Horgan. El monólogo pertenecía a Falstaff y el actor, que era joven y fuerte (el capitán Centellas en El musical Don Juan) se convirtió, subyugado por las potentes palabras, en un miserable saco de huesos.

Acto seguido, los protagonistas del Don Juan, de la mano de Cornelius Horgan, tuvieron ocasión de convertirse, por orden del maestro, en animales, cada cual a su elección, sin que en ningún momento hubiera necesidad de decir de qué animal se trataba. Cada uno con su yo íntimo debía ahondar en las actitudes y en los sentimientos de su animal buscando la verdad de esos sentimientos dentro de sí mismo.

A continuación, pude escuchar en vivo y en directo el diálogo entre Doña Inés y Brígida, su mentora (y celestina dentro del convento) dentro de los muros del convento, mientras hablaban de Don Juan.

La novicia, picada por la curiosidad, se resistía candorosamente, por virtud de su honra y de su buscado encierro, a dejarse ver por él, al tiempo que se retorcía en deseos de conocerlo, mientras que la mediadora, con argumentos piadosos (Don Juan enfermaría ante su negativa, ay, ya estaba más pálido, el pobre) acabó convenciéndola. Ambas explotaban así las artes y los ademanes aprendidos de sus animales respectivos. En los breves descansos, los actores debían atender a las cámaras y a los entrevistadores, lo mismo que el maestro por su parte, para lo cual abandonaban el escenario entre bambalinas.

Lo mejor era la calma del maestro, nunca alterada: “Tómense su tiempo, muy buen trabajo”, repetía a cada paso como un mantra. Y es que según él, los actores españoles son muy profesionales.

A continuación, llegó el turno del actor que será Don Juan en el musical, quien declaró, en un aria de gran belleza y claridad expresiva, cómo el encierro de Doña Inés y su inocencia le ponían en la tesitura, a él, que tantas conquistas había logrado sin esfuerzo, de tener que asaltar los muros del convento y hasta de bajar a los infiernos para arrancársela de las garras al mismísimo Satán. Mientras todo esto ocurría, el resto de los actores y bailarines seguían siempre en escena trabajando su animal.

Hasta aquí lo que pude ver y “aprender” en una hora.

El Actors Studio es una institución legendaria para los actores de todo el mundo. Creado por Lee Strasberg y dirigido en la actualidad por Al Pacino y Ellen Burstyn, Cornelius Horgan es uno de los miembros vitalicios del Actor’s Studio y reconocido profesor del mismo. De ahí que el productor Álex García lo haya invitado a venir a Madrid para impartir esta master class a todo el elenco del Don Juan que, junto con el cuerpo de baile, suman 24 miembros.

 

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NO SERÉ FELIZ… PERO TENGO MARIDO, EN EL MUÑOZ SECA

 

Así lo afirma Linda Peretz, quien con este título tan irónico “No seré feliz… pero tengo marido” da pie a un monólogo lleno de humor sobre ese discurso tan anclado en el feminismo que habla del papel de la mujer en el matrimonio. Discurso que de puro feminista es sólo paternalista y de donde debería brotar el revulsivo capaz de sacudir tanto masoquismo, pero ahí seguimos, siempre contra el varón pero siguiendo sus pasos. “Lo importante es que ya sabemos a quién echar la culpa”, tal es el mensaje que yo percibo en la obra, de ahí su perfecta ironía.

La actriz Linda Peretz, protagonista única de la pieza aunque con intervenciones grabadas de madre, hijo y marido, reúne en sí todas las características de la mujer sensible atrapada en una unión sin salida de la que tampoco quiere escapar. Ella es ama de casa y pintora, él un hombre de negocios que ama los coches y las modelos. Pues bien, resulta que Linda Peretz, judía sefardita argentina, prepárense ustedes la labia y la memoria -incluida la histórica- que rige esa cabeza, lleva 16 años con este espectáculo “feminista” cargado de desprecio hacia el varón con el que lleva 27 años de casada pero del que no puede desprenderse ni un solo momento. Todo la lleva a él. Es como si fuera de safari pero cada animal se lo recordara, como esas mujeres que han conseguido por fin superar una etapa (el aburrimiento posterior al atontamiento del amor en que han sido unas esclavas y así lo reconocen) pero a la que, inmisericordes, siguen enganchadas por los siglos sin poder hablar de otra cosa, estén donde estén y estén con quien estén, su matrimonio. Para salir corriendo cuando te encuentres una.

Linda reconoce que mientras ella cocina, él come; mientras ella limpia, él ensucia… Todo lo hacen a medias. Mientras ella sólo piensa en la poesía de la vida en pareja, el marido sólo piensa en el dinero y últimamente en las jovencitas, que cuando le dicen “Papito” se derrite.

No se llevan pequeño vapuleo los señores provectos de la sala que han acudido a verla acompañados de chicas mucho más jóvenes, pues hay entre el público teatral numerosos empresarios y raro es el que ha venido con su actual pareja, mucho menos con primera mujer (esto lo chequea con minuciosidad judaica Linda, de atrás para adelante y de adelante para atrás y vuelta a empezar, que ella lo quiere saber todo), pero ella sigue con lo suyo.

No seré feliz pero tengo marido es un título que está requetebién puesto. La obra se basa en el best seller de Viviana Gómez Thorpe y ha recorrido ya 12 países. Ahora bien, que pueda cambiar la vida de las mujeres, lo dudo, porque por muy de acuerdo que ellas estén, no van a poder evitar seguir contando lo que les pasa. Y ésta es la parodia que, como aviso para navegantes, nos entrega Linda Peretz con una frescura que sólo una actriz consumada puede renovar a lo largo de tantos años.

Su voz, apenas audible, es, junto con su figura de pintora sensible y anaranjada, lo mejor de su actuación. Una voz que se impone por nítida, suavísima, victimaria y pérfida. Una voz que cuanto más fina y acaramelada se vuelve (argentina), mejor se oye, y que actúa como un bisturí para examinar a las mujeres, pero sobre todo a los varones, sobre sus coincidencias con el suyo, su caso, su marido, su historial de agravios y tristezas perrunas que son su vida y que cuajan en la afirmación “No seré feliz… pero tengo marido”

Porque resulta que este examen exhaustivo que pone a muchos las orejas coloradas es lo que más hace reír a los mismos. No hay olvido ni perdón cuando todavía queda el último y memorioso tirón de orejas, ya que el ramo de flores que le entrega el productor Enrique Cornejo descubre que ella, además de actriz, es empresaria de tres teatros, dueña de una cadena de TV, etc. lo que la hace resplandecer negando y todo parece volver a empezar

 “No seré feliz…pero tengo marido” llega a Madrid de la mano del productor español Enrique Cornejo y del argentino Carlos Rottemberg.

 

Título: No seré feliz… pero tengo marido

Autora: Viviana Gómez Thorpe

Adaptación y dirección: Manuel González Gil

Actriz: Linda Peretz

Música: Martín Bianchedi

Iluminación: Carlos Alzueta

Teatro Muñoz Seca (Plaza del Carmen, 1, Madrid)

Fecha de la función comentada: 2 de agosto de 2016

 

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DOS BUENOS PURITANI EN EL TEATRO REAL

 

I puritani que se estrena en el Teatro Real  en coproducción con el Teatro Municipal de Chile, es la ultima  composición de Vincenzo Bellini, autor que murió con 35 años después de dejarnos obras realmente notables dentro del estilo belcantista, sobre un libreto bastante folletinesco de Carlo Pepoli con una sobredosis de romanticismo lo que da lugar a bellísimas arias y dúos, amén de interesantes concertantes.

Tal como venimos comentando, el Teatro Real está presentando unos elencos realmente notables, tal es el caso de I Puritani, con dos repartos excelentes, encuadrados en un montaje escénico realmente notable, que bajo la dirección artística de Emilio Sagi, ha realizado Daniel Bianco. Anteriormente se había presentado, dentro de esta segunda etapa del Teatro Real como teatro de ópera, en versión concierto, con un poco afortunado Juan Diego Flórez.

La visión romántica es acentuada por Sagi eliminando todo rastro de color, dando como resultado una historia en blanco y negro que se aleja de la realidad, para trasladar al espectador a un universo casi onírico, en ese clima medieval tan del gusto de muchos autores, recordemos Il trovatore, La forza del destino y una larga lista de obras con temáticas folletinescas encuadradas en el Medievo. Aunque en este caso Sagi lo saca de ese contexto para hacer  un planteamiento escénico situado en una atemporalidad,  que da un soporte a la representación, sin complicaciones, perfectamente ajustada al libreto, y de esa forma se resalta la labor del elenco, verdaderamente brillante.

La orquesta dirigida por Evelino Pidó de manera efectista, con un llamativo brío que le aporta color a una obra belcantista, que de otra manera quizás resultaría un poco monótona, como ya sucedió en la ocasión mencionada con el protagonismo del peruano. En algunos momentos ese brío se convertía en exceso de volumen, en detrimento de los cantantes, lo que empieza a ser un vicio muy frecuente en este teatro.

El elenco tal como ya hemos apuntado, en los dos repartos estuvo a un nivel muy alto en el que sin duda hay que resaltar la magnífica interpretación de Diana Damrau, sin menospreciar a esa voz emergente y con gran futuro de la rusa Venera Gimadieva en el segundo reparto. Magníficos los dos tenores Javier Camarena y Celso Albelo, con estilos diferentes pero de gran calidad, aunque hay que hacer un comentario al Fa sobreagudo de este último, afinado pero  que sinceramente queda realmente feo, por mucho que Bellini lo pusiera como opcional. Correcto Tezier, algo engolado, Annalisa Stroppa poco convincente vocalmente, y dramáticamente nula.

El público aplaudió con convicción y salió muy satisfecho de ver una de esas óperas clásicas, que en ocasiones se prodigan bastante poco.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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CATÁLOGO DE SOLUCIONES PARA LIBRARSE DE HOMBRES INADECUADOS

 

A primera vista, y con este título Catálogo de soluciones para librarse de hombres inadecuados, parece que estemos ante un tratado de autodefensa personal creado por este admirador del género femenino que se llama Héctor Urien para alertar a las mujeres. Pero, ¿qué es ante todo un hombre inadecuado? Cualquiera, pero particularmente un marido que aparezca a destiempo en nuestra vida, bien porque se ha ido de casa para una larga jornada y olvidó el sombrero, bien porque se dejó la espada si se iba a Las Cruzadas, o bien porque se dejó la cartera de valores olvidada si era a la Bolsa a donde iba esta mañana…

Razón por la cual se aconseja a los maridos, si quieren mantener la paz social, no volver nunca a casa sin avisar.

Es la primera advertencia y la principal de Héctor Urien, contador de cuentos, quien antes de dedicarse a esto del cuento, quiso, según él cuenta, ganarse la vida con una profesión “decente” y para ello, primero fue estudiante de Física nuclear en la Universidad de Salamanca. Claro que, para alguien avezado, esto de Salamanca ya mosquea, siendo Salamanca reputada cuna de pícaros, embaucadores, tunantes y gandules de toda laña, truhanes a más no poder como seguramente lo es él, que te hace creerte una cosa cuando en realidad te está diciendo otra. Mosquea, y sólo es el primer mosqueo porque vamos a ver:

Héctor Urien es un narrador de cuentos tan implacable que lo único que se le puede echar en cara es ser un defensor a ultranza de la mujer, un feminista al pie de la letra que piensa que las mujeres somos mucho más listas que los hombres y eso le hace ganarse ya de golpe al 75% del auditorio, que es mayoritariamente femenino. Así que listo, lo que se dice listo, lo es sobre todo él, como listas son las mujeres que salen en los cuentos de su espectáculo, y todas las asistentes están dispuestas a colaborar.

Sin embargo, Héctor Urien elige, de entre todo el arsenal de cuentos que hablan de mujeres, aquellos que los moralistas de cualquier época, sobre todo de la Edad Media -recordemos a los dos Arciprestes- han elegido para ejemplificar la maldad, los engaños y fingimientos de las mujeres, sus tretas para envolver al hombre y así acabar con él, su honra y su hacienda… para reconvertirlos en otra cosa. Es decir, los cuentos tradicionales que desde mucho antes de nuestra era pasaron de Oriente a Occidente (Las mil y una noches, Calila e Dimna) y luego a España través de los árabes, y en los cuales las mujeres eran unas “assayadoras”, léase liantas, fingidoras, falsas y embusteras, le sirven a Héctor para su propósito de Catálogo de soluciones, sólo que aquí el ejemplo de marido celoso y cornudo, que en Cervantes y Molière era un viejo avaro y receloso, es un kurdo despistado que anda por las calles de Bagdad con una sola ceja, pero con su bolsa de mercenario llena y su casa bien puesta, creyendo que con ello puede camelarse a una doncella pura y de buena familia que le sea fiel. Pero como él, un santo igual que el narrador, ve sabiduría en lugar de maldad en lo que ocurre en su casa durante sus ausencias, acabará acatando su destino y viviendo en paz con sus hijos rubios y de una sola ceja, no como Otelo, que la lió parda y encima sin motivo.

