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NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 15-6-2018

 

NOTICIAS TEATRALES
Elaboradas por Salvador Enríquez
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Cuando se publica esta edición es posible que algunas funciones de PRÓXIMAMENTE ya estén en cartel, pese a ello las dejamos en esta sección por mantener el enlace que, en ocasiones, hacen algunos sitios Web con dichas noticias.

Como no siempre se conocen la fechas exactas de permanencia en cartel de alguna funciones, en esta sección mantenemos las notas durante un tiempo prudencial y transcurrido éste se retiran para dejar espacio a otras que recibimos.

 

Índice de noticias en PRÓXIMAMENTE

(Para leer noticia, pulsa en el periódico de la izquierda)

Piaf, Voz y delirio, en el Teatro Infanta Isabel

Imanol Arias celebra su regreso a los escenarios con La vida a palos (Testamento) en los Teatros del Canal

LOS ÚLTIMOS PAGANOS, DE TEATRO GUIRIGAI, EN LA SALA LAGRADA

EL FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS DE LA COMUNIDAD DE MADRID EN ALCALÁ DE HENARES PRESENTA SU 18ª EDICIÓN

LA RONDA LLEGA A LOS TEATROS LUCHANA EL 27 DE MAYO

Carmen Machi, Bárbara Lennie y María Hervás cierran la temporada 2017-18 del Teatro Kamikaze

La Ternura, de Alfredo Sanzol, regresará a La Abadía en el mes de junio

Escenario Clece integra la programación de junio a noviembre de 2018 en los Teatros del Canal y en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial

José Luis Gil encarna a Cyrano de Bergerac en el TEATRO REINA VICTORIA

El Teatro Pradillo, en madrid, un espacio de representación ciudadana a través de los creadores

EL REENCUENTRO en el TEATRO MARAVILLAS

El Test en el TEATRO COFIDIS ALCÁZAR

BELLA Y BESTIA. EL MUSICAL  EN EL TEATRO MARAVILLAS (MADRID)

Espacio Guindalera’, un lugar de encuentro para espectadores y creadores, nace en el Barrio 44 de Madrid

Los Teatros del Canal inician una nueva etapa enfocada a la creación escénica contemporánea

 

Piaf, Voz y delirio, en el Teatro Infanta Isabel

‘PIAF, VOZ Y DELIRIO’ llega al Teatro Infanta Isabel de Madrid en junio de 2018 después de su exitoso paso por Caracas, Miami y Orlando. El espectáculo, que recorre la vida de Edith Piaf, aterriza el próximo 7 de junio en la capital de España. 

Escrito por el reconocido autor Leonardo Padrón e interpretado por Mariaca Semprún, una de las artistas más integrales y versátiles de habla hispana, quien encarna de forma brillante a una leyenda universal, Edith Piaf.

Este espectáculo se nutre del universo expresivo de la Piaf y su singular manera de cantar las melodías que llenaron desde los cabarets parisinos hasta los teatros más famosos del mundo. A través de un recorrido por sus canciones más emblemáticas conoceremos una vida marcada por la intensidad, el temperamento y la desgarradura.

Producido por  Clas, Ni tan Tarde y Mago Atelier, ‘Piaf, voz y delirio’ es un espectáculo cautivador y necesario para descifrar a una leyenda que nació en los suburbios, creció en la desventura, padeció el amor y la droga, la guerra y la enfermedad y terminó seduciendo a generaciones enteras de amantes de la música. Edith Piaf es única e irrepetible. Su historia es conmovedora y delirante. Su voz se convirtió en arte y legado para la memoria musical del mundo.

Funciones: Desde el 7 de junio hasta el 29 de julio 2018 – Horarios: Junio: miércoles, jueves, viernes, sábados 20:30h. Domingos: 19:00 h. y Julio: martes, miércoles, jueves, viernes y sábados: 20:30h.

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Imanol Arias celebra su regreso a los escenarios con La vida a palos (Testamento) en los Teatros del Canal

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan el estreno en la Comunidad de Madrid de La vida a palos (Testamento), un montaje teatral con el que Imanol Arias celebra su regreso a los escenarios después de 24 años. El texto de esta obra es de Pedro Atienza y Jose Manuel Mora y cuenta con la dirección escénica y coreografía de Carlota Ferrer. Esta obra se podrá ver en los Teatros del Canal del 4 al 22 de julio dentro de la programación de Escenario Clece.

La última vez que Imanol Arias se subió a un escenario fue en Buenos Aires donde protagonizó Calígula durante un año. Para el actor, “nadie se va del teatro ni vuelve a él. El teatro siempre está ahí. Hay ocasiones en las que puedes realizar un trabajo muy continuado y ocasiones en las que tienes que sustituirlo o aparcarlo. Te conviertes más en espectador que en perteneciente”.

Imanol protagonizará este montaje, cuyos textos le entregó el autor. “Esta obra es un legado, un testamento que me deja un autor, un amigo. He tardado mucho en comprenderlo y en buscarle una solución dramática para que fuera una pieza ese texto, pues no tenía una estructura dramática en sí. Sin tener ni idea de cómo afrontarlo, sí que tenía una enorme sensación de responsabilidad de cumplir lo que se me pidió que prometiera: hacerme cargo de ese texto y ese legado”.

Próxima gira:

Este montaje se presentará también en Bilbao: 28 de junio al 1 de julio, Teatro Campos Elíseos – Montevideo, Uruguay: 10 al 12 de agosto, Teatro Galón - Buenos Aires, Argentina: 16 al 18 de agosto, Teatro Coliseo - Rosario, Argentina: 23 al 26 de agosto, Auditorio Astengo - Córdoba, Argentina: 31 de agosto al 2 de septiembre Teatro Real - Santiago de Chile: 15 al 17 de septiembre – Barcelona: 5 al 7 de octubre y 11 al 14 de octubre Teatro Coliseum.

