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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 30-9-2020

 

NOTICIAS TEATRALES
Elaboradas por Salvador Enríquez
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PRÓXIMAMENTE

 

Cuando se publica esta edición es posible que algunas funciones de PRÓXIMAMENTE ya estén en cartel, pese a ello las dejamos en esta sección por mantener el enlace que, en ocasiones, hacen algunos sitios Web con dichas noticias.

Como no siempre se conocen la fechas exactas de permanencia en cartel de alguna funciones, en esta sección mantenemos las notas durante un tiempo prudencial y transcurrido éste se retiran para dejar espacio a otras que recibimos.

 

Índice de noticias en PRÓXIMAMENTE

(Para leer noticia, pulsa en el periódico de la izquierda)

PROGRAMACIÓN PARA EL MES DE OCTUBRE DE LA SALA PLOT POINT

EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ. CENTRO CULTURAL DE LA VILLA INAUGURA SALA CON TEATRAROT, DE ADOLFO SIMÓN

El teatro Fernán Gómez. CC de la Villa presenta el estreno de Bien está que fuera tu tierra, Galdós, de José Gómez-Friha

Benja de la Rosa estrena su nueva obra en AZarte LA SEXTA ALUMNA

John Malkovich, Krystian Lupa, William Christie, Rocío Molina y David Serrano en la nueva temporada de los Teatros del Canal

Àlex Rigola abre la temporada 2020-21 de La Abadía con el estreno absoluto de La gaviota

LA ABADÍA - TEMPORADA 20-21 Presenta el programa de actividad del primer semestre

TERNURA NEGRA, EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ DESDE EL 8 DE OCTUBRE

LEHMAN TRILOGY EN TEATROS DEL CANAL DESDE EL 23 DE SEPTIEMBRE

SE PRESENTA LA TEMPORADA 2020-2021 DEL TEATRO REAL, REIVINDICANDO LA PAULATINA VUELTA A LA NORMALIDAD Y LA CONFIANZA EN EL FUTURO

PRÓXIMOS ESTRENOS DE THEATRO IL TRANCCE DI LAS BESTHIAS

 

PROGRAMACIÓN PARA EL MES DE OCTUBRE DE LA SALA PLOT POINT

C/Ercilla, 29 Madrid

JUGAR A SER DIOS (Festival SURGE)

Las leyendas se mezclan con la realidad en este thriller musical inspirado en las míticas historias de terror.

Alina, una joven que padece una extraña enfermedad por la cual su sangre no se renueva, es tratada durante las 24 horas del día por sus dos médicos particulares: Enrico y Ángelo. Ambos harán lo posible por salvar su vida, ¿o quizá por completar la suya propia?

Los tres se verán envueltos en un triángulo de celos, envidias y sangre cuyas consecuencias sobrepasarán los límites de lo terrenal.

Género: Thriller - Edades recomendadas: Todos los públicos

Reparto: Ana Dach, Julián Salguero y Paris Martín

Jueves 15 – 20.30 - Precio: 12€

 

LA NIÑA QUE SE CAYÓ AL POZO (Festival SURGE)

 “Durante un largo período encerrada en casa, inicio una serie de conversaciones con mi madre en las que ella recuerda desordenados pasajes de su vida. Poco a poco se estableces un vínculo entre su palabra y mi movimiento y se desarrolla un atípico diálogo entre ambas”.

La coreógrafa, atravesada por su propio viaje emocional durante el confinamiento en el que se ha desarrollado la mayor parte de la investigación traduce estas vivencias en danza, vídeo e improvisación, haciendo un homenaje a su pasado.

Género: Danza Contemporánea y Vídeo - Edades recomendadas: Todos los públicos

Reparto: Milagros Galiano

Jueves 22  - 20.30 - Precio: 12€

 

FÓSFOROS – MOMENTOS DE LA VIDA

 "Un hombre se enfrentará a sus recuerdos. Se enfrentará a ellos para afrontar la vida. Aprenderá que los momentos existen para ser vividos. Aprenderá que las cerillas existen para ser encendidas.

Fósforos - Momentos de vida es una obra de teatro breve gestual, un poema y un canto a la vida, una invitación a bailar sobre las dificultades para así poder seguir trazando el camino hacia el futuro."

Género: Microteatro – Gestual - Edades recomendadas: Todos los públicos

Sábado 3 y Domingo 4 de octubre  - 19.00 y 20.00 - Precio: 5.50€

 

MI PADRE, SABINA Y YO

Joaquín, es un mujeriego, algo canalla y sediento de vida. Experto chef con tres estrellas Michelín, su debilidad son las mujeres de todo tipo, edad y color. Un 28 de diciembre, en medio de una de sus habituales fiestas con chicas, la sorpresa golpea a su puerta: un chaval de 25 años se presenta como su hijo y decide instalarse allí hasta que el padre lo reconozca o lleguen los resultados de las pruebas de ADN. Durante ese tiempo de convivencia, ambas personalidades chocan y sus respectivos mundos estallan en conflictos que desnudan las fortalezas y debilidades de cada uno. Casi sin darse cuenta se van convirtiendo en padre e hijo antes de saber si realmente lo son. A caballo entre el teatro musical y el convencional, el guion se estructura en una serie de flashbacks que nos guían a través de la trama, mientras que las letras de Sabina matizan los momentos más emotivos de la función.

Cía Plot Point - Género: Comedia Musical

Reparto: Carlos De Matteis,  Julián Salguero y Arantxa Fernández

Edades recomendadas: + 16

Sábados – 22.00hs y Viernes 23 – 22.30hs - Precio: 17€

 

MI MADRE, SERRAT Y YO

Esta es la explosiva mezcla de Mi madre, Serrat y yo. Una madre alocada versus una hija formal. Carcajadas y lágrimas en la misma proporción, todo con el aderezo maravilloso de las canciones de Joan Manuel Serrat, que en el contexto de la historia se resignifican y tienen más potencia aún.

La acción comienza cuando Penélope (directora de coro) se separa de José Mari (el farmacéutico) y viene a vivir con su madre. Allí, entre fragmentos de canciones de Serrat, situaciones hilarantes y conflictivas, ambas mujeres nos conmueven con una relación plena de amor y humanidad que permite que Penélope debute como solista y algunas sorpresas más.