Pero este del kurdo ingenuo es sólo un ejemplo del amplio compendio de situaciones que él ha elaborado para contarlas magistralmente en un espectáculo que exige la complicidad y participación atenta del espectador ¡y las consigue!, pues muchas veces es invitado a completar lo que falta en la narración. De este peregrino modo, el narrador Héctor Urien desvela, a través de sus relatos, un puñado de invenciones femeninas de lo más creativas (mentiras dirían otros), para sorprenderse escuchando, aprender con ellas y admirarse de las maravillas de la invención humana en su vertiente fértil (femenina).

Vemos, pues, que la civilización avanza y se va abriendo paso a golpe de cuento, pero hay mucho más: hay nanas destinadas a la madre y no al niño -todo en la línea feminista que hemos descrito-, hay canciones pop en la misma tendencia de salvar la paz social, hay ejemplos sobre la marcha de cómo hubiera reaccionado un niño, o una señora, ante uno de estos cuentos, pues Héctor Urien es cuentacuentos para todas las edades y allá donde le inviten. Hay, en fin, un embaucador que tiene, sobre todo, eso que ahora llaman los modernos publicistas “encanto personal” y que, si quieres, te enseña a contar un cuento.

 

Título: Catálogo de soluciones para librarse de hombres inadecuados

Fecha: sábado 16 de julio de 2016 a las 20'30 horas

Off de La Latina (Mancebos, 4, Madrid)

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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EL EMPERADOR DE LA ATLÁNTIDA, HOMENAJE A UN GRAN COMPOSITOR

 

Se ha representado en el Teatro Real de Madrid la obra El emperador de la Atlántida, o el rechazo de la muerte, ópera en un acto con música de Viktor Ullmann y libreto en alemán de Peter Kien. Compuesta en 1943, fue estrenada el 16 de diciembre de 1975 en el Centro Bellevue de Ámsterdam, décadas después de la muerte de su autor en el campo de concentración de Auschwitz. La versión que se representa en Madrid tiene una orquestación diferente a la concebida por su autor, que la hizo para 13 músicos, realizada por el director musical de esta producción Pedro Halffter, en una partitura para gran orquesta que, si bien difiere del contexto musical original, en cierto sentido le confiere una grandiosidad enriquecedora.

En esta producción, viene precedida por un prólogo compuesto de dos obras de Christoph Rilke,  El canto de amor y muerte del corneta con un fondo musical de Viktor Ullmann, y  Adagio in memoriam de Ana Frank y Pequeña obertura para El Emperador de la Atlántida de Pedro Halffter basadas en la Sonata para piano n° 7 de Ullmann.

La interpretación de la orquesta fue impecable, matizada, con un sonido de gran obra con muchas similitudes que nos recuerdan a compositores como Kurt Weil y Korngold.

La dirección artística de Gustavo Tambascio, llena de momentos de guiñol, para acentuar la sátira, que evidentemente representa a ese personaje mezcla de payaso y carnicero llamado Adolf Hitler, permite una fácil comprensión por parte del espectador que enseguida reconoce a los personajes, no tanto por sus nombres sino por su oficio en tan lamentable imperio.

El elenco estuvo simplemente correcto, es obvio que no son obras en las que la pureza vocal de la partitura ni es muy exigente ni quizás daría el tono carnavalesco del libreto. Nos gustó mucho Sonia de Munck, una cantante con la que hay que contar cada día en papeles de más envergadura. El resto cumplió con sus papeles en sus facetas dramáticas y canoras.

Como ya dijimos, en esta producción del Teatro Real, La maestranza de Sevilla y el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, para compensar la brevedad de esta ópera se representa una primera parte en forma de prólogo con las obras  ya mencionadas en la que el texto está interpretado magistralmente por Blanca Portillo, a la que hay que agradecer una exquisita dicción, alejada de muchos actores actuales que declaman como si estuvieran en un bar de Malasaña.

El público salió satisfecho gracias la buena música y a un brillante montaje, colorista y animado.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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CIRCO DE SOMBRAS DE GUANAJUATO: CERVANTES A LA LUZ DE LAS TINIEBLAS

 

La compañía mexicana Circo de Sombras viajó durante el mes de mayo desde Guanajuato a Valladolid con El lado oscuro de Cervantes. Un entremés como nunca lo verás, montaje basado en el Retablo de las maravillas cervantino, que se estrenó mundialmente en el Festival de Teatro y Artes de Calle de Valladolid (TAC).

Una vez concluida su estancia en la ciudad castellana con varias representaciones, recalaron en Madrid el primer fin de semana de junio, y aprovechando su paso por la capital, representaron de nuevo la obra, esta vez en el Instituto de México.

Allí, provistos de un antifaz, los espectadores tuvimos la oportunidad de seguir las palabras de Chanfalla y Chirinos, los dos pícaros del retablo cervantino -más el resto de personajes que en el Retablo intervienen- completamente a oscuras, una vez que fuimos acomodados en la parte alta del espléndido y multifuncional salón de actos, después trepar escaleras arriba guiándonos unos a otros (como los ciegos de la parábola, que si cae uno, van todos detrás) y -naturalmente- después de alcanzar a ciegas nuestros asientos.

Fue toda una experiencia y un verdadero acto de fe en la providencia mexicana, si bien en todo momento fuimos asistidos por personal del centro y de la compañía que no nos hubiera dejado caer. Pero era primordial, para disfrutar a fondo del entremés cervantino, no destaparnos los ojos bajo ningún concepto. Sólo así podríamos saborear en todo su esplendor los sonidos del barroco interpretados por las voces mexicanas. Y lo recomiendo vivamente, señores. Fue mágico.

Se trata de una “no visión” muy fuerte y exitosa si se hace bien, y para ello la experiencia de Circo de sombras en el tema del teatro ciego es primordial.

No hay duda de que al vendar los ojos a los asistentes, se estimula el resto de sentidos en lo que se considera una interpretación “al estilo del teatro ciego más puro”, pero en el camino se pasa miedo.

Como ‘Los ciegos’ de Maeterlinck, nos sentimos al borde del precipicio y, para colmo, alguien pronunció la palabra “cantil”. Que nadie se apoye en el cantil. El cantil era la baranda de la escalera, no el mar del Norte, pero estábamos acongojados.

Una vez sentados arriba y en la más negra oscuridad, las voces de los actores mexicanos, ya duras, ya aterciopeladas, siempre terribles en el acento del barroco español, infligían espanto. Igualmente los efectos sonoros de la invisible escenografía (choque de espadas entre juramentos de bravucones, cangilón de una noria entremezclado con los bramidos del toro y la tormenta) le susurraban al aire extraños sonidos y nos envolvían en piedras y arena que luego resultaron ser granos de arroz.

El argumento es bien sabido: Chanfalla y Chirinos llegan a un pueblo con el propósito de presentar su espectáculo fantástico y gran estafa ‘El retablo de las maravillas’, que tiene la particularidad de ser invisible a los ojos de hijos ilegítimos y personas de sangre no pura. Allá son recibidos por las autoridades del lugar y se pacta una función en casa de uno de ellos en la que los asistentes se divierten aún conscientes de que están siendo timados. En este divertido y fantástico entremés, Cervantes muestra un “teatro dentro del teatro” con una dura sátira hacia la sociedad, su moral, sus costumbres, y en general hacia los mecanismos que rigen el comportamiento humano en la actualidad.

Carlos Rodríguez Hernández dirige esta obra que, por su carácter, recupera el espíritu de Miguel de Cervantes en el año en que se celebra el 400 aniversario de su muerte. Según este director, el teatro ciego “ejercita la capacidad intelectual, fomenta el autoconocimiento, la empatía y el trato igualitario entre las personas”. Y se sale a la calle con un gozo sin igual de estar afuera y libre de antifaces.

 

Título: El lado oscuro de Cervantes. Un entremés como nunca lo verás

Compañía: Circo de sombras

Espacio: Instituto de México en España

Fecha de la función comentada: 4 de junio de 2016

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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EL REAL LIDIÓ MUY BIEN EL TORO DODECAFÓNICO

 

Desde que Arnold Schönberg fundó el dodecafonismo, se han producido agrias controversias entre los espectadores que acuden a las óperas escritas en esta forma musical atonal, pero es creciente la aceptación y reconocimiento de la gran categoría de estas obras. Es el caso de la que se está representando en el Teatro Real, de este mismo compositor, Moisés y Aarón, obra inconclusa en dos actos, basada en los textos bíblicos sobre los dos personajes del Éxodo. En ella se contraponen dos formas de entender la realidad en la que el ser humano se mueve, el idealismo y la búsqueda de la trascendencia, representados en este caso por Moisés y la palabra, y el realismo materialista y pragmático, que en este caso se encarna en un becerro de oro, construido por complicidad de Aarón  ante la tardanza de su hermano en transmitir las promesas del ser divino de una vida paradisiaca. 

El director de escena Romeo Castelucci juega con elementos y situaciones simbólicas muy bien manejadas, para oponer idealismo representado por  el blanco inmaculado y la palabra, con el realismo representado por el negro, que va cubriendo los trajes de los personajes, al ir así abandonándose a las delicias efímeras de la vida terrenal. El resultado de este planteamiento es brillante a la par que efectista, jugando con los sonidos de una orquesta en estado de gracia, bajo la batuta de un gran Rotar Koenigs y con la complicidad de unos coros magníficos, de corte wagneriano que juegan un importantísimo papel a lo largo de la obra.

El elenco es equilibrado, lo que en una obra en que la partitura se aleja mucho de las escuelas de canto, es realmente un éxito, Dohmen dio la talla en el papel de Moisés, por voz tanto en las parte más líricas, por decir algo,  como en las partes recitadas. No tan correcto fue Graham Hall como Aarón, con una voz demasiado ligera para el personaje que tiene que contraponer en profundidad al de Moisés, escénica y vocalmente El resto cumplieron sobradamente.

Un apunte que considero necesario, es decir que en mi opinión sobraban 1500 kilos en escena, en una concepción más circense que necesaria para el desarrollo de la obra, pero cubrió la necesidad de consumir papel impreso para más gloria de la venta de entradas.

El público aplaudió y no hubo “disgustos dodecafónicos”, en una obra magistral, llevada magníficamente por las direcciones musical y artística.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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BATLEFIELD: GANAR LA BATALLA A  LA GUERRA

 

Los espectadores entramos en un sala vacía, vamos ocupando nuestros asientos... Frente a un escenario desnudo, donde pronto visualizaremos los restos de la batalla… El campo está cubierto de cadáveres... Los que han sobrevivido lloran, desolados, a sus muertos...

Peter Brook y Marie-Hélène Estienne, han vuelto al Mahabharata para trasmitirnos un relato  legendario, eterno, y más actual que nunca.

Los personajes sufren la culpa, la angustia, la desazón, de haber ido a la Guerra, que ha destruido a ambos contendientes. Lamentan la pérdida de sus seres queridos… Enfrentados a sus tribulaciones, se plantean preguntas sobre el sentido, o sinsentido, de la guerra, sobre la búsqueda de la paz, en su interior.

La narración va engarzada en piezas orales, que nos van contando, representando, los cuatro actores, acompañados por un músico, que subraya con su ritmo, la poesía del texto.

Fiel a este estilo primigenio de fabular, la crónica, a veces, imprime toques de humor, que dibujan la sonrisa en el actor que lleva el hilo conductor, y arranca algunas carcajadas entre el público, que la mayor parte del tiempo atiende, conmovido, la exposición.

La historia nos describe a las víctimas de la guerra, del terror… Nos recuerda nuestra obligación de ocuparnos de los pobres, y nos lanza guiños, recordando que se pueden cambiar las políticas, para corregir las injusticias, para proteger a los más vulnerables.

¿No les suena todo este dibujo muy cercano, muy contemporáneo?

Como todos los mitos, estos personajes llevan encarnados,  la moraleja final…

Abramos nuestros ojos a un nuevo Alba, esperemos un nuevo Otoño, confiemos en una nueva Realidad.  Es urgente.

El propio Brook dijo a los asistentes a la representación: el teatro se construye entre todos, los que narran, e interpretan y los que escuchamos...

Esta ha sido la despedida del FO 2015-2016...  ¡Larga vida teatral…!