Jose Manuel Mora, quien ha hecho la dramaturgia a los textos de Atienza, comenta que “además de invitarnos a conocer el mundo del flamenco y sus diferentes palos, el potencial dramático de esta obra está en un tema universal -y fundamental cuando uno está a punto de entrar en la década de los cuarenta-: la relación padre-hijo; el reencuentro entre ambos; reconciliación y la asunción del testamento vital de nuestro progenitor. Como dice el escritor sudafricano J. M. Coetzee, la reconciliación sólo es posible a través del entendimiento profundo entre ellos, es decir, a través de la comprensión por parte del hijo de lo que desea ser el padre, para así poder ser él a su vez un buen padre. En el texto asistimos a un doble viaje vital:  por un lado, el viaje que  desde los años 80 del siglo pasado hasta nuestro presente realizó el autor Pedro Atienza por las diferentes geografías -vitales y paisajistas-  del mundo y que, finalmente, terminaron marcando su vida en una huida permanente de sí mismo y del dolor de vivir; y , por otro lado, del viaje que en el presente  realizará su hijo revisitando aquellas geografías que en su día habitó el padre con el fin de poder comprender el sentido último de su existencia”.

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LOS ÚLTIMOS PAGANOS, DE TEATRO GUIRIGAI, EN LA SALA LAGRADA

Teatro Guirigai, a punto de cumplir 40 años de trayectoria profesional (1979-2019) presenta su 55ª producción en el teatro Lagrada de Madrid del 8 al 10 y del 15 al 17 de junio: LOS ÚLTIMOS PAGANOS.

Adaptación teatral de la novela homónima de Luis Díaz Viana ganadora en 2010 del premio Ciudad de Salamanca, firmada por dramaturgo Agustín Iglesias y el propio autor de la novela.  Dirigida por Magda Gª-Arenal.

Reparto:  Antonio -  Agustín Iglesias y Vétula:  Asunción Sanz

 Los últimos paganos es una tragedia sobre  el enfrentamiento de dos culturas, de dos formas de entender la vida, sobre la fragilidad del ser humano y su necesidad de buscar el sentido de su existencia. Epílogo de una historia épica sobre la guerra y la destrucción, los vencedores y vencidos

Una tragedia mágica que trascurre en las imaginarias tierras de Nivaria, en la Hispania romana del siglo V. Territorio pagano en guerra contra los bárbaros y amenazado por las oleadas de la cristianización.

Durante la noche del funeral de Máximo, - propietario de una gran Villa- , Antonio, su fiel amigo, es introducido por Vétula en los antiguos ritos secretos para guiarle al encuentro con Máximo en el mundo de los muertos. Un encuentro que dará respuesta a sus incertidumbres y miedos.

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EL FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS DE LA COMUNIDAD DE MADRID EN ALCALÁ DE HENARES PRESENTA SU 18ª EDICIÓN

El festival de artes escénicas de la Comunidad de Madrid en Alcalá de Henares, ‘Clásicos en Alcalá’, ha presentado hoy su programación para la que será su decimoctava edición. El certamen, organizado por el Gobierno regional junto con el Ayuntamiento de la ciudad complutense, tendrá lugar en esta localidad del 14 de junio al 8 de julio bajo el lema Tempus fugit.

La directora general de Promoción Cultural, María Pardo, ha participado hoy [19 de mayo] en la presentación del festival durante un acto en el que ha estado acompañado por la concejal de Cultura y Universidad de Alcalá de Henares, María Aranguren, y por el director artístico del certamen, Carlos Aladro. Durante su intervención, Pardo ha incidido en que, un año más, el objetivo de ‘Clásicos en Alcalá’ es mantener e impulsar su identidad abriéndolo a nuevos públicos, nuevos lenguajes y nuevos creadores.

“En esta edición, queremos dar continuidad al proyecto de generar un festival de artes escénicas contemporáneas inspirado en el legado de los clásicos”, ha señalado la directora general. Además, Pardo ha destacado que conectando con la idea de unir presente y futuro, lo clásico y lo contemporáneo, surge el lema de este año Tempus fugit. Y es que, tal y como ha manifestado, “cada función de teatro, cada espectáculo es único e irrepetible. Viene, ocurre y desaparece”.

 UNA PROGRAMACIÓN ABIERTA E INTERNACIONAL

En esta 18ª edición, la ciudad complutense acogerá un total de 50 actividades, 34 compañías nacionales e internacionales y 34 espectáculos, entre los cuales habrá nueve estrenos absolutos, tres estrenos en España y cuatro estrenos en Madrid. Así, se configura el mapa de una programación amplia, en la búsqueda de llegar a todos los públicos y sensibilidades, que incluye no solo teatro sino danza, espectáculos de calle, música, performance y cine.

Un total de 34 compañías habitarán la ciudad de Alcalá de Henares, no sólo en sus emblemáticos teatros, como el Teatro Salón Cervantes y el Corral de Comedias, sino también fuera de los recintos teatrales, en las plazas y en las calles de la localidad, que este año celebra su 20º aniversario como Ciudad Patrimonio de la Humanidad.

Artistas ya consolidados -como Micomicón, Mario Gas, María Ruiz, Yayo Cáceres, Morboria, Teatro del Temple, Alfonso Zurro, Ana Zamora, Andrés Lima, Teatro Noh y Emilio Goyanes- convivirán con miradas nuevas -Teatroxtremo, Sleepwalk Collective, Carlos Tuñón, Teatro en Vilo y Vladimir Tzkov- en un diálogo de forma y fondo entre presente y futuro, legado y contemporaneidad.