Cía Plot Point

Género: Comedia Musical

Reparto: Carmen Ibeas/Claudia Zamora y Marina Skell

Edades recomendadas: Todos los públicos

Viernes – 20.00hs- Precio: 17€

 

YO DECIDO. AMOR, SEXO Y MUERTE

En YO DECIDO. Amor, sexo y muerte, Marina Skell da vida a Renata, una profesora universitaria que tiene que afrontar un momento decisivo en su vida. Mientras lucha con su entorno por tomar la mejor decisión posible, empuja a sus alumnos a hacerse preguntas sobre 'la naturalización' y 'normalización' que el sistema hace sobre los temas más importantes de la vida.

Su mirada feminista sobre las cosas más simples deja al descubierto el entretejido que el sistema crea para que el poder nunca pierda sus privilegios.

Sus acciones deconstruyen la realidad y abren preguntas subversivas sobre el ser humano y su relación con el medio.

Esta lucha a muerte la irá cambiando a ella y a su entorno en una sorprendente batalla final.

Cía Plot Point

Género: Drama

Reparto: Marina Skell

Edades recomendadas: + 16

Sábado 10, 17, 24 y 31 - 19.30hs - Precio 17€

 

PROGRAMACIÓN INFANTIL

GIRASOLES

Primera luz de la mañana, los girasoles despiertan y comienzan su danza moviéndose hacia el sol, siguen el camino que marca la luz del astro de este a oeste. Lo hacen cuando son jóvenes, después, cuando maduran ya no persiguen más la luz, se quedan indefinidamente mirando hacia oriente, hasta que se extinguen.

Como los girasoles los bebés miran al sol, persiguen el haz de luz que les lleve a descubrir, a jugar, a experimentar, a crecer, a soñar. Acaban de empezar a vivir y todo es nuevo, es fascinante. Con el tiempo nos quedamos inmóviles ante el milagro de lo cotidiano. Girasoles es una invitación al descubrimiento del entorno y la magia que nos circunda, centrada en la estimulación de los sentidos de los más pequeños.

Recuperar la chispa de lo que nos parece común pero que está preñado de fantasía.

Cía Turlitava Teatro

Edades recomendadas: Teatro para bebés (0 a 4 años)

Reparto: Patricia Domínguez y Victoria Peinado

Domingos – 12.30 - Precio: 7€

 

BABY ROCK

¿Quién dijo que los espectáculos para niños y bebés sólo podían tener canciones infantiles con un aire algo ñoño? La Cía. Plot Point rompe todos los moldes y ofrece un espectáculo con tintes de rock y pop para los más pequeños de la casa.

Los bebés y niños viajarán por un mundo repleto de sensaciones y estímulos. Música original con un toque rockero y estímulos para todos los sentidos, envuelven a los niños en una atmósfera en la que compartirán pasajes de la historia de dos entrañables amigas muy diferentes entre sí, que encuentran la tolerancia y el juego como puntos de unión y aprendizaje.

Un espectáculo para explorar y descubrir los cinco sentidos.

Cía Plot Point

Edades recomendadas: Teatro para bebés (0 a 6 años)

Reparto: Carmen Ibeas y Celia Medrano

Domingos  - 17.00hs -Precio: 8€

Más información: www.plotpoint.es

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EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ. CENTRO CULTURAL DE LA VILLA INAUGURA SALA CON TEATRAROT, DE ADOLFO SIMÓN

El teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa estrena nueva sala, la Sala Polivalente arranca como escenario de teatro, ya que no solo ofrecerá como hasta ahora, conferencias y talleres, sino también obras y performances en las que el público podrá disfrutar de unos montajes especiales y diferentes a los que se ofrecen en las otras salas de este teatro dependiente del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

 Laia Ripoll, directora artística de escena del teatro, inaugura esta sala con un montaje nada convencional: TEATRAROT, de Adolfo Simón. Esta performance nos ofrece un homenaje a Madrid por los momentos vividos durante el confinamiento. El público, que accederá de uno en uno a la sala, podrá vivir una experiencia única, ya que el autor e intérprete, Adolfo Simón, le echará las cartas que el mismo espectador interpretará a través de los objetos que se le muestren. Sin palabras, todo a través de gestos y objetos con poesía visual, se traducirá lo que las cartas muestren. El recorrido termina en una visita por siete instalaciones que nos enseñan lo que las cartas le han contestado al autor durante sus siete semanas de confinamiento.

Teatrarot, escrita e interpretada por Adolfo Simón y la composición musical de Miguel Ángel Simarro, se podrá ver los viernes, sábados y domingos del 2 al 11 de octubre en la Sala Polivalente. El público entrará de uno en uno y la actuación tendrá una duración aproximada de 20 minutos. Entrada gratuita, más información consultar la página web del teatro.

 Más información: www.teatrofernangomez.es

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El teatro Fernán Gómez. CC de la Villa presenta el estreno de Bien está que fuera tu tierra, Galdós, de José Gómez-Friha

La Sala Jardiel Poncela del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa estrena BIEN ESTÁ QUE FUERA TU TIERRA, GALDós, el último montaje de Venezia Teatro, que está dirigido por José Gómez-Friha. La obra se podrá ver del 15 de octubre al 29 de noviembre en la sala pequeña de este teatro del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

Bien está que fuera tu tierra, Galdós se incluye dentro del ciclo Desembarco Galdós que el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa va a realizar en octubre y noviembre. Este ciclo, que gira en torno de la figura de Benito Pérez Galdós, quiere ser un homenaje cuando se cumplen cien años de su muerte. El ciclo incluye teatro, cine, talleres, conferencias, mesas redondas y, en palabras de Laila Ripoll, directora artística de escénicas del teatro, “… además de un homenaje, pretende ser un estímulo para la nueva creación, un acicate para la escena contemporánea, que homenajea y mantiene viva la herencia galdosiana”.

Bien está que fuera tu tierra, Galdós, está interpretado por Esther Isla, Macarena Sanz, Alma García, Antonio Fernández y Julio Hidalgo, con la dramaturgia de Alma García que ha contado con la asesoría de Álvaro Tato.