 

BATTLEFIELD (CAMPO DE BATALLA)

Basada en: El Mahabharata y la pieza escrita por Jean-Claude Carrière

Adaptada y dirigida por: Peter Brook y Marie-Hélène Estienne

Composición musical: Toshi Tsuchitori

Vestuario: Oria Puppo

Iluminación: Philippe Vialatte

Intérpretes: Carole Karemera, Jared McNeill, Ery Nzaramba y Sean O’Callaghan

Músico: Toshi Tsuchitori  

Producción: C.I.C.T. – Théâtre des Bouffes du Nord

http://www.madrid.org/fop

 

Titania  

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Los jóvenes de la “Scuola dell’Opera del Teatro Comunale di Bologna” estrenan Le nozze di Figaro de Mozart

 

Casi nos sorprende ver la misma ópera en el mismo escenario tras solo cuatro años desde el magnífico montaje de 2012, pero en esta ocasión se trata de un estreno especial por formar parte del proyecto “Opera next” de la “Scuola dell’Opera del Teatro Comunale” de Bolonia. Lo extraordinario de esta escuela, creada en 2008, es que no se trata de una academia sino de la propia actividad del Teatro, insertada en la misma programación de la temporada, y no solo para enseñar el canto sino también formar personalidades artísticas completas en cursos totalmente gratuitos para italianos y extranjeros. En efecto, participa un grupo de estudiantes seleccionados y dedicados al estudio intensivo de los papeles de una determinada ópera, para concluir con el montaje de la misma en el propio Teatro Comunale, esta vez en coproducción con el Auditórium de Tenerife.

La ópera, que forma parte de la Trilogía de la gran madurez mozartiana, surge de la feliz colaboración con Da Ponte y se separa del original de Beaumarchais por abrirse menos a los influjos políticos y sociales que constituyen la fuerza revolucionaria del modelo. El resultado es una comedia ciertamente menos comprometida, pero no por ello constreñida en los estrechos límites de la commedia dell’arte, de la que se diferencia por la vivacidad y humanidad de los caracteres, sin perder garbo e intensidad. Por lo demás, la música se adhiere magistralmente al espíritu de los distintos personajes y al brío del enredo y de las situaciones jocosas o sentimentales.

El sujeto, como es sabido, es la continuación ideal de “El barbero de Sevilla” y presenta personajes más maduros, en una situación evolucionada que deja más espacio a la profundización y al análisis de los caracteres. Rosina, aun liberada del tutor, acata su destino como mujer, pero evoluciona pasando de la resignación a la acción. La directora aleja la escenografía, minimalista, de cualquier realismo y, con un juego de cajas, habitaciones y puertas, en las que los personajes se esconden, entran y salen, subraya el pasaje de un estado a otro del alma, de un deseo a otro, en un laberinto de pasiones. A veces nos parece un poco excesivo el movimiento de los figurantes, mientras encontramos muy eficaz la proyección de las inquietantes sombras al final del I acto. Magníficos los bailarines que comentan el amor del Conde y Rosina. Colabora a la vivacidad de la escena la batuta del maestro Hirofumi Yoshida, director principal de la orquesta filarmónica del Teatro Comunale de Bolonia, experto en la dirección de esta ópera.

El joven reparto es muy digno y muestra gran entrega y fervor, ofreciéndonos duetti, terzetti y diferentes concertati. La soprano Alexandra Grigoras, con voz penetrante y bien timbrada, ha dado vida a una Contessa d’Almaviva delicada, apasionada y nostálgica. Andrea Vincenzo Bonsignore ha encarnado con facilidad vocal al Conte d’Almaviva. Argucia, vivacidad y buena musicalidad ha exhibido la mezzosoprano Shahar Lavi (Cherubino). Lorenzo Malagola Barbieri es un Fígaro simpático y Alexandra Contaldo ha dibujado una Susanna seductora y astuta. Buena también la actuación y la voz de Jaime Pialli como Bartolo. En conjunto un espectáculo divertido, joven y digno que ha entusiasmado al público arrancándole repetidos aplausos durante toda la representación y sobre todo al final.

 

Dirección musical: Hirofumi Yoshida.

Director de escena: Silvia Paoli.

Escenografía: Andrea Belli.

Figurines: Massimo Carlotto.

Iluminación: Hugo Carugatti.

Intérpretes: Alumnos de la Scuola dell’Opera del Teatro Comunale di Bologna.

Orquesta y Coro del Teatro Comunale di Bologna.

Bolonia, 26 de mayo de 2016.

 

Magda Ruggeri MarchettiMagda Ruggeri Marchetti 

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MADRID SIGUE IGUAL…

 

La tradición  popular y las situaciones cotidianas,  han servido en  numerosas ocasiones como elementos inspiradores de numerosas zarzuelas, especialmente del llamado “Genero chico”. El Teatro de la Zarzuela, en la última producción encargada por Paolo Pinamonti, toma como referencia esta costumbre y construye un espectáculo de teatro musical basado en las zarzuelas La gran vía y el Año pasado por agua, en el que va recorriendo lugares, acontecimientos y personajes que, desde la construcción de la famosa calle madrileña hasta ahora, sirven de crítica, al igual que sucedía en tiempos pretéritos, de la evolución de la capital de España, para llegar a la conclusión de que los tiempos cambian, las actitudes, las ideas, las opiniones, solo evolucionan en la forma, teléfonos, whatsapp y ese largo etcétera de formas de comunicación que inundan nuestro entorno.

La dirección artística de José Maria Moreno es dinámica, con un fondo escénico simple, basado en proyecciones de video eficazmente manejadas, algunas de ellas con un derroche de imaginación como la quema de iglesias (monumentos, no diputados), pues la obra tiene un marcado trasfondo político, que se va adentrando desde el dialogo de las calles, hasta convertirse en protagonista de los temas de la actualidad más patente, y que nos tememos que servirá de referencia para futuras comparaciones similares. Para estos menesteres pasan por el escenario, siempre arropado por un numeroso elenco actoral, coro y figurantes, personajes de este “Madriz” de nuestros pecados, siempre criticado, pero vivo y dinámico, resistente a ayuntamientos más dados a las prohibiciones que a la amplitud de miras. Valle Inclán, Machado, Benavente, Pio Baroja, “los Pablos Iglesias”, los ratas, que si bien antes eran tres que robaban en los tranvías y ripperts,  ahora son multitud y lo hacen desde elegantes despachos, todo ello aderezado con humor, y la deliciosa música de Chueca y Valverde.

La apuesta actoral por el polifacético Paco León, verdadero conductor y protagonista  de una obra esencialmente coral, es un gancho para atraer al público que no se verá defraudado por el actor andaluz, que en todo momento se integra y da vida a un personaje, que en sueños une a las varias épocas de “Madriz”, a través de un joven que cree vivir todo ello en un sueño.

La dirección musical de José Maria Moreno se adapta perfectamente al aparente guirigay que se ve en el escenario y maneja con habilidad, la conjunción de la orquesta y coro, este último con un protagonismo que le convierte en uno de los componentes más importantes de la obra.

En cuanto al elenco canoro, difícil destacar a nadie, pues  son muchos y muy buenos, todos en su papel, aunque sin duda la experiencia vocal y una correcta actuación actoral de Luis Cansino, se hizo notar, al igual que Amelia Font, especialmente dotada para papeles como Doña Virtudes. Bien las sopranos Maria Rey-Joly y Amparo Navarro en sus Menegildas y Eliseo, el resto como ya hemos dicho, perfectamente encajados en la obra.

El público se divirtió y aplaudió al ritmo del pasodoble y coro de El año pasado por agua, en una representación que aunó música, crítica, y diversión en una especie de zarzuela de zarzuelas al estilo más clásico de esa “Cuarta de Apolo”.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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SI LA COSA FUNCIONA: ¡FALTARÍA MÁS!

 

Al Teatro Maravillas ha llegado, para 8 únicas semanas, Si la cosa funciona, la obra teatral escrita por Woody Allen quien, antes de triunfar en las tablas, hizo con ella una película del mismo título.

Ahora, en teatro, esperan el mismo éxito y, a juzgar por las reacciones del público, es seguro que lo conseguirán. Ninguno de los ingredientes básicos se echa a faltar y, si bien es cierto que estamos ante situaciones bastante trilladas y no lo es menos que algunos chistes (clichés o “chicles” de Woody) han envejecido, es evidente que la cosa sigue funcionando.

El protagonista, alter ego de Woody Allen, es una personalidad atormentada, torpe hasta para matarse, un hipocondríaco con causa y misógino con conocimiento que, sin embargo, despierta una indudable simpatía entre los hombres y mujeres del público. Tal es el personaje principal, agónico y protagónico a la vez, como su modelo neoyorquino, que lo tiene todo muy claro desde el principio, es decir, no cree que nada pueda servir para nada, no cree en la vida, tampoco en la muerte (en el sentido de que ésta pueda abrirnos puertas), y tampoco cree en Dios, por lo que recomienda apasionadamente lo que es su enseña y da título a la obra: Si la cosa funciona.

¿Y qué es la cosa? Pues la cosa es, al fin y al cabo, la vida, lo cotidiano, eso que nos olvidamos mientras vivimos, el estar a gusto con alguien sin grandes pretensiones de felicidad, el poder mantener una charla informal, el acostumbrarte a una voz y a unos conflictos (aunque éstos puedan convertirse siempre en un cabreante diálogo de sordos) y sobre todo, proporcionar momentos de felicidad a los que te rodean, esa es la cosa. y “si la cosa funciona”, pues adelante, no se puede pedir más porque cualquier día se desvanece.

Para colmo, y ya que estamos en año cervantino, hay un contagio entre Boris, el atormentado, hacia su despreocupada y juvenil pareja, de manera que ésta acaba saliendo a él más de lo esperado, como en cualquiera de aquellos viejos matrimonios de antaño, nuestros padres sin ir más lejos, de los que siempre decían los otros que acababan pareciéndose entre sí por extravagante y cruda que fuera su unión en un principio.

Así que no hay duda de que la cosa funciona, al menos cada vez que en escena aparece José Luis Gil, en competencia nada menos que con Larry David en el papel de Boris, el alter ego de Woody Allen. José Luis Gil es un actor consagrado por las series que hace que el tendido se encienda con las risas más espontáneas. No hay duda de que la televisión tiene mucha culpa en este éxito, al consagrar para el gran público la vis cómica de este actor. Antes, en enero de 2011, ya protagonizó con éxito ‘Fuga’, de Jordi Galcerán, en el Teatro Cofidis Alcázar, y también le hemos visto triunfar en la obra ‘El gran favor‘.

Los cuatro compañeros que lo secundan sobre las tablas (Ana Ruiz, Rocío Calvo, Ricardo Joven y Beatriz Santana) lo hacen admirablemente y con gran vitalidad, pero el que se tiene al público metido en un puño es él. Para colmo, sale cojo y contrahecho y no se apaña, tiene todas las papeletas del fracaso y con ello, la rápida empatía con un público que se vuelca.

Hay que reconocer que, como alter ego de Woody Allen, se las pinta solito. Y ya para más colmo, está dirigido por otro experto en perdedores, Alberto Castrillo-Ferrer, que se consagró dando voz al último apuntador de Cyrano de Bergerac, Ildebrando Biribó. El resto del equipo técnico es responsable de los éxitos ‘Tócala otra vez, Sam‘ (2010), con Luis Merlo y María Barranco, y de ‘Misterioso asesinato en Manhattan‘ (2006) con Enrique San Francisco

He aquí la sinopsis de la obra: Boris, un misántropo malhumorado que se considera un genio, conoce por casualidad a una mujer treinta años menor que él. Comienza entonces un romance de lo más particular, actuando además como Pigmalión de la joven. Pronto aparece la madre de ella, una mujer de provincias que quiere triunfar en la gran ciudad. Después el padre, que necesita reconocer sus verdaderas pasiones amorosas. Boris tiene que intentar adaptarse a su nueva vida, teniendo en cuenta el alto concepto que tiene de sí mismo y su opinión más bien negativa sobre el resto de la humanidad. La cosa no va a ser fácil.

 

Autor: Woody Allen

Dirección: Alberto Castrillo-Ferrer

Reparto: José Luis Gil, Ana Ruiz, Rocío Calvo, Ricardo Joven y Beatriz Santana

Producción de Pedro Larrañaga y Nicolás Belmonte

Escenografía: Anna Tussell

Espacio Sonoro: David Angulo

Vestuario: Arancha Ezquerro

Iluminación: Alejandro Gallo

Distribución: Alicia Álvarez

Fecha: 25 de mayo de 2016. Horarios: Miércoles a viernes 20:30 horas, sábados 19h. y 21:00 horas, domingos 19h.

Espacio: Teatro Maravillas (Malasaña, Madrid)

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS: UN TRABAJO TEATRAL PROVECHOSO, Y BURLÓN

 

La escena, sólo construida con unos postes de madera, y unas cuerdas, que dibujan arcos en el aire, y las tablas del escenario, surcadas por pasillos de baldosas, nos ayudan a edificar, en nuestra imaginación, (en estos tiempos virtuales) la Corte de Navarra.