Muestra de esta voluntad caleidoscópica es también el proyecto Vivero Clásico, en el que concurren tres compañías radicadas en la Comunidad de Madrid que pondrán en común sus procesos de creación estableciendo un diálogo e intercambio con el público. Una programación para todo tipo de públicos y sensibilidades que se ha diseñado, además, atendiendo a criterios como la perspectiva de género, la accesibilidad y la inclusión.

Toda la información sobre el festival de artes escénicas de la Comunidad de Madrid en Alcalá de Henares, ‘Clásicos en Alcalá’ y su programación en www.madrid.org  y www.clasicosenalcala.net

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LA RONDA LLEGA A LOS TEATROS LUCHANA EL 27 DE MAYO

LA RONDA, la nueva obra de teatro que dirige Jaime Chavarri, se representará en los Teatros Luchana.

Diez personajes, diez escenas o cuadros que, como en la modalidad de la salsa cubana “la ronda” entran y salen de la historia. Siete actores que interpretan a dichos personajes. Un director, Jaime Chávarri que dirige y adapta libremente y sin censuras esta versión de la obra homónima de Arthur Schnitzler, que verá la luz por primera vez en los Teatros Luchana a partir del 27 de mayo y hasta el 24 de junio.

En ‘La Ronda’ todos los encuentros entre los personajes pasan por un momento sexual, más o menos buscado o aceptado y, aunque el tema principal es el deseo y cómo satisfacerlo, los personaes transitan y evolucionan mucho más allá de ello. ‘La Ronda’ es un peculiar estudio sobre la ideología moral del ser humano que se manifiesta en su totalidad en el plano sexual y transgrede todas las normas sociales y morales.

En esta adaptación al igual que en la obra original, los personajes son de todos los estratos sociales y condiciones sexuales para poner en escena su propia ‘sala de espejos’. Que el espectador pueda verse identificado o identificar situaciones es un ítem importante-aunque no necesariamente fundamental- para considerar que nos encontramos ante una creación que va más allá de lo artístico.

También se han incorporado elementos de plena actualidad y una pizca de utopía política intentando respetar siempre el sentido del humor y la ferocidad de la crítica original.

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Carmen Machi, Bárbara Lennie y María Hervás cierran la temporada 2017-18 del Teatro Kamikaze

Tras los estrenos de lo nuevo de Miguel del Arco (Ilusiones) y Alfredo Sanzol (La valentía), para despedir la temporada 2017-18 en la que El Pavón Teatro Kamikaze ha recibido el Premio Nacional de Teatro, regresarán algunos de los montajes de Kamikaze y Buxman más celebrados por público y crítica en la corta trayectoria del Teatro Kamikaze. Fieles a nuestro espíritu de teatro de repertorio y las nuevas dramaturgias, entre junio y julio de 2018 pasarán por los escenarios de La Sala y el Ambigú nombres como María Hervás, que vuelve por partida doble con Las crónicas de Peter Sanchidrián (6 – 28 junio) e Iphigenia en Vallecas (a partir del 22 de junio); Bárbara Lennie y Francesco Carril, que lideran el reparto de El tratamiento (19 junio – 1 julio) en su regreso tras agotar localidades esta temporada; y Carmen Machi que retoma su célebre papel de Helena de Troya con Juicio a una zorra (19 – 29 julio) de Miguel del Arco.

 

LAS CRÓNICAS DE PETER SANCHIDRIÁN de Jose Padilla (6 – 28 junio)

Ciencia ficción, pop y comedia se entrelazan en Las crónicas de Peter Sanchidrián. La obra con la que Jose Padilla –Premio Ojo Crítico RNE y premio Almagro Off– homenajea al imaginario freak y la serie B de los 80 vuelve al Ambigú del 6 al 28 de junio protagonizada por María Hervás, Laura Galán, Antonia Paso, José Juan Rodríguez, Cristóbal Suárez, Ana Varela y Juan Vinuesa. Una comedia apocalíptica sobre viajes interestelares, superhéroes enamorados, ciencia loca y packs de escapadas a hoteles con encanto.

 

EL TRATAMIENTO de Pablo Remón (19 junio – 1 julio)

 «La vida es un momentito…», se dice en esta comedia agridulce que parodia el caótico mundo del cine y donde se ha curtido su autor y director, Pablo Remón, guionista de, entre otras películas, No sé decir adiós. En El tratamiento un guionista trata de sacar adelante su primer largometraje, aunque por el camino se cruce con infinidad de personajes que le harán replantearse su oficio e incluso su vida. Después de agotar entradas en abril, esta obra protagonizada por Ana Alonso, Francesco Carril, Bárbara Lennie, Francisco Reyes y Emilio Tomé vuelve en 12 únicas funciones, del 19 de junio al 1 de julio.

 

IPHIGENIA EN VALLECAS de Gary Owen. Versión y adaptación de María Hervás. Dirigido por Antonio C. Guijosa (Desde el 22 junio)

Tras agotar todas las localidades en sus dos primeras exhibiciones, Iphigenia en Vallecas regresa al Teatro Kamikaze con una novedad: pasa del Ambigú a La Sala, pero con aforo reducido. El montaje de Gary Owen por el que María Hervás ha ganado el Premio de la Unión de Actores a Mejor Actriz protagonista de teatro y por el que está nominada al Premio Valle-Inclán podrá verse a partir del 22 de junio.