La obra está concebida como un proyecto de indagación en sí misma. De este modo, a través del juego entre las fronteras de la ficción, los cinco actores del espectáculo se verán reconvertidos en investigadores escénicos. Todo comienza con una pregunta: ‘¿Cómo repensar a Galdós desde el siglo XXI?’ La respuesta a ello llega con un golpe de suerte: el descubrimiento en los archivos de La Biblioteca Nacional de una autobiografía dramatizada que Galdós jamás dio a conocer. Se trata de una serie de cuartillas apenas legibles escritas durante los últimos días de la vida del escritor. En ellas, Galdós ofrece una visión de su vida en la que las aristas de lo político, lo literario, lo personal y lo social se entrecruzan constantemente. Así pues, los actores escucharán los ecos de la tierra, los ecos de Galdós y de aquellos que han ido conformando la intrahistoria de nuestro país: Sisita, José María de Pereda, Mamá Dolores, Real Academia Española, Concepción Arenal, El Liberal, Pardo Bazán, Café Universal, Valle Inclán, Menéndez Pelayo, Isabel II, Federico García Lorca…

Talleres y actividades en torno a la obra

Venezia Teatro ha creado un perfil de Instagram de Benito Pérez Galdós, ViveGaldós, orientado a institutos. De este modo, el alumnado podrá conocer aspectos de la vida y obra de Galdós a través de las imágenes, vídeos y comentarios que el escritor irá publicando en su cuenta. Se realizará, también, un taller de lectura y creación, impartido por Alma García (actriz y dramaturga de la obra) que girará principalmente en torno al material existente en dicho perfil.

Venezia Teatro, presenta con este montaje su segunda etapa, en la que retoma su andadura teatral con una nueva estructura interna de división de responsabilidades según las etapas del proceso de producción en el que se encuentre el espectáculo. La compañía quiere ser un espacio en el que imaginar y poner en práctica nuevas maneras de concebir la producción escénica, en un entorno poco propicio para la supervivencia de las compañías de teatro duraderas.

Más información: www.teatrofernangomez.es

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Benja de la Rosa estrena su nueva obra en AZarte LA SEXTA ALUMNA

Benja de la Rosa estrena su nueva obra en AZarte LA SEXTA ALUMNA. Él mismo escribe y dirige esta obra en mitad de la pandemia para su estreno en la sala AZarte de Chueca. Se trata de la adaptación teatral de su película homónima,  primer film español rodada con Iphone 6 Plus, y estrenado en el Festival de Sitges.

Es la historia de Mina, una joven huérfana que vive en un pueblo con su tío y sueña con poder convertirse algún día en actriz. Todo cambiará para ella el día que recibe la llamada de admisión en la mejor escuela de interpretación y Mina deja atrás todo para comenzar su nueva vida soñada. Pero no todo va a salir como ella piensa y descubre que en la escuela se sigue un extraño “método”.

Funciones: 12, 19 y 26 de septiembre y sábados de octubre a las 21hs

Más información: www.azarte.com

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John Malkovich, Krystian Lupa, William Christie, Rocío Molina y David Serrano en la nueva temporada de los Teatros del Canal

En situaciones colectivas en las que han calado la incertidumbre o la desolación, la cultura ha sido siempre un alivio y una vía de reconstrucción frente al dolor o el sufrimiento. Por eso, en los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid queremos celebrar la vida con la programación 2020/2021, la primera que ha diseñado íntegramente su Directora Artística actual, Blanca Li.
Un programa efervescente que abarca desde septiembre de 2020 a junio de 2021, e invita a la reflexión en medio de esta emergencia global, pero también transmite energía y optimismo. Este teatro público abierto y cosmopolita bullirá desde la mañana hasta la noche, atento a la escena contemporánea, esto es, del tiempo y la época en que vivimos. Con más de 90 compañías y más de 360 funciones, los Teatros del Canal amplían este año su programación y expresan su carácter ecléctico, interdisciplinar e intergeneracional, con especial atención a la diversidad de público y al fomento de la creación.

La programación ha sido desglosada en un acto de presentación que se ha realizado en streaming y que ha corrido a cargo de Marta Rivera de la Cruz, consejera de Cultura y Turismo, y de Blanca Li, directora artística de los Teatros del Canal. Rivera de la Cruz ha querido " agradecer a Blanca Li y a su equipo la ilusión, el talento y el esfuerzo puestos en esta nueva temporada, que consolida a los Teatros del Canal como uno de los principales escenarios europeos".

Asimismo ha instado a todos cuantos intervendrán en esta temporada en los Teatros del Canal " a luchar por una temporada heroica, tras la reapertura el pasado  17 de junio, y que ha servido de ejemplo de trabajo y valentía", sin olvidar a " un público más entregado que nunca que desde el primer día ha respondido no solo con su aplauso si no con el cumplimiento estricto de las normas de seguridad e higiene, mostrando su confianza en  que la cultura es segura".

La programación en números

En los próximos meses, en la cartelera de las tres salas de los Teatros del Canal -la Roja, la Verde y la Negra-, así como en el Centro Coreográfico Canal, nos espera danza, teatro, música, circo, performance, nuevas formas escénicas y alternativas. También habrá un gran número de actividades familiares y campaña escolar, que buscan transmitir a los más jóvenes el gusanillo de la cultura. Una programación amplia y abierta a todas las sensibilidades, que abrazará la tradición y la modernidad, lo clásico y las nuevas tecnologías en un espacio dedicado a creadoras y creadores españoles e internacionales. Tal como lo ha ideado Blanca Li, será una ambiciosa propuesta para imaginar, estimularse intelectualmente y encontrarse con el otro, vivir, soñar y celebrar el presente.

Tenemos por delante 98 estrenos, de los que 22 son absolutos, y veremos 33 coproducciones reunidas bajo la etiqueta Creación Canal. Se ha realizado un importante esfuerzo por establecer puentes con la creación internacional, en especial con la europea, y así, mientras que 48 de las compañías que vendrán son españolas, 34 son extranjeras, y más del 40% de creadoras.