La acción comienza con una arenga a las multitudes, (el público), asegurando que Navarra será el asombro del mundo.  Un discurso, un slogan, que quizá (sólo) por este ambiente electoral que vivimos, nos recuerda a un político prometiendo imposibles…  No será la única ocasión en que nos parezca que el argumento de la obra nos resulta cercano…

El rey de Navarra y sus amigos, hacen un juramento para abstenerse de amor, riqueza o lujo… y, durante tres años, dedicarse al estudio…  Pero ya se sabe que el hombre propone…  y la realidad se impone… con la visita de la princesa de Francia, y sus damas, que gracias a su ingenio, y a la agudeza de sus parlamentos, (asistidas por cupido) encandilarán a los cuatro caballeros…  Y así darán comienzo los enredos…

El ovillo se irá desenmarañando ante nuestros ojos, en un cordial, fructífero, mano a mano, entre clasicismo y contemporaneidad.

La versión, moderniza y aligera el original… Están muy bien construidos los personajes cómicos, que despiertan la hilaridad del público… Los apartes son frecuentes, especialmente con los caracteres a los que William dotaba de verborrea tal, que pretendiendo hablar bien, hablaban en demasía, y sin tino.

La puesta en escena se conduce con ritmo. Las entradas y salidas de los protagonistas, van acompañadas, o guiadas, por unas notas musicales, que crean atmósfera, y servirán para cambiar, o introducir el siguiente cuadro.

Los cuatro amigos, que han jurado apartarse del mundanal ruido, empiezan la historia, vestidos como monjes, y acaban descubriéndose como galantes caballeros…  Las damas (que son de armas tomar) llevan faldas, de distintos colores, que se tornan en bombachos, cuando la trama lo requiere…

Los juegos de luces, enfocan, subrayan, sin restar protagonismo a los actores, que llevan el peso de la representación, y son premiados con el aplauso del público.

Trabajos de amor perdidos (Love’s Labour’s Lost) es una comedia ingeniosa, juguetona, con los diálogos y la poesía… Punzante, jocosa con las debilidades humanas, tanto de los poderosos, como del pueblo. Escrita por un joven William, poco representada y ahora recuperada, para homenajear al bardo.

Fundación Siglo de Oro, especialistas en Shakespeare y en el teatro del Siglo de Oro, y el Shakespeare’s Globe Theatre, se han unido para montar esta obra, en este cuarto centenario del fallecimiento de William Shakespeare.

No son unos Trabajaos de Amor Perdidos, por el contrario, son unos trabajos de amor a los clásicos, laboriosos, bien aprovechados, para celebrar a William Shakespeare, en español.

 

TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS (LOVE’S LABOUR’S LOST)

Autor: William Shakespeare

Dirección: Tim Hoare – Rodrigo Arribas

Adaptación: José Padilla

Diseño Escenografía y Vestuario: Andrew D. Edward

Diseño Iluminación: Alberto Yagüe

Composición Musical: Xavier Díaz-Latorre

Coreografía: Tanja Skok

Caracterización y Coordinación de Diseños: Susana Moreno

Adjunta Dirección: Verónica Clausich

Asistente Dirección: Grainne Dromgoole

Asistente de Coordinación de Diseños: Anna Gil

Dirección Técnica: Carlos Barahona

Espacio Sonoro: Oscar Laviña

Reparto:

Javier Collado: Berowne, caballero de la corte de Navarra 

Montse Díez: Catalina

Jesús Fuente: Armado, alguacil del Rey de Navarra

Alicia Garau: Princesa de Francia, Reina en el acto V

Jorge Gurpegui: Mota

Julio Hidalgo: Enrique, Rey de Navarra

José Ramón Iglesias: Longaville

Alejandra Mayo: María

Sergio Moral: Dumaine

Raquel Nogueira: Jaquineta, campesina

José Luis Patiño: Boyet, consejero real francés

Lucía Quintana: Rosalina, dama de la corte francesa

Pablo Vázquez: Costra, campesino

http://www.teatroscanal.com

 

Titania  

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PARSIFAL, UNA MÚSICA SUBLIME INUNDA EL REAL

 

Richard Wagner, adorado por muchos, odiado y criticado por el simbolismo que supuso para el régimen nazi, es uno de los compositores más importantes de la historia. Su intervención en la formalización de las representaciones, y su concepción de la ópera como un todo artístico, unido a su extraordinaria concepción de la música, consiguen que toda representación de alguna de sus obras cobre el calificativo de acontecimiento. Es el caso de Parsifal actualmente en cartel en el Teatro Real de Madrid.

El coliseo operístico de la capital de España, eligió a una gran figura de la dirección musical: Semyon Bychkov, del que ya conocíamos su gran Elektra de 2011, y el resultado fue realmente excelente, con una interpretación muy ajustada a lo que se supone que Wagner pretendía en su partitura, con un refinamiento orquestal plagado de los numerosos matices, con que el compositor alemán adorna sus obras y que la orquesta siguió con calidad y precisión, Durante el preludio vemos a Titurel con Amfortas, al que le pide que guarde el Santo Grial lo que provoca la envidia de Klingsor, que jura vengarse.

La dirección artística de Claus Guth sitúa la acción en un hospital de la primera guerra mundial plagado de heridos de guerra, enfermos mentales y epilépticos, con un Gurnemanz el mayor de los caballeros del Grial, convertido en una especie de cruel fraile que maltrata a los pacientes. Hay por otra parte una clara referencia en el segundo acto, al periodo anterior al nazismo para que el final de la obra, Parsifal, represente a ese salvador de la patria, que la profecía había anunciado. La presentación escénica se realiza con un movimiento giratorio muy bien conseguido del conjunto de los elementos del decorado.

El elenco, correcto en líneas generales. Christian Elsner en el papel de Parsifal está bastante desafortunado, con claras deficiencias en las notas altas, engolado y con una nasalización que afea claramente la voz y finalmente con una interpretación actoral envarada y carente de matices. La Kundry de Anja Kampe, bien dramáticamente aunque desigual en lo vocal, con grandes momentos en la difícil tesitura de este personaje, pero también con momentos de decaimiento estilístico. Muy bien el Gurnemanz de Franz Josef Selig con voz rotunda y presencia dramática encomiable. Detlef Roth, que intrepretó el papel de Amfortas, nos pareció de una voz más de baritenor, muy poco wagneriana, con lo cual su personaje queda algo deslucido. El Titurel de Ante Jerkunica es el que más nos convenció con una voz y un dramatismo de muy alto nivel. Correcto el Klingsor de Evgeny Nikitin con un buen caudal de voz y unos recursos escénicos interesantes.

En resumen una obra bien presentada, en especial por una orquesta en momento de inspiración, gracias a la labor de un gran director que supo llegar al público que le premió con grandes aplausos.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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HOMENAJE A UNA GRAN MUJER: MARÍA MOLINER

 

Como es sabido, uno de los hitos realmente importantes en la historia de las letras españolas, es la publicación en 1966 del Diccionario de uso de la lengua española de María Moliner, un ejemplo de trabajo serio, de gran proyección cultural y que solo el machismo de una sociedad anquilosada, que en este caso se manifestó en la actitud de una Real Academia de la Lengua, poblada de dinosaurios autocomplacientes, a los que la presencia de una mujer entre ellos les parecía una especie de sacrilegio. La biografía de esta mujer avanzada para su tiempo, nos muestra una persona sumamente inteligente con unas valoraciones tanto académicas como profesionales altísimas.

Con motivo de aniversario de esta publicación, Paolo Pinamonti, anterior director del Teatro de la Zarzuela, encargó a Antoni Parera Fons la música de una ópera con el título de Maria Moliner con libreto de Lucia Vilanova, y la dirección artística de Paco Azorín, auténtico inspirador de la reivindicación de esta ilustre filóloga. La dirección musical es de Pedro Pablo Pérez.

La obra se centra en la segunda parte de la vida de María, haciendo hincapié en la realización de su diccionario, con numerosos flashbacks que nos muestran momentos difíciles, derivados de su ideología izquierdista que le llevan a enfrentamientos con siniestros personajes del SEU, objetores de una forma de vida alejada de los ideales del Movimiento, reflexiones sobre la relación con su marido, con la Real Academia que sale bastante malparada y de una forma imaginaria con escritoras españolas que se solidarizaban con su trabajo.

La dirección artística es realmente buena, profundamente descriptiva, hasta conseguir integrar a espectadores y escenario con una escenografía innovadora y efectista. El resultado es una representación descriptiva. que nunca decae y que mantiene la atención del público sin un momento de respiro.

La música de Parera Fons, aquel compositor que empezaba su carrera con participaciones en el Festival del Mediterráneo, con una buena música más orientada al gran público se torna ecléctica dentro de un clasicismo, totalmente original, con un estilo que nos recuerda desde Debussy,  Phillip Glass, musical americano y algún que otro acorde wagneriano y que trata de hacer un acercamiento entre la música y el canto y que se intenta que sea muy entendible, a diferencia de algunas óperas clásicas, interpretadas por cantantes con más preocupación por mantener una línea vocal que por la comprensión por parte del espectador.

El elenco, de un gran nivel,  estuvo  encabezado en un primer  reparto por  María José Montiel y por Cristina Faus en una única representación, la primera  de ellas con una gran presencia vocal y escénica, la segunda con una presencia y una voz con una excelente variedad de matices, sensibilidad y calidad de voz que alcanza cotas de soprano de primer nivel mundial. Destacaremos también a Lola Casariego,  José Julián Frontal, Sandra Ferrándiz y la voz muy timbrada de Ana María Ramos, sin olvidar la excelente intervención vocal y dramática de Juan Pons, que con su experiencia llena por si solo el escenario.

Una satisfacción para el Teatro de La Zarzuela, el haber conseguido un espectáculo de esta categoría, que el público acogió con entusiasmo y que elevan el nivel de este teatro que con Juan José, el programa doble barroco y esta obra se está poniendo en unas cotas comparables a los más importantes teatros líricos.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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AVENTURA EN EL DESIERTO. EL SECRETO DEL ELIXIR

 

“Dos aventureros recién llegados del Far West han aparcado su carromato en el escenario del Teatro Luchana de Madrid para compartir un misterioso elixir que han importado desde el desierto de Arizona. Lo que en un principio parece que va a ser algo parecido a una venta de crece pelo por parte de dos embaucadores muy comunicativos (bailan, cantan, se pelean y liman asperezas a la vista del público) se convierte en un viaje por las culturas del otro lado del Océano. Un viaje lleno de estampas cinematográficas en que reconocemos a la alcaldesa y al sheriff de Éxistir (nombre de un pueblo del Oeste), a la señora Chavelita (que vive sola al otro lado del Gran Río) y al Indio Remigio (que es nada menos el guardián del elixir de Éxistir).”

Esta aventura del desierto titulada El secreto del Elixir es un espectáculo para público familiar que la compañía El Autómata Obstinado ha estado creando durante más de cuatro años, de manera que si en 2011 duraba quince minutos, ahora dura cincuenta y cinco.

Todo ocurre en un desierto, el desierto de Arizona, un lugar hecho para meditar. Un lugar donde se vacía el alma mientras el cuerpo se dispone a resistir. Pero, ¿por qué el de Arizona y no por ejemplo el del Sáhara, que nos queda más cercano? Tal vez porque socialmente se considera más hostil el de Arizona, que siempre aparece poblado básicamente por sheriffs, marshalls, esposas honradas y ciudadanos serios. (Y porque si nos vamos al Sáhara, tendríamos El Principito).

Son referentes cinematográficos cercanos que todos conocemos y eso actúa en el montaje de lo que se nos quiere contar. Personas serias que quieren saber qué te ha llevado hasta allí y que no suelen apiadarse de los intrusos ni de los forasteros porque su misión es precisamente mantenerlos alejados. Ahí creen que radica la supervivencia de su pueblo, que se llama nada menos que Existir, nombre que parece oponerse a Vivir.

Existir es un pueblo tranquilo que no quiere en sus calles gente sin oficio conocido. Y nuestros dos protagonistas son todo eso y mucho más: son ladrones de estrellas, soñadores errantes que con su caravana (o carromato de madera convertible en barco cuando la ocasión lo requiere) van capturando estrellas, dando saltos de alegría con cada nueva captura y celebrándolo por lo más alto cantando y bailando. También se pelean cuando no están de acuerdo en el modus operandi y pronto se ve quién lleva la voz cantante. Se comprende que con este cometido y estos modales, no tienen buen recibimiento en lugares como Existir, que a nadie le gusta que le capturen sus estrellas.

El cambio que sus habitantes experimentarán al contacto con estos dos visitantes se debe al secreto del elixir. Un cambio inesperado que los convertirá en amigos. En el carromato, que es a la vez teatro de sombras y teatrillo de títeres, se representan pequeñas historias, como la de la anciana que vive sola en el desierto, la de la alcaldesa y el sheriff de Existir y el Indio Remigio. Sobre un fondo escenográfico con el que los actores interactúan en un continuo de proyecciones tipo cartoon, ha sido diseñado por el artista Gabriel Andújar.