 

JUICIO A UNA ZORRA de Miguel del Arco. Con Carmen Machi (19 – 29 julio)

Carmen Machi se alzó con el Premio Valle-Inclán y el Premio Ercilla en 2012 por su interpretación en Juicio a una zorra, el desgarrador e intenso monólogo con el que Miguel del Arco reescribe la historia de Helena de Troya y que regresa al Teatro Kamikaze en ocho únicas funciones, del 19 al 29 de julio.

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La Ternura, de Alfredo Sanzol, regresará a La Abadía en el mes de junio

La pasada temporada el Teatro de la Ciudad estrenaba en La Abadía su ciclo sobre comedia, haciendo una reflexión sobre el humor y sus mecanismos. Alfredo Sanzol escribía y dirigía La Ternura, una ingeniosa comedia romántica llena de referencias shakesperianas. El rotundo y unánime éxito cosechado desde el estreno, con el apoyo indiscutible de la crítica y el público, que agotó las entradas en apenas dos semanas, ha motivado el regreso, muy esperado, de La Ternura a La Abadía, tras una larga gira por España, sumando ya más de 18.000 espectadores.

Esta producción de Teatro de La Ciudad y Teatro de La Abadía podrá verse, en esta ocasión en la Sala Juan de la Cruz, del 7 de junio al 8 de julio de 2018.

Alfredo Sanzol (Premio Max y Premio Nacional de Literatura Dramática al mejor autor por su proyecto anterior con La Abadía, La Respiración) deseaba con La Ternura trasladar la imposibilidad de protegernos contra el daño que produce el amor. Si queremos amar nos tenemos que arriesgar a sufrir. Tampoco los padres pueden proteger a los hijos del desconsuelo, porque eso pone en peligro la vivencia de una vida plena. Para Sanzol el espectáculo se llama La Ternuraporque habla de la fuerza y de la valentía para amar. La ternura es la manera en la que el amor se expresa. Sin ternura el amor no se ve. La ternura son las caricias, la escucha, los pequeños gestos, las sonrisas, los besos, la espera, el respeto, la delicadeza. Una sociedad sin ternura es una sociedad en guerra”.

 La Ternura cuenta la historia de una reina algo maga y sus dos hijas princesas que viajan en la Armada Invencible obligadas por Felipe II a casarse en matrimonios de conveniencia con nobles ingleses una vez que se lograse con éxito la invasión de Inglaterra. La Reina Esmeralda odia a los hombres porque siempre han condicionado su vida y le han mermado su libertad, así que no está dispuesta a que sus hijas tenga el mismo destino que ella. Cuando la Armada pasa cerca de una isla que la reina considera desierta crea una tempestad que hunde el barco en el que viajan. Su plan es quedarse a vivir en esa isla con sus hijas para no volver a ver un hombre en su vida. El problema es que eligen una isla en la que desde hace veinte años vive un  leñador con sus dos hijos, que huyeron allí para no volver a ver una mujer en su vida. En cuanto la reina y las dos princesas descubren que no están solas se disfrazan de hombres para protegerse. Y aquí comienzan las aventuras, los líos, los enamoramientos, y las confusiones.

 En La Ternura se ve la influencia sobre todo de La Tempestad, y de Noche de Reyes, pero  también de Como gustéis, de Mucho ruido y pocas nueces y del Sueño de una noche de verano. El juego, el engaño, los cambios de identidad, la confusión de personalidades, los espacios como elementos mágicos, los bosques, las islas… todo ello forma parte del imaginario shakesperiano interiorizado por Sanzol: “Quiero que La Ternura sea una comedia romántica con islas desiertas, naufragios monumentales, reyes frágiles, y reinas soñadoras, leñadores miedosos y pastoras tempestuosas, seres mágicos, situaciones imposibles, amores posibles, cambios de identidad, pasiones desatadas, odios irracionales, deseos incendiarios, giros sorprendentes, fantasmas borrachos, apariciones, desapariciones, encuentros, desencuentros y un deseo que une a todos: el deseo de encontrar La Ternura como sea, donde sea, con quien sea”.

 Una vez más el director se rodea de su equipo de confianza, no solo en el reparto (Paco Déniz, Elena González, Natalia Hernández, Javier Lara, Juan Antonio Lumbreras y Eva Trancón) sino también en la escenografía y vestuario, a cargo de Alejandro Andújar, la iluminación de Pedro Yagüe y la música de Fernando Velázquez.

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Escenario Clece integra la programación de junio a noviembre de 2018 en los Teatros del Canal y en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial

Escenario Clece, en su programación de los Teatros del Canal de junio a noviembre y del Festival de Verano en el Teatro Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, presenta un total de 44 citas de teatro, danza y música. Un retrato del espíritu creativo de Europa, del lejano Oriente y de América: Lo espiritual y lo físico, lo clásico y lo contemporáneo, y la risa y el llanto sobrevolarán el patio de butacas. Escenarios en los que cobrarán vida el teatro clásico europeo de Shakespeare y el teatro clásico más icónico del hemisferio opuesto, el Kabuki japonés; la música con sabor norteamericano (el latin jazz) y la música tradicional india; las composiciones contemporáneas de nuestro país o los tambores sagrados japoneses; la danza clásica europea interpretada desde México o Uruguay y la danza neoclásica de creación española.

Teatro clásico, nuevas producciones y exitosas propuestas

La programación correspondiente a Escenario Clece en los Teatros del Canal se inicia el 19 de junio con la compañía Shakespeare´s Globe Theatre, que propondrán a los espectadores tres obras, El mercader de Venecia, La fierecilla domada o Noche de Reyes, y ellos tendrán la última palabra.