Piezas recuperadas

Se recuperará el 90% de los montajes internacionales y el 100% de las 21 compañías nacionales que tuvieron que suspender sus funciones debido al confinamiento al que nos obligó el coronavirus. Así, el 4 y 5 de septiembre ha estado en el escenario de la Sala Negra la bailaora Leonor Leal, con su flamenco experimental en Nocturno. El 13 de septiembre, Poliana Lima sube al escenario de la Sala Negra, por fin, Las cosas se mueven, pero no dicen nada, una coproducción de los Teatros del Canal. El 26 y 27 de septiembre, el colectivo [LOS NÚMEROS IMAGINARIOS] ENSAMBLE/BELLA BATALLA presenta en el Centro Coreográfico Canal una versión de su LEAR (desaparecer) adaptada a los tiempos del COVID; es también coproducción Canal, como los títulos de Angélica Liddell, que hace doblete, en el marco del Festival de Otoño, con Una costilla sobre la mesa: madre, que vendrá el 17 y 18 noviembre a la Sala Roja, y Una costilla sobre la mesa: Padre (presentación de Sacher – Masoch Lo frío y lo cruel) o el problema de la semejanza, el 21 y 22 de noviembre, también en la Roja. Amalia Fernández y Juan Domínguez presentan el estreno absoluto de su performance Entre tú y yo, también como parte del Festival de Otoño, coproducción de Teatros del Canal y en la Sala Negra, y la compañía El Conde de Torrefiel recupera La plaza el 28 y 29 de noviembre, en la Verde e igualmente integrada en el Festival de Otoño. El 11, 12 y 13 de diciembre es el turno de la danza de Kors’ia, que nos presenta, en estreno absoluto, Giselle, otra de las coproducciones del teatro. Israel Galván recupera El amor brujo el 22 y 23 diciembre en la Sala Roja, también coproducción de Teatros del Canal, y Manuel Liñán hace lo propio con ¡Viva!, el 27, 29 y 30 de diciembre y 1 de enero, en la Roja también, e igualmente producido por Teatros del Canal. La tríada italiana Pippo Delbono, Emilia Romagna y Teatro Fondazione presentan La gioia el 27 y 28 de febrero, un espectáculo sobre la esquiva emoción de la alegría. Y Anne Terese de Keersmaeker y su compañía Rosas, de danza contemporánea, presentan una de sus coreografías más emblemáticas, Drumming (Tambors), el 31 de marzo y el 1 de abril.

Son montajes que se añaden a los que se recuperaron en cartel cuando se reabrió el teatro tras la pandemia, durante el mes de junio y julio, de la compañía La Ribot, de Xavier Bobés, de Daniel Abreu, de Janet Novás y Mercedes Peón, de Sara Cano, Los Bárbaros, Jesús Rubio Gamo, La tristura, del trío J. Dutor - G. Mont de Palol - Cris Blanco, y de Colectivo Armadillo.  

Propuestas interdisciplinares y grandes nombres

El eclecticismo es seña de identidad de esta programación que incorpora nombres venidos de distintas artes para sumar fuerzas y dialogar con el teatro. Del 17 al 21 de febrero tenemos una cita con el actor John Malkovich en el escenario de la Sala Roja, donde subirá su Simplemente, llámeme Dios, un crossover de música y teatro en el que analiza la mente de los tiranos megalómanos. Del 10 al 13 de diciembre también subirá a la Sala Roja la prestigiosa compañía Comédie – Française, con una adaptación de 20.000 leguas de viaje submarino. El 12 y 13 de febrero, el emblemático director polaco Krystian Lupa pondrá en escena de la Sala Roja Capri: the Island of Fugitives, que analiza los monstruos europeos de la religión o las dictaduras. La Teac Damsa Company y Michael Keegan – Dolan, Premio Laurence Olivier de Danza, presentan Mám, una propuesta de danza abstracta que la crítica londinense recomendó como imprescindible y vendrá del 29 de abril al 2 de mayo a la Sala Roja. El icónico director de orquesta William Christie, gran recuperador del Barroco, traerá, de la mano de Les Arts Florissants. el concierto escenificado #TellmeTheTruthAboutLove, el 23 y 25 de marzo a la Sala Roja.

Rossy de Palma, nombre habitual del Séptimo Arte, subirá a la Sala Negra entre el 3 y el 6 de diciembre con la performance Resilienza D’Amore (Revisitado), un espectáculo de poesía visual dadaísta. El circo estará representado en las piezas Hotel, del Cirque Eloise, del 6 al 10 de enero en la Sala Roja, y Opus, de Circa, en cartel del 21 al 25 de abril en el mismo escenario. Incluso habrá magia, con Mag Lari y su montaje 25 ilusiones, del 13 al 24 de enero en la Sala Roja, y la compañía Taiat Dansa ofrecerá su particular homenaje al fotógrafo Man Ray con un espectáculo que lleva el nombre del célebre artista, y podremos ver los días 3 y 4 de marzo en la Sala Verde. El teatro de la Maestranza lleva el estreno absoluto de Es lo contrario a la Sala Negra, el 21, 22 y 23 de mayo, en una coproducción de Teatros del Canal. Y el 30 de junio y el 1 de julio, la compañía La Señorita Blanco presenta su instalación de artes vivas Paisaje dentro de paisaje: 1. Sacrificio, un trabajo que se basa en la investigación en profundidad de los paisajes naturales de la escena; es una coproducción de los Teatros del Canal.

Para más información: https://www.teatroscanal.com/espectaculo/programacion-2020-2021/

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Àlex Rigola abre la temporada 2020-21 de La Abadía con el estreno absoluto de La gaviota

El Teatro de La Abadía arranca su temporada 2020-21 con La gaviota, en estreno absoluto, una versión libre del texto de Anton Chéjov a cargo de Àlex Rigola, quien ha llevado a cabo un acercamiento muy personal al original mediante una “propuesta escénica que rompe las fronteras del arte y la vida en este espacio ágora que para mí debe ser el teatro”.

 Un nuevo acercamiento al texto de uno de los autores más destacados de la literatura rusa y exponente del naturalismo moderno, para hablar sobre amor y teatro. Para ello, tres actrices (Mónica López, Irene Escolar y Roser Vilajosana), un actor (Xavi Sáez), un actor-dramaturgo-director (Nao Albet) y un autor-director (Pau Miró), hablan en el escenario sobre sus deseos y sobre su amor por el teatro. Los seis protagonistas aparecerán en escena sin vestuario, con la misma ropa con la que llegan al teatro y sin ninguna voluntad de simular que son rusos del siglo XIX; pero mantienen las tramas y los conflictos principales que propone el texto original.