Algo va a ocurrir que va a cambiar el ánimo de los habitantes de Existir a favor de estos dos cazadores de estrellas.

Hay que decir que cuando por fin aparece el contenido de la misteriosa caja, al principio parece un poco chusco, la verdad, pero luego le encontramos una serie de propiedades “comunicativas” y ése será su principal logro: la capacidad de ser compartido para fabricar con él profusión de dibujos, juegos y figuras. Un lujo que no hemos apreciado lo suficiente porque nunca nos faltó. Hasta que compartimos un piso.

Las canciones que se van intercalando y, a medida que la aventura avanza, convierten la obra en un semi-musical en el que un personaje enseña a otro a cantar, clave mágica para capturar estrellas.

 

Título: Aventura en el desierto: el secreto del Elixir

Creadores y actores: Andrea Soto y Álvaro Lizarrondo

Proyecciones diseñadas por Gabriel Andújar.

Compañía: El Autómata Obstinado

Fecha límite: Todos los sábados de abril a las 12.30h y los domingos a las 13.00h

Fecha de la reseña: 17 de abril de 2016

Lugar: Sala 4 de los Teatros Luchana de Madrid (C/ Luchana no 38)

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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GEORGE DANDIN, DE MOLIÈRE: TODOS CONTRA EL BURGUÉS

 

El tema de George Dandin es el clásico del hombre rico que se casa con una joven pobre, y se halla ya en obras como El viejo celoso, de Cervantes, pero Molière le añade caracteres que retratan a la sociedad de su época. Una sociedad cuyos defectos él padeció en sus carnes y de los que se muestra gran conocedor.

El principal de todos ellos, la primacía de las apariencias sobre la realidad. Una sociedad hipócrita, pacata, autocomplaciente y sobre todo muy peligrosa para los ingenuos que creían que con su dinero podían ascender de clase social. El argumento es el que sigue:

“George Dandin, un nuevo rico pueblerino y simplón, se ha casado, para su desgracia, con la hija de los nobles de Sotenville. Ella, lejos de aceptar sumisamente el matrimonio y sus exigencias, encuentra rápidamente otro pretendiente más acorde con sus expectativas. Sin embargo, Dandin no tarda en descubrir el engaño de su esposa. Pero cada vez que él exige la disolución del contrato matrimonial, para lo cual ha de acudir a los padres de ella, éstos consiguen envolverle con sus artimañas y salir indemnes del asunto.”

George Dandin es por ello una mirada de advertencia desengañada y tierna sobre esta burguesía que sabe ganar dinero pero que en el fondo es crédula, esta clase social que ha emergido gracias al fruto de su trabajo pero del que puede verse despojada sin piedad por una aristocracia ociosa que se quiere endogámica pero que no desdeña entroncar con los nuevos ricos para perpetuar sus privilegios. Lo vemos en “El burgués gentilhombre”, donde un padre de familia curtido en el trabajo pierde la cabeza por querer alternar con nobles, aparentando lo que no es.

Pero si bien en Cervantes vemos cómo el engaño se va urdiendo a fuego lento y él es el último en enterarse, este cornudo de Molière sabe y proclama desde el principio que está siendo burlado. Este burgués bonachón no ha perdido la cabeza. Es decir, la perdió sólo cuando se casó y ahora lo lamenta. Ha recuperado la cordura, aunque de nada le va a servir. Resulta así mucho más patética su absoluta falta de pudor al confesar públicamente su honor perdido. Es como si, en La Celestina, el llanto de Pleberio nos lo soltaran al principio y luego, más reposadamente, nos contaran la historia de Melibea con Calixto.

Tampoco se dice que este rico sea viejo como el de Cervantes, si bien es posible que con 40 años en su época ya fuera considerado así, pero, por su credulidad, está condenado de antemano a la burla y al expolio. Ha caído en un nido de avispas que, rodeándole, harán que acabe confesándose un tirano, con lo cual, además de cornudo, apaleado. Para eso está la oscuridad, que siempre asiste a los buenos.

La urdimbre de toda esta maraña que le sorbe la energía, el seso, la honra y los dineros al buen hombre, está formada, como en la Comedia del Arte, por los jóvenes amantes (la esposa y el joven que la visita a escondidas) y sus respectivos criados, mucho más activos que sus dueños. Él con sus torpezas de rebobo y ella con sus argucias de relista, ambos tienen un papel preponderante en el inicio y en el desenlace respectivos de la acción. La avaricia los mueve y unas monedas les engrasan hasta hacerlos inagotables. Pero nadie gana en astucia a la joven malcasada que, arropada por sus padres, los suegros del infeliz, no dudará en hacerle ponerse de rodillas a pesar de que sabe que tiene razón. Un total de siete personajes entre los que no hay confusión alguna: todos contra el burgués, su honra y su cordura.

Para colmo, la música, traída por los mismos actores en directo, no hace más que subrayar los momentos de engaño y de confusión (hoy diríamos “desestabilización”) a que es sometida la víctima, y su mismo nombre, Dandin, que en francés suena DAM-DAM, al ser cantado con las dos sílabas iguales, suena como el badajo aturdido de una campana. O como el cencerro de una vaca sin cencerro, que así acaba el hombre.

Los actores dan la impresión de sentirse totalmente libres, incluso se podría decir que sus gestos y sus palabras son frívolos, pero bajo esta aparente ligereza, se hallan los rasgos principales de unos personajes que la Comedia del Arte consagró y que la hipocresía de los poderosos elevó a iconos y referentes culturales. El resultado es una tragicomedia muy saludable de ver y de apreciar por todos, que hará al espectador airado (la burguesía, que era quien pagaba los teatros) saltar de la butaca porque para luego será tarde. Y ésta es la advertencia de Molière en esta su comedia más amarga.

 

Título: George Dandin

Autor: Molière escribió George Dandin en el año 1668.

Los siete actores son: Juan Miguel Alcarria, Víctor Antona, Luis del Coto, Elia García, Laura Garmo, Encarna Gómez y Juan Paños.

Dirección: Hernán Gené

Sesión de la reseña: viernes 15 de abril a las 22’30

Espacio: El umbral de la primavera (C/ Primavera, Madrid)

 

    Nunci de León    Nunci de León  

 

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¡CORRE!, DE YOLANDA GARCÍA SERRANO: UNA PERFECCIÓN QUE DUELE

 

¿Pueden dos hermanos ser tan distintos? ¿Puede el uno ser honrado, pulcro, abnegado y el otro un ladrón multiadicto y reincidente? ‘Huir’ y ‘avanzar’ son los dos valores de la palabra ‘correr’ según el Diccionario: Correr delante de la policía o correr para superarse a sí mismo, he ahí el dilema.

Para elegir el segundo camino hace falta fuerza de voluntad, algo de lo que carece Kiko, único hermano de Emma. Sin embargo, y sólo para complacerla, esta vez se decide a correr por sí mismo. “¡Corre, Kiko, corre!” oímos animar a la ingenua hermana en un cierre de obra que nos dejará baldados.

¿Servirá de algo? Al final lo sabremos. Ella es una joven maestra recién casada que espera su primer hijo y quiere dejarlo todo claro con Kiko, al que teme hasta la pesadilla. Pero lo de maestra marcará muy bien la vocación redentora de la hermana para con el hermano que está entre rejas por algo que nunca sabremos bien. Kiko es multirreincidente y siempre, siempre, desde que era niño, le ha dado problemas a Emma. En la cárcel recibe la visita de Emma, una visita en principio obligada porque ha de comunicarle dos cosas: la muerte de su madre (la de ambos, aunque ambos se refieran a ella como “tu madre”) y la herencia, compartida también por ambos, de un piso cuya venta debería suponer un cambio muy positivo en sus vidas. Una visita de trámite que arrastrará a Emma a la perdición mientras que su hermano tampoco se salvará. Todo ha sido para nada, prueba de que siempre todo puede ir a peor.

¡Corre! transcurre a lo largo de un año, desde el invierno en que Emma visita a su hermano en la cárcel, por primera vez en mucho tiempo, hasta la primavera cuando las ganas de correr de Kico determinan el futuro de ambos.

En ¡Corre! tenemos, por encima de toda consideración, un texto de factura impecable que deja muy a las claras la atracción que experimentamos hacia el abismo y que no siempre podemos ayudar a los que amamos. En primer lugar, porque casi siempre lo que les podemos dar no es lo que ellos necesitan, a veces incluso hasta puede serles perjudicial (el dinero del piso en este caso) y en segundo lugar, porque cuando alguien se empeña en hundirse, lo más probable es que arrastre en su caída a los que intentan ayudarle. “Caída, ¡qué palabra tan bonita para describir toda esta mierda!”, lanza Kiko a la cara de Emma, su pulcra hermana.

Porque resulta que Emma en sus visitas rutinarias, cada vez más frecuentes a pesar de que la cárcel queda lejísimos, ha descubierto a otro Kiko que, mezclado con los recuerdos de infancia, se acaba convirtiendo para ella en una obsesión. Una obsesión salvadora y redentora. Ello le hace suavizar su mirada sobre él y la llevará incluso a defenderle ante la opinión del mundo, de los otros, incluyendo a su marido que la quiere salvar de las garras de él. Kiko es un embaucador que ha aprendido mucho entre rejas, un fullero, un mentiroso, pero también, y así lo comprendemos todos, un ser mucho más íntegro que muchos que andan libres y honrados lejos de la cárcel y dentro de ella. Le importa el dinero, claro que sí, pero no le importa tanto como ella, su único afecto, “su ser querido”. Esto, que él usa con tino y cautela, da risa. Ella acaba riéndole las gracias (todos se las reímos como espectadores), pero por fin consigue que Kiko, lejos de culpar a su madre como viene haciendo hasta ahora, o a su “mala suerte”, acabe reconociendo que es él mismo (“algo dentro de mi cabeza”) quien siempre acabe arruinándolo todo y sin remedio. Kiko es ahora, más que una mala persona, un perdedor nato, un ser que es malo sobre todo consigo mismo y un ser que haga lo que haga, siempre la acabará cagando. Y Emma acabará defendiendo sus causas, apoyándole en sus ansias de redención. Ansias engañosas y desbaratadas al minuto, pero que provocan en los dos una transformación mutua.

Y total -y esto es lo más desolador- tanto esfuerzo para qué. Para lo dicho. Porque Emma quería librarse de su malhadado hermano de una vez y para siempre y seguir su vida en paz, pero no así. ¿Y cómo es así? Así es como acaba todo. Y así es como no se lo va a poder quitar ya nunca de encima. Ni con el traslado a otra ciudad, ni cuando nazca su niño, ni cambiando de genes. Nunca, nunca se va a librar de él con este final tan sorpresivo como esplendentemente bello, sin remisión.

Las funciones de ¡Corre! en la Sala Mirador acabaron el día 10 de abril, después de prorrogarse 10 días más de lo previsto, pero seguramente, debido al entusiasmo del público, se programará de nuevo.

 

Título: ¡Corre!

Dramaturgia: Yolanda García Serrano con la colaboración de Joaquim Oristrell

Dirección: Yolanda García Serrano

Diseño de Iluminación: Manuel Fuster

Diseño de Escenografía: Carlos Aparicio

Composición musical y espacio sonoro: Mariano Marín

Diseño gráfico: Leticia Rivillas

Fotografías: Antonio Tiedra

Reparto: Antonio Zabálburu y Nur Levi

Producción: Sabre producciones de José Sámano y Yolanda García Serrano

Reseña de la sesión del 10 de abril de 2016

Sala Mirador (Doctor Fourquet, Lavapiés)

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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EL TRIUNFO DEL AMOR: TEATRO DIVERTIDAMENTE SERIO

 

Los bancos rodeando la escena, y unas puertas, también de madera, que a modo de   biombo cierran el espacio, y conforman la cuarta pared, nos trasladan a una gran sala palaciega.

Allí, como hace siglos, lo eran los cortesanos en sus propias mansiones, seremos testigos de los amores entre pastores, zagalas y caballeros, que retozan y se regodean, en su pasión, sobre la hierba del prado, o padecen su dolor, al albur de la complicidad, o indiferencia de los dioses del Olimpo.

Cupido, como el Amor, flota en el aire, juguetea, emerge, o se oculta, tras el atrezo, y lanza sus flechas, que desencadenan galanteos, cortejos y amoríos, entre los personajes, que sufren, y gozan, ante nuestros ojos curiosos…

La narración, fresca, nos guía por estas pastorales, de un modo delicado, jovial, humorista y poético, un tono que se mantiene a lo largo de la obra, apegado al espíritu del músico, bardo, y dramaturgo salmantino Juan del Enzina, al que homenajea y festeja.