Desde Oriente llega por cuatro únicos días (del 27 de junio al 1 de julio) la Compañía Heisei Nakamuraza, los mejores representantes de Kabuki, el teatro tradicional japonés. En Fuji Musume / Rejinshi narran la leyenda del león de melena roja, quien tira a sus hijos al fondo de un valle y solo cuidará al que consiga subir. También desde Japón para finales de octubre (del 23 al 28) el público podrá disfrutar de la percusión japonesa de manos de la compañía Ha-Ya-To. Ambos espectáculos están incluidos en el programa de actos conmemorativos del 150 aniversario de las relaciones diplomáticas España-Japón. Y también desde el Extremo Oriente un espectáculo de danzas y artes marciales con Shaolin Warriors. Este espectáculo, que estará del 16 al 21 de octubre, ha fusionado brillantemente el Kung Fu con la cultura Zen.

En cuanto a estrenos teatrales Imanol Arias se pone bajo las órdenes de Carlota Ferrer en La vida a palos. Testamento. Después de 24 años fuera de los escenarios, vuelve con este texto de Pedro Atienza y Jose Manuel Mora que repasa, a través de los palos del flamenco, la relación paterno filial. Este espectáculo, después de su estreno en Bilbao, estará del 5 al 22 de julio. Por su parte la compañía L´Om Imprebís presenta una comedia policíaca del americano Paul Pörtner, Por los pelos, donde el público decide quién es el asesino. Cada día un final diferente para una obra que ya ha entrado en el Libro Guinness de los Récords. Del 23 de agosto al 23 de septiembre el público asistirá a otra comedia, en este caso musical: Lehman Trilogy, con dirección de Sergio Peris-Mencheta. Seis músicos-actores narran la historia del tres generaciones de la familia Lehman, desde su ascenso hasta su caída.

Y para terminar con los estrenos, dos montajes teatrales de altura: Miguel Rellán, Eloy Azorín y Manuela Velasco se pondrán a las órdenes de Daniel Veronese en 7 años (del 3 de octubre al 4 de noviembre), un montaje en el que varios compañeros de trabajo tienen que decidir quién asume las culpas de un delito fiscal.  Por último, en octubre Víctor Conde dirige Venus, un texto propio que habla de las cosas que no se dicen, de las decisiones que no se toman y de las consecuencias.

Para esta temporada también se repondrán algunos de los éxitos de la temporada anterior como es el caso de El sermón del bufón, de Albert Boadella  (del 12 al 15 y del 19 al 22 de septiembre), el juego interactivo Escape Show (que estará en varias ocasiones entre septiembre y octubre) y La omisión de la familia Coleman, de Tolcachir (del 30 de octubre al 4 de noviembre). Y llegado de una exitosa gira que recaló el año pasado en el Teatro Auditorio San Lorenzo de El Escorial, la compañía Mummenschanz, los músicos del silencio, con You & Me, un espectáculo de teatro visual que estará en tres únicas funciones los días 12, 13 y 14 de octubre.

Para cerrar el género teatral y con fechas aún por confirmar, la compañía Parlon Film Company & Cup of Theatre presentará un espectáculo para jóvenes en inglés nativo, 2Night, que gira en torno a la educación sexual para adolescentes.

Más información: www.teatroscanal.com  y www.teatroauditorioescorial.es

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José Luis Gil encarna a Cyrano de Bergerac en el TEATRO REINA VICTORIA

"CYRANO DE BEGERAC", estará en el Teatro Reina Victoria de Madrid desde el 15 de marzo de 2018. El entrañable personaje de Edmond Rostand lo encarna José Luis Gil que estará acompañado en el escenario por Ana Ruiz, Álex Gadea, Rocío Calvo, Carlos Heredia, Ricardo Joven y Nacho Rubio. La dirección corre a cargo de Alberto Castrillo-Ferrer.

Cyrano es un brillante poeta y un hábil espadachín que expresa su amor por la bella Roxane a través de Christian, el apuesto soldado a quien ella ama. Cyrano es jactancioso y fanfarrón, de genio vivo pero a la vez ingenioso e irónico, noble y orgulloso. Pero esconde una herida secreta que le atormenta: su agudo sentido del ridículo, su fealdad y su susceptibilidad le han impedido ser amado por Roxane. Sin embargo, ya que su amada ama a otro, él ayudará a su rival escribiendo en su nombre apasionadas cartas de amor. 

Este drama heroico se estrenaba el 28 de diciembre de 1897 en pleno corazón del París Teatral. Contaba la vida de un soldado gascón, lunático y poeta, conocido por su enorme protuberancia nasal pero también por su bella poesía, por su facilidad de verso y por su afán por los duelos y las peleas.

La obra, escrita por el joven y osado poeta Edmond Rostand conoció un éxito sin precedentes que se extiende hasta nuestros días y se convertiría en un símbolo del teatro francés y universal, en un nuevo Quijote dramatúrgico representado por el mundo entero. Una muestra del poder de la palabra tanto en la vida como en la escena. Cyrano es la fuerza de su verso, su descaro y sutileza, un verso susurrado o lanzado como un dardo, un verso ágil y profundo, popular y erudito, descarado y vital. Cyrano de Bergerac lo tiene todo: aventura, pasión, tensión, humor, belleza, amor y desamor. Es un clásico entre los clásicos y un moderno entre los modernos.

Funciones: de martes a sábado a las 20.00h y los domingos a las 19.00h.

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El Teatro Pradillo, en madrid, un espacio de representación ciudadana a través de los creadores

El pasado 24 de enero tuvo lugar la presentación a medios de las nuevas líneas de trabajo, modelo de gestión y programación prevista durante la presente temporada en el Teatro Pradillo. Una presentación a cargo del actual equipo gestor, compuesto por: Carlos A. Alonso, Violeta Frión, Alberto García, Miguel González y Miren Muñoz. Y los comisarios: Itxaso Corral, Diana Delgado-Ureña & Jaime Vallaure.