 El espectador encontrará en esta versión libre la estructura de La gaviota, dado que sigue el orden de la pieza original. Pero, en esta ocasión, sus protagonistas, se dedican al arte. Y así, nos hablarán del amor no correspondido y de la frustración de la búsqueda utópica del hecho artístico último. De la insoportable ligereza del ser: es decir, como todas las grandes obras de Chéjov, de remover el corazón y el cerebro entorno al existencialismo.

Funciones: del 10 de septiembre al 4 de octubre.

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LA ABADÍA - TEMPORADA 20-21 Presenta el programa de actividad del primer semestre

Presentamos el programa de actividad para el primer semestre de la temporada 2020-21 en un contexto global de incertidumbre. Tanto en esta parte de la temporada como en la que anunciaremos más adelante, se reconoce la huella del coronavirus. Algunos espectáculos ya estaban programados originalmente en los meses del confinamiento, mientras que otros proyectos se han tenido que posponer más allá de la temporada 2020-21.

Trazar el mapa de la nueva temporada ha sido transitar un camino de dudas y preguntas y un adaptarse continuo. ¿Qué teatro queremos hacer, y qué teatro queremos ver, tras el cierre forzoso durante tres meses y con la perspectiva de distanciamiento sanitario, mascarillas, incomodidad? En parte por eso la programación incluye varias propuestas que se alejan del formato convencional del espectador en su butaca en el interior de una sala a oscuras.

Todo nace de la conciencia que nos corresponde como teatro público de gestión privada. La Abadía existe para poner sus recursos humanos y materiales al servicio de la ciudadanía y de los creadores. Queremos seguir siendo un agente cultural inquieto, que busca nuevas fórmulas de producción, creación y mediación. Un espacio al servicio del bien común, que recoge y articula los antiguos y nuevos relatos, a través de (re)encuentros en convivencia, sirviendo al cuidado de su comunidad. 

En esa tarea nos empeñamos durante los meses de confinamiento, y así seguiremos en los tiempos de coexistencia con la incertidumbre. Compartiendo la fragilidad de las personas que se dedican a un arte que se fundamenta en la inmediatez, a los que quisimos apoyar en la medida de lo posible para que se mantuvieran en activo durante estos meses. Y registramos también la avidez con que la sociedad civil aprovechó la oportunidad de entrar aún en mayor contacto con los nuevos formatos derivados de la creación teatral confinada. La experiencia sobrevenida nos ha reafirmado en que el teatro es necesario, que aporta algo esencial al convivir humano. 

Hoy más que nunca, el Teatro y la Cultura amplían el espacio de la vivencia y, desde la imaginación y el pensamiento en complicidad, fomentan el imprescindible diálogo entre “los hombres y los dioses”.

La actividad prevista para la temporada 2020-21 emana de esta manera de sentir y hacer teatro. Y para ello, seguimos reforzando los vínculos con los creadores asociados, y recibiendo creadores invitados, haciendo de La Abadía un lugar de convivencia plural, dinámico, flexible, cambiante. ¡Un Teatro Imprevisible! 

Àlex Rigola se suma a la constelación de creadores asociados a La Abadía, abre la temporada con su visión personal de La gaviota de Chéjov, el primer estreno de nuestra temporada, y vuelve más tarde con otra propuesta escénica (Un país sin descubrir…), un trabajo sobre la muerte y, por tanto, como subraya Rigola, sobre la vida. Junto a él y la compañía gallega Matarile con más de treinta años en su haber, La Abadía se abre a creadores emergentes, como Pablo Rosal, las compañías que nos trae el BE Festival y Sleepwalk Collective.

Damos continuidad a dos espectáculos de la temporada pasada: Delicuescente Eva, estrenada apenas cinco días antes del confinamiento, y el relato intimista interpretado en el jardín de La Abadía, Sea Wall.

En cuanto a esos formatos no convencionales, cabe señalar dos itinerarios individuales: Quijotes y Sanchos, que llevará al espectador, audioguía en mano, desde la verja de La Abadía por la ciudad de Madrid, y Ronem Ram, una instalación que mezclando la investigación y la poesía evoca la degradación del Mar Menor y del recuerdo íntimo.

José Luis Gómez, miembro de la RAE y fundador de La Abadía, presenta Mio Cid, un trabajo de juglar a partir de uno de los textos más significativos de la lengua castellana, y por primera vez La Abadía lleva a cabo una coproducción con el Teatro Real, la ópera Marie, con libreto de Lola Blasco y música de Germán Alonso, inspirada en el personaje femenino de Woyzeck.

En otro registro musical muy distinto, La Abadía acoge también La transfiguración del Mastodonte de Asier Etxeandia y Enrico Barbaro. Por aquello que se dijo antes: un teatro imprevisible.

En coherencia con esta línea artística y casi ideológica surge la apuesta sin fisuras por #TeatroConfinado, no como complemento de las representaciones en nuestras salas, sino como camino para llegar a nuestros espectadores

Pero la exhibición de espectáculos requiere también el diálogo permanente entre los creadores y sus públicos, profesionales del sector o meros aficionados. Por eso La Abadía apuesta por una programación expandida que conecte con audiencias diversas. Javier Lara, Àlex Rigola, Ana Vallés, Lucía Miranda, Luis Bermejo, Sleepwalk Collective y Jesús Nieto ofrecerán talleres dirigidos a profesionales durante este semestre. Mientras, el Centro de Estudios como seña de identidad de esta casa se ocupará del legado y el trabajo de mediación a través de un variado programa de actividad que recoge encuentros, jornadas de trabajo con maestros, grupos de trabajo comunitario o un acercamiento a la creación en relación con el ecosistema. 

Además, La Abadía ha creado una nueva política de precios, con los martes y los miércoles como días del espectador, y la ampliación de los días de descuento en todas nuestras tarifas, para que el teatro sea una experiencia accesible para todos. Para que en tiempos de inseguridad la cultura siga siendo un espacio de convivencia y de intercambio, de búsqueda, de interpelación y de sanación colectiva.