Tres églogas campestres, deliciosamente interpretadas por dos actores y una actriz que, también, son fieles a las odas del autor, y tan bien dicen los versos, con dicción prebarroca, y que con tanta gracia, cantan y danzan las baladas...  arropados por los músicos, que les acompañan, tocando instrumentos de la época, cantando con ellos, alcanzando notas altas o interactuando cómplices de la acción y los diálogos.

Los apartes son naturales…  los actores que en real cercanía con los espectadores, con sólo alargar un brazo podrían tocar el público, dialogan con los asistentes, y con los músicos, sentados en primera fila, a los que hacen confidencias, o piden consejo sobre sus cuitas…

En definitiva, un montaje que nos permite deleitarnos con la belleza de la música, de las voces, de los versos, de las danzas.  Al mismo tiempo que nos invita a celebrar, a reír con los requiebros, o los equívocos, tras las cortinas, de los personajes.

Un triunfo del Teatro, del poder, del buen hacer, del equipo de Nao d’amores, que de una forma inteligente y chispeante nos traen las composiciones de Juan del Enzina, los textos y músicas del tatarabuelo del teatro castellano, a este salón, patio de butacas, del siglo XXI.

Y aún nos queda por gozar, la segunda entrega de su estancia en el Teatro de la Abadía, esta vez será Dramaturgia Contemporánea.

 

EL TRIUNFO DEL AMOR

Dramaturgia y Dirección: Ana Zamora

Interpretación: Sergio Adillo, Javier Carramiñana, Eva Jornet, Rodrigo Muñoz, Irene Serrano e Isabel Zamora

Arreglos y Dirección Musical: Alicia Lázaro

Asesor de Verso: Vicente Fuentes

Coreografía: Javier García Ávila

Vestuario: Deborah Macías (AAPEE)

Espacio Escénico: David Faraco

Iluminación: Miguel A. Camacho- Pedro Yagüe

Ayudante de Dirección: Gorka Martín

Ayudante Escenografía y Vestuario: Almudena Bautista

http://www.teatroabadia.com

 

 Titania  

 

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CINE: EL TEATRO A TRAVÉS DE UN VELO

 

Aunque suene a paradoja, La Tristura es un grupo contemporáneo, que quiere atraer a los teatros, a los espectadores del Siglo XXI, a los que no les gusta el Teatro.

Quizá el título, ha sido tomado prestado de Cine (kiné), porque significa etimológicamente movimiento, o quizá, porque el grupo, poseedores de un espíritu provocador, rebelde, quieren proyectar una película, en una sala de teatro.

De esta forma singular, construyen su historia, sobre un joven que pasada la treintena, decide iniciar un viaje, que ha ido posponiendo, quizá por el vértigo que siente ante lo que puede descubrir.

Así a modo de Road Movie, comienza esta búsqueda, de respuestas, de verdades, para encontrar una identidad robada.

El espectador, de cine, más que de teatro, escuchará los diálogos, las canciones, los efectos sonoros, a través de auriculares, y verá pasar ante sus ojos, las imágenes de ese camino terrestre, a la vez que el tránsito emocional.

Aunque su recorrido, reconstruirá no sólo su existencia, su historia personal, también la historia de un país, dónde los niños fueron robados, y vendidos, primero por ideología, después por dinero.

Una página sórdida de nuestra Historia, que nos recuerda que todo se puede comprar, y vender, los bebés, pero también los profesionales, que habían hecho voto de cuidar, y defender al más débil.

Cine, significa un paso más, en la trayectoria de esta compañía que quiere hacer teatro, para sus contemporáneos. La Tristura sigue haciendo su propio camino, al andar, como dijo el poeta.

El Festival de Otoño también mantiene su compromiso de ofrecernos nuevas experiencias, lo último que se hace en Teatro, el Teatro de ahora mismo.

Aprovecho la presente, para recordarles, que aún nos quedan apetitosos platos fuertes, y la guinda, por llegar, antes de que nos alcance el verano.

 Por favor, manténganse informados: http://www.madrid.org/fo/2015-2016/programacion.html

 

CINE

Una pieza escénica de La Tristura

Creación y texto: Itsaso Arana y Celso Giménez

En escena: Itsaso Arana, Fernanda Orazi y Pablo Und Destruktion

Invitados: Mateo Linder, Cristina Rincón, Olmo Rocca, Simona Rocca y Naia Sobrado

Voces: Roberto Baldinelli, Javier Gallego, Miren Iza, David López y Adriana Salvo

Escenografía:  Ana Muñiz

 

 Titania  

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HAMLET: EL PRÍNCIPE QUE RABIÓ

 

Resulta estremecedor, perturbador, verse plasmado en ese príncipe que duda, se cuestiona, se desespera… ante la podredumbre del poder.

Una vez más…  Un joven Hamlet que sufre, asfixiado por el dolor, la furia, el rencor, el odio, los dilemas, la zozobra, las incertidumbres… sobre las Tablas.

Un reflejo que nos alcanza, como individuos, que siendo sólo testigos que asisten a la representación del drama, se ven, se sienten, proyectados en el personaje, que como si fuera un espejo, nos devuelve nuestra imagen, que impacta en lo más profundo de nuestra mente, de nuestro ánimo, de nuestra ánima.

Y por arte de la magia del Teatro, vemos a ese joven príncipe observarse, juzgarse, acusarse, angustiarse, ante su propio espejo, que le reproduce, evidencia, proyecta, duplica sobre el escenario.  Su imagen, su sufrimiento, multiplicados, en una cuarta pared, de luces y sombras, de espejos, en los que se mira Hamlet, en los que se reflejan los personajes, donde se nos muestra, ese mundo que huele a corrupción…

Una vez más… sus reflejos nos irradian, nos retratan… O acaso no es este reino el que huele a podrido, un país donde…  “Ser honrado tal como anda el mundo, equivale a ser un hombre escogido entre diez mil.”

Nos sentimos dibujados, descritos, contemporáneos, de una puesta en escena vívida, sugerente, impactante, moderna, que va desnudándose ante nuestros ojos, quitándose capas, cuyos colores pintan el escenario de dolor, luto, furia, sangre…

La narración, se salpica de vez en cuando con humor, con algunos guiños al espectador, y respetando con fidelidad y buen hacer teatral, el contrapunto cómico de los crédulos parlamentos de Polonio, o la agudeza filosófica del sepulturero…

La versión es ágil, como un jinete hábil, veloz, que galopa hasta el final, en el que una vez más, el joven príncipe, el protagonista que da su nombre a la tragedia shakespeariana, muere ahogado por el veneno de la locura…

Una vez más, el único que sobrevive es el amigo fiel, el íntegro, el prudente Octavio, que cuatro siglos después, sigue relatándonos los hechos de esta tragedia, tal y como sucedieron.

¡Larga vida al Bardo!

Hamlet les espera en el Fernán Gómez

 

HAMLET

De William Shakespeare

Compañía: Teatro Clásico de Sevilla

Autor: W. Shakespeare.  

Dirección y versión: Alfonso Zurro

Reparto:

Pablo Gómez-Pando, Juan Motilla, Amparo Marín, Rebeca Torres, Antonio Campos, Manuel Monteagudo, Manuel Rodríguez, José Luis Bustillo, José Luis Verguizas.

Espectáculo en coproducción con el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro y el Festival de Teatro de Niebla.

 http://teatrofernangomez.esmadrid.com/

 

 Titania  

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TODO IRÁ BIEN... EN EL MEJOR DE LOS MUNDOS POSIBLES

 

Todo irá bien. Con este optimismo volteriano cargado de ironía no exenta de fe, se titula la función que desarrollan en escena cuatro jóvenes actores que, sin embargo, antes de llegar al Fernán Gómez, se han curtido en la escena Off madrileña: la de las azoteas, los sótanos y las sillas incómodas de las que uno se levanta más aliviado que contento. Pues bien, Todo irá bien es un trabajo excelente de los cuatro actores, aunque la función se me hace larga. Y los chistes -es una impresión- le deben mucho a D. Alonso de Santos (La estanquera de Vallecas, Bajarse al moro, Nines y nones, Dígaselo con valium…).

Por ejemplo, cuando llaman a la puerta y Pilar la protagonista apostrofa a la visita con un “ya recibí antes a su compañera, no quiero hacerme testiga”, eso es clavao, a Alonso y también a Almodóvar, así como los tacos e insultos para ponerse fuertes y caldear el ambiente.

Pero aquí, además -y esto es lo más grave, lo digo medio en broma-, del cotorreo se pasa violentamente a la acción y hay bofetadas de verdad por parte de una persona (la misma Pilar) que hasta ahora ha aguantado cualquier humillación sin rebelarse. Si todos los que se han quedado con ganas de darme a mí una bofetada me la dieran, yo no tendría ya cara, es mejor no crear antecedentes ni siquiera en el Teatro. Son muy aplaudidas y quién sabe.

No sé a qué se debe la largura, porque, aunque sean 16 escenas y un epílogo, no tendría necesariamente que ser así, pero lo cierto es que algunas de ellas son repetitivas y bien se podrían agrupar. ¿Le sobraban ingeniosidades al autor y no podía renunciar a ellas? Pues que las reserve para la próxima obra. ¿Meter tijera es muy doloroso?, pues se siente.

La obra empieza muy bien cuando de repente el "novio" le anuncia a Pilar que tiene "novia" con piso en Móstoles" (lo más serio que cabe tener) y al mismo tiempo, como jefe, la despide. Ello sin dejar de pregonar lo bien que ha ido todo en la cama, que está más que satisfecho. Pero luego se inicia la bajada a los infiernos de Pilar, y aquí ya se lía bastante. Da la risa cuando dice de echarle la culpa a su padre, pero luego, varias escenas más de destrucción, acaba diciendo que sí, que en serio que la culpa se la echa a su padre y ya está bien, suena cansino hasta para alguien que está colocado.

Los cuatro actores aguantan magistralmente el tipo y, dentro o fuera del cuadrilátero (tal es la escenografía, con una cama y una nevera dentro por todo agasajo), ellos tienen en todo momento que dar la cara, pues siempre están en escena. Con este esquema escenográfico, incluso el lugar que ocupan fuera de las cuerdas cuando salen de ellas puede ser significativo, ya que al final se lo intercambian y esto ya es bastante fuerte, así como la forma de entrar al ring (bien pisando fuerte las cuerdas o saltándolas con desdén, bien arrastrándose por debajo de ellas), ello supone un paso desde la prelación al sometimiento. Y al revés. No haría falta, por consiguiente, la violencia física y su ejemplaridad nefasta en aras del aplauso fácil, que el aplauso lo tendrán igual, pero por el buen trabajo.

Ahora lo que dice el programa: Todo irá bien es el retrato en clave de comedia de una generación con complejo de “Peter Pan”. Una generación que se quedó dormida y que ahora no tiene herramientas para enfrentar la vida. Un grupo de treintañeros golpeados por la crisis, el paro y un montón de sueños rotos son sus protagonistas.

El argumento de la obra es el siguiente: Pilar es cajera de un supermercado y tiene una relación con su encargado, Miguel, el que fuera el chico más popular del instituto. Carmen es la mejor amiga de Pilar. Luis iba al instituto con todos ellos, pero ninguno le recuerda. La acción se desencadena cuando Miguel, muy ufano y satisfecho tras el último polvo, anuncia a Pilar que se va a casar con otra al mismo tiempo que la despide del supermercado, por los recortes. Todo esto en el día de su cumpleaños. Pero tranquilos. Todo irá bien.

La obra habla de la incertidumbre, del sentimiento de desubicación, el amor, el desamor, el autoengaño con o sin coche, el paso del tiempo y las esperanzas no cumplidas. Pero con humor, con mucho humor.

 

Título: Todo irá bien

Autor: José Manuel Carrasco

Dirección: José Manuel Carrasco

Ayudante de dirección: Amanda Ríos.

Reparto: Pilar Bergés, Ignacio Mateos, Laura Barceló y Juan Dávila.
Teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa

Fecha: 1 de abril de 2016 (desde el 30 de marzo al 24 de abril)

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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EL BARROCO SE ACERCA A LA ZARZUELA

 

Una apuesta barroca nos trae el Teatro de La Zarzuela de Madrid, como último regalo de Paolo Pinamonti. Es una apuesta tan brillante como difícil, pues se sale de los cánones de lo que el público que acude al teatro de la calle Jovellanos, está acostumbrado. Se trata de un programa doble compuesto por las obras La guerra de los gigantes y El imposible mayor en amor le vence amor.
Acerca de estas dos obras se ha abierto una polémica sobre las autorías de ambas, pues si bien se admite que la primera de ellas es de Sebastián Durán, concebida en formato de ópera, la segunda de las obras, El imposible mayor en amor le vence Amor, pudiera ser de José de Torres y se encuadra dentro del estilo típicamente zarzuelístico.