MODELO DE GESTIÓN

El Teatro Pradillo es un lugar habitado de memoria y ocupa un lugar sustancial en el imaginario de todas las personas dedicadas al ámbito de la creación emanada, circundada o derivada de la escena, en sus distintas vertientes, a nivel local, autonómico, estatal e incluso internacional.

Desde su fundación en 1990 ha desempeñado distintas funciones estético sociales según las directrices que han marcado cada uno de sus responsables, pero, sin lugar a dudas, puede decirse que en Madrid, ni la creación multidisciplinar escénica actual, ni la danza contemporánea, ni el teatro de objetos y/o para todos los públicos, serían lo que hoy son, si el Teatro Pradillo no hubiese existido.

A lo largo de su basta historia, el ha tenido varias etapas administrativas y, desde abril de 2017, un nuevo Equipo Pradillo se ocupa de su gestión con el reto, nada desdeñable, de consolidarlo como la 'institución' que hoy por hoy representa.

"No podemos afrontar la gestión y la política cultural como antes de la crisis" ha apuntado Alberto García, uno de los miembros del Equipo Pradillo. "Queremos ofrecer un servicio que los ciudadanos merecen representado a través de los creadores. Abrir las puertas al barrio, crear espacios de pensamiento, reflexión, investigación y formación". "Dar su sitio al creador y compartirlo con el público es prioritario".

CRITERIOS DE SELECCIÓN DE CREADORES

En esta nueva etapa el equipo directivo ha encargado la curaduría de la temporada a Diana Delgado-Ureña y Jaime Vallaure y a Itxaso Corral, artista residente en Barcelona, con la intención de incluir criterios, experiencias y modos de hacer de artistas que trabajan en contextos fuera de la ciudad de Madrid.

La comisaria Diana Delgado ha explicado que dentro de los criterios para seleccionar a los creadores y creadoras está el que estén en activo, artistas de Madrid y de fuera de ésta ciudad, así como de otros países, bien sean emergentes o que cuenten con una amplia trayectoria. Dar entrada a creadores, universos poéticos y simbólicos que antes ocupaban un espacio de visibilidad marginal. "Como equipo curatorial sabemos que las condiciones de trabajo de los y las artistas, sean de las artes vivas o de las que no, siguen siendo precarias. Somos muchas las personas que alrededor de la creación trabajamos para que existan más espacios de pensamiento y expresión, y lo hacemos normalmente desde la precariedad, con escasos recursos y nula posibilidad de integrarnos en una estructura económica y profesional que nos permita vivir de nuestro trabajo". "No hay espacios para trabajar así que ofrecemos un tiempo de trabajo para el creador que finalizará con un tiempo para compartir con el público".

El Teatro Pradillo ofrece a los creadores unas condiciones de trabajo como son: el uso de la sala durante una semana, acompañamiento técnico y de producción básico, una cantidad destinada a honorarios, dos días de exhibición abierta al público y el 70% de la taquilla.

Para ver la programación completa: https://www.teatropradillo.com/programacion/

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EL REENCUENTRO en el TEATRO MARAVILLAS

El próximo 14 de febrero de 2018 se estrenará en el Teatro Maravillas la función "EL REENCUENTRO". Amparo Larrañaga y María Pujalte juntas de nuevo sobre el escenario en esta ocasión bajo las órdenes de Gabriel de Olivares, que dirige este texto de Ramón Paso.

 Una comedia de humor irónico y demoledor, una historia de amor fraternal en la que los dos personajes se amarán y odiarán simultáneamente hasta descubrir que están más unidas de lo que creen.

 Sinopsis:

La familia sirve para los buenos momentos, para los regulares, para los malos, y para hacerle todo aquello que nunca le harías a un desconocido, por miedo a las consecuencias. El reencuentro es la historia de dos hermanas completamente diferentes. Una de ellas, una triunfadora, virtuosa del violín y que considera las relaciones sociales el divertimento de los que no tienen nada mejor que hacer; y la otra, una pobre perdedora llena de paciencia y de carencias afectivas. Ahora, después de veinte años enfadadas se vuelven a ver las caras en un duelo divertido y gamberro, donde tendrán que superar su pasado para poder tener un futuro. ¿Es mejor quererse o matarse? ¿O una mezcla?

 "El reencuentro" podrá verse desde el 14 de febrero de 2018 en el Teatro Maravillas los miércoles y jueves a las 20:30h; los viernes y sábados a las 19.00h y 21.00h; y los domingos a las 19.00h. Las entradas pueden adquirirse desde 16 euros en taquillas del teatro y puntos habituales.

Más información en www.teatromaravillas.com

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 El Test en el TEATRO COFIDIS ALCÁZAR

El 29 de noviembre vuelve al Teatro Cofidis Alcázar (Alcalá, 20 – Madrid) la obra teatral EL TEST". Alberto Castrillo-Ferrer dirige a Luis Merlo, Antonio Molero, Maru Valdivielso e Itziar Atienza en la aclamada ópera prima de Jordi Vallejo distinguida con el Premio Fray Luis de León.

Tras una temporada de llenos continuos en Madrid y una gira en la que ha llenado teatros por toda España, El Test regresa a Madrid avalada por un éxito de público y crítica.