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TERNURA NEGRA, EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ DESDE EL 8 DE OCTUBRE

Carne Viva y Vania Producciones presentan "TERNURA NEGRA", una comedia histórica de terror romántico escrita y dirigida por Denise Despeyroux, en el Teatro Fernán Gómez - Centro Cultural de la Villa (Sala Guirau) del 8 al 18 de octubre de 2020

Con el siguiente reparto: Paloma: Denise Despeyroux, Andreas: Fernando Cayo y Hugo: Joan Carles Suau

Sinopsis

Un autor y director de teatro obsesionado con la figura de María Estuardo se instala en una tienda de campaña junto al castillo de Tutbury, donde la reina pasó gran parte de su cautiverio. Su intención es comunicarse con el fantasma de la trágica y última reina de Escocia. Helado en el interior de su tienda de campaña, el autor dirige a través de Skype una actriz y un actor que ensayan en una buhardilla destartalada y con goteras. No es un asunto fácil, pero se complica aún más cuando el autor decide colarse en una habitación del castillo que ha sido clausurada por su alarmante grado de actividad paranormal. Las cosas más inesperadas pueden pasar en una sesión de espiritismo a través de Skype.

EL ORIGEN DE UNA OBRA Y ESA OBRA UN LUSTRO DESPUÉS

Soñaba que lloraba dormida y que preguntaba mientras dormía y lloraba: ¿qué puedo hacer para sacar este dolor de adentro? Y una voz a mi lado me susurraba: escribe. Entonces yo me quejaba: Pero si ya escribo y el dolor no sale. Y esa voz de alguien que no escribió, porque en mi sueño yo seguía dormida, me contestaba: Eso es porque te falta el título de lo que tienes que escribir. ¿Y cómo es el título?, preguntaba yo, todavía llorando. Y la voz dijo: Ternura negra.

Entonces desperté. Era una madrugada de invierno en la campiña inglesa, no muy lejos del castillo de Tutbury donde tantos años estuvieron encerrada María Estuardo. Pensando en ella, corrí a escribir el título.

¿Por qué María Estuardo? Como todas las cosas que ocurren por decisión del inconsciente... vete a saber. Él de agregar que aquel 2015 no fue solo mi inconsciente el que se encaprichó de arrepentirse con la figura de la trágica reina de Escocia. El germen de todo surgió una tarde en que Ester Bellver y yo quedamos para fantasear con la idea de sacar adelante un proyecto juntas. Ella compartió imágenes que daban vueltas en su cabeza: un castillo, una reina, una torre. Yo mencioné a María Estuardo, y ella confesó que le había venido a la cabeza ese personaje. Lo más curioso es esa misma mañana que yo había escogido un libro de mi biblioteca para llevar a cabo la consulta del médico. Ese libro era María Estuardo, de Stefan Zweig. Se lo había robado a un librero malvado para quien estuve trabajando en una feria de libro antiguo unos diez años atrás. Digo que era malvado para suavizar mi culpa insinuando que merecía ese hurto, entre otras razones porque echaba el mal de ojo a cualquier persona que se acercara a una curiosidad sin alcanzar a comprar nada. El caso es que ese libro tuvo unos diez años desatendido en mi biblioteca, y aquel día, quién sabe qué fuerza invisible me hizo rescatarlo.

Pero todo esto tiene un lustro, en el año 2015, un año muy singular para mí en el que incluye algunos amigos: dentro de cinco años, en 2020, que suena un año tan especial (jamás hubiéramos tenido sospecha hasta qué punto) sería emocionante hacer un balance de todo lo que ahora nos traemos entre manos. Y bien... pues creo que entre mis formas de hacer balance se encuentra esta aventura de regresar a Ternura negra, compartiéndola de nuevo con Joan Carles Suau, que fue la tercera pata que ya en otra ocasión se sumó al proyecto, para encarnar a Hugo, el niño índigo que Andreas (Fernando Cayo) escolta para interpretar a la reina Isabel, enemiga temible de María Estuardo. Esta vez Joan Carles y yo seremos también compañeros de reparto, reto que me entusiasma especialmente. Se trata, en suma, de un nuevo montaje de la obra, que a la vez conserva algunos elementos valiosos del montaje anterior. El más evidente son las películas protagonizadas por Fernando Cayo, para las que literalmente acampamos (plantamos la tienda de Andreas) junto al castillo de Turégano. Nos ilusiona esta nueva andadura para una obra que indaga en torno a la trágica y fascinante figura de María Estuardo, un castillo plagado de fantasmas .Denise Despeyroux.

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LEHMAN TRILOGY EN TEATROS DEL CANAL DESDE EL 23 DE SEPTIEMBRE

Barco Pirata presenta "LEHMAN TRILOGY" de Stefano Massini, una balada para sexteto en tres actos.

Versión y dirección: Sergio Peris-Mencheta

Del 23 de septiembre al 18 de octubre en los Teatros del Canal.

LEHMAN TRILOGY cuenta la historia de 3 generaciones de la familia Lehman desde su ascenso hasta su caída.  Desde que Henry Lehman, hijo mayor de un comerciante judío de ganado, sale de Baviera en 1844 y llega a EEUU en busca del sueño americano y una vida mejor, hasta la caída de Lehman Brothers, unos de los mayores bancos de inversión en 2008, que desencadenó la peor crisis financiera en el mundo de la que aún sufrimos sus consecuencias.  

Más de 140 personajes desfilan delante de nuestros ojos de la mano de 6 músicos actores en un fascinante y divertido viaje que narra, a través del humor y del relato, las diferentes etapas de la construcción y deriva del capitalismo moderno, en un tono mordaz e irónico con un aroma a la vez pedagógico y crítico, haciendo al público partícipe de los vaivenes de la economía.

LEHMAN TRILOGY recorre, a través de 150 años, la historia del capitalismo moderno reflexionando sobre el poder destructor del dinero y la deshumanización que han sufrido las instituciones económicas y políticas desbordadas por la loca carrera en busca del fácil beneficio.

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SE PRESENTA LA TEMPORADA 2020-2021 DEL TEATRO REAL, REIVINDICANDO LA PAULATINA VUELTA A LA NORMALIDAD Y LA CONFIANZA EN EL FUTURO

El día 1 de julio de 2020 el Teatro Real alzará el telón para ofrecer LA TRAVIATA, de Verdi, que estaba previsto estrenar en mayo y que se suspendió a cauda de la pandemia.

Asimismo el Real ha presentado su 24ª temporada (2020-2021) después de la reinauguración, que ofrece una ambiciosa programación, capitaneando coproducciones con los más importantes teatros europeos, impulsando la creación actual, defendiendo el patrimonio musical español y ofreciendo grandes títulos del repertorio lírico con algunos de los cantantes más aclamados mundialmente en sus respectivos repertorios.