El director artístico, encargado de la puesta en escena de las dos obras, es Gustavo Tambascio y diferencia los planteamientos de ambas de una forma deliberadamente evidente. En La guerra de los gigantes sitúa la escenografía en la actualidad, encuadrando a los dioses, héroes y gigantes del Olimpo, en una gran empresa, en la que los directivos, o sea los dioses son mujeres y los gigantes obreros, en una clara alusión a la temática actual feminismo machismo y por supuesto a la lucha de clases, lo que a nuestro juicio crea una cierta confusión pero sin duda los resultados artísticos son notables. El imposible mayor en amor le vence amor, retorna a un montaje ajustado al libreto de la obra, de los autores Leonardo García Alarcón, Francisco de Bances y José de Cañizares y nos inunda con el clasicismo de la época, en una alarde artístico propio de los principios del siglo XVIII. Decorados de papel, simulando grandes columnas, paredes, nubes, vestuario vistoso y colorista, todo ello dotado de una estética muy llamativa, eficaz y de gran calidad. La dirección del elenco compuesto por cantantes, cuerpo de baile y figurantes, son manejados con habilidad y dan como resultado unas puestas en escena en ambas obras, realmente brillantes.

La orquesta encargada de las dos partituras, la Cappella Mediterránea, es una gran agrupación especializada en barroco, y su director imprimió en todo momento los matices justos para unas obras de estas características y que completó con una magnifica intervención del coro del propio Teatro.

El elenco canoro fue en general más que aceptable. Sorprendieron positivamente las italianas Cristina Allunno y Giuseppina Bridelli. Bien Maria José Moreno, pero con problemas en las notas agudas. Mercedes Arcuri completó una actuación muy redonda y nos pareció excelente la intervención de Javier Galán, con su característica solvencia vocal y dramática.
En resumen un resultado positivo, aunque digamos que la segunda de las obras resultó excesivamente larga con diálogos reiterativos. A pesar de todo hubo aplausos porque las dos producciones resultaron realmente buenas, más que por el propio interés de las obras.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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EL CASAMIENTO EN RÉPLIKA: DELIRIO DE IDENTIDADES

 

El casamiento, de Witold Gombrowicz, que se representa en la sala Réplika,  te deja sin aliento y sin habla: Imaginaos al mejor Espronceda (El estudiante de Salamanca) y al mejor Calderón (La vida es sueño) juntos. En el primero, vemos cómo el estudiante, volviendo a casa tras una noche de excesos, ve pasar su propio entierro. Aquí es un soldado el que volviendo de la guerra, encuentra en una taberna tabernaria a sus padres, lo cual él sabe que no es cierto puesto que ellos "ya no están". En el segundo, La vida es sueño, vemos que un hijo (un príncipe polaco de la Edad Media) depone por la fuerza a su padre en un sueño que luego resultará real en sus efectos, aplicándole la misma medicina que él le diera antes en otro sueño de manera idéntica a lo que se establece como juego en El casamiento tabernario.

 Ahora pasadlos por el filtro de las vanguardias europeas y sus títeres consagrados por el ansia de poder (Ubú Rey y todos los totalitarismos del siglo XX) y colocadlos en un país mucho más católico todavía que España, un país donde cada uno lleva su cruz a cuestas y que al mismo tiempo el más juguetón (teatrero) de Europa, Polonia... Todo ello en el contexto de una boda que se ha de celebrar "sí o sí" porque quedó interrumpida por la guerra. Una boda que es un juego pero del que los efectos pervivirán cuando el juego haya acabado, igual que el sueño cuando es puro, que deja rastro.

Todo te fascina y al mismo tiempo no sabes qué creer ni qué pensar, sólo que te admiras de la verdad tan verdadera y tan viva que allí se ve. Y la música o la "no música" o la "mediomúsica" tampoco ayuda, al contrario, te dice que el que entienda algo, es que no ha entendido nada, porque todo hay que mirarlo desde fuera "para que exista" y a la vez desde dentro "para que sea", en un juego entre apariencia y realidad que para algunos, incautos ellos, se termina con la muerte.

Creo que El casamiento está llamado a ser uno de los eventos artísticos del año. Encanta y fascina al mismo tiempo que deja sin palabras, sin saber qué pensar ni qué decir. Porque apela a la identidad y al mismo tiempo la muestra como un delirio, un afán de "ser" a toda costa poniendo por delante al "existir", al "estar", que es como nos ven los demás. Pero también al revés, porque nada se da por cerrado en este delirio y se duda siempre en ese cuestionamiento doloroso que lleva a buscarse a sí mismo por encima incluso de la propia vida.

Para decirlo con palabras de su director Jaroslaw Bielski "Creo que hay pocas obras dramáticas cuya forma y tema reflejen con tanta claridad la desazón que produce en el hombre de hoy la pérdida de los valores tradicionales. El protagonista de El casamiento, en el camino de recuperar el pasado, su identidad y su “vida de antes”, se centra en la reconstrucción de los valores de antaño, a través de la destrucción el presente. Una especie de paradoja, en la que Enrique impone su punto de vista por encima de la opinión de los demás, estableciendo así su propia “realidad”, personalizada, ideada, producto de deseo y de su manipulación ideológica. A través de las palabras pronunciadas se crean unas nuevas realidades, individualizadas y asumidas por el resto de  los participantes del “juego” de Enrique. Por esto último, percibo en la obra un claro aspecto postmodernista. Vivimos en la época de la globalización de la sociedad y del resurgimiento de los movimientos del pensamiento personalizado. El destino trágico del hombre postmoderno, guiado por el hedonismo y la individualización, donde la realidad es sólo un producto de nuestra imaginación".

 

Título: El casamiento

Autor: Witold Gombrowicz 

Reparto: Raúl Chacón, Socorro Anadón, Manuel Tiedra, Juan Erro, Eeva Karoliina

Puesta en escena, versión e iluminación: Jaroslaw Bielski

Aspectos estéticos: Elizabeth Wittlin Lipton

Espacio sonoro: Chema Pérez

Producción ejecutiva: Socorro Anadón

Diseño del cartel: Jaime Nieto

Comunicación: Mikolaj Bielski

Compañía: Réplika Teatro

Fecha: sábado 19 de marzo de 2016

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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UN DIOS SALVAJE LLEGA AL TEATRO APOLO

 

Un dios salvaje, de Yasmina Reza, en el Teatro Apolo. Tenía muchas ganas de ver esta obra que repite cartel precedida de tantos éxitos, en cine y en teatro. Sin embargo la sensación ha sido más bien agridulce. Un dios salvaje se estrenó en 2006 en París y  no ha dejado de cosechar éxitos. En Broadway ganó tres premios Tony en 2009 y fue llevada al cine en 2011 por Roman Polanski con un reparto de lujo: Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster y John C. Reilly.

He aquí el argumento de un título (que queda sin explicar sobre las tablas) por el que dos matrimonios muy civilizados llegan casi a la greña:

"Dos niños de unos once años se enfrentan con violencia en un parque. Labios hinchados y algún diente roto…. Los padres de la ‘víctima’ han invitado a su casa a los padres del ‘matón’ para resolver el conflicto. Lo que comienza siendo una charla con bromas y frases cordiales adquiere un tinte más violento a medida que los padres van revelando sus ridículas contradicciones y grotescos prejuicios sociales. Ninguno de ellos escapará del brutal juicio final ante un dios salvaje".

Yo lo calificaría de drama psicológico de principio a fin ya que así es como evolucionamos en sociedad: después de mucho rato de mantener la compostura, nos desmelenamos, lo cual entronca con otro hecho de candente actualidad, el de la corrección política y sus desmelenes en lo privado. Llega un momento en que la hipocresía es muy cansada de llevar y, por una negra compensación, estallamos de la peor manera, la más visceral, para que no nos dé un patatús de tanto aguantarnos las ganas de estrangular al contrincante.

Muy bien interpretada, hay sin embargo, bastantes cabos sueltos para mí. Por ejemplo, después del primer combate, no se sabe por qué ese matrimonio tan civilizado que está dispuesto a compensarles como sea y que ya se iba ileso a sus asuntos dispuesto a zanjar cuanto antes el tema, decide quedarse: ¿sólo porque piensan que su retoño no debe pedir perdón?, ¿por otro trozo de tarta? No he visto la película de Polanski, que a lo mejor me lo aclara, pero desde aquí no se ve la humillación del pedir perdón si con eso te libras de un atestado policial. Tampoco se entiende cómo el hombre de familia española, hasta ahora un calzonazos a la sombra de su doña Perfecta, de repente se vuelve un matón, ¿sólo porque su madre reside en Cuenca y le ha mandado una ración de alajú que su mujer ha puesto astutamente en la tarta? Y siempre esa palabrita, esa mala acción "de nada" que se corona con menos, ese desliz tonto que debería haber pasado sin más pero que a fuerza de repetirlo se vuelve imperdonable y persigue a un personaje hasta el fin como si fuera un pecado original. ¡Aggg!

Y a todo esto, ¿cuál es el dios salvaje?, ¿nuestro ego sin civilizar que quiere imponerse a toda costa? Una vez le oí a un filósofo argelino (no argentino, ojo), que habíamos llegado a la civilización sin pasar por la cultura. Y tal vez sea eso, que dominados por los móviles (en la obra su sonido se come cualquier posibilidad de entendimiento), el "perdona un momento" antes de quitarle a alguien el sitio, o de asestarle el golpe de gracia que lo anule socialmente, el poner nuestras vísceras encima de la mesa porque es muy civilizado hablar de la flora intestinal en una cena... y un largo etcétera de disparates, a lo mejor nos hemos olvidado de cuando se nos decía netamente: "Eso no se hace". Se me ocurre que pueden ir por ahí los tiros de este dios salvaje de Yasmina Reza, que no es tonta ni tiene un pelo de tonta. 

 

Título: Un dios salvaje

Autora: Yasmina Reza

Reparto: Jaime Zatarain, Maia Sur, Fernando Ramallo y Lidia Navarro.

Versión: Jordi Galcerán

Dirección: Paco Montes

MalaSur Producciones

Teatro Nuevo Apolo de Madrid

Fechas: desde el 4 de marzo y hasta el 24 de abril. Jueves a las 20 y viernes, sábados y domingos a las 19 horas.

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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UN WAGNER ATÍPICO: LA PROHIBICIÓN  DE AMAR

 

Una muestra de programación inteligente en un teatro de ópera, es el estreno en el Teatro Real de Madrid de la obra casi inédita de Wagner, La prohibición  de amar, estrenada en Magdeburgo en 1836, segunda de sus composiciones y retirada después de su estreno por la censura. El libreto es del propio Wagner, basado en la obra de Shakespeare Medida por Medida. La producción es del  Teatro Real, en colaboración con el Covent Garden y el Colón de Buenos Aires, con  dirección artística del danés Kasper Holten y la musical del titular del Real, Ivor Bolton.

El argumento de la obra es de un espíritu decididamente libertino para la época y para darle más realce, Wagner lo sitúa en Palermo, como compendio de todo lo lúdico y sensual que pudiera pensarse de esas “pervertidas” tierras del sur. Lo llamativo es que la obra original está situada en la acicalada y estirada Viena, pero una vez más los tópicos se sobreponen a la realidad, no en vano esta producción convierte al rey de Sicilia en la estricta Ángela Merkel, que con su mente germánicamente cuadriculada, aun piensa que por estos lares del sur solo pensamos en la siesta, las “cañas” y por supuesto el sexo.

Desde el punto de vista del espectador, consideraciones moralistas aparte, es una ópera realmente divertida con fallos argumentales evidentes, pero que se ignoran, como en esos western el los que los revólveres tenían decenas de balas, todo ello por mor del disfrute de una obra deliciosa, que si bien no tiene ese solemne tono wagneriano, ni en la música ni en la temática, consigue distraer y disfrutar de casi tres horas de espectáculo.

La dirección de Holten es espectacular, contribuyendo al buen humor que se respira en la obra, desde esa imagen de Wagner siguiendo la partitura con cara pícara, con el que se acompaña la obertura, hasta esos cambios de decorado con sobreproyecciones y movimientos de los cantantes muy bien dirigidos.

La orquesta, bajo la batuta de Bolton, transmitió en cada momento las diferentes partituras, en una obra que combina el italianismo de Donizzetti, con matices franceses, que en ocasiones dan paso a los albores del Wagner más clásico. Un buen trabajo del director titular del Real.

El elenco, irregular, pues mientras las voces graves como Cristopher Maltman en el papel de Fiedrich imprimió seguridad a su interpretación canora y dramática, los tenores Ilker Arcayürec  y Peter Lodahl tuvieron dificultades, en especial en las notas agudas. Muy bien David Alegret,  David Jerusalem y especialmente Ante Jerkunica en el rol de Brighela. Del elenco femenino destacar la Isabella de Manuela Uhl, con una esplendida interpretación vocal, potente, buena línea y fraseo, impecable dramáticamente. Correcta la Mariana de Maria Miró y bien dramáticamente la Dorella de Maria Hinojosa.