Sinopsis:

¿Qué prefieres? ¿Cien mil euros ahora mismo o un millón dentro de diez años? Así de simple, así de difícil. ¿Se imaginan la crisis que puede ocasionar la respuesta en una pareja? Ese es el dilema al que se enfrentan Héctor y Paula –un matrimonio con problemas económicos- cuando Toni, un buen amigo de la pareja, les plantea la opción. Se trata de un test de personalidad elaborado por Berta, su actual compañera, una psicóloga exitosa y mediática. La decisión que debe tomar nuestro matrimonio parece sencilla: conformarse con una pequeña fortuna al instante o esperar diez interminables años para multiplicarla. Lo que empieza siendo un supuesto teórico, un simple test de personalidad, irá poco a poco despojando la personalidad y los secretos mejor guardados de nuestros personajes, les obligará a poner precio a sus principios y, finalmente, empujará a los cuatro a a tomar una decisión que cambiará sus vidas. Quién sabe si para siempre…

Funciones: Desde el 29 de noviembre, de miércoles a viernes a las 20.30h, sábados a las 19.00h y 21.00h y domingos a las 19.00h

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BELLA Y BESTIA. EL MUSICAL  EN EL TEATRO MARAVILLAS (MADRID)

Desde el 12 de octubre se representa en el Teatro Maravillas la obra BELLA Y BESTIA. EL MUSICAL”. Un nuevo espectáculo familiar de Mundi Artistas, bajo la dirección y con el guion de Javier de Pascual, música original de Ramiro Obedman, coreografía de Pascu Ortí y la dirección artística de David Mínguez. Un gran elenco con una decena de actores y bailarines darán vida a la historia de siempre pero contada y cantada desde el amor y el humor. El reparto está compuesto por con Andrea Rodríguez como Bella, Zalo Calero como Bestia, Gastón interpretado por Antonio Garde, Ramses Vollbrech como Mayordomo, cocinera Laura Castrillón, el padre de Bella será Alejando Pantani y Macarena e Isabel López como pueblo.

Producido e ideado por Vicente Pascual, mente detrás de “El Mago de Oz: El Musical” y “Alicia en el País de las Maravillas”, llega la historia de amor más grande del universo. Una versión del clásico con canciones, humor y un toque moderno para toda la familia, con temas que abarcan el soul, el pop, el rock… entre otros.

Una joven soñadora y romántica llamada Bella vive en una pequeña aldea junto a su padre, un inventor de artilugios, al que algunos consideran un anciano demente. Un día, su padre es capturado en un viejo castillo por una horrible bestia. Para rescatar a su padre Bella se intercambiará con él y poco a poco irá pasando de prisionera a compañera para acabar en una preciosa relación que no todos verán con buenos ojos pero que será la única salvación para la bestia.

Teatro Maravillas (Calle de Manuela Malasaña, 6, Madrid

Funciones: Desde el 12 de octubre, todos los domingos a las 12.30h y 16.30h

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Espacio Guindalera’, un lugar de encuentro para espectadores y creadores, nace en el Barrio 44 de Madrid

La Asociación Cultural Escena Abierta ha decidido mantener vivo el proyecto que dio origen al Teatro Guindalera, aunque reconvertido en Centro de Creación. El objetivo es potenciar la participación de esa gran familia de espectadores y creadores ASOCIADOS a GUINDALERA desde hace años.

Nace por ello el “Espacio Guindalera”, un lugar de encuentro, trabajo y reflexión entre público y artistas, que se abre a varias disciplinas artísticas (música, fotografía, poesía...).

Pero el teatro seguirá siendo la esencia y alma del proyecto, que la próxima temporada celebrará sus 15 años de vida. El eslogan Un gusto teatral se transforma en Degustación artística.

Más información: info@teatroguindalera.com 

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Los Teatros del Canal inician una nueva etapa enfocada a la creación escénica contemporánea

Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan su temporada 17/18  con la que se da inicio un nuevo proyecto bajo la codirección artística de Natalia Álvarez Simó y Àlex Rigola.  Grandes nombres de la escena nacional e internacional, creación contemporánea y una programación estable de danza marcan la dirección de una programación de alta calidad que apuesta por los artistas y compañías. Diversidad, transversalidad en géneros, espacios y público y nuevos lenguajes caracterizan una programación con 61 espectáculos, 34 conciertos y gran número de actividades para todos los públicos.

 Movimiento, libertad y riesgo son tres palabras que definen la voluntad de la nueva dirección para esta nueva etapa. Movimiento en cuanto a una forma de entender las artes escénicas en continua evolución sin desatender la herencia recibida; libertad para la creación y la seleccion de propuestas de gran diversidad, activa y transversal; y riesgo en la apertura a las nuevas formas y lenguajes que fomenten la curiosidad del público y una participación intelectual y emocional. La nueva dirección busca apoyar a los artistas y compañías en sus nuevas creaciones, poniendo el acento en las singularidades nacionales e internacionales y cuidando de las compañías y los creadores que están más cerca.

 Esta visión de lo público se complementará con el apoyo a la creación coreográfica a través del Centro Danza Canal, espacio que refuerza su programa de residencias y lo complementa con una programación ininterrumpida de actividades dirigidas a profesionales y público general.  A ello se suman los programas de teatro accesible, un ciclo anual de conciertos con la Joven Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid y la habitual programación para escolares.

Por primera vez en Madrid, el creador Jan Fabre y su compañía Troubleyn presentan Mount Olympus. To Glorify the Cult of Tragedy, una performance de 24 horas de duración, inspirada en la cara más oscura de la tragedia griega (Antígona, Prometeo, Edipo, Electra). Fabre explora los límites de lo que se puede decir y mostrar en escena.

 Alain Platel y Les Ballets C de la B homenajean a la coreógrafa Pina Bausch con Out of Context / For Pina, donde Platel coreografía un lenguaje del movimiento conectado al inconsciente que lleva al espectador al territorio de la infancia, es decir, a una prehistoria del movimiento.