Entre los 15 títulos de la programación de ópera, que se extiende  del  siglo XVII a la  actualidad, habrá 7 nuevas producciones del Teatro Real -Rusalka, Peter Grimes, Lessons in Love and Violence, Norma, Viva la Mamma! y los 2 estrenos mundiales Marie y Tránsito-; 4 producciones invitadas -Un ballo in maschera, Don Giovanni, Siegfried y Tosca-  y 4 óperas en versión de concierto: El nacimiento del Rey Sol, Elektra, Don Fernando, el emplazado y Orlando Furioso.

Esta temporada es posible gracias al apoyo de todos los patrocinadores del Teatro Real y en especial a Telefónica, como mecenas principal tecnológico; a Endesa, como mecenas principal energético; y a Fundación BBVA y a Fundación Santander, como mecenas principales.

NUEVAS PRODUCCIONES DEL TEATRO REAL

Por su proyección internacional, destacan dos nuevas e importantes coproducciones europeas que se estrenarán en el Teatro Real antes de presentarse en los demás teatros coproductores: Rusalka, de Antonin Dvořák (Ivor Bolton/Christof Loy), coproducida con los teatros de ópera de Dresde, Bolonia, Barcelona y Valencia; y Peter Grimes, de Benjamin Britten (Ivor Bolton/Deborah Warner), coproducción con la Royal Opera House de Londres, Ópera de París y Ópera de Roma.

La popular ópera romántica checa Rusalka se presentará por primera vez en el reinaugurado Teatro Real con dirección de escena de Christof Loy, artífice del gran triunfo de Capriccio, de Richard Strauss, la pasada temporada. Con la complicidad de Ivor Bolton, responsable de la dirección musical, Loy volverá a explorar un universo mítico y misterioso teñido de trágicas resonancias y poblado por ninfas, duendes, príncipes y princesas que entonan bellas melodías y a los que darán vida dos repartos encabezados por Asmik Grigorian y Olesya Golovneva, que estarán acompañadas por Karita Mattila y Alexandra Deshorties; Eric Cutler y David Butt Philip; Katarina Dalayman y Okka von der Damerau, Maxim Kuzmin-Karavaev y Steven Humes.

Peter Grimes volverá a reunir a Ivor Bolton (dirección musical), Deborah Warner (dirección escénica) y Michael Levine (escenografía), después del grandísimo éxito obtenido con la premiada producción de Billy Budd, también de Britten, en la que trabajaron juntos. Contarán nuevamente con un reparto coral encabezado por Allan Clayton, Maria Bengtsson y Christopher Purves, en esta obra maestra que habla del poder destructivo de una sociedad hipócrita e inclemente.

Otra importante coproducción internacional, Lessons in Love and Violence, de George Benjamin ─encargo conjunto y coproducción del Teatro Real con las Óperas de Londres, Ámsterdam, Hamburgo, Lyon, Chicago y Barcelona─ culminará la presentación en Madrid de las óperas de este genial compositor, después del enorme éxito de Written on Skin (2016) e Into the Little Hill (2019).

La ópera, creada como las anteriores en parcería con el dramaturgo Martin Crimp, parte del drama isabelino Edward II, de Christopher Marlowe, para adentrarse en el sórdido y tortuoso camino de ascenso al poder como una perversa espiral de la que nadie se salva, reflejada con agudeza en la puesta en escena de Katie Mitchell, muy elogiada por la crítica internacional en su estreno en la Royal Opera House de Londres hace dos años. Josep Pons, director musical del Gran Teatre del Liceu de Barcelona, dirigirá la ópera en ambos teatros. Entre los solistas destacan Stéphane Degout, Gyula Orendt y Georgia Jarman.

Dos estrenos mundiales de compositores españoles de distintas generaciones reafirman el compromiso del Teatro Real con la creación actual. Marie, de Germán Alonso, con libreto y dramaturgia de Lola Blasco, indaga sobre la lucha de una mujer por su libertad sexual partiendo del personaje de Woyzeck de Georg Büchner, presente en la ópera de Alban Berg. Se presentará en el Teatro de la Abadía, con puesta en escena de Rafael Villalobos y la participación de los cantantes Xavier Sabata, Jordi Domènech, Nicole Beller Carbone y Valentina Coladonato, que actuarán con el Ensemble Proyecto Ocnos bajo la dirección del compositor.

Tránsito, con música y libreto de Jesús Torres, es una incursión al universo de los exilados republicanos españoles después de la segunda guerra mundial, en un tiempo de dudas y decepciones evocadas en el desgarrador drama homónimo de Max Aub. La ópera se estrenará en Naves Matadero, con Lydia Vinyes-Curtis, Isaac Galán, María Miró, Javier Franco y José Manuel Sánchez; dirección de escena de Eduardo Vasco y dirección musical de Jordi Francés, al frente de la Orquesta Titular del Teatro Real.El Teatro Real estrenará una nueva producción de Norma, de Vincenzo Bellini, con dirección musical de Maurizio Benini y dos repartos de grandes voces en el que se alternarán en el rol titular Yolanda Auyanet y Hibla Gerzmava, secundadas por Clémentine Margaine y Annalisa Stroppa; Michael Spyres y John Osborn; y Roberto Tagliavini y Fernando Radó, en los papeles principales.

La dirección de escena será de Justin Way, quien, junto con el reputado escenógrafo Charles Edwards, ha concebido un montaje minimalista y de fuerte poder simbólico preparado para una fácil itinerancia. El Real pasará así a contar con una producción propia de esta ópera icónica del belcantismo romántico, con flexibilidad para ser adaptada a diferentes espacios, como el del Festival de Ljubljana, donde subirá a escena cinco meses después de su estreno en Madrid, en una gira del Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real.

 Viva la Mamma!, nueva producción del Teatro Real en coproducción con las Óperas de Lyon y Ginebra, es el nombre acuñado por el director de cine Helmut Käutner al dramma giocoso de Gaetano Donizetti Le Convenienze ed Inconvenienze Teatrali, que se estrenará en Madrid con una puesta en escena hilarante e ingeniosa firmada por Laurent Pelly y aclamada por público y crítica desde su estreno. En su satírico enredo, que desvela la trastienda de un ensayo de ópera donde desfila una galería de personajes caricaturescos, destaca el de la histriónica Mamma Agata, madre de la seconda-donna, cuyo disparatado papel Donizetti adjudicó a un barítono y que será interpretado en el Real por Carlos Álvarez y Luis Cansino, al frente de ambos repartos. Le acompañarán Sabina Puértolas, Borja Quiza, Gabriel Bermúdez, Sylvia Schwartz, Xabier Anduaga, Carol García y Enric Martínez-Castignani, bajo la dirección musical de Evelino Pidò.