El coro, dentro de la corrección a que nos tiene acostumbrados en las últimas representaciones.

En resumen, una obra aparentemente menor, pero con momentos brillantes, musicales  y con un libreto con un espíritu crítico, enmarcado en un aire de comedia que Kasper Holten, con una buena visión del argumento traslada a la época actual, como una afirmación de la atemporalidad de lo que se nos ofrece en el escenario.

El público salió realmente satisfecho ante esa buena puesta en escena y el aire festivo inesperado en una obra de Wagner.

 

   Francisco Mejorada Jiménez  Francisco Mejorada Jiménez  

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CRÓNICA DE UNA CASA REAL

 

Crónica de una casa real rinde homenaje a dos obras de teatro, La venganza de Tamar y Los cabellos de Absalón, escritas respectivamente por Tirso y Calderón de la Barca sobre el tema bíblico del rey David y su herencia, lo que va a dejar a sus hijos cuando el castigo por sus pecados se cumpla inexorable.

El sentimiento de culpa marcará el arranque y es, con la debilidad que le otorga al héroe, el leitmotiv de la obra, ahora como entonces, y dentro de ella se han añadido toques hilarantes de actualidad y otros humorísticos alusivos a la excepcionalidad del tema que, sin quitar riesgos al verso, lo aligeran. No hay que perderse ni una de cuantas palabras se vierten, merece la pena estar muy atentos porque los finales, sobre todo las sílabas finales de cada verso, son una sorpresa que marca la transición y a veces, cuando toca, también el cambio de sala.

Porque estamos en La pensión de las pulgas, hemos de rotar de sala en sala para seguir el argumento y no sabemos lo que nos espera, dado el horror de los caracteres y su tendencia fatal al golpe de efecto: de la risa, al llanto; del llanto a la determinación, todo cambio explicado en sutil verbo hábilmente enlazado como al desgaire.

Hay música muy bien traída, hay cante y baile muy enraizado en la tradición israelita, hay un uso muy eficaz de las nuevas tecnologías que aligera los momentos más dramáticos.

Por otra parte, la obra adquiere toda su feroz actualidad al poner en escena la rivalidad entre jóvenes y viejos, ya que éstos se resisten cada vez más a dejarles a aquéllos el paso libre a sus cargos y a sus posesiones, también a su personalidad creadora, según dicen los que la tienen. La lucha intergeneracional está servida, aunque ahora los hijos no tengan ya que pagar por la sombra del padre.

He aquí el argumento:

“Tras una tregua establecida con el ejército enemigo, Amón y Absalón, los hijos mayores del rey David, vuelven a su casa a la espera del regreso del padre. Amón, el primogénito y heredero al trono, descubrirá que se siente atraído por su hermana Tamar y se recluye en sus habitaciones para que ni su padre ni sus hermanos sepan de su pasión. No obstante, alentado por su hermano Salomón, Amón violará a Tamar. Este acontecimiento será utilizado por Absalón para asesinar a Amón vengando a Tamar y convirtiéndose así en el heredero primogénito. El enfrentamiento con su padre llevará a Absalón a dar un golpe de estado en el que perderá la vida. David entregará finalmente la corona a Salomón.”

Nada se oculta al espectador de este terrible argumento. Nadie es inocente y todos acaban tocados. Estamos ante una brillante oportunidad de conocernos mejor a nosotros mismos como sociedad y como individuos. A reconocernos también. Como se reconoce Salomón en los dorados del techo de la entrada a La casa de las Pulgas que en adelante será sólo suya, su templo soñado.

Versión: Gustavo Galindo.

Dirección: Gustavo Galindo, Mamen Camacho

Intérpretes: Germán Torres, Gustavo Galindo, Jesús Gago, Iván Luis, Paloma Córdoba

Escenografía, iluminación y espacio sonoro: Teatro Galo Real.

Vestuario: Teatro Galo Real, Jesús Vallés (Vallés Couture).

Asesoría de verso y coreografía: Mamen Camacho

Fechas: Sábados de marzo a las 18 y Domingos a las 13 horas

La Pensión de las Pulgas (Calle Huertas, Madrid)

 

    Nunci de León    Nunci de León  

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Vida de galileo de Bertolt Brecht en el Teatro Valle Inclán

 

Galileo es una de las obras maestras de Bertolt Brecht y la que más ha atraído a grandes directores. Quedan como referencias inolvidables el montaje de Strehler en el Piccolo de Milán en 1953 y la puesta en escena de Maurizio Scaparro, que se presentó también en el Festival de Otoño de Madrid en 1989 y que fue protagonista de tantos debates. Leben des Galilei es sin duda el texto que menos se encuadra en la estética brechtiana, probablemente porque el fuerte contenido autobiográfico atempera su didactismo. Brecht escribió la obra cuando estaba refugiado en Dinamarca huyendo de la amenaza nazi y al mismo tiempo tenía lugar en la URSS el proceso a Bujarin. El autor sospecha que la confesión de culpas de pensamiento se arranca siempre por miedo, como cuando Galileo declara que la tierra no se mueve. Brecht vive entonces la experiencia del hombre que oculta lo que sabe, para no perjudicar una causa que considera justa.

La versión de Ernesto Caballero es la tercera de 1955, escrita por Brecht después de su experiencia como exiliado político en Estados Unidos y del lanzamiento sobre el Japón de la bomba atómica. Víctima ilustre del macarthismo, sus interrogatorios nos recuerdan los de Galileo, y, en efecto, tuvo también que abjurar de sus ideas, afirmando no ser comunista y que muchas de sus poesías se habían traducido mal al inglés. Se sabe que estaba muy vigilado y pesaba sobre él la sospecha de ser un agente soviético. El dosier del FBI recoge que afirmó rotundamente no haber sido nunca comunista. Realmente parece que nunca fue miembro efectivo del partido y sus primeras obras rezuman más bien anarquismo, pero el horror nazi le convirtió en un fiel simpatizante. La gran riqueza de la obra bebe del notable paralelismo entre la vida de Brecht, con sus exilios y sus viajes, y la del científico toscano. El autor se encarna en el personaje y lo utiliza para expresar su tormentosa relación con el poder político, resumiendo todo su sufrimiento en la frase “Afortunada la tierra que no necesita héroes”. El gran mérito de la obra es el de expresar profundamente los grandes conflictos de nuestra época. La cerrazón ante la evidencia científica parecería un momento históricamente superado, al menos en el mundo occidental, pero estamos seguros de que el autor hoy denunciaría que todavía no es así, que sucede lo mismo cuando el interés comercial, militar o de control de la sociedad, dirige la difusión y aplicación del conocimiento científico, o cuando la ciencia pone en discusión nuestro estilo de vida mostrando sus consecuencias de agotamiento de recursos, desastre ambiental y cambio climático.

Ernesto Caballero nos ofrece un montaje inteligente, redondo, de gran calidad dramática en el espacio escénico de Paco Azorín: una plataforma rotatoria con el público dispuesto alrededor, que es ya toda una alegoría de la polémica de quién gira en torno a quién. El valor emblemático se refuerza con proyecciones desde lo alto que tapizan el suelo de cráteres lunares, signos del zodiaco, nervaduras de bóveda renacentista, bacilos o engranajes de reloj, subrayando el tema en debate en cada momento. Con gran oficio Fontseré interpreta a Galileo, un hombre moderno, ni perfecto ni culpable, un hombre que aprecia la buena vida tanto como la satisfacción por sus descubrimientos, vitalidad no siempre recogida en las representaciones alemanas, mientras que la encontramos ya en la de Maurizio Scaparro. Magnífica la interpretación de su tremendo apuro frente a sus discípulos y del fuerte desprecio hacia sí mismo por haber abjurado, así como del cambio de actitud cuando revela a Andrea Sarti que, burlando la vigilancia, ha escrito su Tratado de la Nueva Ciencia y se lo entrega para que lo lleve al extranjero donde el joven continuará un trabajo imposible ya en Italia. Con este acto de coraje se redime de su flaqueza y, aunque viejo, ciego y prisionero, logra cumplir con su deber sorteando el control de la autoridad. Claramente Brecht, pionero del distanciamiento, rehuía la catarsis, pero hay un momento cumbre en el que el público vibra de genuina indignación, y es cuando las autoridades, con toda clase de subterfugios y dogmatismos a priori, se niegan a mirar la realidad que muestra la ciencia, en este caso a través del telescopio. Queda claro que eran plena e hipócritamente conscientes de que, con su actitud cerril, con su aversión al cambio, en realidad defendían su sistema de poder.

Aunque sin duda domina la escena el carisma de un Fontseré que, aun mesurado, no puede hacernos olvidar sus legendarios personajes joglarianos, todo el reparto contribuye a la grandeza del espectáculo. Catorce actores en escena, todos, salvo los tres principales, interpretando a dos o tres personajes con un extraordinario movimiento escénico que los hace aparecer multiplicados. Notable el trabajo de conjunto, en el que destacan también Ione Irazábal, la enérgica ama de llaves del científico y madre de su discípulo Andrea Sarti, interpretado por un creíble Tamar Novas; Chema Adeva como Federzoni; Macarena Sanz, la resignada e inocente hija del genio; Alfonso Torregrosa, excelente en el doble papel de Sagredo y del Cardenal Barberini. Una mención aparte merecen los dos cantores de baladas Paco Déniz y Pepa Zaragoza, así como la voz de Alberto Frías en sus bellísimas canciones. Un gran acierto también la música en directo. La muy lograda iluminación de Ion Aníbal, el siempre actual color negro uniforme del vestuario de Felype de Lima, la inspirada composición musical de Hanns Eisler, contribuyen a ofrecer una función espectacular. El público que abarrotaba la sala después de un mes en escena, aplaudía y ovacionaba entusiasmado al equipo.

Versión y dirección: Ernesto Caballero.

 

Magda Ruggeri MarchettiMagda Ruggeri Marchetti 

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JUGAR, VIVIR, SOÑAR, SOBRE UNA MESA: THE TABLE

 

Erase... tres hombres pegados a una marioneta... que, como dijo el poeta, (del hombre pegado a su nariz) la siguen en sus pasos, andanzas, bromas, aventuras...

Porque la gran protagonista de La Mesa, es esa marioneta, que parece manoseada deslucida, ajada, con una cabeza hecha de cartón, con una gran nariz, (como la del poeta), y un cuerpo tan simple que recuerda a un muñeco hecho por niños, para jugar en el cole. Sin embargo, su fuerza, su personalidad, su magnetismo es tal que arrastra a sus titiriteros a un frenético viaje por los confines de su mundo, de su mesa, del espacio exterior o de la Biblia…

Estos tres hombres, a los que vemos mientras realizan su trabajo, vestidos de negro, pero sin intentar confundirse con el fondo del escenario… Incluso se presentan al inicio de la obra… Los tres, parece que estén jugando con su títere, como niños, se ríen entre ellos, bromean con el público, y con la marioneta. Actúan…

Tampoco The Table es el eje de la historia… Quizá es el centro del universo, para el Títere… o sólo una metáfora… que ya les dejaré que descubran por sí solos…

Los titiriteros, se lo comen y se lo guisan todo: han ideado y construido la marioneta, han creado el montaje, y nos narran la trama… Uno maneja la cabeza, la mano izquierda, y es el narrador.  Otro lleva, es, la mano derecha. El tercero, mueve lo pies, y pone tanto ahínco, en el empeño de su labor, que suda la gota gorda, y tiene que hacer pausas, para recuperarse.

El carácter principal, es el títere, que tan pronto puede ser un paciente inglés que disfruta de su jardín, de su pequeño huerto, que nos habla de su apacible vida, o no tanto… O un anciano Moisés, que se enfrenta cara a cara su Dios… O un seductor que quiere ligar con una chica del público…

The Table, es un juego, play, en el que actúan, e interactúan, los tres actores, o marionetistas, que nos narran las historias que protagoniza su Marioneta, que interpretan sus sentimientos, sus emociones…

Una buena muestra teatral, que demuestra que cuando un montaje es inteligente, original y divertido, puede llegar a todos los corazoncitos, incluidos los más pequeños… y obrar el milagro de que nazca en ellos el germen del amor por el Teatro, con mayúsculas.

 

THE TABLE

Reparto: Nick Barnes, Mark Down, Sean Garrat

Ficha Artística Una creación de Blind Summit Theatre

Construcción y diseño de la Marioneta Nick Barne

Dirección Mark Down

http://www.teatroabadia.com

 

 Titania  

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Fin DESDE LA PLATEA (SUBIR) 

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