 En The Blind Poet, Jan Lauwers ha rastreado en el árbol genealógico de cada uno de los intérpretes (siete nacionalidades, lenguas y culturas). Les entrega así el escenario para que cuenten la historia de Europa desde otros puntos de vista, lejos de las versiones de los vencedores.

 Philippe Quesne presenta La Mélancolie des dragons. Un coche lleno de heavys se ha quedado apresado en la nieve. Los heavys se parecen a los enanitos del famoso cuento, pues se encuentran con su particular Blancanieves y abren para ella un parque temático minimalista.

 La compañía Peeping Tom recala en Madrid con Moeder (Madre), la segunda entrega de la trilogía sobre una familia que comenzó con Vader (Padre) en 2014 y terminará con Kinderen (Hijos). El luto por la madre es el punto de partida para hablar de  la ausencia, las carencias y las ansiedades, sin renunciar al humor mordaz.

 Thomas Ostermeier y la Schaubühne Berlin presentan Die Ehe der Maria Braun, donde cinco actores interpretan los 27 personajes de la obra de Fassbinder, transformándose constantemente por medio de pelucas y disfraces. María Braun ha creído perder a su marido en la guerra y comienza a convivir con otro hombre. El drama se precipita cuando al que daba por muerto regresa.

 Por último Fragan Gehlker, Alexis Auffray y Maroussia Diaz Verbèke presentan Le Vide – essai de cirque, inspirado en el mito de Sísifo. En escena solo hay nueve cuerdas lisas en suspensión vertical. Solo hay una cosa que hacer, subir; solo hay una cosa que hacer, bajar. Y así una y otra vez como si de un ensayo interminable se tratara.

 Creación contemporánea

En el campo de la creación contemporánea, Teatros del Canal será coproductor en muchos de los espectáculos que acogerá a lo largo de la temporada, como es el caso de La tristeza de los ogros, de Fabrice Murgia. En este montaje, a partir de las historias de Bastian Bosse, el alemán de 18 años que disparó a cinco compañeros de instituto y luego se suicidó, y de la austríaca Natascha Kampusch, que estuvo secuestrada durante 10 años, Murgia trata la pérdida de la infancia, el desarraigo y los contornos de la metamorfosis adolescente.

Enric Montefuso (ex líder del grupo Standstill) y Buena Suerte presentan una pieza de teatro musical, Tata Mala, donde una actriz cuenta su historia al público, dialogando con los fantasmas de su infancia en sintonía con el coro griego de la tragedia clásica a través de canciones populares que se repiten como mantras. Sin artificios ni escenografía, esta obra vincula la curación espiritual con el teatro.

Birdie, de la Agrupación Señor Serrano, es un espectáculo con objetos, vídeo en directo, maquetas, 2.000 animales en miniatura, guerras, traficantes de personas, una migración masiva, imágenes revisitadas de Los pájaros de Hitchcock y tres performers manejando este mundo embrollado con humor, sentido crítico y compromiso con el ser humano.

 Mammón, de Nao Albet y Marcel Borrás, es una road movie teatral con personajes que parecen salir de El Gran Lebowski, de los hermanos Coen, y de Miedo y asco en Las Vegas, de Terry Gilliam.

La Tristura recalará en dos ocasiones en los Teatros del Canal: la primera, con Future Lovers (coproducción de los Teatros del Canal), donde plantea al espectador si las nuevas tecnologías han modificado los códigos afectivos entre los jóvenes; el otro montaje de La Tristura será Cine, que se pudo ver la temporada pasada dentro del Festival de Otoño a Primavera.

 Pablo Remón y La_Abducción presentan Los mariachis (coproducción de los Teatros del Canal), una obra claustrofóbica y divertida, con banqueros arrepentidos, asesinos a sueldo y mariachis, que en la jerga financiera son los testaferros necesarios para montar una SICAV.

Angélica Liddell regresa a los escenarios españoles para presentar su Trilogía del Infinito. Tres piezas que se exhibirán en días consecutivos, empezando por Esta breve tragedia de la carne, obra inspirada en la poeta Emily Dickinson. La segunda parte es ¿Qué haré yo con esta espada?, obra que se articula en torno al crimen caníbal cometido por el escritor Issei Sagawa y la masacre de la Sala Bataclan. Cierra la trilogía Génesis 6, 6-7, extraído del universo poético del Antiguo Testamento y de la energía mítica de Medea; esta Génesis se pone de acuerdo con la ira de Dios para devolver el mundo a las tinieblas.  

Pensada como un libro abierto, La posibilidad que desaparece frente al paisaje, de El Conde de Torrefiel, desdibuja la cartografía del comportamiento y desplaza las prácticas humanas a un estado casi embrional. Un mapa que esconde el territorio salvaje del pensamiento, amenazado por la perversión, el miedo y la debilidad de las leyes morales.

Rodrigo García pisa de nuevo estos escenarios con Evel Knievel contra Macbeth na terra do finado Humberto (coproducción de los Teatros del Canal), donde el público verá la epopeya que transcurre en escasos 150 metros. La distancia que separa el puesto de acarajé da Dinha del puesto de acarajé da Cira en el barrio de Río Vermelho, en Salvador de Bahía.

La Veronal, con Marcos Morau al frente, propone Pasionaria (coproducción de los Teatros del Canal), una pieza que quiere colocarse en el punto de partida de la pasión entendida como obsesión, como enfermedad que cura. Para ello recurre a la música de Bach y al método de la descontextualización.

Más información: http://www.teatroscanal.com 

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