PRODUCCIONES INVITADAS

Un ballo in maschera, de Giuseppe Verdi, inaugurará la temporada con una producción procedente del Teatro de la Fenice, en la que el director de escena Gianmaria Aliverta reivindica la ambientación estadounidense ideada por los libretistas de Verdi para sortear la censura.

Nicola Luisotti, principal director invitado del Teatro Real, dirigirá dos repartos de grandes voces verdianas, que se alternarán en los papeles protagonistas: Michael Fabiano, Ramón Vargas, Anna Pirozzi, Tatiana Serjan, Artur Rucinski, George Petean, Daniela Barcellona, María José Montiel, Elena Sancho Pereg e Isabella Gaudí.

Don Giovanni, de Wolfgang Amadeus Mozart traerá al Real la aclamada puesta en escena de Claus Guth, en la que Don Giovanni, asestado desde el inicio de la ópera por un golpe mortal, rememora, agonizante, los episodios de su vida disoluta en un ambiente tenebroso e inquietante.

Ivor Bolton, eximio director mozartiano, estará al frente de dos repartos con Christopher Maltman y Adrian Erod; Brenda Rae, Adela Zaharia y María José Moreno; Mauro Peter y Airam Hernández; Anett Fritsch y Federica Lombardi; Erwin Schrott y Marko Mimica; en los papeles protagonistas.

Con Siegfried proseguirá la tetralogía El anillo del nibelungo, de Richard Wagner, con dirección musical de Pablo Heras-Casado y la perturbadora y reivindicativa producción de Robert Carsen y Patrick Kinmonth protagonizada por un selecto reparto wagneriano: Andreas Schager, Andreas Conrad, Tomasz Konieczny, Martin Winkler, Ricarda Merbeth y Ronnita Miller, entre otros.

Tosca, de Giacomo Puccini, con Nicola Luisotti en la dirección musical, cerrará la temporada con una producción concebida por Paco Azorín, responsable de la dirección de escena y escenografía del drama pucciniano, que fluye de manera directa y eficaz, dejando espacio a la expresión de los personajes, que serán encarnados por tres repartos de estrellas y que traerán a Madrid a Sondra Radvanovsky, Maria Agresta, Anna Netrebko, Joseph Calleja, Michael Fabiano, Yusif Eyvazof, Jonas Kaufmann, Carlos Álvarez y Luca Salsi.

Para más información: www.teatroral.es

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PRÓXIMOS ESTRENOS DE THEATRO IL TRANCCE DI LAS BESTHIAS

La compañía Theatro iL Trancce di Las Besthias, encabezada por el actor y director Ronal Cruces Marquina, prepara para el 2021 el estreno de dos comedias generadas desde la cuarentena. “No hemos parado. No nos lo hemos permitido. Nos hemos reinventado desde los mismos preceptos con los que venimos trabajando año tras año: Compromiso, ilusión, y el amor por nuestra profesión”.

La compañía que en 2019 estrenó la obra ROMEO Y OTELO del consagrado dramaturgo Pedro Víllora,  dentro del marco del 42º Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, este año tras verse sorprendidos por la pandemia del Covid19, ha optado por no parar en su actividad artística, ni rendirse a los acontecimientos nefastos de esta pandemia. Y una muestra de ello, es que han generado dos proyectos desde el confinamiento y el estado de alarma, que ya tienen en sus manos las mejores salas de Madrid.

Cruces explica: “Somos un sector profesional con gran recorrido por crisis sociales, políticas, religiosas, económicas, y de todo. Somos un sector no solo de supervivientes, sino también de sobrevivientes. Nos rendimos difícilmente, y en ello está nuestra profunda vigencia en las sociedades de todas épocas, por los siglos de los siglos”

La compañía solicitó textos a varios dramaturgos emergentes, que estaban generando historias en clave de comedia desde el confinamiento, y ello ha dado sus resultados. Se han elegido dos textos cuyas historias hablan del confinamiento. Estas son: “VA DE METRO SATANÁS, HAY LUGARES PEORES QUE EL INFIERNO…LA LÍNEA 6” de Ozkar Galán, y “HAPPY CRACIA, UNA COMEDIA NEGRA ANTIVÍRICAde Celia Morán.

 

VA DE RETRO SATANÁS, HAY LUGARES PEORES QUE EL INFIERNO…LA LÍNEA 6; nos cuenta su autor el dramaturgo Ozkar Galán (Gernika, 1978) “Es una comedia con tintes surrealistas, que nos sumerge en una distópica reunión (en realidad no, pero siempre he querido usar el concepto distopía), en la que tres personas que nada tienen que ver entre ellas, se hallan de pronto, sin posibilidades de salir de uno de los andenes de la línea 6 del Metro de Madrid. Tres seres cuyas afinidades y creencias los distancian más que unen, se enfrentarán a una “convivencia” marcada por los prejuicios y el delirio. ¿Por qué la línea 6? Porque la línea 6 es circular, y su trayecto, una vez dentro, es infinito.”

 

HAPPY CRACIA, UNA COMEDIA NEGRA ANTIVÍRICA, nos cuenta su autora la dramaturga Celia Morán (Los Yébenes. 1990), “Es una comedia con grandes dosis de verdad, y cuya exagerada vigencia invita al espectador a observar, desde una mirilla, cada uno de los secretos que esconden los muros de una vivienda y sus personajes. Es una comedia canalla donde tres personas se ven obligadas a tomar su casa como trinchera, y descubren que las personas que acompañan ese confinamiento no son las que creían. Saltan por los aires secretos que nunca se habían atrevido a oír ni a decir. Lo que yo denomino como sincericidio

Es así, como la compañía Theatro iL Trancce di Las Besthias, nos muestra que los profesionales del sector de las Artes Escénicas no han parado, no se han distraído, y han resistido.

Más información: tranccedilasbesthias@yahoo.es 

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